Teatro Greco di Siracusa

Inda nel Teatro Greco di Siracusa

14 giugno 2026

L’Iliade di Peparini: conflitto, passione e amore

Dopo il successo di Alcesti, Antigone e I Persiani, l’Iliade di Giuliano Peparini, che firma regia e coreografie, arricchisce la felice 61ª stagione del Teatro Greco di Siracusa, promossa dalla Fondazione INDA.

Non si tratta di una novità assoluta, bensì di un ritorno molto atteso dopo il grande consenso ottenuto lo scorso anno dallo spettacolo, impreziosito dalle musiche di Beppe Vessicchio.

La produzione fonde parola, musica, danza e poesia, ispirandosi al poema omerico attraverso la selezione e la traduzione dei versi curate da Francesco Morosi.

In scena, Vinicio Marchioni e Giuseppe Sartori guidano un cast composto da attori e performer professionisti, affiancati da Alessio Boni e dagli allievi dell’Accademia INDA e della Peparini Academy.

L’Iliade di Peparini non si limita a raccontare una guerra. Come lo stesso regista e coreografo ha sottolineato, l’intento è quello di andare oltre il conflitto per esplorare i sentimenti, le fragilità e l’umanità dei protagonisti ponendo al centro temi come l’amore, l’empatia e la denuncia sociale.

La sua rilettura del poema si distingue per una scelta scenica originale e suggestiva: l’azione viene trasferita dal campo di battaglia di Troia a un carcere di massima sicurezza, uno spazio chiuso e opprimente che diventa metafora della città assediata, mentre lo scontro tra Greci e Troiani si trasforma nella rivalità tra bande contrapposte.

Ciò che interessa maggiormente a Peparini è il dramma umano che attraversa l’opera. I protagonisti non appaiono più come eroi invincibili, ma come uomini segnati dalla sofferenza, detenuti intrappolati in un sistema spietato, mentre gli dèi continuano a influenzarne il destino. Attraverso le loro vicende, il regista porta in scena una riflessione più ampia sulla condizione umana.

In questa interpretazione del classico omerico, dunque, la guerra non rappresenta il principale punto di osservazione. Al centro vi sono piuttosto l’amore, le emozioni e la vulnerabilità dei personaggi, strumenti attraverso cui indagare le fragilità e le contraddizioni dell’essere umano.

La parte più propriamente recitativa e interpretativa si basa sulla preziosa presenza di Vinicio Marchioni e Giuseppe Sartori.

Marchioni è l’aedo, il cantore o narratore come diremmo oggi. Preso, coinvolto dal proprio personaggio, Vinicio riesce a evocare le immagini del campo di battaglia, a far rivivere i sentimenti dei personaggi e a suscitare emozioni nel pubblico.

Sartori è Achille: capace di calarsi ogni volta in un disegno registico completamente diverso, Giuseppe è l’eroe greco imprigionato e furibondo che “infiniti addusse lutti agli Achei”.

Un altro grande personaggio che Giuseppe rende immenso e a cui sa conferire un tono leggendario.

Alessio Boni è Priamo, il padre di Ettore, dilaniato dal dolore per la morte del figlio che implora ad Achille la restituzione del corpo.

Completano il cast oltre 80 tra performer e allievi ed ex allievi della scuola di teatro dell’INDA e della Peparini Academy per uno spettacolo che fonde la recitazione classica alla forte componente fisica e coreografica tipica dello stile di Peparini.

L’adattamento, infatti, combina linguaggi diversi, unendo le parole del poema omerico, riadattate da Francesco Morosi, alla fisicità della danza e al forte impatto visivo tipico della cifra stilistica di Peparini.

L’Iliade di Giuliano Peparini è una rilettura del poema omerico che mette in risalto l’amore, in particolare quello di Achille per Patroclo ma non solo, in una dimensione corale e collettiva molto potente regalando quadri di grande impatto.

I duelli sprigionano una carica ed energia intense, in particolare il quadro del duello tra Achille ed Ettore è giocato su dinamiche molto suggestive.

Sono numerosi gli elementi che permettono di riconoscere chiaramente l’estetica di Peparini.

Lo spettacolo si apre con un pre-show: mentre il pubblico prende posto entrando dalla platea, dietro al palcoscenico i giovani detenuti vivono la loro ora d’aria, introducendo fin da subito l’atmosfera della narrazione.

Peparini caratterizza le due fazioni rivali attraverso i colori rosso e blu, una scelta già adottata in Romeo & Giulietta – Ama e cambia il mondo. Tuttavia, questo elemento non appartiene esclusivamente al suo linguaggio artistico, ma si inserisce in una tradizione classica presente nella letteratura italiana.

Torna l’utilizzo dei cubi scenici, strutture dalle quali i ballerini si affacciano, si sporgono e all’interno delle quali si muovono e danzano. In questo caso, quattro cubi sono disposti su tre livelli verticali a sinistra e altri quattro a destra di un’imponente cancellata centrale. Al di sopra di essa trovano posto gli schermi LED destinati alle videoproiezioni, altro tratto distintivo delle sue produzioni.

Un altro quadro che appartiene al mondo immaginifico di Peparini è quello delle figure velate che circondano Andromaca.

Sono inoltre riconoscibili la forte musicalità della messa in scena e alcuni movimenti coreografici tipici del linguaggio di Peparini, come le cadute controllate di Sartori e una gestualità dei ballerini che suggerisce attesa, sospensione e scorrere del tempo.

Infine, il duello tra Patroclo ed Ettore richiama in modo evidente quello tra Mercuzio e Tebaldo in Romeo e Giulietta, mentre l’impiego dei tavoli scenici rimanda alla celebre scena del Principe di Verona nella medesima opera, confermando la presenza di riferimenti e soluzioni registiche già sperimentati dall’autore.

Le scene imponenti sono di Lorenzo Russo Rainaldi; i costumi contemporanei di Valentina Davoli e Silvia Oliviero; le musiche di Beppe Vessicchio; le coreografie di Gabriele Beddoni; il disegno luci preciso e di impatto di Francesco Angeloni.
Assistenti alla regia sono Bruno Centola e Francesco Sarracino; videomaker Vincenzo Villani.
Infine, direzione del coro Elena Polic Greco e direzione dei cori cantati Simonetta Cartia.

L’Iliade di Peparini si presenta come una rilettura del poema omerico intensa e suggestiva, attraversata da una forte componente emotiva e capace di restituire con efficacia temi come la passione, l’amore e il conflitto. I diversi quadri scenici colpiscono per immediatezza e impatto visivo, sostenuti dalla recitazione ficcante dei due protagonisti e dall’energia e dall’entusiasmo dei giovani interpreti provenienti dalle due accademie coinvolte nel progetto.

Al tempo stesso, emerge chiaramente la natura formativa dello spettacolo: gran parte del cast è composta da allievi che, pur dimostrando talento, dedizione e notevoli potenzialità, non possiedono ancora quella piena maturità artistica, quella consapevolezza scenica e quella padronanza del corpo che caratterizzano interpreti professionalmente affermati.

Eppure proprio la freschezza, la spontaneità e l’autenticità delle loro interpretazioni conferiscono allo spettacolo una particolare vitalità.

Il risultato è una messinscena capace di coinvolgere ed emozionare il pubblico, valorizzando il percorso formativo dei giovani artisti e lasciando intravedere con chiarezza le promettenti prospettive del loro futuro professionale.

Iliade

Iliade
di Omero
Regia Giuliano Peparini
Traduzione – Francesco Morosi
Scene – Lorenzo Russo Rainaldi
Costumi – Valentina Davoli, Silvia Oliviero
Musiche – Beppe Vessicchio
Coreografie – Gabriele Beddoni
Disegno luci – Francesco Angeloni
Assistente alla regia – Bruno Centola, Francesco Sarracino
Videomaker – Vincenzo Villani
Direzione del coro – Elena Polic Greco
Direzione dei cori cantati – Simonetta Cartia

Aedo – Vinicio Marchioni
Achille – Giuseppe Sartori
Priamo – Alessio Boni
Patroclo – Jacopo Sarotti
Guardia – Gabriele Beddoni
Andromaca – Clara Borghesi/Giulia Acquasana
Ettore – Sebastiano Tinè/Christian D’Agostino
Completano il cast oltre 80 tra performer e allievi ed ex allievi della scuola di teatro dell’INDA e della Peparini Academy.

Foto Franca Centaro

Teatro Greco di Siracusa

Inda nel Teatro Greco di Siracusa

13 giugno 2026

I Persiani: tragedia dei vinti e supremazia della democrazia ateniese

Con I Persiani di Eschilo prosegue la 61esima stagione del Teatro Greco di Siracusa a cura della Fondazione Inda.

La tragedia, rappresentata per la prima volta nel 472 a.C. ad Atene, è ambientata a Susa, capitale dell’Impero persiano, presso la residenza del re, dove si trovano riuniti la regina Atossa, madre di Serse, e i vecchi dignitari fedeli a Dario rimasti a presidiare la città.

Tutti sono in uno stato di forte ansia e preoccupazione per l’esito della grande spedizione militare che Serse ha intrapreso contro Atene, poiché dall’esercito non è ancora giunta alcuna notizia.

Ad accrescere la tensione contribuisce il racconto di un sogno angoscioso fatto da Atossa, che sembra preannunciare la sconfitta del sovrano persiano.

Poco dopo, giunge un messaggero che reca la notizia della pesante disfatta subita dalla flotta persiana nella battaglia di Salamina, nonostante la sua schiacciante superiorità numerica.

Segue una dettagliata narrazione dello scontro: le navi persiane sono state distrutte e galleggiano in mare come relitti, mentre centinaia di soldati hanno perso la vita e molti altri risultano dispersi.

Sconvolti dal dolore e dalla paura, Atossa e il Coro evocano dall’Ade l’anima di Dario, il glorioso padre di Serse.

Lo spettro dell’antico sovrano offre una spiegazione morale della sconfitta, interpretandola come una giusta punizione per la hybris di Serse.

La sua smisurata tracotanza lo ha infatti spinto a oltrepassare ogni limite: invece di accontentarsi di governare il vasto e prospero impero ereditato, ha ambito a estendere il proprio dominio oltre i confini dell’Oriente.

Infine, Serse fa ritorno in patria distrutto e con le vesti lacerate; il suo lamento disperato si unisce a quello del Coro, che piange la sorte dei giovani persiani caduti in battaglia.

I Persiani è la più antica tragedia che sia arrivata a noi per intero ed è un’opera i cui personaggi sono realmente esistiti e i fatti realmente accaduti.

Eschilo partecipò agli scontri cruciali delle guerre persiane: la battaglia di Maratona (490 a.C.), dove perse un fratello, la battaglia di Salamina (480 a.C.) e probabilmente la battaglia di Platea (479 a.C.).

Egli, ne I Persiani, fa una cosa umanamente molto difficile,  soprattuto per un soldato che ha combattuto queste battaglie: mettersi nella parte degli altri.

L’opera, infatti, è da tutti considerata, a buon diritto, la tragedia dei vinti.

Eschilo, infatti, parla non tanto della vittoria dei Greci, quanto di come la battaglia sia stata vissuta e patita dai vinti.

Egli mette in scena il dolore dei vinti e ciò spinge a riflettere sulle difficoltà di un popolo e dei suoi governanti nell’affrontare una sconfitta improvvisa e il lutto che ne deriva dopo essersi creduti invincibili.

E’ anche vero, come ha detto lo stesso regista catalano Àlex Ollé, cofondatore della celebre compagnia La Fura dels Baus e recentemente insignito in Spagna del prestigioso “Oscar della lirica”, che Eschilo, pur raccontando i vinti, celebra la democrazia ateniese come modello superiore alla dittature persiana.

Si evince , quindi, come dietro a questa opera, ci sia una serie numerosa di messaggi e spunti di riflessione: si parla della guerra, del potere, della forza, della violenza, della cieca ambizione, ma anche del dolore umano.

Mettere in scena oggi I Persiani, infatti, significa far vivere un testo antico che parla ancora di cose attuali: guerra, politica, potere e dolore collettivo.

Mai come oggi questo aspetto risalta attuale, considerando che l’antica Persia corrisponde all’odierno Iran.

La visione teatrale di Àlex Ollé (con la collaborazione di Ramon Simo Vines) rivela un lavoro rigoroso e magnetico, in cui l’intensità della recitazione e l’imponente visione scenica si fondono dando vita a una rappresentazione potente.

Al centro dell’interpretazione di Ollé vi è l’illusione della perpetuità del potere: il sovrano crede di poter conservare il proprio dominio senza limiti. Tuttavia, è proprio il timore di perdere il potere e il desiderio di mantenerlo a ogni costo che lo conducono alla rovina. In questa prospettiva, il disastro nasce dall’incapacità di accettare i limiti della propria condizione e dalla volontà di preservare un’autorità che non può essere eterna.

Da qui  il dramma della hybris, la rovinosa ambizione umana.

La proposta scenica colloca l’azione in un contesto contemporaneo, caratterizzato da scenografie e costumi moderni. I personaggi assumono i tratti di figure facilmente riconoscibili nel mondo di oggi — politici, militari e consiglieri — dando vita a una corte del potere priva di riferimenti a un Paese specifico e conferendo alla vicenda una dimensione universale.

L’intenzione che è alla base del lavoro del regista non è quella di cambiare il senso del dramma, ma di renderlo più vicino al pubblico.

Il potere è rappresentato come un grande tavolo di una sala riunioni con 14 sedute per lato e due centrali, spalle al pubblico,

Mentre dentro si sta svolgendo un incontro tra le più alte cariche delle varie forze armate, fuori imperversa la contestazione. 

Si sentono sfrecciare auto, clacson suonare e sirene della polizia e delle ambulanze passare veloci. Dalla strada arrivano voci e urla sempre più forti e in avvicinamento  che inneggiano slogan contro la guerra.

Delle telecamere riprendono in presa diretta i protagonisti proiettandone i visi su un enorme video a led disposto in fondo .

Il tutto dà un tocco cinematografico all’intera rappresentazione con un doppio effetto: se da una parte ciò consente al pubblico  di cogliere le sfumature degli attori e condividere le emozioni dei personaggi, dall’altra questo stesso strumento distrae dalla visione complessiva della scena, sottraendo proprio l’elemento più specificamente teatrale.

I Persiani è una tragedia in cui l’azione è minima e centrale è la parola.

Ollè costruisce la regia attorno alla forza del testo e all’intensità emotiva degli interpreti, lavorando con gli attori su una fisicità trattenuta e valorizzando soprattutto la potenza verbale legata al peso della parola e l’espressività degli attori. 

La fisicità degli attori, essenziale ma contenuta, esprime il peso della sconfitta e del lutto e sostiene l’efficacia della parola scenica.

La splendida Anna Bonaiuto interpreta la regina Atossa, madre di Serse e moglie di Dario, restituendo un personaggio molto umano, non solo regina, ma, soprattutto madre.

Il dialogo tra lei e Dario è molto doloroso: mentre il fantasma di Dario, richiamato dalla terra, condanna la hybris (tracotanza) del figlio Serse, Atossa cerca disperatamente un appiglio in un mondo che sta per crollarle addosso.

L’interpretazione dello spettro di Dario da parte di Alessio Boni non cattura particolarmente l’attenzione, non facendo adeguatamente da riscontro a quella della sua compagna in scena.

Anche la scelta del trucco di Dario e delle riprese sfocate non aiutano a centrare la scena.

Lo spettacolo prende il volo con l’arrivo del messaggero di ritorno dal campo di battaglia, interpretato magistralmente dal grandissimo Giuseppe Sartori.

Il messaggero non fornisce un semplice resoconto della battaglia, ma svolge un ruolo determinante, dovendo restituire tutta drammaticità, il dolore, la disperazione della stessa e portando la notizia di centinaia e centinaia di morti.

Nel suo racconto c’è un trasporto emotivo totale e assoluto grazie all’interpretazione di Sartori, sofferta e dolorosa, intima e appassionata.

La voce tremante, l’incedere sofferente, non solo per la ferita sanguinante, ma per la furia e la tragicità degli eventi vissuti e che ora deve riportare.

Sartori evoca con potenza le immagini della guerra e della devastante sconfitta prodigandosi in un racconto dolorosissimo patito nel cuore e nell’anima.

Altro punto di forza di questo cast è Massimo Nicolini, che non delude mai.

Il suo personaggio, Serse, è un re che si sente un dio, un uomo la cui ambizione sfrenata e tracotanza senza limiti lo porterà alla rovina.

Nicolini riesce a rappresentare il viaggio di un uomo che, credendosi un dio, ritorna a essere uomo nel peggiore dei modi.

Di grande livello tutto il resto del cast che sentiamo di dover nominare. 

Marco Maria Casazza, che guida il Coro degli anziani persiani con grande piglio e determinazione; le Corifee, Simonetta Cartia e Elena Polic Greco.

I Coreuti: Francesco Biscione; Fabrizio Bordignon (sempre con quel quid in più nell’espressività e nella presenza scenica); Nicola Bortolotti, Rosario Campisi, Antonello Cossia, Michele Cipriani, Francesco Migliaccio, Giovanni Nardoni, Stefano Quatrosi, Roberto Trifirò.

I Persiani di Ollé è uno spettacolo appassionante che unisce impatto visivo, uso innovativo della tecnologia e attenzione alla dimensione politica e collettiva della scena con risultati per lo più molto soddisfacenti nonostante qualche ombra.

Ollè, per esempio, inserisce tre intermezzi contemporanei attraverso il monologo di tre diverse vittime di guerra: una giovane vedova; un reduce che ha ormai la sua vita stravolta dagli orrori a cui ha assistito e dalle cose che ha dovuto fare;  una madre che ha perso un figlio che non sognava di fare il soldato.

Tre monologhi molto potenti, ottimamente interpretati, ma che  nel contesto generale risultano ridondanti.

Le scenografie sono di Alfons Flores. oltre al grande tavolo e al video a led, comprendono un enorme telo che viene srotolato all’ingresso di Serse e su cui sono dipinti i due emisferi a rappresentare l’ambizione di potere di Serse non solo sul mondo orientale, già in suo dominio, ma anche su quello occidentale..

I costumi, anch’essi contemporanei, sono di Lluc Castells; il disegno luci di Marco Filibeck e le musiche originali di Josep Sanou.

La traduzione del testo è a cura di Walter Lapini, esperto grecista e professore ordinario di Lingua e Letteratura Greca. 

La sua traduzione, a cui ha lavorato per un anno, è fedelissima al testo di Eschilo ed è eccellente, capace di restituire un testo di una vivacità straordinaria. 

La parte del messaggero, poi, ha una potenza immaginifica straordinaria.

I Persiani di Ollé rispetta Eschilo e fornisce un’immersione totale dell’animo umano nella tragedia della guerra dal punto di vista dei vinti e non dei vincitori, insegnandoci, ancora una volta, che nessuno torna dalla guerra, nemmeno i vivi.

I Persiani

Di Eschilo

Regia Àlex Ollé 

Traduzione Walter Lapini

Scena – Alfons Flores

Costumi – Lluc Castells

Musiche – Josep Sanou

Disegno luci – Marco Filibeck

Video – Joan Rodon

Assistente alla regia – Simo Ramon Vines

Assistente scenografo – Sarah Bernardy

Direzione del coro Elena Polic Greco e Simonetta Cartia

Atossa – Anna Bonaiuto

Messaggero – Giuseppe Sartori

Spettro di Dario – Alessio Boni

Capo coro – Marco Maria Casazza

Corifee – Simonetta Cartia, Elena Polic Greco

Coreuti – Francesco Biscione, Fabrizio Bordignon, Nicola Bortolotti, Rosario Campisi, Antonello Cossia, Michele Cipriani, Francesco Migliaccio, Giovanni Nardoni, Stefano Quatrosi, Roberto Trifirò

Foto Michele Pantano

Teatro Brancaccio

16 marzo 2017

Viola Produzioni in coproduzione con Società per Attori riporta in scena al Teatro Brancaccio Lorella Cuccarini con un nuovo musical completamente originale: La Regina di Ghiaccio – Il Musical.

Lo spettacolo, ideato e diretto da Maurizio Colombi, è un prodotto completamente italiano e originale: liberamente ispirato ad una fiaba persiana, prima ripresa da Gozzi e poi divenuta ispirazione per la Turandot di Puccini, La Regina di Ghiaccio vanta il merito di essere un’opera completamente nuova sotto ogni aspetto. Non un prodotto importato dall’estero, confezionato da altri e riadattato, ma un lavoro creato dal nulla da un team creativo di “pazzi” che hanno voluto mettersi in gioco. Tutto è nuovo: la storia presenta molti personaggi inventati; i testi, le musiche e le scenografie sono completamente originali.

La storia riprende il tema principale della Turandot: la figlia dell’Imperatore, per evitare di unirsi ad un uomo, decide di sottoporre ai propri pretendenti tre indovinelli. Se il pretendente di turno scioglierà gli enigmi potrà sposare Turandot, altrimenti gli verrà tagliata la testa. Dopo dodici decapitazioni, arriva a corte un uomo misterioso, Calaf, il quale risolverà gli indovinelli e avrà diritto di sposare Turandot, la quale, però, si ribellerà. Non volendo sposare una donna che non lo ama, Calaf deciderà di sottoporre un indovinello a Turandot: se scoprirà il suo nome non dovrà sposarlo e potrà tagliargli la testa.

Questa, in linea generale, l’attinenza con le opere di Gozzi e Puccini. Il resto è tutta creazione di Maurizio Colombi, attraverso una chiave di lettura fantastica che affascina i bambini e piace agli adulti: Turandot è una perfida regina che strega con lo sguardo tutti gli uomini, i quali sono costretti a portare una maschera per non guardarla direttamente negli occhi e cadere vittime del suo maleficio. Il suo cuore è gelato a causa di un incantesimo destinato a lasciarla “sola e disperata” e che viene reiterato da tre streghe, presenti tra le sue ancelle: sono Tormenta, Gelida e Nebbia. Come fanno ben capire i loro nomi, le tre streghe dominano gli eventi atmosferici e col loro potere rendono arido il cuore di Turandot. In contrasto col potere malefico delle streghe, sono stati creati altri due personaggi: Yao, signore del Sole e Chang’é, signora della Luna, due divinità incarnate in uomini che cercano di mantenere l’equilibrio degli eventi. Ping, Pong e Pang sono in questa versione tre consiglieri dell’imperatore buffi e simpatici, che obbediscono a Turandot, ma cercano insieme all’imperatore, di farla tornare alla ragione.

Calaf, il cui nome significa Calore, Amore e Fuoco, è un personaggio rubato a Shakespeare e scaraventato in un mondo orientale: non un nobile principe, ma un ragazzaccio, un monello che dovrà faticare per scaldare il cuore della sua amata. Un personaggio che si muove su due registri diversi: uomo spavaldo da una parte e innamorato e temerario dall’altra.

La Regina di Ghiaccio è, dunque, una fiaba rivisitata in chiave moderna in cui non mancheranno incredibili e suggestivi effetti speciali, opera dei poteri delle tre streghe: nebbia e neve stupiranno il pubblico in platea e i tuoni scuoteranno le poltrone, grazie all’imponente disegno suono di Emanuele Carlucci.

Anche la partitura musicale è completamente originale: diciotto brani composti, arrangiati e diretti dalla stessa squadra che creò le musiche di Rapunzel e composta da tre elementi con caratteristiche molto diverse: Alex Procacci, soul, Davide Magnabosco, classico e Paolo Barillari, melodico. Un impianto musicale molto pop che volutamente evita il confronto con l’Opera, per virare verso qualcosa di più vicino al clima fantastico e alla storia d’amore raccontata. Nonostante questa intelligente scelta di fondo, la struttura musicale mantiene alcuni riferimenti melodici alle arie pucciniane, rivisitate con maggiore o minore fortuna.

Grazie alla scelta di protagonisti dall’impostazione lirica o comunque molto vicina all’Opera, lo spettacolo regala esibizioni di grande impatto come l’assolo dell’Imperatore Altoum, alias Paolo Barillari (tra l’altro tra i compositori dello spettacolo) e la scena dei fantasmi dei dodici principi decapitati che si presentano a Calaf in cui è sempre Paolo Barillari a dare piena potenza al brano con la sua potente e bellissima voce, qui decisamente valorizzata.

I brani sono molto belli, alcuni anche emotivamente intensi ed esprimono bene il mondo interiore dei personaggi. Quello che mi ha creato un po’di perplessità è il fatto che siano brani più pop che prettamente musical e questa cosa suscita in me un’ambivalenza: da un lato sono belle canzoni da ascoltare anche al di fuori del contesto dello spettacolo, dall’altro, per lo stesso motivo, manca una continuità, una unicità melodica, un motivetto che sia ricorrente, un tema di fondo che resti impresso nella mente e sia pronto ad essere canticchiato all’uscita del teatro.

A proposito delle musiche, cito gli autori dei testi che sono Maurizio Colombi e Giulio Nannini, testi in generale di buon livello, ma non sempre di felice riuscita, per quanto riguarda, per esempio, i personaggi di Ping, Pong e Pang su cui mi soffermerò in seguito.

Le meravigliose scenografie di Alessandro Chiti, ricche, eleganti e curate, ricreano la città di Pechino e il Palazzo Reale (c’è anche un melo incantato) grazie all’uso di un impianto fisso e varie strutture mobili e vivono molto con le video proiezioni di Marco Schiavoni e sono esaltate dal disegno luci Alessio De Simone. Sono molte e belle le immagini ricreate al computer e proiettate sui pannelli e bellissimo è l’effetto di luci e proiezioni sull’abito indossato da Turandot in una scena molto importante.

Completano l’allestimento i bellissimi costumi di Francesca Grossi che vince la sfida di ricreare gli abiti per un musical che si rifà all’Opera: elegante e raffinata per gli abiti di Turandot, Francesca può scatenare la fantasia nei costumi di Tormenta, Gelida e Nebbia che hanno elementi che richiamano i loro nomi e poteri.

Le coreografie di Rita Pivano, coadiuvata dall’assistenza di Francesco Spizzirri, nonostante alcuni bei momenti acrobatici (da segnalare la presenza nell’ensemble di Ivan Trimarchi, già acrobata per Notre Dame de Paris), non sono incisive, ma sembrano orientate più a creare figure nell’aria (c’è un grande uso della gestualità) che dei veri e propri passi di danza (infatti, a ragione, si parla di ensemble e non di corpo di ballo).

Arriviamo finalmente al cast.

Lorella Cuccarini veste i panni della malefica Turandot. Un personaggio affascinante e ambivalente: regina dal cuore di ghiaccio a causa di un incantesimo e donna romantica che scopre l’amore con Calaf.

Lorella riesce a rappresentare molto bene questo atteggiamento doppio e a restituire con grande vividezza il momento esatto in cui il cuore della regina si scioglie in presenza di Calaf (“che cos’è? questo calore non so cos’è” canterà). Il loro incontro “clandestino” nelle stanze della regina, infatti, resta un momento molto intenso che trova sfogo in un bel brano molto intimo.

C’è da dire che in questo spettacolo Lorella è chiamata molto a cantare, e lo fa molto bene, con grande intenzione e intensità, dimostrando i frutti di una costante preparazione e una continua crescita professionale. E’ sempre una meraviglia vederla in scena e colpisce sempre per la capacità che ha di centrare il personaggio e rappresentarlo.

Davvero emozionante è l’interpretazione del Nessun Dorma, una rivisitazione moderna molto apprezzata e molto ben eseguita da Lorella e Pietro Pignatelli.

Il bravissimo Pietro offre un’interpretazione molto bella e a tratti divertente del suo Calaf, uomo sfrontato, avventato e innamorato. Riesce a colorarlo nelle sfumature ed è straordinario nel cantato raggiungendo il culmine col Nessun Dorma.

I personaggi delle tre streghe, Tormenta, Gelida e Nebbia, che richiamano le tre fiere del I Canto dell’Inferno di Dante (leonessa, lupa e lonza), sono bellissimi e costituiscono un secondo livello narrativo molto suggestivo.

L’interpretazione delle loro protagoniste è eccezionale, carica di energia e di grinta: Valentina Ferrari (Tormenta), Federica Buda (Gelida) e Silvia Scartozzoni (Nebbia), sono tre splendide protagoniste completamente diverse per voce e carisma che insieme creano realmente un trio di forte impatto. Tre mondi diversi, con background differenti e ricchi, tre talenti incredibili che sul palco sprigionano una grandissima energia incantando con le loro potenti voci e l’interpretazione aggressiva e che, nonostante rappresentino tre personaggi “negativi”, piacciono molto ai bambini.

Perfetto loro contraltare sono le figure di Yao, dio del Sole e Chang’è, dea della Luna. Yao è un divertentissimo e impertinente  personaggio che parla per proverbi e si fa beffa di tutti. Solo Chang’è, più posata e riflessiva, è in grado di tenerlo a bada. Yao e Chang’è sono interpretati dai bravissimi Sergio Mancinelli e Simonetta Cartia che sulla scena formano una coppia ben amalgamata.

Ci sono poi Ping, Pong e Pang, tre eunuchi, un tempo uomini valorosi e coraggiosi, oggi tre personaggi buffi e simpatici interpretati rispettivamente dai bravi Giancarlo Teodori, Jonathan Guerrero e Adonà Mamo, tre attori e cantanti dotati di voci diverse e particolari.

Devo dire, a malincuore, tre personaggi non scritti al meglio, troppo fumettistici e che non rendono merito al talento vocale dei tre protagonisti.

L’Imperatore Altoum, padre di Turandot, è il già citato Paolo Barillari in una parte molto divertente e molto poco autorevole.

Completano il cast Flavio Tallini nei panni del Principe  di Persia, e Laura Contardi in quelli di Zelima.

Nel complesso La Regina di Ghiaccio è uno spettacolo bello e denso che mette in campo molti e diversi elementi narrativi in una rappresentazione sospesa tra presente e passato, immersa in un mondo immaginifico che cattura adulti e bambini.

La regia di Maurizio Colombi, supportato dall’aiuto regia di Davide Nebbia, riesce a combinare tutti questi elementi narrativi coordinandoli con le numerose immagini prodotte in un complesso e articolato disegno, per raccontare una storia densa e affascinante.

Come tutte le nuove opere e soprattutto in virtù del fatto che si tratta di un lavoro completamente originale e che quindi non ha la possibilità di riferirsi a qualcosa di già rappresentato, La Regina di Ghiaccio è uno spettacolo che può solo crescere nel tempo conquistando una sempre maggiore fetta di pubblico.

La Regina di Ghiaccio

ispirato alla Turandot di Giacomo Puccini

regia Maurizio Colombi

musica Davide Magnabosco, Paolo Barillari, Alex Procacci

testo Maurizio Colombi, Giulio Nannini

con Lorella Cuccarini, Pietro Pignatelli, Simonetta Cartia, Sergio Mancinelli, Valentina Ferrari, Federica Buda, Silvia Scartozzoni, Giancarlo Teodori, Jonathan Guerrero, Adonà Mamo, Paolo Barillari, Flavio Tallini, Laura Contardi

ensemble Luca Contini, Martina Gabbrielli, Filippo Grande, Camilla Maffezzoli, Antonella Martina, Eleonora Peluso, Ivan Trimarchi.