Teatro Sistina

24 maggio 2016

P O L I T E A M A S.r.l.
presenta
Claudia Campagnola, Marco Morandi, Carlotta Proietti e Matteo Vacca
in
NON C’E’ DUE SENZA… TE

Musiche: Enrico Blatti,  Testi: Toni Fornari
Regia: Toni Fornari

Supervisione artistica: Gigi Proietti

Movimenti coreografici di Fabrizio Angelini

Non c’è due senza te è una divertente commedia scritta dalla prolifica penna di Toni Fornari e presentata già con successo in vari Teatri d’Italia.

E’ stata infatti rappresentata a Roma al Teatro de’Servi prima e al Teatro Golden dopo, a Milano al Teatro/Cinema Martinit, al Teatro degli Oscuri di Torrita di Siena, al Teatro Petrarca di Arezzo, al Teatro Augusteo di Napoli. Ora arriva, per una settimana, al Teatro Sistina di Roma.

Un lavoro valido e ben scritto, come spesso accade per i lavori di Toni Fornari, che nel tempo ha trovato il gradimento di Gigi Proietti che ne è diventato supervisore artistico.

Da quello che sono riuscito a capire leggendo qua e là, la commedia è nata come atto unico e, nonostante avesse un sottofondo musicale, in origine non era una commedia musicale come, invece, si è presentata ieri al Teatro Sistina e già sicuramente all’Augusteo di Napoli e al Petrarca di Arezzo.

Non c’è due senza te è una commedia leggera che diverte molto e interpretata da un bel cast.

La storia racconta di un caso di biandria, ovvero di una donna sposata con due uomini. Mariateresa (Claudia Campagnola), infatti, è sposata contemporaneamente con due uomini.

Per Giorgio (Matteo Vacca), professore di matematica preciso, pignolo, fissato con i numeri e le probabilità, è Maria, persona quieta e dedita al lavoro. Per Daniele (Marco Mornadi), detto Danny, cantautore in preda ad un blocco creativo, è Teresa, donna “sciolta”, ma sempre dedita al lavoro. Mariateresa scrive romanzi e usa la scusa degli impegni di lavoro per giustificare le continue assenze dalle due case: ogni settimana, infatti, vive tre giorni con Giorgio e tre giorni con Danny (ci sarebbe da chiedersi cosa faccia il settimo giorno: probabilmente si riposerà!). L’editrice di Mariateresa, Sara (Carlotta Proietti), è anche una sua grande amica che è a conoscenza della sua doppia vita. Il problema nasce quando Mariateresa scopre di essere incinta e non ha minimamente idea di chi, tra i due uomini, possa essere il padre. Mariateresa comincerà ad indagare sul desiderio di paternità dei mariti, rimanendo delusa alla scoperta che mai avrebbero pensato di avere figli.

Da questo punto in poi nasceranno una serie di situazioni divertentissime: Giorgio e Danny si conosceranno incontrandosi per caso davanti alla vetrina di un negozio per neonati dove entrambi erano andati per acquistare un regalo per le rispettive mogli, presi dai sensi di colpa per essersi comportati in maniera insensibile e decisi ad avere un figlio con la propria moglie. Giorgio, però, inviterà Danny a casa per cena per festeggiare la scelta fatta e il felice incontro fortuito. Mariateresa entrerà nel panico, non sapendo come gestire la situazione e chiederà aiuto a Sara che si troverà, suo malgrado, a dover sbrogliare, in modi piuttosto inconsueti, l’intera matassa.

Uno dei punti di forza di questo spettacolo è il testo: ben scritto e attento a collegare tutti i passaggi narrativi e logici, dimostra continuità e leggerezza, riuscendo a delineare quattro personalità diverse che ben si amalgamano.

Altro punto di forza è l’interpretazione delle due donne del cast e la caratterizzazione vocale che entrambe danno ai loro personaggi. Claudia Campagnola dà voce a Maria e a Teresa, differenziandole per tono e cadenza, e anche a Mariateresa, che, seppure in maniera lieve, si distingue da entrambe. Molto giusta e in parte, riesce a divertire grazie anche ad una bella espressività.

Carlotta Proietti rende il suo personaggio molto particolare, leggermente sulle righe e davvero comico, contraddistinguendolo con una voce “stridula” che riesce a mantenere inalterata per tutto il tempo.

Bravi tutti i protagonisti nel mantenere tempo e ritmo.

Molto curata, ricca e coloratissima la scenografia, curata da Alida Cappellini e Giovanni Licheri, che divide benissimo gli spazi in cui le scene si svolgono. Grazie all’uso di pannelli che scendono dall’alto, pedane scorrevoli a scomparsa, il velatino dipinto e un ottimo uso delle luci vengono ogni volta utilizzati spazi diversi: le due case, l’ufficio di Sara, la strada.

Ho gradito meno la parte musicale, soprattutto per quanto riguarda i testi e l’interpretazione.

Testi poco curati, un po’ banali e poca melodia. Frizzante, però, e davvero carino il pezzo Curumba (spero di ricordare bene il nome) con la divertente coreografia di Fabrizio Angelini che ha curato i movimenti coreografici dello spettacolo.

Carlotta Proietti è forse quella più forte nel canto, ma le armonizzazioni e i cori non funzionano molto.

La regia si perde un attimo nel secondo atto, rischiando di rallentare un andamento fino a quel momento sostenuto.

Nulla che non possa essere facilmente sistemato e riarrangiato in una commedia che comunque resta gradevolissima.

Teatro Orione

20 maggio 2016

Ha debuttato a Roma, il 20, 21 e 22 maggio, in Prima Nazionale al Teatro Orione, Georgie Il Musical, lavoro tanto sognato e desiderato da Claudio Crocetti, autore dell’adattamento teatrale e produttore.

Appassionato alla cultura dell’Anime (cartone animato giapponese) e in particolare di Georgie, Claudio Crocetti si è ispirato, per questo suo lavoro, al soggetto del  Manga Lady Georgie del 1983, novella scritta dal nipponico Mann Izawa e vero e proprio romanzo giapponese.

Un progetto nato nel 2009, quando Claudio cominciò a scrivere l’adattamento del Manga e che ha avuto una lunghissima gestazione: nove mesi solo per ottenere le autorizzazioni da Mann Izawa, poi la scelta degli autori che lo avrebbero accompagnato in questo viaggio, il Maestro Tiziano Barbafiera per le musiche e Diego Ribechini per testi e libretto.

Un progetto sicuramente audace e molto rischioso, completamente originale, quindi senza precedenti a cui rifarsi e che ha per questo richiesto un enorme sforzo creativo. Progetto coraggioso anche per la scelta di ispirarsi al manga e non al cartone animato, che lo porta ad essere un prodotto lontano da un certo circuito commerciale quale potrebbe essere quello dei family show oggi tanto in voga.

Georgie Il Musical mantiene elementi originari del romanzo giapponese che lo rendono più interessante ad un pubblico adulto, piuttosto che molto giovane: drammaticità, sensualità, cattiveria pura vengono rappresentati con veridicità e senza mezze misure.

Il grande rischio è quello di non trovare una fascia di pubblico vasto interessato: escludendo il family show, infatti, si dovrebbe andare a coinvolgere quella porzione di pubblico intorno ai quarant’anni che ha visto e amato il cartone animato giapponese, impresa difficile considerando il mutare nel tempo degli interessi in quella fascia d’età e anche il fatto che il cartone, comunque, fosse più rivolto ad un pubblico femminile. Quello che sicuramente questo spettacolo potrebbe fare, è coinvolgere i veri appassionati del manga giapponese e del soggetto stesso, nonché quella vasta categoria composta dagli appassionati di Cosplay.

Quello che al momento si avverte, purtroppo, è l’assenza di una direzione chiara e precisa.

C’è da dire che lo stesso regista, Marcello Sindici, durante la conferenza stampa  espresse parole caute sull’allestimento, presentandolo come un esperimento audace e una sfida impegnativa, sicuramente suscettibile di rimaneggiamenti e aggiustamenti, ma forte di un cast artistico di grande valore.

Da quella conferenza stampa ho abbracciato questo progetto con grande curiosità e con entusiasmo per il soggetto e per l’idea originale; ho ascoltato diverse volte il cd e ho avuto la possibilità di assistere alle prove e intervistare quasi tutti i protagonisti, apprezzando il grande impegno e la serietà con cui hanno affrontato questo cammino e affezionandomi a tutti, e tutto questo, oggi,mi rende più difficile scrivere questa recensione.

Sì perché, problemi tecnici a parte, Georgie non era forse ancora pronto per andare in scena, avrebbe richiesto maggior tempo nella preparazione. E’ anche vero, però, che certe cose, certi aspetti li vedi solo quando sei sul palco e ti confronti direttamente col pubblico in sala, vedendo e valutandone le reazioni. E’ solo in quel momento che puoi capire veramente cosa funziona e cosa no.

D’altronde si tratta di uno spettacolo grande, una storia impegnativa: ispirandosi al romanzo ci sono moltissime scene e tantissimi colpi di scena che non è facile rappresentare dal vivo. La storia di Georgie è lunga e complessa dal punto di vista narrativo e il problema maggiore credo sia quello di donarle fluidità e continuità.

In effetti Georgie Il Musical ha sofferto per un andamento un po’ lento e discontinuo, con una netta differenza narrativa, tra l’altro, tra primo e secondo atto. E’ la struttura stessa del romanzo che prevede un crescente declinare verso una drammaticità e una cupezza sempre maggiori, affrontando temi complessi che vanno oltre alla semplice storia d’amore: la ricerca delle proprie origini, l’amore “incestuoso”, il vizio, la lussuria, la degenerazione del potere.

Georgie è un prodotto acerbo, che ha bisogno di tempo e cure per maturare; alcuni quadri sono veramente belli (Il Tango del Destino, Ti Basta un Solo Sì, Il Potere che Avrò), ma, obiettivamente, manca un collante, una continuità narrativa. Alcune scene vanno alleggerite e alcuni passaggi non sono di facile comprensione, soprattutto per chi non conosca affatto la storia.

Dal punto di vista musicale ho apprezzato molto la partitura che mantiene uno stile epico per tutto il tempo, fatti salvi alcuni brani più ritmati nelle scene corali (La Ferrovia, La Grande Festa); i testi sono semplici e suscettibili di accomodamenti.

Sicuramente su molte cose si deve lavorare per modificare, sistemare, tagliare e alleggerire; alcune parti cantate potrebbero essere risolte a livello narrativo e, soprattutto, è necessario curare i passaggi da una scena all’altra rinunciando a certe soluzioni che si sono rivelate un po’ azzardate e compensando i frequenti buchi di scena e momenti troppo bui.

Difendo, però, pienamente il valore umano e artistico di tutti i componenti di questo grande gruppo di lavoro. Ognuno ha dato il meglio di sé mettendosi a disposizione della storia e seguendo le indicazioni del regista e ognuno ha lasciato un’impronta personale.

Sebbene il recitativo abbia risentito dei problemi tecnici e della tensione di una prima, peccando a volte di poca incisività e mancanza di personalità e ritmo, dal punto di vista vocale mi sento solo di fare i complimenti a tutti.

E’ innegabile la bravura e la partecipazione emotiva di Brunella Platania che interpreta Mary Buttman, la madre incattivita che respinge questa figlia non sua per poi pentirsi fino a morire di dolore.

Intensa l’interpretazione di Elisabetta Tulli nonostante appaia in una scena di pochi minuti nei panni di Sophie Gerald, la madre naturale di Georgie.

Claudia Cecchini (Georgie) ha una vocalità che a me piace molto e ha dimostrato grande presenza e costanza essendo in scena per tutto il tempo della rappresentazione.

Dario Inserra è un attore che ho conosciuto due anni fa e che mi aveva colpito: oggi conferma l’idea che mi ero fatto di lui dimostrando una crescita personale soprattutto nella vocalità ampia e pulita. Posso dire che, a differenza di quello che ho visto nelle prove, ho trovato il suo Arthur caratterizzato come un ragazzo immaturo, rendendolo poco credibile. Avrei preferito fosse mantenuta la linea precedente in cui i due fratelli, seppur diversi per temperamento, si muovevano su livelli espressivi paralleli.

Enrico D’Amore (Abel) è una conferma continua, soprattutto vocalmente. Il suo personaggio richiede, però, maggiore attenzione nei movimenti scenici.

Flavio  Gismondi (Lowell) e Claudio Zanelli (Conte Fritz Gerald, padre naturale di Georgie) sono vocalmente ineccepibili, ma anche loro hanno sofferto un po’ per mancanza di naturalezza e difficoltà a gestire lo spazio scenico.

Strepitoso Maurizio Di Maio (Irwin Dangering). La scena della prigionia di Arthur nelle segrete oltre ad avere una grandissima potenza espressiva e a sprigionare grande sensualità, è impreziosita dalla calda e avvolgente voce di Maurizio che ne dà un’interpretazione meravigliosa.

A seguire, in rapida successione, un elogio alla potenza e fermezza vocali di Paolo Barillari (Duca Dangering), alla grinta di Stefania Paternò (Jessica) nel Tango del Destino, alla precisione vocale di Rosy Messina (Elise), alle capacità di Nico Di Crescenzo (Eric Buttman e zio Kevin), alla bellissima coppia di bravissimi interpreti che sono Massimiliano Lombardi e Arianna Milani (Dick e Emma), al tumultuoso ed energico Roberto Fazioli (Comandante delle Guardie e bandito), alla versatilità di Stefano Colli (Governatore/Kenny/Bandito), al coraggio e alla bravura di Pietro di Natale (Deegeery Doo), alla foga interpretativa di Melania Di Giorgio (Catherine).

Altro aspetto che ho apprezzato di questo spettacolo sono state le coreografie curate da Marcello Sindici e Simona Mastrosimone: belle, energiche, diversificate negli stili ed eseguite con grande trasporto da un bel gruppo di ballerini/e. Li voglio ricordare: Serena Mastrosimone

Cristian Cesinaro Linda Gorini Raffaele Oliva Isabel Pelagatti Sergio Nigro Elena Malisani Manuel Bartolotto Maria Izzo Simone Giovannini

Una nota, infine, va fatta per l’ensemble che si è prodigato a dar vita alle scene corali con impegno e passione: Alessandro Angelini, Valeria Borsellini, Giuseppe Carvutto, Simona Foschetti, Cristina Giachi, Federica Graziani, Umberto Marcucci, Francesco Miniaci, Federico Pizzicannella, Valentina Simonetto.

Bellissimi e curati senza ombra di dubbio i costumi di Veronica Crocetti.

Interessante la scenografia anche se lascia un’idea di incompletezza; dovrebbe essere supportata maggiormente dalle installazioni video e dalle proiezioni animate che già esistono, ma su cui si dovrebbe puntare di più.

Georgie Il Musical è uno spettacolo nuovo, inedito e sicuramente rischioso da cui molti hanno imparato qualcosa; un esperimento audace, magari avventato che, però, è stato gradito dal pubblico pagante e di questo bisogna tenere conto.

Gli va riconosciuto il merito di aver voluto osare, di allontanarsi dalla ordinarietà di alcuni spettacoli attuali per presentare al pubblico qualcosa di diverso, anche se ancora grezzo e da ripulire. Credo che produttore e regista abbiano valutato il rischio puntando proprio sul carattere innovativo di questa produzione.

Ognuno poi sarà libero di valutare i risultati in base alle proprie categorie e ai propri punti di riferimento.

Teatro Argot Studio

13 maggio 2016

Donna non rieducabile è un memorandum teatrale di Stefano Massini ispirato ai reportage di Anna Politkovskaja ed è frutto di un progetto di e con Elena Arvigo, prodotto dal Teatro delle Donne – Centro Nazionale di drammaturgia.

Anna Politkovskaja è stata una giornalista russa molto conosciuta per il suo impegno sul fronte dei diritti umani, per i reportage dalla Cecenia e per l’opposizione al Presidente della Federazione Russa Vladimir Putin.

Per i suoi articoli lucidi che descrivevano l’orrore della guerra tra Russia e Cecenia divenne un personaggio molto scomodo tanto da essere definita una “donna non rieducabile” termine che in Russia indica quelle persone irriducibili che non condividono o addirittura osteggiano la politica del Governo e che non cambiano idea nemmeno per convenienza o per salvarsi la vita.

Il 7 ottobre 2006, Anna Politkovskaja venne assassinata nell’ascensore del suo palazzo, mentre stava rincasando con la spesa. Al suo funerale intervennero duemila persone, ma nessun rappresentante del governo russo. Anzi, alla domanda di una giornalista su cosa pensasse della donna, un politico rispose: “Anna Politkovskaja? Non la conosco”

Stefano Massini, ha scritto questo testo, tratto dai quaderni della Politkovskaja, creando venti quadri, venti immagini che propongono una visione lucida degli orrori accaduti in Cecenia attraverso il racconto di esperienze e testimonianze, sapendo trasmettere vividamente emozioni e atmosfere: la sua intenzione non è convincere il pubblico di una verità, ma stimolarlo a riflettere, oltre che su temi evidenti quali la crudeltà e l’inumanità della guerra, anche su altri che per noi possono apparire scontati, quali, per esempio, la  libertà di stampa e le responsabilità che derivano dalla conoscenza dei fatti.

Venti quadri che diventano un monologo, anzi più monologhi: istantanee che fotografano momenti terribili, crudeli e tragicamente veri facendone immagini in movimento veicolate dalla parola: edifici distrutti di Groznyi, polvere in aria, gasdotto, la testa gocciolante di sangue, il ripostiglio, il guerriero mercenario diciannovenne che spera che la guerra non finisca perché ci campa, la crisi del teatro Dubrovka, la guerra, la fame vera, la disperazione, le rapine continue, gli omicidi costanti, donne violentate e per questo ripudiate.

Immagini terribili, crudeli, inumane non mostrate, ma evocate dalla parola.

Monologhi che Elena Arvigo ha vissuto come un progetto di studio, informandosi e studiando per capire esattamente di cosa stesse andando a parlare e che questa stessa intenzione sembra voler trasmettere al pubblico: non accettare sterilmente ciò che ci viene proposto dai media, ma informarsi, approfondire, conoscere in prima persona.

Elena Arvigo porta sul palco una donna forte e orgogliosa, ma anche impaurita, che tutti i giorni fa i conti con la morte, che le si muove accanto ad ogni passo. Una donna che non ha mai smesso di cercare la verità e di farla conoscere al mondo.

In un’ora e quaranta minuti circa, la Arvigo non solo interpreta, ma vive e fa vivere aspetti diversi di un’unica terribile realtà. Ad ogni nuovo quadro lo spettatore è lì a chiedersi quale altra umanità corrotta oppure annientata, annullata, offesa e distrutta starà per presentare.

In una narrazione fatta di quadri, la Arvigo ci conduce attraverso un tessuto narrativo denso e profondo che coinvolge totalmente, un tessuto la cui trama attraversa la vita della Politkovskaja nelle sue esperienze più significative.

La potenza del testo è detonante e l’interpretazione della Arvigo è eccelsa; la sua partecipazione al personaggio è piena, l’aderenza totale. Attraverso gli occhi di Elena penetriamo negli occhi della Politkovskaja per vedere con essi gli orrori di cui lei stessa è stata testimone.

Elena ha un potere nella voce, nella modulazione, nel suo posare le singole sillabe di una parola avanti o indietro tale da riuscire a dare risalto alle immagini che evoca. Il suo sguardo è sempre così profondo, sembra quasi che attinga a chissà quale luogo lontano dentro di sé per riportare in superficie quella luce particolare adatta a quel singolo momento.

La Arvigo regala momenti di lirismo puro e di compostezza poetica muovendosi su un palco quasi vuoto e sfuggendo, a volte, la luce.

In scena con lei una grande cornice in legno che usa con destrezza trasformandola ora in porta, ora in panca di una chiesa, ora in bara. Dietro di lei, ma anche su di lei al centro della scena, scorrono a volte immagini, altre volte scritte a sottolineare, a enfatizzare una frase recitata o un intero passo.

Il movimento, sebbene costretto da una scena esigua, è sempre diverso: la voce cambia, il passo cambia; la scena cambia, il passo cambia; la luce cambia, il passo cambia; l’orrore e il dolore non cambiano mai e il passo si ferma.

Donna non rieducabile è un testo civile (della civiltà o, meglio inciviltà), una testimonianza politica e sociale di chi in prima persona per anni ha visto e vissuto gli orrori che si svolgevano quotidianamente in un piccolo, minuscolo paese dimenticato da tutti e di cui nessuno parla.

Per estensione, diviene un Teatro sociale che parla per tutte quelle realtà parimenti drammatiche, tragiche e violente di cui si tace perché non fa comodo parlarne o verso le quali non c’è interesse perché lontane da circuiti di interesse economico o politico.

Donna Non Rieducabile

Memorandum teatrale di Anna Politkovskaja

di Stefano Massini

un progetto di e con Elena Arvigo

CREDITI :

video designer: Andrea Basti

foto di scena: Damiano D’Innocenzo

produzione: Teatro delle Donne – Centro nazionale di drammaturgia

si ringrazia la collaborazione artistica di Rosario Tedesco e le residenze presso Rialto Sant’ Ambrogio e Exlavanderia di Roma