Appuntamento a Londra
Sala Umberto
4 novembre 2024
Prima

Appuntamento a Londra: un dramma dell’identità

Appuntamento a Londra, il testo del premio Nobel Mario Vargas Llosa che più racconta il tema dell’identità così caro all’autore, arriva al Sala Umberto di Roma interpretato da Lucia Lavia e Luigi Tabita e con la regia di Carlo Sciaccaluga.

Siamo a Londra. In un’elegante camera d’albergo un ricco uomo d’affari di successo, Luca Croce (Luigi Tabita) incontra una donna, Maddalena Merisi (Lucia Lavia), che sostiene di essere la sorella del suo vecchio amico Nino (i nomi sono italianizzati rispetto al testo originale), con cui Luca ha perso bruscamente ogni contatto venticinque anni prima.

La figura di Maddalena creerà un corto circuito nella mente di Luca che si troverà a fare i conti con il passato, affrontando pulsioni rimosse e sentimenti repressi e innescando proiezioni mentali che confonderanno realtà e immaginazione.

Appuntamento a Londra si incentra sul tema della verità, la cui esistenza, per Vargas, si dà solo nella relazione con l’altro e sul tema dell’identità (sessuale, ma non solo).

Mano a mano che l’identità di Maddalena si fa più chiara, nella mente di Luca i pensieri si confondono, in una rappresentazione che è sempre a cavallo tra realtà e immaginazione, sogno e incubo.

Maddalena c’è, ma allo stesso tempo non esiste; Maddalena è in quel pugno sferrato, ma è anche in quel bacio mai dato. Maddalena è il rimpianto per le vite non vissute, Maddalena è la nostalgia di una vita non percorsa.

Appuntamento a Londra è uno spettacolo sulla ricerca della propria identità; è il delirio di una mente fragile che si perde in mille personalità proiettata su un mondo di possibilità.

Non appena lo spettatore pensa di aver afferrato la verità ecco che l’autore lo spiazza e destabilizza: Luca e Maddalena diventano ogni volta qualcosa di diverso l’uno per l’altra.
Davanti allo spettatore si aprono varie strade, nessuna vera, ma tutte valide.

Lucia Lavia e Luigi Tabita ci trasportano in un viaggio surreale nell’intimità dei propri personaggi, un continuo dentro e fuori dove realtà e sogno si confondono facilmente.

Lo fanno, l’una, Lucia, con una recitazione estremamente di maniera, una recitazione vecchia maniera accentuata ed esasperata nei toni, negli accenti e nei respiri, accompagnata da una postura altera, elegante e da continui “scatti”, il tutto, forse, a sottolineare il distacco dalla realtà conferendo il giusto valore di immaginifico al racconto.

L’altro, Luigi Tabita, attraverso un potente ed efficacissimo processo di interiorizzazione grazie al quale il suo personaggio è continuamente dentro se stesso, in una conversazione quasi solitaria dove l’altro, anzi l’altra, Maddalena, diventa solo oggetto del suo pensiero, raccontato e non realmente vivente.

Il rapporto tra i due, le loro dinamiche, sono giocate tutte sul piano interno: l’interno fisico dell’appartamento e l’interno della mente di Luca.

Un interno scosso dai pensieri, così come dalla musica e dai suoni di nogravity4monks e illuminato dal gioco freddo/caldo delle luci di Gaetano La Mela.

Altissimi momenti sono costituiti dal monologo di Maddalena/Lavia e dal tormento di Luca/Tabita quando canta Vedrai Vedrai di Tenco.

Lucia e Luigi sono eleganti negli abiti di Anna Varaldo di cui non si può non apprezzare anche la scena, continuamente percorsa e agita dai due, con il letto che diventa tana o trappola da cui Maddalena grida la propria volontà di esistere.

I gesti di Tabita/Luca eseguiti all’inizio davanti allo specchio, tornano nel finale in lui e nei gesti di Nino: quel tentativo di togliersi la faccia o portarsi via la maschera a rischio di graffiarsi il volto, nel rifiuto di una identità che non si riconosce più, ma anche nell’inganno di un’altra identità.

Alcuni momenti onirici sono sottolineati da scene e dialoghi che si ripetono in loop e da rewind.

Il tutto è calibrato, dosato e misurato sin nel minimo dettaglio dalla regia di Carlo Sciaccaluga che viene da immaginare abbia fornito indicazioni precise anche sulla recitazione.

Il rischio grande di questo difficile spettacolo, però, è che lo spettatore, diviso tra l’enorme impegno interpretativo dei due attori e la difficoltà di riuscire ad essere sempre dentro al racconto, sia più portato a ragionare che a emozionarsi.

Appuntamento a Londra
di Mario Vargas Llosa
Regia di Carlo Sciaccaluga
Interpreti: Lucia Lavia e Luigi Tabita
Scene e costumi: Anna Varaldo
Musiche: nogravity4monks
Luci: Gaetano La Mela
Produzione Teatro Stabile di Catania

Arsenico e vecchi merletti

Teatro Quirino

20/01/2020

L’occasione di vedere insieme in scena Giulia Lazzarini, musa di Strehler, e Anna Maria Guarnieri, primadonna prediletta di Zeffirelli, Missiroli, Ronconi, è ghiotta è irrinunciabile.

A offrirla è il Teatro Quirino che ha appena calato il sipario sullo spettacolo Arsenico e vecchi merletti, che ha visto esaurite praticamente tutte le date di programmazione.

Brooklyn. Abby e Martha Brewster sono due sorelle anziane, ma molto vispe che vivono in una grande e bellissima casa vittoriana, vicina ad un cimitero, ereditata dal padre, arricchitosi come medico nonostante non ne avesse i titoli e appassionato di studi sui cadaveri.

Le due sorelle vivono con Teddy, un nipote gioviale e un po’suonato, ma innocuo, che si crede il Generale Lee, veste in divisa, chiama alla carica e suona la tromba per radunare le truppe.

Abby e Martha ricevono la visita dell’altro amato nipote, Mortimer, soprannominato il nottambulo per la sua professione di critico teatrale. Mortimer è lì per annunciare il proprio matrimonio con Elaine Harper, la figlia del Reverendo, ragazza sveglia e intraprendente.

Durante la sua visita alle dolci ziette, Mortimer scopre un piccolo, “innocuo” segreto: le sorelle Brewster accolgono viandanti e disperati senza famiglia e li aiutano a lasciare questo mondo con dolcezza, offrendo loro del rosolio corretto con una combinazione di veleni mortiferi e ne fanno seppellire i corpi a Teddy, che continuamente scava trincee nella cantina della casa.

Deciso a interrompere questo ciclo mortale, Mortimer escogita di far internare Teddy scaricando la responsabilità dei dodici corpi interrati in cantina su di lui.

I suoi piani verranno sconvolti dall’arrivo di Jonathan, un terzo fratello che era stato allontanato anni prima dalla casa per il suo sadismo e diventato un efferato pluriomicida con all’attivo dodici vittime, evaso e ricercato, e che torna nella casa delle zie insieme al dottor Einstein per utilizzare il vecchio laboratorio del nonno come camera operatoria per sottoporsi ad un altro intervento di ricostruzione facciale per sfuggire alla polizia.

Come lo si voglia definire, commedia nera, giallo dalle tinte rosa, commedia brillante, Arsenico e vecchi merletti è una commedia divertente che sfiora diversi generi.

C’è il mistero degli omicidi commessi dalle due attempate e vivaci sorelle e c’è l’horror portato dal personaggio di Jonathan, espresso non solo nelle sue fattezze stile Frankestein, ma anche dal suo sadismo.

Ci sono, però, anche elementi leggeri e divertenti: la vaghezza simpatica e svampita delle sorelle Brewster; la sorprendente dignità e la lucidità con la quale sostengono le ragioni della propria attività delittuosa; la follia innocua di Teddy che lo induce a comportamenti esilaranti.

Ci sono poi il perbenismo del Reverendo in contrapposizione all’emancipazione della figlia; la debolezza di carattere di Mortimer a confronto con la forza di Elaine.

Troviamo anche più di un richiamo ironico al teatro: il Reverendo Harper critica fortemente il “deplorevole rapporto” che Mortimer ha con il teatro ed egli stesso afferma che “il teatro è in via di estinzione” (per fortuna non è così).

Potremmo anche riscontrare una funzione sociale in quello che le due donne fanno e un richiamo a questioni più attuali, quali l’eutanasia.

Forse, però, ci si sta spingendo troppo in là: i personaggi, in fin dei conti, non sono così profondamente caratterizzati, sono piuttosto caratteri che non richiedono di essere approfonditi psicologicamente.

E’anche questa leggerezza a mantenere per tutto il tempo un tono fresco, mai cupo, ma sempre “brillo”, quasi irriverente, ai limiti del demenziale, livello che non raggiunge mai per la finezza dell’interpretazione.

Questa finezza, questa eleganza sono date dallo straordinario aplomb delle due protagoniste, Anna Maria Guarnieri e Giulia Lazzarini, dalla loro energia, dalla loro naturalezza sulla scena anche nelle pause, nei respiri, dalla spontaneità nei gesti, dalla sapiente gestione dei tempi comici, dal loro magico rapporto sul palco, da quell’intimità che sanno ricreare di due sorelle che hanno trascorso una vita insieme.

Una lezione di teatro preziosa, un gioco teatrale condotto con stile.

Intorno a loro un cast ben assortito e affiatato: brava Maria Alberta Navello; trascinante Mimmo Mignemi; bravissimo Paolo Romano, che dà prova di presenza scenica e grande potenza comica espressa soprattutto dalla mimica e dall’espressività del corpo; molto interessante l’interpretazione di Luigi Tabita, sempre in bilico su un personaggio che non deve mai diventare un fantoccio.

E poi Tarcisio Branca, Bruno Crucitti, Francesco Guzzo, Daniele Biagini, Lorenzo Venturini.

Eppure, Arsenico e vecchi merletti, con la regia di Geppy Gleijeses, presentato nella traduzione storica e originale di Masolino D’Angelo, le scene di Franco Velchi riproposte con cambiamenti studiati con Michele Gigi, i costumi oggi come allora, con qualche modifica, di Chiara Donato, come le musiche di Matteo D’Amico, il nuovo disegno luci di Sergio Rossi, soffre per la durata eccessiva senza intervallo e di alcuni cali fisiologici dovuti ad una drammaturgia che gira eccessivamente sugli stessi elementi e battute ripetitive.

Gitiesse Artisti Riuniti   

Presenta

Arsenico e vecchi merletti

Di Joseph Kesselring

Traduzione di Masolino D’Amico

Regia Geppy Gleijeses

Con Anna Maria Guarnieri e Giulia Lazzarini

e con Maria Alberta Navello, Mimmo Mignemi, Paolo Romano, Luigi Tabita, Tarcisio  Branca, Bruno Crucitti, Francesco Guzzo, Daniele Biagini, Lorenzo Venturini

Scene Franco Velchi

Costumi Chiara Donato

Luci Luigi Ascione

Musiche Matteo D’Amico

Si ringrazia l’Ufficio Stampa del Teatro Quirino

Femminicidio, presenze e metateatro nei Sei personaggi di Michele Placido

Teatro Quirino

24 novembre 2018

C’è tutto Pirandello in questo Sei personaggi in cerca d’autore del Teatro Stabile di Catania con la regia di Michele Placido in scena al Teatro Quirino.

Aprendosi, il sipario svela un palcoscenico in corso di allestimento sul quale arrivano poco alla volta i componenti della compagnia che dovranno provare un’opera di Pirandello. Mentre gli attori si preparano, tra malcontenti e battute, lentamente sul palco si materializzano delle figure tetre: sono sei personaggi, presenze reali, vestite di nero e cupe in volto, che escono lentamente dal fondo buio. Sono i personaggi di un dramma mai compiuto che, abbandonati dal proprio autore, desiderano solo raccontare la propria storia fino in fondo.

Il regista della compagnia, dapprima infastidito da questa interruzione improvvisa, lentamente si incuriosisce e decide di far rappresentare il dramma alla compagnia, ma poi, insoddisfatto del risultato e sempre più affascinato da questi personaggi, decide di farlo rappresentare a loro stessi, lasciando i componenti della compagnia in disparte ad osservare e ascoltare.

La vicenda verrà raccontata principalmente dal Padre e dalla Figliastra: il Padre racconterà di come abbia deciso di abbandonare Moglie e Figlio per il bene di lei e per consentirle di crearsi un’altra vita con un altro uomo. Da questa unione nasceranno la Figliastra, il Giovinetto e la Bambina. Morto l’uomo, la Madre e la Figliastra si troveranno a lavorare per Madama Pace, il settimo personaggio, la quale, facendo leva sull’indigenza della famiglia, approfitterà della bellezza e della giovane età della Figliastra per farla prostituire. Un giorno, però, ella si troverà davanti, in veste di cliente, il Padre. Sarà l’arrivo della Madre, mentre la Figliastra è in ginocchio davanti al Padre, ad interrompere quello che sarebbe potuto essere considerato un incesto.

La rappresentazione improvvisamente cambia scena e riprende in un giardino dove la Madre trova la Bambina affogata in una vasca e scorge più in là il Giovinetto che, atterrito e sconvolto, tira fuori dalla tasca una pistola e si spara. Seguiranno le urla strazianti della Madre. Di fronte allo sconcerto della compagnia, il Padre svelerà la verità di quegli avvenimenti. Sembra tutto finito, eppure qualcos’altro di sinistro sta per accadere.

Sei personaggi in cerca d’autore è uno spettacolo impegnativo, da seguire con estrema attenzione perché racchiude tutta la poetica pirandelliana, divenendo la testimonianza migliore del suo pensiero e della sua scrittura. Questo spettacolo restituisce tutto di Pirandello: la sua cifra stilistica, la sua arte, il suo pensiero sul mondo, il suo modo di rapportarsi agli attori.

Nella propria lettura Michele Placido, senza trascurare in alcun modo la complessa poetica dell’autore di Girgenti, ha il merito di porre in risalto un tema oggi quanto mai attuale, quello della violenza sulle donne. Senza risultare patetico o ridondante, all’interno della ricchezza e varietà di temi portati avanti da Pirandello e qui ben rappresentati, Placido punta una luce sulle donne sottomesse all’uomo, abusate e maltrattate: la Madre che sottostà al volere del Padre che la caccia di casa, la Figliastra costretta a prostituirsi e per poco non abusata dal Padre, la Bambina, muta tutto il tempo e morta affogata.

Allo stesso tempo viene dato risalto allo smarrimento dei personaggi, al loro dramma, all’urgenza di raccontarlo e di raccontarsi, di trovare un posto per se stessi dove poter rappresentare la propria storia testimoniando la propria vita, affermando così la propria esistenza. Si avverte il peso del loro non essere, del loro abbandono, del non essere più qualcosa per qualcuno. E’ un peso non poter vivere il proprio dolore, non poterlo esprimere.

Sono vestiti a lutto sia per il dramma della loro vita che per l’abbandono del proprio autore: sono figure dai contorni sbiaditi, privi di colore, fantasmi. Sia nell’esteriorità che nel loro modo silenzioso di apparire all’improvviso e muoversi quasi non visti, ricordano molto i personaggi del film The Others, anch’essi, in effetti, personaggi non riconosciuti di un dramma incompiuto che è loro vita. Il modo in cui i personaggi entrano e si muovono in scena, infatti, è visivamente molto affascinante e anche inquietante.

Siamo in una tragedia senza via d’uscita e se ne sente il peso nell’aria e addosso, nei personaggi angustiati della Madre e della Figliastra, come nei personaggi muti del Giovinetto (che avrà uno sfogo concitato solo nella parte finale) e della Bambina, così come si avverte la presenza incombente degli attori della compagnia tutto il tempo in scena, per la maggior parte del tempo in silenzio, come già presente in molte delle opere di Pirandello in cui i personaggi astanti alla fine fanno da pubblico che ascolta.

Attori e personaggi non entrano mai in contatto fisicamente, non si toccano. L’unico ad avere un contatto con loro è il regista che è ne conquistato ed entra in quel mondo con una eccitazione che risulta enfatizzata dal confronto col silenzio generale.

Assieme a tutto il bello di Pirandello, lo spettacolo porta con sé anche le difficoltà di un testo altamente impegnativo dal punto di vista dei contenuti e della forma, ma Placido è stato bravo ad inserire alcuni elementi che richiamano alla contemporaneità. Anche nella scena finale ha voluto lasciare un’apertura, forse a rappresentare un gesto di rivalsa e di riscatto della Figliastra.

Michele Placido interpreta il ruolo del Padre: è bravissimo, misurato, al servizio del personaggio; nel monologo di Pirandello, molto difficile anche da capire, è molto bravo e chiaro, non facendone un esercizio di oratoria, ma presentandolo con grande trasporto e presenza.

Dajana Roncione è una Figliastra straordinaria: accende il proprio personaggio di colori intensi e vari, dal dramma, alla risata nervosa che diventa inquietante e poi si scioglie in pianto, portando grande freschezza e sensualità.

Fantastica poi Guia Jelo, in un’interpretazione della Madre eccezionale, appassionata e drammatica, con quella voce che cattura e che è espressione del teatro.

Silvio Laviano è il regista: è quello che, al contrario degli altri, si muove, si agita per la scena. Con fermezza, piglio e decisione Silvio interpreta colui che tenta di mantenere un certo ordine. Peccato per quell’ “Azione!” ripetuto due volte che appartiene al cinema e non al teatro.

Ci sono poi tutti gli altri bravissimi attori. I personaggi della commedia, oltre ai già citati Placido, Roncione e Jelo, Luca Iacono (il Figlio), Luana Toscano (Madama Pace), la piccola Clarissa Bauso (la Bambina) e Flavio Palmeri (il Giovinetto). Gli attori della compagnia: oltre al citato Silvio Laviano, Egle Doria (la Prima Attrice), Luigi Tabita (il Primo Attore), Ludovica Calabrese (l’Attrice Giovane), Federico Fiorenza (l’Attore Giovane), Marina La Placa (la Seconda Donna), Giorgia Boscarino (l’Assistente del regista), Antonio Ferro (il Direttore di scena).

La scenografia, essenziale e scura, è un palcoscenico ingombro di oggetti di scena e attrezzeria. Il palco viene illuminato di traverso da un fascio di luce che entra quando si apre la porta laterale che dà all’esterno: una porta che, una volta chiusa, lascia fuori il mondo e sospende la realtà in quel luogo.

Concludono l’allestimento le musiche di Luca D’Alberto, i costumi di Riccardo Cappello e le luci di Gaetano La Mela.

Sei personaggi in cerca d’autore

Teatro Stabile di Catania

in coproduzione con Goldenart Production

di Luigi Pirandello

regia Michele Placido

con Muchele Placido, Guia Jelo, Dajana Roncione, Luca Iacono, Luana Toscano, Clarissa Bauso, Flavio Palmeri, Silvio Laviano, Egle Doria, Luigi Tabita, Ludovica Calabrese, Federico Fiorenza, Marina La Placa, Giorgia Boscarino, Armando Sciuto

musiche di scena Luca D’Alberto

costumi Riccardo Cappello

luci Gaetano La Mela