Peep Arrow Entertainment e Il Sistina

presentano

BILLY ELLIOT

testi e libretto di Lee Hall   dal film di Stephen Daldry
musiche di Elton John

regia, traduzione e adattamento
Massimo Romeo Piparo

Se, come me, avete in mente il film di Billy Elliot, scordatevelo o commetterete lo stesso mio errore di non riconoscere scene e temperamento dei personaggi e rincorrere continuamente un ricordo. La cosa che va subito evitata vedendo Billy Elliot – Il Musical è quello di aspettarsi che segua l’andamento del film.

Billy Elliot – Il Musical è la trasposizione (fedele mi dicono) di quello inglese che io non ho mai visto.

Una volta capito questo e superato il disagio iniziale, ci si può godere un bello spettacolo, forte in molti punti, ma non del tutto convincente.

Comincerò coi punti di forza, che sono molti e importanti.

Prova attoriale e musicale dei protagonisti e dell’ensemble superata.

Luca Biagini interpreta con la giusta scontrosità caratteriale e poi sensibilità il padre di Billy; Sabrina Marciano è un’energica e combattiva Mrs. Wilikinson; Donato Altomare è perfetto nei panni di Tony, il fratello di Billy; divertentissimo e sorprendentemente sciolto Maurizio Semeraro nei panni del pianista; bene Sebastiano Vinci in quelli del sindacalista; simpaticissimo Jacopo Pelliccia, George.

Menzione a parte per Cristina Noci, la nonna di Billy, semplicemente straordinaria: simpatica, energica, frizzante, briosa; una grandissima interpretazione.

Altra menzione di merito per Christian Roberto, Michael, l’amichetto di Billy: Christian è un fuoriclasse! Bravissimo  e completo, canta, recita e balla come un professionista ed è simpaticissimo; dimostra sicurezza e padronanza oltre ad una grandissima spontaneità.

Ottima performance per tutto l’ensemble: unito, con una grande energia ed una coralità ben amalgamata, regala ogni volta l’emozione di ogni scena.

Particolarmente riusciti i quadri in cui poliziotti e manifestanti si incontrano e si scontrano a passi di tip tap: si vede tutta l’impronta del grande Marco Rea e spicca il talento di Giuseppe Galizia.

Bellissime le scenografie che, grazie all’uso di binari scorrevoli accompagnano con facilità da una scena all’altra: abbiamo così la casa di Billy, la palestra, la scuola di danza, il Royal Ballet e la miniera…Bella e giusta l’ambientazione scenica, che ricrea lo stile dell’epoca.

Suggestivo l’uso degli specchi quando Billy vede se stesso da grande oppure la madre comparirgli in un sogno ad occhi aperti come anche l’uso delle ombre quando vede nella sua se stesso riuscire a ballare.

Molto bella la colonna sonora suonata dal vivo da una formidabile orchestra, fiore all’occhiello dello spettacolo.

Carinissime e divertenti le bambine /ragazze della scuola di danza, in particolare Claudia Mangini, la piccola Debbie.

Eppure, nonostante tutte questi lati più che positivi, Billy Elliot – il Musical non mi ha emozionato.

Innanzitutto troppe parolacce: passi l’ambientazione, passi l’epoca, passi la situazione sociale, ma tutto quel turpiloquio su un palco dove ci sono tutti quei bambini e per uno spettacolo visto da tanti bambini è totalmente inadatto e fastidioso.

Tra l’altro dicono parolacce, ma poi non pronunciano la parola omosessuale o gay, ma “fru fru”: ridicolo.

Si può mantenere un tono duro e di contestazione utilizzando altre parole della lingua italiana e lasciando la parolaccia da parte o utilizzarla in certi singoli sporadici contesti per rendere più forte una scena, ma non tutto lo spettacolo.

Le coreografie, a parte le scene dove si balla tip tap, sono piuttosto semplici.

Purtroppo non ho apprezzato tutta questa concentrazione della storia sulla vicenda dei minatori. Ripeto, so che questo spettacolo è la trasposizione del musical originale inglese e la storia è raccontata così, però in un Musical che si intitola Billy Elliot, io voglio vedere Billy Elliot!

Alla fine la storia è quella di un bambino che vuole danzare e che insegue il suo sogno con passione e determinazione: questa passione non c’era.

Ieri, a interpretare Billy, c’era Simone Romualdi, cover di Alessandro Frolla: lungi da me parlar male di un bambino. Io parlo delle scelte fatte, di come avrei voluto vedere rappresentato il desiderio di ballare e la sofferenza, la rabbia, la frustrazione del trovare impedimenti a farlo.

Se vuoi impostare uno spettacolo sulle proteste dei minatori britannici, devi darmi un Billy Elliot che quando c’è spacca! Voglio vedere la danza, la passione, il luccichio negli occhi! Voglio vedere un corpo che freme per correre e danzare!

Devi sbattermi in faccia la danza, me la devi far arrivare forte addosso in quei momenti in cui compare Billy sul palco.

E’ possibile farlo se da tanti anni Billy Elliot è rappresentato nel mondo, se è stato trovato un attore adatto per il film e se, per esempio, esistono ragazzi come il piccolo Christian Roberto che sono già artisti!

TRITTICO FURIOSO
focus ricci/forte
drammaturgia ricci/forte
regia Stefano Ricci

con Giuseppe Sartori, Fabio Gomiero
Liliana Laera, Marco Angelilli
Claudia Salvatore, Cinzia Brugnola
Chiara Casali, Ramona Genna
Blanche Konrad, Piersten Leirom
Mattia Mele, Simon Waldvogel
Desiree Giorgetti
movimenti Marco Angelilli

IMITATIONOFDEATH – Teatro India, 19 maggio 2015

Il Trittico Furioso è concluso, l’esperienza è completa: sebbene in un percorso non cronologico, ma esistenziale e sensoriale, il viaggio è compiuto.

Imitationofdeath conclude/prosegue/interrompe il flusso drammaturgico di Ricci/Forte rappresentato del Trittico Furioso.

Dei tre, questo è il lavoro sicuramente più criptico, meno recitato e più rappresentato: il più difficile da capire, il più lento ad arrivare, non solo perché meno testuale, quanto per il condensarsi di immagini, simboli e rappresentazioni complesse, quasi mai accessibili immediatamente e non sempre necessariamente collegate le une alle altre in maniera diretta.

Anzi si tratta di un flusso molto spesso discontinuo di immagini e rimandi che sovvertono il comune vedere delle cose, ma sondano l’anima restituendone  una rappresentazione capovolta come quegli specchi che si trovano nei Luna Park.

L’immagine è reale, perché lo è l’essere che si specchia, ma viene restituita in una prospettiva diversa, ribaltata, a volte deformata senza perdere mai il senso realistico, ma semplicemente rappresentando un’altra realtà.

Si avverte in questo lavoro uno slittamento della drammaturgia “riccifortiana” verso un profondo nichilismo e verso un non detto che non può essere nominato perché imperscrutabile.

Il nemico, in questo caso, non è facilmente identificabile: non è un sentimento preciso a cui poter dare un nome, ma più un malessere dell’anima.

Tredici corpi sono stesi a terra, ancorati ad un suolo che non li vuole lasciare andare; tredici anime respirano se stesse in sacchetti di carta; tredici corpi abbandonati alla terra che vuole inghiottirli combattono con tutte le proprie forze per sollevarsi, per mettersi in piedi eretti.

Uomini e donne tentano, tra urla di dolore, grida di disperazione, convulsioni, contorsioni e contrazioni, di staccarsi da un terreno che li trattiene, da una società che li nasconde nella massa senza nome, per sollevarsi ad un livello umano e imporre le coscienze individuali contro una incoscienza globalizzata.

Un parto, anzi tredici parti: dalla terra, dal suolo, tredici corpi che respirano artificialmente, tentano la propria rigenerazione.

Una volta in piedi, restano pesantemente ancorati al suolo/presente/fintomondoreale con enormi zavorre ai piedi che verranno eliminate a fatica in un viaggio di liberazione collettivo, durante il quale ognuno indosserà un piccolo travestimento.

In una lenta processione di gruppo, uomini e donne si mischiano continuamente, alzandosi, abbassandosi, strisciando l’uno sotto o sopra l’altro, sempre avanzando verso un nastro da scena del crimine o lavori in corso.

E’ in atto un processo di presa di coscienza; il nastro viene tagliato, comincia la vita: dolcetto o scherzetto? Vivi o morti?

Il risultato non è la scoperta della vita, ma del suo contrario che non è necessariamente la morte, quanto una non-vita, l’inumazione di ogni identità.

La morte non è necessariamente l’assenza di respiro e delle funzioni fisiologiche e neurologiche quanto la mancanza di possibilità, l’impossibilità di essere considerato come individuo, la negazione dell’essere.

Allora la morte non è quella fisica, ma è morte tutto ciò che finisce, che resta incompiuto. Ogni desiderio frustrato, ogni inclinazione non assecondata, ogni ideale abortito e non difeso, ogni fallimento, ogni compromesso è una morte. Si muore ogni giorno e ogni giorno di più e in questo girotondo la coscienza annichilisce e si sopisce.

I rapporti si consumano freddi e impersonali tra prepotenti giochi di potere.

Per assurdo si vive di più nel momento in cui si muore, allora l’esistenza comincia ad essere vissuta come un’imitazione della morte e non è più se stessa, ma una parvenza di esistenza, un riflesso opaco. “Solo l’assenza di vita permette di esprimere la vita (…); il cuore si è fatto insensibile”.

Allora tutto è una corsa verso la ricerca di un’individualità persa, una rincorsa alla conquista dell’Io, alla disperata ricerca di un’autoaffermazione.

Uomini e donne, risvegliatisi dal torpore vegetativo, tentano di uscire dal buio della caverna per afferrare gli oggetti reali di cui vedono solo le ombre proiettate: è una lotta tra zombie, non morti, uno spietato duello verso l’affermazione di sé e dei propri ideali.

Un’analisi di se stessi, delle  proprie paure e dei propri limiti  nel tentativo di costituirsi come individuo e di essere riconosciuto come tale da una società non vedente.

Desideri, aspirazioni e sogni vengono urlati a squarciagola con disperazione, come se a dirli a voce alta avessero più forza di diventare reali, ma le voci del mondo ti soffocano, ti sopraffanno, ti soverchiano, la giostra continua a girare con quella musica forte, ipnotizzante che copre le urla.

Sempre in bilico tra vivere e sopravvivere, con il bisogno di esplodere che muore in una dolorosa rassegnazione.

Le domande esistenziali escono allo scoperto per cercare una risposta che dia una soluzione di senso, ma ogni tentativo viene  frustrato da una società soffocante che venera con devozione una madonna disperata e sofferente e porta in processione come un cristo privo di capacità di opporsi l’ultimo prodotto mediatico salito agli allori.

La fama è un cristo rassegnato che tutti vogliono toccare: un corpo vuoto, vivo, ma non vissuto.

Alla fine la rassegnazione è l’unica alternativa; non una soluzione, ma l’unica dimensione in cui è possibile fingere di continuare a vivere: ognuno si racchiude nelle proprie ossessioni trovando il conforto di una finta vita in oggetti che diventano destinatari di tutta la passione: bambole, medaglie, indumenti, libri, riviste, chincaglierie, medicine, alimenti, ognuno resta solo con le proprie manie perché è l’unico modo che ha per vivere ed essere, isolandosi da ciò che è fuori e lo ha ferito e può ferirlo ancora.

E’ l’ossessione per quegli oggetti che ci hanno fatto compagnia per tutta la vita senza mai deluderci e verso i quali possiamo convogliare il nostro essere come in un nascondiglio sicuro.

Come per gli altri lavori del Trittico Furioso, Still life (2013) e Macadamia nut Brittle, il linguaggio di Imitationofdeath è crudo e reale e più degli altri è fisico. Meno testo, seppur efficace e illuminante, e più agire: corpi che si muovono senza sosta, che corrono in ogni direzione, saltano, si incrociano, si accavallano, si uniscono, si respingono, sudano,  soffrono, gemono, anelano, vivono, muoiono.

Fondamentale per tutto questo linguaggio fisico il ruolo di Marco Angelini, ideatore e coreografo dei movimenti scenici, tra l’altro presente in scena: punto di riferimento per questo gruppo di magnifici artisti che sono anche atleti, nel corpo e dello spirito.

Il linguaggio figurativo e immaginifico di Ricci/Forte raggiunge un’altissima complessità in Imitationofdeath: una vera e propria orgia di corpi, gesti, ansimi, respiri, simboli e oggetti.

Muscoli tesi, nervi al limite; organi sessuali in bella mostra, ma vilipesi, offesi. I corpi esprimono i movimenti dell’anima in questa continua tensione verso un punto indefinito e irraggiungibile.

Parte integrante dello spettacolo una colonna sonora composta da musiche di generi diversi e distanti, dall’elettronica alla musica tradizionale, che non solo accompagna le scene, ma quasi le determina, caratterizzandole nelle  loro diverse valenze di significato.

Stesso scopo e potere hanno le luci, in una continua agonia tra buio e luce, fasci intermittenti di luce al neon volti ad accendere e spegnere ogni volta le coscienze.

Magnifica prova collettiva per questi attori che coi loro movimenti scomposti e concitati, irruenti e convulsi, e i loro sguardi dolorosi e tragici, assetati di vita, ma vitrei per la frustrazione, spesso puntati sul pubblico, riescono a scuotere le coscienze degli astanti.

Attori messi alla prova, come se non bastasse, anche da due momenti di improvvisazione molto interessanti, uno recitativo,  l’altro coreografico, e che dimostrano, ancora una volta, una piena adesione al progetto di Ricci/Forte, mettendosi totalmente a disposizione del loro lavoro.

Eppure resta una sensazione di discorsi interrotti, di scene a se stanti non perfettamente in linea le une con le altre (intenzione o difetto di forma?); c’è discontinuità, una sorta di singhiozzo dell’anima. E’ come un disco in vinile che gira sotto una puntina consumata: la musica è la stessa, ma ogni tanto salta.

Macadamia nut brittle

15 | 17 maggio .15

TRITTICO FURIOSO

focus ricci/forte

drammaturgia ricci/forte

regia Stefano Ricci

con Anna Gualdo, Giuseppe Sartori

Fabio Gomiero, Piersten Leirom

movimenti Marco Angelilli

Produzione ricci/forte

in collaborazione con Garofano Verde

Si sta svolgendo in questi giorni, presso il Teatro India, ricettacolo culturale e meraviglioso spazio geografico e mentale della Capitale, il Trittico Furioso di Ricci/Forte.

E’ andata in scena ieri la prima delle tre repliche previste per Macadamia nut brittle.

Macadamia nut brittle è, cronologicamente, il primo spettacolo che compone il Trittico Furioso;  presentato per la prima volta nel 2009, ha riscosso un immediato successo.

In questo allestimento al Teatro India, invece, l’ordine delle opere è stato sovvertito, con l’intento, probabilmente, di cercare un unicum che le colleghi, un filo rosso che, pur nel mischiare le carte, consenta allo spettatore di tirare le somme della drammaturgia di Ricci/Forte.

Macadamia nut brittle è un’opera in cui la poetica e la drammaturgia dei due autori è forse maggiormente espressa e condensata: l’esprimersi per immagini; il continuo simbolismo; il racconto della vita delle vite sempre crudo, reale, selvatico; l’uso di un linguaggio quotidiano;  il sesso come mero strumento e unica arma di comunicazione-non-comunicazione; l’utilizzo esasperato dei luoghi comuni dei nostri giorni, degli eventi sociali che caratterizzano la società di oggi.

Esasperazione che è specchio stesso del costume contemporaneo, in cui tutto è sbattuto in faccia, tutto è alla mercé di tutti senza essere realmente disponibile.

Il Macadamia nut brittle è un delizioso gelato della Haagen Dazs con base alla vaniglia, pezzi di noci di macadamia caramellate e crema mou confezionato in un accattivante barattolo colorato: strati di gusti diversi e diverse sensazioni al palato, così come il sesso può essere declinato in molti modi e appartenere a molti e diversi gusti; confezione ricca e appariscente così come il corpo deve essere sempre atletico e piacente per invitare ad un godimento immediato.

Il mondo suggerito/propinato/imposto dai media è un mondo di consumismo materiale ed esistenziale: si è reali solo se si è visti da qualcuno, meglio se questa visibilità è una notorietà di massa; si esiste solo se metti la tua vita sui vari social network o se compari in una qualsiasi trasmissione televisiva.

L’individuo si scioglie nella massa e la massificazione obnubila le menti e soffoca l’individualismo.

Siamo tutti prodotti commerciali di un mondo che ci vuole in un certo modo.

In un simile contesto è difficile crescere per un adolescente, capire quale possa essere il suo ruolo nella società; i parametri a cui conformarsi sono tanti e labili e mutano in continuazione. In questo mutamento centrare se stessi diventa difficile perché mancano punti di riferimento solidi, stabili e di valore.

Macadamia nut brittle è la storia di tre adolescenti che vivono la loro vita adeguandosi a questa  società massificata che sostituisce i contenuti col contenitore, obbligando ad apparire e annientando l’essere.

Ad essi fa da contraltare una donna, appassionata di serie televisive tanto da farne l’unico motivo di esistenza in cerca, però, di punti di riferimento in un mondo privo di amore.

Macadamia nut brittle racconta di un’adolescenza che sembra non finire mai e in cui ogni atto, gesto e parola sono conformi ai messaggi mediatici che provengono da tutto ciò che ci circonda.

Allora, in un mondo così falsato, in cui le mode e le tendenze cambiano repentinamente, tutto va consumato freddo; tutto deve essere ottenuto e sfruttato subito.

Non esiste l’attesa, ogni cosa deve essere immediatamente disponibile e catturata prima che la prenda qualcun altro.

I personaggi di Macadamia nut brittle sono adolescenti decentrati che non hanno avuto modo e tempo di scoprire se stessi; vivono tutto come se fosse una serie televisiva, paragonando ogni aspetto della propria esistenza con i telefilm o le soap opera, cercando in ogni persona che incontrano qualcosa che possa ricordare loro un divo della tv, sperando di poter esser essi stessi somiglianti a qualche volto noto.

Non esistono forme pensanti, i pensieri vengono già offerti precostituiti dai media.

In questo mondo finto e bugiardo, l’individuo si annichilisce e perde la propria progettualità. Non esiste la voglia di crescere perché il futuro è già finito.

Esiste una pandemia dettata da un peccato originale che non è cancellabile: il domani non esiste, la vita è una corsa verso il buio. Si finge solo che qualcosa abbia un senso.

Eppure sotteso a tutto questo c’è sempre una grande ricerca di amore, un bisogno viscerale di amare e di essere amati.

Si genera allora un vuoto esistenziale profondo e apparentemente incolmabile: un vuoto di senso, un vuoto a perdere, una vita a perdere.

Siamo individui usa e getta, viviamo relazioni usa e getta, creiamo pensieri con la data di scadenza.

Anche il sesso, allora, diventa fine a se stesso, puro godimento temporaneo, nient’altro che istinto camuffato dalla fantasia personale che fa illudere il soggetto che sia amore.

Il sesso diventa solo un riempitivo: riempire ed essere riempiti fisicamente per colmare un vuoto che non finisce mai. Anzi, il vuoto aumenta sempre più e il sesso deve prendere forme sempre più estreme per poter occupare quello spazio infinito, quel buco nero dell’anima (“una cicatrice ti ricorda che sei stato qualcuno per qualcun altro”).

Eppure c’è un barlume di risveglio, si avverte un ridestarsi della coscienza: nel momento in cui “i tuoi sogni finiscono qui, sei fuori dal gioco” è allora che capisci che devi crescere, che devi uscire da quel guscio fatto di niente e diventare grande; devi fuggire dalla fantasia e abbandonarne i suoi eroi.

E allora questi “eroi” muoiono e la nostra coscienza ne prende atto preparando per loro un bel funerale. Arriva il momento di togliersi di dosso quella pelle, di strapparla via da noi, con dolore perché ormai è talmente attaccata a noi da sembrare vera. Fa male: si soffre nello scoprire di essere grandi.

E’ ora di crescere: “questi siamo; noi tutti a farci male; ci confezioniamo il nostro teatrino umano. Bisogna imparare a vivere soli, terremotati da noi stessi”.

Sul fatto se ci si riesca o meno c’è un contraddittorio in corso.

Il mio punto di vista, la mia interpretazione è stata nichilista: alla fine non si cresce, ognuno indossa nuovamente la propria maschera e torna nel suo mondo fantastico. C’è un tentativo di uscire fuori e affermarsi come individuo, ma mancano il coraggio e la forza. Si sta meglio in un mondo dove tutti mentono.

Eppure, parlando con lo stesso Stefano Ricci, autore insieme a Gianni Forte e regista, l’intenzione era totalmente diversa: una volta presa consapevolezza della necessità umana reale di crescere, allora, possiamo impossessarci nuovamente della nostra fantasia e dei nostri eroi, filtrandoli, però, questa volta, con una nuova consapevolezza.

C’è una voglia di riscatto; abbiamo bisogno di portarci appresso qualcosa di un tempo andato, di una giovinezza perduta, qualcosa un cui ci si possa accoccolare ogni tanto.

Macadamia nut brittle è sicuramente uno splendido spettacolo sul desiderio di rimanere sempre giovani che molti di noi (tutti?) vivono; rappresenta la paura di lasciare un mondo comodo, facile, per prendersi la responsabilità di se stessi, delle proprie azioni e prendersi cura degli altri; la paura di lasciare un mondo in cui basta apparire per esistere e non devi necessariamente essere, anzi in cui è richiesto di non essere, di non portare alcuna individualità.

Uno spettacolo complesso, non c’è che dire, e non immediato: gli elementi costitutivi sono talmente tanti e il ritmo così serrato che non è possibile bloccarli al volo come in un’istantanea (oggi, forse, dovrebbe dirsi come in un selfie).

C’è bisogno di lasciare sedimentare le immagini e far sì che salgano dall’inconscio e tornino alla mente per poterle decifrare.

Anche il linguaggio, sebbene sempre semplice e diretto, senza fronzoli semantici, va ad aggiungersi ai diversi livelli strutturali dell’opera creando un poliedro che va visto e interpretato in tutte le sue facce.

Rispetto a Still life (2013) sicuramente Macadamia nut brittle è un testo più complicato sia nella gestione scenica da parte degli attori, che per la comprensione da parte dello spettatore.

Là, i vari livelli erano sullo stesso piano, avvicinati e immediatamente fruibili, qui lo spettatore è chiamato ad uno sforzo maggiore, e questo ci sta benissimo, perché i temi affrontati e i modi utilizzati sono su registri diversi.

Macadamia nut brittle è un lavoro in cui lo sforzo fisico dei protagonisti è portato all’eccesso; gli attori sono atleti su un campo sportivo; poche le scene statiche. Tutto è un correre e rincorrersi, un prendersi, afferrarsi, scagliarsi contro l’altro e dall’altro fuggire.

Marco Angelilli ha fatto anche qui un enorme lavoro.

Oltre alla grande prova fisica, va sottolineato che nella prima parte di questo intenso spettacolo, c’è un meraviglioso pezzo di improvvisazione che vede protagonisti i quattro attori in serrati monologhi legati l’uno all’altro: gli attori sono chiamati ad interpretate la scena improvvisando su un canovaccio comune e mantenendo una continuità ognuno con il discorso che lo ha preceduto. E’ questo un grandissimo momento dello spettacolo che dà conferma della eccezionale capacità attoriale di questi interpreti.

Anna Gualdo, protagonista storica di questo spettacolo sin dall’inizio, oltre ad essere una grandissima interprete, è una donna d’acciaio: viene presa, sollevata, sbattuta, picchiata, ma è lì, resiste tenace e forte, dimostrando una preparazione e concentrazione sconcertanti.

Fabio Gomiero, entrato, se non erro, nel 2010 in questa produzione, è splendido; così intenso, con lo sguardo ferale, la bocca che sembra una lama di coltello pronta ad aggredirti; così convincente nel suo masochismo autolesionista. Sempre preciso e centrato nel proprio ruolo.

Giuseppe Sartori, altra colonna presente sin dall’inizio di quest’avventura (2009), è un colosso; adoro il suo modo di recitare, la sua voce, lo sguardo a volte fiero, altre cattivo; il modo in cui gli occhi danno senso alle parole. Ha un tono e un registro di voce che catturano la mente. Splendido  nel monologo sulla madre, Giuseppe è ipnotizzante. La sua fisicità messa al servizio delle opere di Ricci/Forte dà un risultato sublime.

Piersten Leirom alla sua prima apparizione in questo spettacolo di Ricci/Forte si inserisce perfettamente nel gruppo già costituito creando subito grande affiatamento; bravissimo e divertente, potrà offrirci belle e grosse sorprese.

Macadamia nut brittle è una grande opera di spessore dove è evidente la completa adesione degli attori al progetto drammaturgico, che viene vissuto e condiviso con passione.

E’ un grido d’amore disperato, dove l’amore è sempre cercato e rincorso; è uno schiaffo in pieno viso, una scossa elettrica per risvegliare le coscienze sopite dalla globalizzazione mistificatrice.