Tratto dal romanzo “Piccioni e farfalle fanno la rivoluzione” di Maurizio Mequio, edito da Terre Sommerse a marzo 2015, Piccioni e Farfalle fanno la rivoluzione. Amore alla Bastiglia è una storia urbana di disagio e riscatto.

Presentato al Doppio Teatro in due tranche di date in cui si alternano due cast differenti, sarà ancora in scena fino a domenica 29 novembre.

Un poeta, un passeggiatore del mondo, attento osservatore e acuto pensatore in crisi, si imbatte in una comunità difficile e problematica in uno scenario di periferia che può essere un posto, nessun posto e tutti i posti, perché un luogo è periferia se chi lo abita lo vive come tale.

Da questa comunità verrà accolto e invitato a mettersi alla guida del gruppo verso la rivoluzione: una rivoluzione pacifica, ma forte, basata sull’uso civile della parola.

Piccioni e Farfalle è un romanzo sociale che parla della gente e alla gente: gente semplice, ma vera: il benzinaio, il migrante, la prostituta, il poliziotto, il disoccupato, l’operaio; personaggi che a passi piccoli, ma decisi compiranno una poetica rivoluzione saldandosi in una comunità capace di iniziare a cambiare il proprio mondo con la leggerezza delle farfalle e la testardaggine dei piccioni.

Gente genuina, buona, a suo modo onesta; ragazzi che si divertono con poco, rotolandosi giù dalla valle, raccontandosi storie, buttando lì ogni tanto un discorsetto politico e fumando, qualche volta, una canna.

Ragazzi che sentono il bisogno di fare gruppo, di unirsi, di sostenersi perché la forza di uno sia la forza di tutti e la forza di tutti sia sostegno anche per uno solo.

Sullo sfondo il disagio sociale, il senso di inadeguatezza provato e imposto da un contesto di parte, un contesto sporco, corrotto, viziato; la povertà, la mancanza di lavoro, ma soprattutto di opportunità, la debolezza che trova sfogo nell’uso dell’eroina che distrugge sogni e speranze.

Ci sono, però, uomini e donne che si ribellano, che vogliono riprendersi la propria vita, magari cambiarla, indirizzarla verso qualcosa di positivo e costruttivo. Perché la rivoluzione parte dalle cose piccole e dalla storia di ogni giorno, dai piccoli gesti che compiamo quotidianamente, coinvolgendo gli altri, facendosi conoscere, facendo vedere che si vuole fare qualcosa per il quartiere.

Tra momenti divertenti e battute romanesche, Piccioni e Farfalle è una storia difficile, raccontata con un linguaggio diretto e rappresentata con veridicità e verosimiglianza.

Un reale progetto di cambiare il quartiere e arrivare a tutti con freschezza e immediatezza, tramite l’uso intelligente e civile della parola: la parola che accarezza, avvolge, svela, ma anche inganna e affabula.

“Voglio un mondo dove si parli, dove se incontri qualcuno per strada e lo saluti questo non si spaventi, voglio che ci rendiamo conto che in una città abbiamo una sola grande fortuna, quella di essere in tanti. In campagna c’è la natura, ma in città c’è l’uomo”.

Il testo è caratterizzato da un simbolismo semplice, perché appartiene ad oggetti di uso quotidiano, privo di artifici intellettualistici e ben reso sulla scena (il peroncino, per esempio, diventa quel particolare che caratterizza l’individuo rappresentando il riposo dal lavoro, lo stacco dal sacrificio).

Merito all’autore, Maurizio Mequio, per essere riuscito a raccontare una storia vera con un linguaggio fresco e originale: Piccioni e Farfalle è un romanzo moderno, semplice, ma poetico; rappresenta una realtà cruda e difficile, anche degradata, senza cadere in facili banalità, anzi mantenendo un livello alto, che passa con spontaneità dal politico al filosofico.

Merito anche al regista Riccardo Merlini che con la stessa spontaneità e forza d’animo ha raccolto l’intenzione dell’autore, interpretando in maniera leggera, ma penetrante il messaggio e l’essenza di Piccioni e Farfalle, restituendo un microcosmo completo dove ogni elemento ha una propria valenza, ma acquisisce maggiore valore insieme agli altri.

Merito, infine, al gruppo di attori che con questo regista hanno lavorato, accogliendo le sue richieste, ma facendo proprio ogni personaggio.

I protagonisti del romanzo sono tutti caratteri ben definiti e strutturati e l’intera complessità umana viene riproposta sul palco con immediatezza e naturalezza da questi bravi attori.

Così, passo passo, ci scorre davanti la vita della gente di quartiere, le paure, i sogni e le aspirazioni incarnati sul palco da questi ragazzi presi e calati in un mondo che gli appartiene e che condividono con la platea.

Il racconto diventa meta racconto: le vicende del quartiere di Primavalle, la sua rivalità con quello di Monte Mario, le lotte per la liberazione del parco dell’Insugherata diventano rappresentativi di uno sfondo sociale che tocca tutti, a qualsiasi livello.

Grazie all’interpretazione sensibile e impegnata di questi attori, ognuno può ritrovare in essi i propri ideali per cui lottare, la grinta per affrontare il confronto e lo spirito di condivisione per affrontare il percorso insieme ad altri. Ti fanno sentire il bisogno della rivoluzione, incitando al cambiamento e innescando la voglia di ribellarsi, di ricominciare e costruire.

Perché ognuno ha la sua Bastiglia da prendere e questi ragazzi dimostrano che non solo si può,ma si deve fare.

Chi sono questi attori?

Carlotta Sfolgori, Contessa, dimostra piglio e sicurezza in un ruolo forte; gestualità misurata, ma evocativa e sguardo penetrante. Presente, attenta, coinvolgente è perfettamente a proprio agio.

Daniele Mignemi, Er Poeta, per quanto preso nelle intenzioni, preparato e presente, ogni tanto sembra trattenuto; rappresenta un leader, un punto di riferimento e dovrebbe essere semplicemente un po’ più sciolto.

Giulia Spinelli, Valerio Macellari, Francesco Bonaccorso, Alessio Maria Maffei, si destreggiano con spigliatezza e simpatia ottenendo ognuno un buon risultato personale e riuscendo a creare un gruppo affiatato.

Lucia D’Ambrosio emerge per presenza e intensità, soprattutto nel momento in cui il suo personaggio, la prostituta, racconta la propria storia.

Piccioni e Farfalle fanno la rivoluzione. Amore alla Bastiglia.
Fino a domenica 29 novembre al Doppio Teatro.

Processo a Pinocchio, Premiato agli Oscar Italiani del Musical 2015 per le Migliori Musiche Originali di Marco Spatuzzi, approda per un’unica, grande data al Teatro Sistina ed è un trionfo!

Ho avuto già modo di parlare di questo bellissimo spettacolo, ma mi sembra giusto tornarci sopra per sottolinearne ancora il grande valore.

Processo a Pinocchio è uno di quei Musical Off (era tra l’altro candidato finalista in questa categoria sempre agli Oscar Italiani del Musical) che fanno grande questa categoria e che meritano la promozione nei grandi teatri e in grandi cartelloni.

Un grandissimo lavoro scritto e diretto dalla mente fervida e geniale di Andrea Palotto che tanto ha combattuto per questa sua creatura affinché potesse avere l’attenzione che merita.

Processo a Pinocchio è, come recita il sottotitolo, una psico commedia noir a carattere musicale dall’intreccio e dalla trama perfetti.
Psico: i protagonisti hanno tutti caratteristiche piuttosto bislacche e patologiche.
Commedia: si ride tantissimo.
Noir: c’è un morto, un omicidio da risolvere e un contesto alquanto misterioso.
A carattere musicale: una colonna sonora bellissima che, non per niente, si è aggiudicata il premio per le Migliori Musiche Originali agli Oscar Italiani del Musical.

Oltre a tutto quello già scritto nella mia precedente recensione, voglio sottolineare la bellezza e il fascino di questo testo scritto con l’abilità del romanziere e del giallista più abile e creativo.

Il testo racconta una fitta storia fatta di eventi concatenati che si infittiscono come la più intricata delle trame; un ordito di fili che costituiscono una meravigliosa composizione pur mantenendo la propria individualità e la caratteristica di poter essere sempre identificati.

Mano a mano questi fili vengono tirati modificando ogni volta la trama in nuovi, inaspettati disegni.

Novanta minuti di ritmo e battute incalzanti; un intreccio intelligente, sottile, arguto con l’inserimento di frasi e oggetti che poi sveleranno il loro simbolismo ritornando con evidenza disarmante nella soluzione finale del mistero come nei migliori thriller.

Processo a Pinocchio è, però, anche uno spettacolo divertente, che gioca con ironia su situazioni surreali dove labile è il confine tra realtà e immaginazione (“qui nulla è quello che è”).

Un testo frizzante, un linguaggio a volte scomodo e irriverente, ma sempre in linea con l’intreccio drammaturgico.

La musica e le liriche originali di Marco Spatuzzi, suonate dal vivo da Federico Zylka al pianoforte, Tiziano Cofanelli alla batteria e Andrea Scordia al basso, bellissime e coinvolgenti, sono incastonate nel testo come integrazione e continuo del recitativo, diventando parte di un tessuto narrativo che agisce su più livelli.

Le bellissime voci dei protagonisti, pur uniche e calde ognuna nella propria specificità, si amalgamano in una polifonia affascinante.

Sarebbe bello ne venisse estratto un CD.

La scenografia e l’impianto luci (di Daniele Ceprani) completano un quadro perfetto, giocando sui colori sgargianti dei puff e la particolarità dei costumi (di Bianca Borriello) e degli accessori di scena e creando chiaro scuri che mettono in risalto l’una o l’altra scena dividendo tempo e spazio, realtà e immaginazione.

Ottima prova per un grande cast.
Cristian Ruiz dimostra di essere un generoso mattatore che sa dosare tempi e spazi lavorando in sinergia coi colleghi.
Luca Giacomelli Ferrarini ricopre un ruolo che gli sta forse un po’stretto, abituati come siamo a vederlo in interpretazioni più esasperate e travolgenti; un personaggio difficile perché tratteggiato più in ombra rispetto agli altri.
Brian Boccuni dà ancora una volta prova di grandi capacità attoriali e canore lasciando una grandissima curiosità di vederlo presto in altri ruoli, come capiterà con l’imminente Sister Act.
Debora Boccuni, che è anche responsabile dei movimenti coreografici, è travolgente nel suo ruolo di moglie bipolare.
Elena Nieri, da poco apprezzata nei panni di una delle Divas in Priscilla, dà prova di grandissima versatilità ed energia.
Valentina Arena, che sostituisce Nadia Straccia, fa suo il personaggio della madre invadente e rigida dominandolo a pieno.

L’auspicio è che spettacoli come Processo a Pinocchio, Ti Amo Sei Perfetto, Ora Cambia, Trasteverini e Ciao Amore Ciao, possano abbandonare la pur onorevole categoria di Musical Off (che spesso consente di poter osare maggiormente con idee innovative) per assurgere al livello del Musical vero e proprio portando rinnovamento in un settore che spesso si basa su cliché consolidati.

FILOMENA MARTORANO i fii so’ fii 

Di E. De Filippo Adattamento e regia di Andrea Monti Musiche di Teresa De Sio

Filumena Marturano è, tra le commedie di Eduardo, la più rappresentata in tutto il mondo.

Ad interpretarla, insieme al grande Eduardo, sono state altrettante grandissime interpreti del teatro italiano: Titina, Regina Bianchi e Pupella Maggio. Celebre la versione cinematografica di Vittorio De Sica con Sofia Loren e Marcello Mastroianni.

Filomena Marturano è stata inoltre tradotta in molte lingue senza mai perdere la forza del testo originario di Eduardo.

La storia resta attuale e forte pur nel trascorrere degli anni; d’altronde la famiglia è sempre un tema sociale importante che oggi ha trovato molte declinazioni nuove e differenti.

Anzi, forse oggi, più di allora, Filomena Marturano diventa il simbolo dell’amore per la famiglia e dei sacrifici che una madre è disposta a fare per i propri figli, sopportando dolori e afflizioni, offese e ingiurie, soffrendo la fame e la miseria con dignità.

L’elemento fondamentale e caratterizzante di questo spettacolo è la trasposizione del testo dal napoletano al romanesco: una sfida pienamente vinta.

Andrea Monti riesce a mantenere intatti il fascino e la potenza delle parole di Eduardo pur utilizzando un dialetto diverso, ma che non è da meno per energia, colore, espressività e forza simbolica; anzi, devo proprio dire che mi è piaciuto moltissimo il risultato, molto naturale e spontaneo, che avvicina maggiormente il testo al pubblico romano.

Nonostante la svolta linguistica, il testo viene accompagnato da musiche dal sapore partenopeo; musiche e liriche intime e intense di Teresa De Sio che accompagnano momenti di ballo a metà tra pizzica e tarantella.

Scelta dettata forse dalla volontà di non far perdere del tutto il contatto col testo originale, con la cultura di provenienza; un’altra scelta vincente perché queste liriche restituiscono una carica emotiva forte che ben si unisce alle parole recitate.

Avrei fatto a meno di un paio di intermezzi divertenti e giocosi che avranno avuto probabilmente il compito di alleggerire la tensione narrativa, riportando un po’ di Napoli nell’impianto scenico, ma che non erano necessari perché la storia proseguiva fluida senza pesantezza.

La scenografia è fatta di elementi semplici, ma d’effetto: gli oggetti di scena (vasi di fiori, bicchieri, eccetera) sono sagome in legno, lineari, senza profondità, ma illuminate ad effetto da un bellissimo gioco di luci, quasi a volere alleggerire tutto ciò che può trovarsi intorno alla parola, per lasciarle tutto lo spazio e il valore che merita.

Bellissima la scena finale che restituisce la vitalità e la gioia della famiglia ritrovata.

Filomena Martorano è nel complesso un buono spettacolo; non tradisce l’originale pur mutandolo nell’espressione linguistica, ma non nel significato e nell’enfasi.

Bravissima la protagonista, Lisa Recchia; interpreta Filomena con carattere, forza d’animo, caparbietà, sfrontatezza e grande energia. Il suo sguardo è sempre tagliente, penetrante, non cede mai ad un sussulto o ad un’incertezza come anche la recitazione.

Bravo Max Brungolo nel ruolo di Domenico Sorano, anche se non riesce a costruire un personaggio altrettanto forte come quello di Filomena in grado di contrastarla per quasi tutto lo spettacolo.

Una buona prova per tutti; cito solamente Marianna Flammini, che interpreta Lucia, la cameriera, perché spicca un po’ più degli altri per prontezza, scioltezza e spigliatezza.

Di seguito l’intero cast.

Filomena Martorano: Lisa Recchia

Domenico Sorano, detto Mimmo: Max Brugnolo

Alfredo Amoroso: Francesco Nicolai

Rosalia Solimene: Patrizia Guardati

Diana, giovane fiamma di Sorano: Roberta Provenzani

Lucia, cameriera: Marianna Flammini

Umberto, studente: Matteo Nazzarri

Riccardo, commerciante: Simone Carchia

Michele, operaio: Daniele Flammini

L’Avvocato Nocella: Mauro Corso

Facchino: Francesco Tulli

Teresina: Nicoletta Tulli

Carmelina: Giorgia Valeri

Cast Tecnico

Compagnia Teatrale: Dupla Carga

Musiche: Teresa De Sio

Aiuto Regia: Matelda Sabatiello e Mattia Carchia

Coreografie: Nicoletta Tulli e Giorgia Valeri

Costumi: Angela di Donna e Valentina Di Geronimo

Scene: Giorgia Rauccio, Simona Gandola, Mariagrazia Iovine

Disegno Luci: Mauro Guglielmo