Teatro Argentina

7 dicembre 2021

Amleto di Corsetti: dentro e fuori da una vita sempre in bilico

Amleto di Giorgio Barberio Corsetti, andato in scena al Teatro Argentina di Roma è un dramma moderno ambientato in un’epoca contemporanea.

Se, come è, le opere di Shakespeare sono immortali e valide per tutti i tempi e sempre lo saranno, c’è da chiedersi se sia giusto ambientarle in altre epoche, vestirle di altri vestiti e allestirle in modi non prettamente tradizionali.

La risposta è, probabilmente sì. 

Il problema non è tanto la ricollocazione temporale e spaziale del dramma shakesperiano

che, in quanto valido per tutte le epoche, ben può trovare spazio in altre ere, altri spazi e altri vestiti, quanto, piuttosto, valutare se una tale operazione riesca ad essere omogenea, se abbia una sua organicità e compiutezza e se riesca a mantenere la potenza e la ricchezza del testo.

C’è da dire che, a parte alcune, poche, scene estemporanee, come quella iniziale, il testo dell’Amleto è rispettato nella propria totalità.

Amleto di Corsetti è indubbiamente una rappresentazione visivamente molto suggestiva e stimolante.

Fausto Cabra entra in scena, con le luci in platea a “mezza sala”, in abiti contemporanei, come gli altri dopo di lui; scomposto e spettinato, recita il famoso monologo dell’essere o non essere minacciando di far cadere dell’acqua su una ciabatta elettrica su cui poggia un piede scalzo.

Il pubblico è attento e teso mentre viene chiamato in causa da Amleto/Cabra.

Successivamente, Amleto/Cabra si lascerà sostenere dagli amici Rosencrantz e Guildestern celati dietro un grande telo nero, mentre le parole anticipano il dramma che si consumerà.

Quando il telo cadrà, rivelerà la vera spettacolarità di questo allestimento: la scenografia di Massimo Troncanetti.

Un praticabile a ponte di tre piani, con scale laterali; ruota, spostato a vista dai tecnici mentre gli attori continuano a recitare. Separabile, componibile, la struttura domina la scena.

Tubi, acciaio, scale, luci a neon, ringhiere, pareti movibili, porte che si aprono come botole nel momento in cui una delle pareti si ribalta.

Poi, il grande palco, ampio e profondo. Il tutto restituisce la grandiosità della scena in un movimento continuo in cui gli attori sono chiamati a recitare non stando quasi mai fermi.

La divisione dei piani e dei livelli (il salotto al piano terra, girato il quale appare una palestra; un secondo livello con un ballatoio e sopra una terrazza) rappresenta, sì, il Castello di Elsinore, ma anche i diversi livelli di rappresentazione e comunicazione.

Amleto di Corsetti è tutto un dentro e un fuori.

Dentro e fuori tra il mondo interiore e quello esterno. Dentro e fuori da una vita sempre in bilico: in bilico sulle emozioni (il dolore, la colpa, l’amore, l’odio, la paura, la rabbia, il risentimento…); in bilico tra la verità e la menzogna, il bene e il male, la realtà e l’apparenza.

Al centro, Amleto e il dramma che incarna, rappresentato con potenza interpretativa ed espressiva da Fausto Cabra.

Al suo fianco, compagno perfetto e all’altezza del suo ruolo, sia nello spettacolo che a fianco ad Amleto, l’Orazio interpretato con decisione e consapevolezza da Francesco Sferrazza Papa.

Insolito, decisamente eccentrico, eppure sorprendente e coinvolgente il Polonio interpretato da Francesco Bolo Rossini, nel ruolo anche di Osric.

Toccante, Mimosa Campironi nella pazzia di Ofelia.

Eppure, nonostante tante cose belle, ci sono alcuni elementi discordanti e in dissonanza che fanno storcere il naso e, a volte, infastidiscono e che rischiano di interrompere l’attenzione dello spettatore che spesso è chiamato in causa.

Manca una direzione interpretativa omogenea; Re Claudio (Michelangelo Dalisi), e Gertrude (Sara Putignano) appaiono troppo freddi, quasi distaccati da tutto: troppo monocorde il primo, facendo uso di un registro vocale piatto, quasi atona l’altra, tranne nella scena in cui è sola in camera con Amleto che uccide Polonio e in cui acquista colore.

In generale, l’interpretazione globale risente di queste e altre dissonanze, ma ciò non è sufficiente a rovinare uno spettacolo imponente per struttura, grande per realizzazione e che va incontro al pubblico quasi comprendendolo.

Se ne apprezzano, poi, molti dettagli tecnici, quali l’eccellente disegno luci di Camilla Piccioni e i movimenti di scena di Marco Angelilli.

Amleto
di William Shakespeare
traduzione di Cesare Garboli
adattamento e regia Giorgio Barberio Corsetti
con (in ordine di apparizione) Fausto Cabra, Francesco Sferrazza Papa
Giovanni Prosperi, Dario Caccuri, Michelangelo Dalisi, Sara Putignano
Francesco Bolo Rossini, Mimosa Campironi, Diego Giangrasso
Adriano Exacoustos, Francesca Florio, Iacopo Nestori 

personaggi e interpreti

Fausto Cabra Amleto
Michelangelo Dalisi Claudio / Spettro
Sara Putignano Gertrude
Francesco Bolo Rossini Polonio / Osric
Mimosa Campironi Ofelia
Francesco Sferrazza Papa Orazio / Attore
Giovanni Prosperi RosencrantzDario Caccuri Guildenstern / Prete
Diego Giangrasso Laerte / Attore
Francesca Florio Prima attrice / Attrice Regina / Soldato
Iacopo Nestori Primo attore / Attore Re / Messaggero / Marinaio / Primo Becchino
Adriano Exacoustos Attore / Luciano / Soldato/ Marinaio / Secondo Becchino

scene Massimo Troncanetti
costumi Francesco Esposito
luci Camilla Piccioni
musiche e vocal coaching Massimo Sigillò Massara
movimenti Marco Angelilli
assistente alla regia Tommaso Capodanno
assistente scenografa Alessandra Solimene
stagista di drammaturgia Emilia Agnesa
foto di scena Claudia Pajewski

Foto di copertina di Claudia Pajewski

Re Lear

Teatro Argentina 

21 novembre 2017, Prima

Re Lear è la storia di un re che decide di spartire il proprio regno tra le figlie dandone la parte più grande a quella che si prodigherà con maggiore affezione in una dichiarazione d’amore filiale.

Re Lear è la storia di un Re che decide di ritirarsi e spera di godersi ricchezze e feste confidando nell’ospitalità delle proprie figlie e che verrà invece inghiottito in vortice di disperazione che lo porterà alla follia.

Re Lear è la storia di un uomo che vede frantumarsi i legami familiari e trasformarsi in legacci che gli stringeranno il collo fino a soffocarlo e a portarlo alla morte.

Re Lear è la storia di un regno, di legami politici, accordi finanziari, guerre.

Re Lear è la storia di una famiglia divisa e distrutta dall’avidità e dall’ambizione che annullano e stuprano i legami di sangue.

Lear è il Re pieno di se stesso che domina su tutti. Egli spartisce il proprio regno tra le figlie Goneril e Regan che, ambiziose e venali oltre ogni misura, lo adulano ipocritamente per poi escluderlo crudelmente dalla loro vita, dalla loro casa e da un affetto domestico. Cordelia è la figlia più piccola che, potendo promettere solo di amare come il suo ruolo richiede, niente di più e niente di meno, viene allontanata e diseredata. Goneril e Regan priveranno il padre di ogni amore, di ogni rispetto, negandogli sostegno economico e affettivo, trattandolo come un povero vecchio e pazzo.

Pazzo diventerà veramente Lear, cominciando a girare per il regno, in preda a deliri sempre più violenti, accompagnato da un pazzo per finta e sostenuto dalla fedele amicizia di Gloucester, altro uomo e padre, ferito e tradito.

Giorgio Barberio Corsetti con il suo adattamento e regia ha voluto portare Lear ai nostri giorni, cercando di creare un ponte tra passato e presente attraverso un linguaggio moderno e l’impiego della tecnologia. La scena si apre con una grande festa stile “La grande bellezza” con tanto di ripresa video fatta in diretta sul palco e proiettata su un grande schermo sospeso.

Corsetti porta sul palco temi antichi, ma di grande attualità, in una combinazione nuova e insolita di linguaggi e visioni che, sebbene all’inizio stupiscano per l’effetto, non sono poi qualcosa di così sbalorditivo.

L’impatto è certamente forte: la festa, le proiezioni, gli effetti visivi e sonori dal sapore e dall’effetto metallici riempiono il grande spazio del palco di immagini e suoni che riverberano dalla platea alla galleria.

Il linguaggio è moderno, sì, ma non aggiunge nulla al testo, anzi toglie, defraudando il codice shakespeariano della sua bellezza e della sua poeticità anche drammatica.

Questo Re Lear si allontana dalla matrice greca della tragedia a cui tanto Shakespeare era legato, per recuperarla solo in alcuni momenti del secondo atto, che sono poi gli unici in cui lo spettacolo funziona. E’ uno spettacolo di Shakespeare dove Shakespeare quasi non esiste. Non ne arriva il senso intimo delle parole, del messaggio, resta celata da altre tematiche quella linea del destino che conduce le esistenze umane e ne regola le relazioni.

E’, questo, prima di tutto uno spettacolo politico, una storia di potere, di successioni, divisioni territoriali, complotti, tranelli e guerre. Meno marcato è l’elemento del riscatto del mondo ereditato dai padri ad opera dei figli, essendo, soprattutto la prima parte, più concentrata sul potere e sull’usurpazione dello stesso.

E’ laddove, nella seconda parte, è più forte l’elemento umano e le relazioni umane si fanno più drammatiche che lo spettacolo prende vita emotivamente: i padri si disperano nel pentimento, alcuni figli tramano contro i padri, altri li aiutano, li consolano e gli donano la lucidità perduta.

E’ nel turbinio di queste umanità che si ritrova un po’ di quel Shakespeare che è stato messo da parte nel primo atto e gli uomini dimostrano la propria fragilità, miseria e abbandono al fato.

Alcuni personaggi sono decisamente fiacchi, altri eccessivamente esasperati. Le interpretazioni, quelle belle, restano fini a se stesse, scollate dal testo e dal contesto.

Goneril, interpretata dalla bravissima Francesca Ciocchetti, e Regan, interpretata da Sara Putignano, grande attrice che qui appare un po’ distaccata, sono cattive e avide; Cordelia, Alice Giroldini, è dimessa, quasi rassegnata; il Duca di Albany, Mariano Pirrello, è terribilmente e fastidiosamente mellifluo per gran parte dello spettacolo per poi tirare fuori un po’di orgoglio e coraggio solo alla fine; Edmund, interpretato da un bravissimo Francesco Villano quasi perfettamente centrato, è un uomo crudele, seduttore e privo di ogni rimorso, ma avrebbe potuto dare di più se avesse avuto controparti più forti e decise.

Disorienta la prova di Gabriele Portoghese: privo di ogni piglio e carattere nei panni di Edgar, è sorprendente in quelli di Tom, il finto pazzo.

Bellissima, invece, la prova attoriale di Andrea Di Casa nei panni del Matto, anche se il personaggio perde quella sua inconsistenza materiale che lo faceva coscienza e alter ego di Lear divenendo un altro protagonista a tutti gli effetti.

Arrivando ai due protagonisti principali della vicenda, un re e un nobile, due uomini, due padri traditi, non si può negare che l’interpretazione sia di grande spessore. Qui non si mette in dubbio il valore artistico di due grandi attori come Ennio Fantastichini (Re Lear) e Michele di Mauro (Gloucester).

Quello che nuoce gravemente nello specifico ai loro personaggi, ma in generale anche a tutti gli altri, è la regia, che punta a stupire con effetti visivi e sonori e accenti esasperati, seppellendo la poesia, il cuore e le emozioni. Shakespeare viene messo da parte, occultato; Re Lear si confonde con gli altri personaggi.

La scenografia realizza l’intenzione di stupire di cui si è detto sopra: divani che scendono dall’alto, tavolo e scale metalliche stilizzate in un continuo andirivieni che alla fine risulta fastidioso e distraente, rendendo la narrazione frammentata, episodica, insieme agli eserciti che si scontrano come in una guerra di soldatini. Un enorme tela cala dall’alto coprendo il palco per la sua lunghezza e da un taglio centrale alla Fontana entrano ed escono Lear e gli altri personaggi. Che poi si proiettino sulla tela, in alto, i volti di Goneril e Regan e, sotto, gambe di donna nude e aperte e dalla fessura nella tela all’altezza precisa dell’organo femminile entrino ed escano i personaggi non restituisce alcun senso né valore.

I costumi sono belli, moderni, dai colori decisi e abbinati a coppie. Bellissimo il completo di velluto rosso damascato del potente Re Lear dell’inizio in contrapposizione con la sua quasi nudità alla fine.

Quella del 21 novembre è stata una prima sicuramente affollata, ma che non  ha visto il teatro pieno in ogni ordine di posto, anzi, mano a mano che lo spettacolo proseguiva, diversi spettatori hanno abbandonato il campo.

Pochi e fiacchi gli applausi durante la rappresentazione e non troppo entusiasmo alla fine della stessa.

Re Lear
di William Shakespeare
traduzione Cesare Garboli
regia e adattamento Giorgio Barberio Corsetti

con Ennio Fantastichini
e Michele Di Mauro, Roberto Rustioni, Francesco Villano, Francesca Ciocchetti, Sara Putignano
Alice Giroldini, Mariano Pirrello, Pierluigi Corallo, Gabriele Portoghese, Andrea Di Casa, Antonio Bannò, Zoe Zolferino

scene e costumi Francesco Esposito
luci Gianluca Cappelletti
musiche composte e eseguite dal vivo Luca Nostro
ideazione e realizzazione video Igor Renzetti e Lorenzo Bruno
assistente alla regia Giacomo Bisordi

Silvano Toti Globe Theatre

24 agosto 2017

In un Globe Theatre affollato per essere un giorno infrasettimanale di piene ferie estive, è andata in scena, con grandissimo successo, la prima de Il mercante di Venezia, di William Shakespeare, nella traduzione e con la regia di Loredana Scaramella in un bellissimo allestimento inteso a recuperare il carattere di commedia di questa meravigliosa opera teatrale.

Il mercante di Venezia, infatti, non può definirsi una tragedia, carattere verso il quale è stata spesso declinata per il grande disprezzo riservato al personaggio di Shylock (ricco usuraio ebreo e personaggio chiave dell’opera che tanto continua a far dibattere in merito ad un supposto antisemitismo dell’autore) e per il suo ostinato e cruento desiderio di vendetta (una libra di carne di Antonio nel punto più vicino al cuore), perché comunque termina felicemente (o, perlomeno, non con la morte di Antonio).

Al contrario si deve parlare di commedia, come dimostra la seconda trama svolta, quella di Porzia a confronto con i propri pretendenti e, ancora, per i toni accesi e allegri degli altri personaggi.

Una commedia amara, sicuramente, in cui le due trame si accavallano con uguale rilievo e in cui il finale, seppure lieto, nasconde alcune insidie e che, sebbene veda Antonio salvarsi la vita, prevede  la rovina economica per Shylock.

E’ quindi con il proposito di recuperare il carattere di commedia che si muove la regia di Loredana Scaramella, nel tentativo, riuscito, di riportare il ruolo di Shylock, personaggio straordinario per concezione, spessore e carattere, a quello di comprimario di Antonio, spesso passato in secondo piano.

In questo avvincente allestimento non sono solo i personaggi a venire fuori, ma gli ideali e i valori a cui essi si ispirano e che essi reclamano.

Shylock, ebreo rigido e cinico usuraio, si appella alla giustizia, vuole che il suo debito venga pagato e che la legge gli garantisca la penale che ha diritto legale di riscattare.

Per Antonio, invece, cristiano mite, viene invocata clemenza, un sentimento ben più alto e nobile di ogni altro e appartenente ad entrambe le professioni religiose.

A fronteggiarsi non sono solo due uomini, ma due sistemi di giudizio, entrambi validi e corretti, il richiamo alla legge e il richiamo della fede attraverso la coscienza.

Motore di tutta la storia è il dio denaro: Bassanio ha bisogno di denaro per saldare i debiti accumulati e conquistare il cuore di Porzia e li chiede ad Antonio che è ricco, ma al momento non dispone delle sue ricchezze e si fa garante di Bassanio presso Shylock, da lui inviso e che ha disprezzato e umiliato in pubblico e che, a sua volta, presta i suoi soldi ad Antonio, nella speranza di averlo poi in suo potere e poterne abbattere a sua volta la dignità.

Altri sentimenti e ideali forti e spesso contrastanti creano turbamento sconvolgendo gli animi di tutti i protagonisti: il disprezzo, l’odio, il rancore, il dolore, la sete di vendetta che non vuole ascoltare ragioni.

C’è, però, anche molto amore: innanzitutto l’amore di Antonio per l’amico Bassanio, un amore idealizzato e non consumato, così puro e totale da portarlo a voler sacrificare la propria vita per lui. Un amore che non mancherà di destare dubbi nel cuore di Porzia.

Ci sono l’amicizia e la gratitudine di Bassanio per Antonio; c’è l’amore tra Porzia e Bassanio. Ci sono poi moltissimi elementi leggeri e divertenti.

Il tono di commedia viene ampiamente rappresentato nella parte allegra e ironica che riguarda Porzia a confronto con i propri pretendenti.

Porzia è una donna bella, intelligente, colta ed emancipata diremmo oggi, costretta alla castità per volere del padre morto, che decise che avrebbe dovuto sposare solo l’uomo che avrebbe superato la prova degli scrigni.

Con ironia e sagacia, ma non senza una certa preoccupazione, si dimostra sempre rispettosa verso i suoi pretendenti non graditi, attendendo il giorno in cui Bassanio si deciderà a farsi avanti, già amandolo in cuor suo.

Dimostrerà poi intraprendenza e coraggio nel momento in cui si travestirà da giudice per dirimere il processo tra Antonio e Shylock, dando anche un’eccellente prova di retorica.

A cavallo delle due trame principali, poi, si muovono altri personaggi in atteggiamenti buffi o divertenti, a volte irriverenti, come Graziano, sempre in vena di scherzare, e Lancillotto, scaltro e astuto servitore di Shylock prima, passato sotto Bassanio dopo.

Al di là dei personaggi sono i sentimenti, gli ideali a dominare la storia e a permeare di sé l’intera vicenda. Questo grazie all’interpretazione di un grande e forte cast che riesce non solo a raccontare con brio e trasporto una storia complessa e articolata, ma anche e soprattutto a rappresentare dei tipi umani, a rendere vive delle modalità di pensiero e ad incarnare sentimenti forti e contrastanti.

All’immenso Carlo Ragone e allo straordinario Fausto Cabra il compito di interpretare Shylock e Antonio, personaggi principali e grandissimi nemici nella fede, ma soprattutto quello di diventare l’uno il simbolo della giustizia a tutti i costi, pur nel rispetto della legge, l’altro l’emblema della clemenza a dispetto della legge.

Carlo Ragone è immenso nel rappresentare il ricco usuraio nella sua venalità e nel suo cinismo, incarnandone la profonda umiliazione e l’odio feroce che ne deriva verso Antonio, non solo nel tono e nel registro, a volte cupo, altre stridulo, ma anche nella postura, nei gesti e nella camminata.

Fausto Cabra è grande e profondo nel difficile compito di interpretare Antonio, unico personaggio che percorre un viaggio emotivo a senso unico: egli è cupo e triste; ama Bassanio, unica luce nella sua vita, di un amore socialmente inconfessabile. E’ sempre fedele a se stesso, ai suoi valori cristiani, al proprio cuore. Mentre tutto intorno accade e si compie, egli affronta una terribile lotta interiore con se stesso e con la paura.

Cabra riesce a restituire questo drammatico tormento interiore attraverso la tensione fisica dei gesti trattenuti e della mascella contratta, attraverso sguardi torvi e pieni di malinconia, per alleggerire un poco la tensione solo quando parla con Bassanio, sottolineando così l’effetto che l’amico ha sul suo cuore.

Dall’altra parte c’è il meraviglioso personaggio di Porzia, interpretato con padronanza e capacità dalla bravissima Sara Putignano. Un personaggio che muta continuamente aspetto e voce attraverso sempre nuovi travestimenti e che ogni volta cattura.

Al suo fianco, in perfetta sintonia, una splendida Loredana Piedimonte è Nerissa, altro personaggio leggero della commedia.

Tra tutti gli altri è da sottolineare la brillante interpretazione di Lancillotto ad opera di Federico Tolardo: frizzante, brioso, dinamico, si muove veloce e leggero sul palco dimostrando ottimi tempi, e una grande e vivace capacità espressiva e mimico gestuale.

A dispetto del testo originale, qui l’ambientazione viene spostata negli anni tra la fine dell’800 e l’inizio del ‘900, anni che, al pari del periodo Elisabettiano furono eccitanti e contraddittori, ricchi di novità e progresso, ma lentamente velati da bui presagi.

In questo clima da Bella Epoque, Porzia è una fantasista che di fronte ai suoi pretendenti è sempre diversa e incarna un po’ il teatro in genere.

E così come a un certo punto dopo tanto andare avanti si torna un poco indietro, dopo tanta confusione è necessario placarsi, anche qui, dopo le travagliate vicende di Shylock e Antonio e i travestimenti di Porzia, c’è un momento di stasi in cui le relazioni tra i personaggi vanno a ridefinirsi.

L’epilogo riporta ad un interno borghese: Shylock non ottiene giustizia e perde tutto, costretto a lasciare metà del suo patrimonio allo Stato e a destinare il resto, dopo la sua morte alla figlia, Gessica, per la quale, scappata di casa e sposato un cristiano, Lorenzo, la vita coniugale sembra già risultare un po’stretta.

Bassiano va incontro alla sua vita con Porzia, segnata dall’incognita dell’amore di Antonio per lui e dal tradimento comunque compiuto da Porzia nel mascherarsi da giudice e nell’inscenare tutta la storia dell’anello.

Ad accompagnare le scene e ad intrattenere durante l’intervallo sono le musiche eseguite dal vivo dal Trio William Kemp, spesso accompagnate dalle belle voci soliste di Mimosa Campironi e Antonio Sapio.

Completano l’allestimento i sempre bellissimi e curati costumi di Susanna Proietti.

La scenografia è assente, forse per dar risalto ai personaggi e alle loro emozioni che permeano di sé la scena. E’ il teatro stesso a fare da scenografia con la sua struttura, grazie soprattutto alla porta centrale composta da pannelli girevoli specchiati da un lato utilizzati nei momenti di maggior movimento.

Il mercante di Venezia

traduzione di Loredana Scaramella

regia di Loredana Scaramella

Solanio                        MICHELE BARONIO

Antonio                       FAUSTO CABRA

Gessica             MIMOSA CAMPIRONI

Aragona, Lorenzo DIEGO FACCIOTTI

Marocco             PAOLO GIANGRASSO

Tubal, Doge, Gobbo ROBERTO MANTOVANI

Salerio                         IVAN OLIVIERI

Nerissa                         LOREDANA PIEDIMONTE

Porzia                         SARA PUTIGNANO

Shylock             CARLO RAGONE

Bassanio                     MAURO SANTOPIETRO

Stefano                       ANTONIO SAPIO

Graziano                    ANTONIO TINTIS

Lancillotto           FEDERICO TOLARDO

MUSICHE ESEGUITE DAL VIVO DAL

Trio William Kemp

Adriano Dragotta (Violino), Lorenzo Perracino (Sassofoni), Franco Tinto (Chitarra)