Primavera dei Teatri

XXVIesima edizione

Castrovillari, 26 – 31 maggio 2026

Primavera dei Teatri – Considerazioni finali

Primavera dei Teatri 2026 ha confermato il proprio ruolo di osservatorio privilegiato sulla scena contemporanea italiana. 

Giunto alla sua ventiseiesima edizione e diretto da Dario De Luca e Saverio La Ruina, il festival ha trasformato Castrovillari, dal 26 al 31 maggio, in un laboratorio diffuso di pratiche artistiche, riflessioni e relazioni, capace di accogliere oltre trentacinque appuntamenti tra spettacoli, danza, musica, incontri, workshop, mostre e residenze creative.

Da sempre attento ai nuovi linguaggi della scena, Primavera dei Teatri si distingue per la capacità di guardare al teatro non come semplice luogo di rappresentazione, ma come spazio di attraversamento del presente.

L’edizione 2026 ha sviluppato con particolare forza questa vocazione, proponendo un programma che ha privilegiato processi creativi, anteprime, restituzioni e percorsi di ricerca, mettendo al centro il lavoro artistico nel suo farsi e non soltanto nel suo esito finale.

In questa prospettiva il festival si è configurato come una piattaforma di confronto aperta che ha messo al centro il teatro come spazio pubblico, luogo sociale di incontro e condivisione oltre che spazio in cui generare e diffondere cultura.

Non uno spazio separato dalla realtà, ma uno strumento per leggerne le contraddizioni e immaginarne possibili trasformazioni. 

Un teatro che si intreccia alla vita pubblica e che, a sua volta, è attraversato da un pubblico attento e appassionato, esigente e critico, ma pronto a lasciarsi stupire.

Primavera dei Teatri non è stato soltanto un festival di spettacoli, ma un luogo in cui è stato possibile seguire concretamente le diverse fasi del lavoro artistico, attraverso residenze, restituzioni, anteprime e scritture sceniche presentate nel pieno del loro processo creativo e nella delicata fase del primo confronto con il pubblico. 

Un pubblico che, come spesso accade nei festival, è attento, competente ed esigente.

Il festival ha saputo coniugare sperimentazione e partecipazione, consolidando il proprio valore non solo come appuntamento artistico di rilievo nazionale, ma come luogo di comunità.

Accanto alla dimensione artistica, ha confermato anche il suo valore sociale e culturale, generando occasioni di incontro e dialogo, offrendo la possibilità di fare  nuove conoscenze e rinnovare vecchie relazioni, in un clima stimolante, partecipato e sereno.

Primavera dei Teatri conferma la propria vocazione alla ricerca dei nuovi linguaggi della scena contemporanea che hanno trovato espressione in lavori molto diversi tra loro, alcuni compiuti, altri in nuce, altri ancora da approfondire o rivedere, dimostrando come il teatro possa ancora essere una pratica viva, capace di interrogare il presente e di costruire nuove forme di relazione tra arte e società.

Un ringraziamento speciale va a Dario De Luca e Saverio La Ruina per l’ospitalità.

Un immenso e incommensurabile grazie all’Ufficio Stampa di Maya Amenduni, a Cecilia Salerno e al gruppo di lavoro, tutto al femminile, che sono state il polmone di ogni evento, capaci di dare respiro non solo a noi giornalisti, ma agli stessi direttori artistici, compagnie, attori e attrici e operatori culturali intervenuti.

Infine, grazie ai fantastici Alberto, Alessandro e Matteo che si sono messi a disposizione ogni giorno, dall’alba a notte fonda, come autisti per i giornalisti ospiti del festival.

Per approfondire:

Bambole da collezione: https://www.flaminioboni.it/bambole-da-collezione-il-valore-della-verginita/ 

Qualcuno, nessuno, centomila. Pirandello in loop: https://www.flaminioboni.it/qualcuno-nessuno-centomila-pirandello-in-loop/ 

Le Tre Cicoriane: https://www.flaminioboni.it/le-tre-cicoriane-favola-nera-tra-cannibalismo-arcaico-e-violenza/ 

Rigetto: https://www.flaminioboni.it/rigetto-cibo-memoria-familiare-e-rifiuto-del-corpo/ 

Primavera dei Teatri – Castrovillari

Teatro Vittoria

Anteprima

31 maggio 2026

Rigetto: cibo, memoria familiare e rifiuto del corpo

Rigetto di Dino Lopardo è uno degli spettacoli in scena in anteprima nazionale a Primavera dei Teatri, la rassegna di teatro, danza e musica giunta alla sua XXVIesima edizione a Castrovillari.

Si tratta del secondo capitolo, dopo Affogo, della Trilogia dell’Odio.

Due sorellastre, Anna e Clara, sono prigioniere di un inganno mentale feroce e letale che si manifesta nei loro diversi disturbi del comportamento alimentare.

Entrambe hanno un rapporto distorto e malato con il cibo e con il proprio corpo e vivono una continua lotta interiore a cui si aggiunge una sorta di perversa competizione.

Anna è bulimica: alterna grandi abbuffate in solitudine a comportamenti di rimedio o compenso come il vomito.

E’ illuminante e ironico il fatto che nel suo lavoro lei debba pulire un bagno pubblico.

Clara, invece, è obesa. Affamata d’amore, estremamente debole e insicura, cerca conferme nel cibo come atto liberatorio e di rivalsa che trovano espressione nel suo dedicarsi al feederism, pratica erotica su piattaforme online in cui si mangia di fronte a una webcam su richiesta di feticisti disposti a pagare.

Nel corso dell’atto unico, le due sorellastre si confrontano con la propria dipendenza dal cibo. Continuamente in lotta con se stesse e in contrasto tra loro, sono immerse in una competizione assurda e crudele e incapaci di sfuggire a questi meccanismi disfunzionali.

Anna e Clara sono due sorelle in prestito, figlie della stessa fame: le loro sregolate ed estreme abitudini alimentari le dominano totalmente, come se

il cibo fosse strumento con cui misurare il proprio valore.

In scena interagiscono costantemente con due oggetti: il “cacatore” per Anna e il frigo per Clara.

Annarella, “nata regina e diventata schiava”, vive abbracciata a un cesso: a casa vi vomita tutto quello di cui si è precedentemente abbuffata, al lavoro deve pulirlo da tutte le schifezze che ci fanno quelli che ci passano.

Clara, invece, dialoga col vecchio frigorifero REX che è lì dai tempi di sua nonna e nasconde un terribile segreto.

Ne apre gli sportelli, ne viene inondata dalla luce, lo osserva, lo contempla, ci parla, e Rex, il frigo, quasi fosse un terzo personaggio in scena, le parla.

Rigetto è una storia nera, di forte tensione emotiva che alterna momenti grotteschi dando vita ad uno spettacolo tragicomico.

Il linguaggio è autentico, diretto, feroce, scorretto; bastardo come bastardi sono i disturbi del comportamento alimentare che imprigionano le due ragazze in un loop psicologico deviato.

Anna e Clara, nascondendo la propria sofferenza, cercano di esorcizzarla attraverso l’ironia, ma essa è solo uno scudo per difendersi dal dolore sordo e profondo che provano e dall’immensa solitudine in cui sono sprofondate.

Angela Ciaburri e Claudia A.Marsicano restituiscono molto bene il mondo interiore di queste due donne.

Annarella “tiene la raggia in corpo” (la rabbia); è mossa da sentimenti accesi e brucianti. Clara è umiliata dalla propria obesità e cerca di trasformarla in valore.

Lo stomaco, per loro, diventa luogo di memoria, che accumula tristezze, fallimenti, delusioni, paure che Anna cerca di buttare fuori vomitando, mentre in Clara si stratificano nel grasso corporeo.

Lopardo racconta la vita senza censure, rifiutandosi di addolcire la pillola, anzi, affondando il colpo attraverso parole dure, azioni esasperate, immagini forti, ma inserendo, anche, elementi comici che trasformano il cupo in grottesco.

Quando la tensione scenica aumenta, Lopardo cerca di ristabilire un equilibrio introducendo un elemento ironico che ne attenui l’intensità e crei un effetto di compensazione.

Questa stessa ricerca di equilibrio si riflette nel suo rigoroso lavoro preliminare sulla struttura drammaturgica, in cui ogni elemento — persone, oggetti, situazioni, suoni e immagini — è pensato in relazione agli altri e accuratamente bilanciato.

In questa prospettiva, anche la scena diventa parte integrante della drammaturgia. Gli oggetti scenici, infatti, assumono un ruolo fondamentale: per Lopardo non sono semplici elementi decorativi, ma veri e propri strumenti espressivi con cui le attrici sono chiamate a interagire e a “giocare”.

Se Annarella ha un rapporto speciale col “cacatore” è, Rex, il frigorifero, a divenire presenza attiva e simbolica capace di dialogare con Clara.

L’uso dei dialetti, napoletano e milanese, consente al testo di arrivare con maggiore musicalità e di esprimere oscenità che in italiano non sarebbero tollerate (o lo sarebbero meno), rendendo tutto più vivo e autentico.

Un altro elemento drammaturgico fondamentale è la luce. Per Lopardo, l’oggetto scenico acquista pieno significato solo attraverso l’illuminazione, e in Rigetto questo principio trova una concreta e precisa applicazione.

Parola, oggetto, luce e suono concorrono alla costruzione di un equilibrio complessivo: tutto, nel teatro di Lopardo, è una questione di sintesi e armonizzazione degli elementi. Non è un caso che regia, drammaturgia, scene e luci siano curate direttamente da lui, a testimonianza di una visione artistica unitaria.

Un ruolo significativo è svolto anche dai costumi realizzati da Annamaria Porcelli: dalla divisa da lavoro di Anna alle parrucche, alle vestaglie e alle unghie di Clara, ogni dettaglio contribuisce alla definizione dei personaggi e del loro universo simbolico.

A completare questo quadro intervengono infine le musiche e le ambientazioni sonore di Mario Russo, che arricchiscono ulteriormente la dimensione simbolica dello spettacolo e ne rafforzano la coerenza espressiva.

Rigetto è uno spettacolo sfrontato, feroce, coraggioso, autentico e doloroso, capace di affrontare con forza e sensibilità temi profondamente umani.

Lopardo dimostra la sua attitudine a lavorare sui testi con attenzione e rigore, affinandoli nel tempo alla ricerca di un equilibrio sempre più efficace tra scrittura, emozione e scena.

Lo spettacolo è apprezzabilissimo nella sua forma attuale ed è riconoscibile già oggi la solidità della sua proposta artistica. Proprio per questo, siamo convinti che il percorso di maturazione che caratterizza il lavoro di Lopardo potrà valorizzare ulteriormente alcuni aspetti, approfondendo la dimensione umana dei personaggi e rendendo ancora più tangibile il sentimento di rifiuto che attraversa la vicenda.

Cibo, rapporto con il corpo e memoria familiare costituiscono i tre pilastri di questa storia: nuclei tematici ricchi e potenti che offrono ampie possibilità di sviluppo. La sensazione è che, attraverso il naturale processo di evoluzione dello spettacolo, questi elementi possano acquisire una forza emotiva ancora maggiore, coinvolgendo il pubblico con un’intensità sempre più profonda e partecipata.

Regia, drammaturgia, scene e luci: Dino Lopardo

Attrici: Angela Ciaburri, Claudia A.Marsicano

Aiuto regia: Valentina Medda

Costumi: Annamaria Porcelli

Ambienti sonori: Mario Russo

Produzione: Viola Produzioni – Centro di Produzione teatrale

Con il supporto di: Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt)

Primavera de Teatri – Castrovillari
Teatro San Girolamo
30 maggio 2026
Prima nazionale

Le Tre Cicoriane: favola nera tra cannibalismo arcaico e violenza

Le Tre Cicoriane è uno degli spettacoli in scena a Primavera dei Teatri, la rassegna di teatro, danza e musica giunta alla sua XXVIesima edizione a Castrovillari.

Testo, interpretazione, spazio scenico, disegno luci e regia sono di Dario De Luca, regista, autore e attore, dal 1999 direttore artistico del festival Primavera dei Teatri insieme a Saverio La Ruina con cui nel 1992 ha fondato la compagnia Scena Verticale.

Il testo è liberamente tratto dalla fiaba calabrese Le tre raccoglitrici di cicoria raccolta da Letterio Di Francia (“Fiabe e novelle calabresi” – Donzelli Editore, 2015) e presente anche nell’antologia di Italo Calvino con il titolo Le tre raccoglitrici di cicoria.

Una donna e le sue tre figlie sopravvivono, poverissime, raccogliendo cicoria. Un giorno, Teresina, la maggiore, strappando la cicoria a mazzetti, scopre una botola che conduce a una casa sotterranea e scompare.
Inutilmente e per lungo tempo la madre e la sorella la cercano, senza trovarla.

Dopo qualche tempo, Concetta, la secondogenita, parte alla sua ricerca, ma scompare a sua volta. La disperazione delle altre donne rimaste è grande.

Sarà Mariuccia, la sorella minore, che, seguendo le loro tracce, riuscirà a trovarle, scoprendo una verità orribile.

Le sorelle sono state imprigionate, ingannate e uccise da un terribile orco, che ora si appresta a fare lo stesso con Mariuccia.

La ragazza, però, è astuta e con furbizia e intelligenza scoprirà i segreti dell’orco. Guadagnatasi la sua fiducia, scoprirà con orrore che dietro l’unica porta della casa di cui non ha la chiave, si nasconde un’enorme stanza in cui sono nascosti i cadaveri di tutte le vittime dell’orco. Si tratta per lo più di donne, ma ci sono anche alcuni uomini.

Mariuccia troverà il modo di ingannare l’orco, ucciderlo e ridare la vita a tutti quei cadaveri, spartendosi le sue ricchezze accumulate nel tempo con le altre donne, comprese le sorelle.

Dopo Re Pipuzzu fattu a manu (2019) e I 4 desideri di Santu Martinu (2023), Dario De Luca chiude con Le tre Cicoriane una trilogia dedicata alla fiaba calabrese, ispirata alla raccolta di Letterio Di Francia. Al centro il personaggio di Mariuccia, eroina della tradizione orale, figura arcaica e potente che sconfigge il potere maschilista e patriarcale.

Le Tre Cicoriane è una favola nera sulla violenza di genere che affonda le sue radici nella tradizione popolare.

Un racconto gotico in cui l’orco rappresenta il dominio soverchiante dell’uomo sulla donna, padre e padrone che può fare e disfare, disponendo a proprio piacimento del mondo femminile in una società in cui “tutti si fanno gli affari loro come non fosse successo niente”.
Spetta allora alle donne ribellarsi, spezzare una catena di soprusi, abusi e umiliazioni.

“Noi dobiamo fare quello che nessuno ha provato a fare”: sono le donne a dover reagire alla violenza e al sopruso dell’uomo, abbattendo il muro dell’omertà che le circonda.

Le Tre Cicoriane è un racconto cupo e oscuro che oscilla tra cannibalismo arcaico e violenza: l’orco impone alle tre sorelle ogni volta un pezzo di corpo diverso da mangiare (una mano, un braccio, un piede) e uccide le prime due quando si accorge che hanno tentato di ingannarlo.

Ci prova anche con la terza sorella, ma lei è più furba e scaltra e riesce ad annientarlo, spezzando una catena di abusi e femminicidi.

Pur ambientata in un tempo lontano, Le Tre Cicoriane è una favola nera tragicamente contemporanea.

La lotta al patriarcato e al violento maschilismo non termina con la morte dell’orco. Mariuccia, una volta resuscitati tutti i corpi grazie ad una fiala dal contentuto magico, deve affrontare il re, il principe e gli altri pochi uomini vittime dell’orco, che, appena ridestati dalla morte, pensano bene di giocarsi a sorte le donne lì presenti.

Le Tre Cicoriane è un racconto potente contro la violenza di genere e a favore dell’autodeterminazione delle donne.

E’ una donna a ribellarsi al dominio dell’uomo; è una donna colei che salva altre donne e anche uomini ed è sempre una donna quella che si spartisce con le altre tutte le ricchezze dell’orco.

Il testo di Dario De Luca è evocativo e di forte impatto. L’uso del dialetto non impedisce minimamente una comprensione immediata, anzi, rende il racconto più reale e suggestivo immergendolo in un contesto realmente arcaico e rurale.

De Luca fornisce un’interpretazione di alto livello portando con sè lo spettatore nella grotta dell’orco, immergendolo nel racconto e nel mondo intimo dei personaggi, passando dall’uno all’altro con abilità, modulando il tono della voce, o mutando lo sguardo, impostando sorrisi sardonici alternati ad espressioni atterrite o attonite.

Con lui sul palco, Gianfranco De Franco si occupa delle sonorizzazioni elettroacustiche originali eseguite dal vivo attraverso un theramin e dei flauti riuscendo a creare un’atmosfera sospesa, cupa e carica di tensione.

Entrambi, De Luca e De Franco, indossano costumi che richiamano il mondo della dominazione e sottomissione sessuale.
Inoltre, De Luca ha il volto dipinto di bianco e indossa un collare bianco come un giullare di corte. De Franco ha manette di pelle ai polsi a cui sono legate delle catene e indossa una maschera nera in lattice.

La scenografia di Giovanni Spina è semplice, ma efficace. Il centro della scena è occupato da una grande porta con un vetro che nasconde all’interno inquietanti bambole che rappresentano i cadaveri nascosti in quella stanza.

Allo stesso tempo, ruotandola, la porta diventa un trono la cui seduta è anche il “cacatore”: simbolismo perfetto.

Ottimo il disegno luci di Vincenzo Parisi che contribuisce a creare quell’atmosfera gotica consona ad una favola nera.

Dario De Luca, con Le Tre Cicoriane, incastona una favola nera che affonda nel mondo arcaico e arriva a noi con la potenza dei secoli che hanno visto le donne subire il volere degli uomini e sottostare al loro potere, ma, allo stesso tempo, restituisce la forza del mondo femminile, la sua energia, la sua intelligenza, la sua capacità di resistere a ogni dolore e di trasformare la morte in vita.

Le Tre Cicoriane

Liberamente tratto dalla fiaba calabrese Le tre raccoglitrici di cicoria raccolta da Letterio Di Francia (“Fiabe e novelle calabresi” – Donzelli Editore, 2015)
Testo, interpretazione, spazio scenico, disegno luci e regia: Dario De Luca
Sonorizzazioni elettroacustiche originali eseguite dal vivo: Gianfranco De Franco
Luci: Vincenzo Parisi
Oggetti di scena e allestimento: Giovanni Spina
Organizzazione e amministrazione: Tiziana Covello
Distribuzione: Egilda Orrico
Produzione: Scena Verticale
Con il sostegno di: CURA (centro umbro delle residenze artistiche) e Spazio MAI – Movement Art Is – Perugia
Foto Angelo Maggio