Teatro Quirino

8 marzo 2016. Prima

Modigliani è la storia intensa e appassionata  della vita di Amedeo Modigliani, il pittore delle donne dal collo lungo, una vita piena di eventi e densa di emozioni.

Raccontare la vita e l’opera di Modigliani è aprire una finestra su un periodo storico importantissimo e vitale per la cultura europea dell’inizio del ventesimo secolo e non si può narrare di Modigliani senza  ricordare le sue grandi storie d’amore, soprattutto l’ultima, con Jeanne Hébuterne, che avvicina i due innamorati alla tragica coppia degli amanti di Verona, Romeo e Giulietta.

Allora, la vita parigina di Modigliani, una vita densa, dissoluta, usata e abusata viene raccontata attraverso la sua intensa frequentazione delle donne, in particolare delle quattro donne della sua vita, che scandiscono anche quattro diversi periodi della sua arte.

Donne completamente diverse tra loro per provenienza, cultura ed estrazione: donne forti, ma anche dolci, sensuali, ma decise. Donne diverse tra loro, ma disperatamente innamorate.

Conosciamo, così, passo passo, Modigliani uomo, dalla prima esperienza con il nuovo mondo parigino bohémien e con le sostanze stupefacenti del tempo, hashish, oppio e assenzio, fino all’uso costante e all’abuso delle stesse che, insieme all’alcool lo porteranno a vivere in condizioni devastanti sempre più spesso e sempre più pericolose per la sua salute e il Modigliani artista, lontano dalle convenzioni, intento non a rappresentare la realtà, ma ciò essa nasconde all’interno, appassionato di scultura a tal punto da preferirla alla pittura, in cerca di affermazione, ma quasi spaventato dall’idea del successo.

La storia di Modì e la stessa narrazione seguiranno un percorso biografico fatto più di emozioni che di eventi: verranno ricordati nomi di artisti del tempo e fatti, ma, più che altro, si racconteranno le emozioni dell’animo tormentato e sofferente di un uomo e un artista chiuso e schivo, e delle donne che lo amarono e tentarono di aiutarlo e cambiarlo.

Conosceremo, allora, Kiki de Montparanasse, la prostituta e modella, famosissima nell’ambiente, che lo introdusse al mondo bohémien e ai suoi eccessi; Anna Achmatova, la poetessa russa, sposata, con cui Modì ebbe una grandissima intesa intellettuale oltre che carnale; Beatrice Hastings, ricca e bella giornalista che scriveva di arte, donna forte ed emancipata, la donna con cui ebbe maggiori e furenti scontri; infine Jeanne Hébuterne, l’amore che avrebbe potuto salvarlo se la tubercolosi non lo avesse ucciso. Un amore totalizzante che non può sopravvivere alla mancanza di uno dei due amanti e, persa la vita di uno, reclama anche quella dell’altra.

Libertà, Bellezza, Verità e Amore sono le parole chiave del movimento artistico dell’epoca e Modì ne è tra i maggiori interpreti. Insieme ad esse però, ci sono anche parole come eccesso, alcool, droga, debolezza.

Modigliani è un affresco crudo, brutale e drammatico della grande genialità di un artista che soccombe alla sua stessa fame di vita.

Uno spettacolo intenso e coinvolgente, che trasmette con rudezza e realismo le tensioni e nevrosi di un uomo e del mondo che lo circonda.

Un testo bellissimo, ottimamente scritto, con un linguaggio elegante ed efficace e un tessuto narrativo molto difficile e impegnativo per chi lo deve recitare: alcune parti, soprattutto per quanto riguarda il ruolo di Modigliani, sono molto lunghe e lo sforzo nel mantenere la concentrazione, l’intonazione e la presenza nel personaggio è maggiore che nei dialoghi serrati dove gli attori si danno l’un l’altro l’abbrivio alle battute.

Marco Bocci è davvero grande; lo spettatore non ha tempo di collegarlo ad altro, di identificarlo con altri suoi più famosi ruoli: lui è lì, ma è a Parigi, è in quel momento, ma è il 1900. In un attimo Marco è Amedeo e porta con sé una storia grande e tormentata. E’ l’uomo coi mille colori in testa che assediano il suo cervello, è l’artista che brama di plasmare il marmo e farne forma viva; è l’uomo che vive di eccessi e che si sente incompreso da tutti, un uomo che insegue sogni che muoiono. Desiderio, fame di vita, dipendenza dalle droghe e dall’alcool, frustrazione, malattia, rabbia, incapacità di reagire, raptus, Marco incarna ogni singola emozione restituendola sul palco cruda e dura come se sorgesse in quel momento nel cuore dell’uomo.

Marco dà al suo Modì una voce e un’intonazione diverse da quelle che siamo abituati a sentire in televisione; Marco non solo ha studiato il personaggio, ma lo ha plasmato, dandogli anche una voce specifica che non sia quella di Marco, ma esclusivamente la voce di  Amedeo.

Con lui, sul palco, quattro donne, quattro attrici diverse e speciali ognuna a modo proprio.

Romina Mondello è Beatrice Hastings, la donna che più lo ha affrontato a muso duro, quella che è riuscita a convincerlo ad abbandonare la scultura per fare solo il pittore. Un personaggio “scomodo” e, per questo, più complesso e sfaccettato il suo. Romina è fantastica; impersona Beatrice con fierezza e piglio creando una donna forte, dominante  e molto pratica. E’ semplicemente perfetta, sempre giusta, mai fuori le righe, né troppo, né troppo poco: una presenza scenicamente forte.

Claudia Potenza è Jeanne Hébuterne, l’ultima moglie di Modigliani, la donna che avrebbe potuto salvarlo, quella che lo ha reso padre e che lo ha migliorato come uomo e come artista. Claudia è fantastica; la sua recitazione catalizza l’attenzione inchiodando alla sedia. Riesce a tratteggiare con verosimiglianza ed immediatezza il percorso del proprio personaggio, da allieva innamorata del maestro a moglie devota e premurosa fino al tragico epilogo. Ogni emozione parte dagli occhi di questa attrice prima che le parole escano dalla sua bocca. Riesce a trasmettere una vividezza di immagini di incredibile effetto.

Vera Dragone è Anna Achmatova, la poetessa; avrà con Modigliani un’intesa spirituale molto forte, ma non avrà il coraggio di rompere il proprio matrimonio per lui. Altera, elegante, Vera  dà vita ad un personaggio un po’ freddo e distaccato.

Giulia Carpaneto è Kiki de Montparnasse, la prostituta e modella famosa nell’ambiente; un’interpretazione colorata e vivace che offre il meglio nel secondo atto.

C’è da registrare infatti, una certa lentezza drammaturgica propria del primo atto che piano piano scompare nel secondo, decisamente più fluido. All’inizio gli attori, tutti, appaiono un poco trattenuti, quasi tenessero il respiro: la Prima emoziona anche gli attori più avvezzi. Sono certo che nelle prossime date questa lentezza verrà meno riuscendo a far emergere maggiormente le grandi doti di ognuno.

Nel complesso Modigliani è uno spettacolo intenso e con una presa emotiva molto forte.

Si sente la mano esperta e lucida della regia di Angelo Longoni: c’è una direzione e una rotta costante e c’è forza espressiva anche nella bella scenografia di Gianluca Amodio e nelle splendide proiezioni di Claudio Garofalo che arricchiscono continuamente la visione d’insieme e che fanno perdonare la presenza per tutto il tempo della tenda a strisce sottili su cui le immagini stesse vengono proiettate, tra l’altro funzionale nel dividere l’ambiente interno con quello esterno, la casa di Modì  con tutto il resto.

Da sottolineare, in ultimo, la bellezza dei costumi di Lia Morandini.

Teatro Quirino

dall’8 al 20 marzo

MODIGLIANI
di Angelo Longoni
con

Marco Bocci
Romina Mondello
Claudia Potenza
Giulia Carpaneto
Vera Dragone

musiche Ryuichi Sakamoto
scene Gianluca Amodio
costumi Lia Morandini
contributi video Claudio Garofalo
regia Angelo Longoni

Teatro Vascello

4 marzo 2016. Prima

DIONYSUS
il Dio nato due volte
da Le Baccanti di Euripide

dal 4 al 13 marzo 2016 

La tragedia greca rivive nella regia pura ed energica di Daniele Salvo e grazie ad un gruppo di attori formidabili.

Nessuno stratagemma stilistico, nessuna intenzione di stupire con manierismi intellettuali o di creare scalpore con chissà quali elaborati schematismi: Daniele Salvo si appropria della tragedia di Euripide, la penetra e la restituisce forte e verace così come probabilmente fu concepita.

L’emotività è al centro di Dionysus, Il Dio nato due volte: l’intenzione è quella di rappresentare le emozioni più primitive dell’uomo così come vengono partorite dallo stesso animo umano in preda all’esaltazione bacchica.

Il dionisiaco è l’elemento fondante  e fondamentale intorno a cui tutto ruota e mantenuto vivo per tutto il tempo della rappresentazione. Ogni azione, ogni parola ruota intorno al furore bacchico e all’esaltazione del dionisiaco come unico e vero principio vitale.

In una società omologata, in cui si vivono finte emozioni suscitate dai media e da internet, in cui si ride e si piange a comando, dove il sentire è stimolato e pilotato da meccanismi esterni, Dionysus scava nei veri sentimenti cercando una emotività atavica, scevra da condizionamenti, libera dal soffocamento moderno dell’istinto; una emotività che ci svegli dal torpore in cui siamo piombati e che possa parlare al nostro tempo con forza, anche con violenza, per raggiungere momenti di verità accessibili a tutti. Con Dionysus la tragedia greca  riprende la sua funzione di comunicazione universale, diretta e utile a tutti.

Le Baccanti, di cui  Dionysus è rappresentazione e adattamento, sono, come è stato scritto, una finestra sull’irrazionale, una luce gettata su un mondo di reale libertà espressiva dove, posseduti dal divino, possiamo entrare in noi stessi compiendo un viaggio nelle nostre più grandi ed intime emozioni vivendole fino in fondo in tutta la loro potenza deflagrante.

Il punto è lasciarsi agire così come le Baccanti agiscono, quasi in trance, possedute dal potere affabulatore del Dio: Dioniso agisce attraverso i loro corpi e le loro voci facendone strumento del proprio volere.

Ci illudiamo di essere liberi e di agire autonomamente, in realtà siamo influenzati e pilotati da meccanismi sociali e mediatici enormi e ingombranti: abbiamo perso il contatto con la parte più irrazionale di noi che è, poi, la parte più vera, forse l’unica cosa che avremmo potuto dire che veramente ci apparteneva. Perdendo quella abbiamo perso tutto perché abbiamo perso noi stessi.

Nello spettacolo è evidente un grandissimo studio sulla vocalità e sul suono. Il Coro, che è protagonista e parte preponderante dell’intera opera, si esprime con preghiere, canti e suoni emessi dalla gola e dal sapore ancestrale.  Come provenissero da un posto remoto dentro noi stessi, da una gola profonda e dal profondo della gola, i suoni escono antichi eppure nuovi, perché ne abbiamo perso il ricordo. Il suono, così, non è solo espressione di un comunicare, ma linguaggio esso stesso.

Non c’è artificio o simulazione: voce e suono sono radicate nel nostro essere, solo la loro espressione è celata dal tempo che è trascorso e dall’uso diverso del linguaggio. Il suono è qui espressione di tutto quello che sopra è stato detto relativamente alla emotività.

Premesso tutto questo, è comprensibile come l’interpretazione degli attori non possa essere mera rappresentazione; qui l’individuo è chiamato a scendere nel profondo di se stesso, a ritrovare in sé qualcosa di primordiale, a riscoprire emozioni embrionali e suoni primari legati al proprio passato e a buttare fuori tutto questo.

Tutte le interpretazioni sono fortissime, di grande impatto: ad ognuno è chiesto un enorme sforzo sia emotivo, nel mettersi completamente a nudo con le proprie più intime emozioni, che fisico.

La recitazione, infatti, è  qui strettamente connessa ad un enorme sforzo dei corpi, sempre tesi eppure concentrati, raccolti intorno alle emozioni più crude pronte ad esplodere in qualsiasi momento con irruenza e irrazionalità.

Soprattutto per il Coro enorme è la sinergia tra suono e corpo e strepitosi, direi sconvolgenti, i risultati.

Si rimane scossi, turbati, come se quei suoni attraversassero il corpo dello spettatore che a sua volta fa da cassa di risonanza espandendone il riverbero. L’effetto di questa energia, di questo uso primordiale di corpo e voce è quasi visibile in quel modo in cui siamo abituati ad immaginarci che il suono si propaghi in onde così come i cerchi nell’acqua quando si getta il famoso sasso.

Si è letteralmente travolti da questo corpo unico che è il Coro, da questo animale furioso e irrazionale fatto di tante teste, tante gambe e tante braccia, un essere pericoloso eppure seducente.

Stesso discorso vale per gli attori, tutti strepitosi: anche a loro è richiesto di raggiungere picchi emotivi enormi e di riversarli sullo spettatore con potenza perturbante.

Così Daniele Salvo, Dioniso, è il Furore, è la pazzia negli occhi del dio fatto uomo, è la rabbia senza pace per la mancanza di considerazione da parte degli uomini. E’ il male, è la vendetta; Daniele ha il rancore nelle parole e l’odio negli occhi, quegli occhi che ardono di livore, desiderando vendetta, godendone per la realizzazione e rendendo con incredibile verosimiglianza la seduzione del male.

Ivan Alovisio è il suo nemico, il rivale; è l’uomo che vuole mantenere e difendere il proprio potere e ruolo di egemone con coraggio e violenza, senza riconoscere la divinità di Dioniso. Alla furia del Dio contrappone la furia umana, la violenza. Ivan è un principe guerriero, un ufficiale nazista dei più radicali. E’ grande, potente, riempie palco e scena. Fiero, orgoglioso e combattivo nella prima parte, diventa commiserevole nella seconda con un passaggio di incredibile effetto.

Lo scontro tra Dioniso e Penteo è reso con grandissimo vigore; i due antagonisti sono forti, potenti, portatori di follia l’uno, di furore l’altro e le dinamiche di questo scontro sono portate avanti in maniera totalizzante.

Manuela Kustermann è Agave, la madre di Penteo e sua assassina. Un’interpretazione grandiosa, paurosa per certi versi. Il suo delirio è enorme e tangibile; Manuela catalizza immediatamente l’attenzione del pubblico, catturando l’intera platea, cosa tanto necessaria quanto difficile arrivando in scena a fine tragedia quando già il pubblico ormai è stato devastato da emozioni enormi. Eppure l’impatto è dirompente, non c’è scampo alla sua furia prima e per la sua disperazione dopo.

Assolutamente non da meno gli altri. Paolo Bessegato e Paolo Lorimer sono rispettivamente Cadmo e Tiresia. Cadmo è il padre di Agave e, quindi, nonno di Penteo; egli è disposto ad onorare Dioniso più per un tornaconto personale che per fede, in realtà si vergogna di onorare i riti del Dio e pagherà duramente per questa sua mal disposizione. Tiresia è il celebre indovino, ma qui fa più che altro un’analisi della situazione presente.

Insieme, i due rappresentano, pur nell’adeguamento a certi atteggiamenti, le difficoltà intellettuali del momento presente di accettare il culto di Dioniso. Il loro giocare ai riti del dio è un momento di incredibile effetto.

Simone Ciampi è il primo messaggero, intenso e drammatico e anche la guardia, rappresentata come un gendarme tedesco, fiero e obbediente.

Ha catturato la mia attenzione Melania Giglio nei panni del secondo messaggero, per la fierezza pur nello sguardo stanco che punta lontano, l’incedere faticoso, ma costante; la sua voce mi ha rapito.

La scenografia è essenziale: un solo dosso al centro della scena, un po’ dietro, è il monte Citerone. Sullo sfondo uno schermo su cui vengono proiettate immagini evocative.

Splendidi i costumi: gli abiti dei protagonisti sono molto particolari e curati nei dettagli e completano la creazione del personaggio divenendone parte integrante. A mio avviso richiamano, con successo e innovazione, personaggi visti al cinema e nei più grandi cartoni animati giapponesi (Matrix, Il Signore degli Anelli, Capitan Harlock…) .

Anche i costumi del coro sono bellissimi e ispirano immagini molto forti.

La regia è chirurgica: precisa e tagliente; incornicia, incastra e cesella immagini e quadri chiari e distinti. Non c’è ridondanza, ma tutto è studiato e strutturato con matematica precisione senza per questo nuocere all’effetto dirompente e alla impetuosità delle scene, anzi consentendo un fluire di emozioni di enorme portata e impatto.

Trama
Dioniso è nato dall’unione tra Zeus e Semele, donna mortale. Tuttavia in molti non accettano la versione della sua natura divina diffondendo la voce che Dioniso sia, in realtà, umano. Tra queste persone le stesse sorelle di Semele e il nipote Penteo, re di Tebe. Dioniso, per vendicarsi di queste persone e indurre tutti a credere alla sua natura divina e a tributargli riti, preghiere e sacrifici, instilla il germe della follia nelle donne di Tebe, le quali così fuggono sul monte Citerone a celebrare riti in suo onore , divenendo Le Baccanti, ovvero le donne che celebrano i riti di Bacco, altro nome di Dioniso. Penteo, però , rifiuta di accettare la divinità di Dioniso e vuole risolvere la situazione una volta per tutte, mentre Cadmo, suo nonno, e Tiresia, l’indovino cieco, cercano di dissuaderlo dal proprio intento e di accettare, per convenienza, la natura divina di Dioniso. Una serie di eventi vedranno Dioniso catturato, poi fuggire, il palazzo di  Penteo crollare a causa di un terremoto e le Baccanti compiere devastazioni nei villaggi. Dioniso riuscirà a convincere Penteo a travestirsi da donna e a intrufolarsi tra le Baccanti, ma, una volta sul Citerone, il dio gli scatenerà contro le donne che lo faranno letteralmente a pezzi. Sarà la stessa Agave, madre di Penteo ad assalirlo per primo e, alla fine, a tornare a Tebe con la sua testa attaccata alla sommità di un bastone convinta, nel suo furore bacchico, che sia una testa di leone. Sarà Cadmo a far rinsavire Agave e a mostrarle l’atroce verità.  A quel punto Dioniso svelerà di aver architettato il piano per punire chi non credeva alla sua natura divina e condannerà Cadmo e Agave all’esilio in terre lontane.

Dionysus – Il Dio nato due volte. 

Regia Daniele Salvo

Dioniso Daniele Salvo
Agave Manuela Kustermann
Cadmo Paolo Bessegato
Tiresia Paolo Lorimer
Penteo Ivan Alovisio
Una guardia / Primo Messaggero Simone Ciampi
Secondo Messaggero Melania Giglio

Le Baccanti (o.a.)
Elena Aimone, Giulia Galiani, Annamaria Ghirardelli, Melania Giglio, Elena Polic Greco, Francesca Mària, Silvia Pietta, Alessandra Salamida

scene Michele Ciacciofera
costumi e maschere Daniele Gelsi
Musiche Marco Podda – Light designer Valerio Geroldi
Riproduzione anatomica Crea Fx effetti speciali di trucco
videoproiezioni Aqua-micans group
assistente alla regia Alessandro Gorgoni

prodotto da:
Centro di Produzione Teatrale La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello – Roma
Centro di Produzione Teatrale TIEFFE teatro – Teatro Menotti – Milano
Teatrul de Stat Constanta (Romania)

Affittasi Camera da Letto è una commedia brillante scritta dagli inglesi Anthony Marriott e Bob Grant, tradotta da Flavia Tolnay e presentata al Teatro Anfitrione nell’adattamento di Luciana Frazzetto e Luca Giacomozzi, con la regia di Massimo Milazzo.

Luciana (Luciana Frazzetto) è divorziata da Maurizio (Gioacchino Mazzoli) e lui le ha lasciato l’appartamento. Avendo difficoltà economiche, Luciana subaffitta il suo appartamento a due inquilini diversi contemporaneamente, Mario (Claudio Scaramuzzino) e Filippo (Andrea Venditti): uno lo occupa solo il fine settimana, l’altro negli altri giorni, ovviamente l’uno all’insaputa dell’altro.

I problemi nascono quando il meccanismo si blocca e i due inquilini si ritroveranno sulla scena e nell’appartamento di Luciana nello stesso momento. Non solo: arriveranno a creare ulteriore scompiglio l’ex marito di Luciana con la sua nuova moglie Marisa (Gabriella di Luzio), la fidanzata di Filippo, Barbara (Laura Monaco) e il padre di lei, l’Avvocato Ceccarelli (Stefano Scaramuzzino) che, a sua volta, ha affittato l’appartamento per i suoi incontri clandestini con una escort (Cristina Galardini).

Da tutto questo intreccio ne verrà fuori un meccanismo diabolico di incontri che porterà a situazioni esilaranti e paradossali. Luciana cercherà di tamponare l’emergenze finché potrà, inventando una serie di balle colossali e assurde.

Affittasi camera da letto è una commedia degli equivoci pazzesca e trascinante; una farsa dai ritmi serrati e convulsi, completamente basata su scambi rapidi e immediati di battute e repentini movimenti di scena, con entrate e uscite di scena continue e veloci in un via vai caotico e divertentissimo.

E’ un complesso ingranaggio composto da una serie di elementi che devono funzionare perfettamente in sincrono pena il crollo dell’intera struttura.

Primo pregio fra tutti è il testo; si deve partire da una buon soggetto e saperlo raccontare bene per avere una buona storia. Qui, non solo il testo è molto buono, ma soprattutto l’adattamento è davvero frizzante ed energico. Luca Giacomozzi è un esperto di  commedie degli equivoci, avendone scritte e dirette molte, e possiede una capacità dialettica sorprendente; Luciana Frazzetto è una forza della natura che riesce a riversare tutta la sua grinta in quello che fa.

Una volta considerata la qualità del testo e della struttura narrativa, sottolineando la capacità di tessere trame che si accavallano in giri incredibili senza perdere mai di senso, è necessario che tutta questa costruzione sia supportata da un cast fortemente dinamico e sinergico che riesca  a interpretare perfettamente le indicazioni registiche mantenendo però qualcosa di personale in ogni singolo personaggio.

In uno spettacolo del genere, gli attori devono prendere sulle proprie spalle l’intero spettacolo collaborando in maniera uguale e gratuita all’ottimo funzionamento: non è consentito allungarsi o sbavare. Ogni scena è calibrata su registri ben fissi e spazi e tempi ben delimitati: uscire dal binario o invadere lo spazio e infrangere il tempo dell’altro comporta che il gruppo debba immediatamente modificare qualcosa per coprire eventuali buchi di scena o vuoti di senso.

Anche e soprattutto in questo, si nota la qualità di questo tipo di spettacoli: gli attori non devono solo fare il proprio, ma devono spalleggiarsi fornendo abbrivi alle battute degli altri e appoggi di salvataggio in caso di necessità.

Affittasi Camera da Letto è, quindi, una commedia molto complessa che richiede grande concentrazione e ottima sincronizzazione tra le parti e questi attori hanno dimostrato, oltre che di essere davvero bravi, anche di aver creato un gruppo molto coeso e collaborativo.

Luciana ha una grinta eccezionale; continuamente in movimento, dà dimostrazione di un’energia pazzesca; i personaggi  si muovono tutti intorno a lei, quasi fosse una domatrice di leoni sulla pista di un circo.

Intorno a lei ruotano e saettano, primi fra tutti, Claudio Scaramuzzino, qui davvero un fuoriclasse, e il bravissimo Andrea Venditti, con un personaggio che ispira troppa tenerezza, soprattutto messo in relazione con la sua fidanzata di scena Laura Monaco, brava e convincente nella parte della donna forte e risoluta.

Gioacchino Mazzoli e Gabriella Di Luzio costituiscono un altro coppia ilare di questa commedia, creando quasi un’altra storia collaterale: divertentissimo e preciso nei tempi lui, esilarante nella sua bellissima caratterizzazione lei.

Allargandosi nella trama della vicenda, incontriamo poi l’eclettico Stefano Scaramuzzino, sempre attento e presente a se stesso, in coppia con la simpatica Cristina Galardini.

Una citazione di merito sicuramente va fatta per la regia di Massimo Milazzo, energica ed efficace, capace di rendere in azioni la complessità della struttura narrativa e gli elementi più turbolenti e vorticosi della storia. Mi piace citare anche la bravissima Francesca Pausilli come aiuto regista, già navigata in questo ruolo.

Infine, concludono un ottimo allestimento le belle scene di Federica Sollazzo, i costumi di Gisa Rinaldi e le luci di Tony Di Tore.