Silvano Toti Globe Theatre

31 agosto 2018. Prima

Un vero piacere assistere allo spettacolo La bisbetica domata in scena al Silvano Toti Globe Theatre di Roma!

Non solo perché La bisbetica domata è una bellissima commedia di Shakespeare perennemente attuale come ogni sua opera, divertente, ricca di intelligenti espedienti teatrali e di diversi livelli di lettura e interpretazione (ma anche questo si può dire di ogni sua opera), veicolati da un linguaggio frizzante e sferzante e da una dialettica incessantemente dinamica, ma anche perché l’adattamento e la regia di Loredana Scaramella sanno rapire lo spettatore e trasportarlo nel mondo shakespeariano con modalità originali, inserimenti innovativi che nulla tolgono a letture più classiche e che contestualizzano un ambiente e un’epoca in cui gli eventi raccontati e il loro messaggio ben si collocano.

La bisbetica domata, all’interno di un gioco a volte sadico e crudele, spesso tagliente, attraverso piccoli inganni, mistificazioni e scambi di persona, racconta l’opera di addomesticamento di una donna da parte di un uomo, una donna che da libera, indipendente, orgogliosa e ribelle, diverrà obbediente e rispettosa del marito e del suo volere.

Non è il caso di soffermarsi qui sulla valenza sociale di tutto questo e di disquisire della condizione femminile dell’epoca. Ciò che preme è commentare come tutto ciò venga rappresentato, e dare lustro e merito ad uno spettacolo gustoso, coinvolgente e ottimamente confezionato sotto ogni aspetto.

Loredana Scaramella segue un’intuizione fortunata andando a ritrovare la situazione evocata dal Bardo nel Ventennio fascista. Il racconto è collocato alla fine degli Anni Trenta, anni in cui “è ancora possibile in quell’epoca l’idea di una doma della femmina, ma la donna ha degli strumenti per opporsi e la battaglia dei sessi vive un momento cruciale, particolarmente appassionante”.

In quest’ottica, la taverna diventa una pensione ristorante; il potente è un Caposettore fascista e gli artisti girovaghi sono un gruppo di musicisti e attori di avanspettacolo ben distribuiti nei propri ruoli: il fantasista, il comico, il duo, la soubrette, il ballerino di tip-tap, il macchiettista, il cantante d’opera. Lo spettacolo, inoltre, ha numerosi inserimenti musicali leggeri, piacevoli e pertinenti.

Mano a mano, il turbinio di giochi, a volte crudeli, di bugie e scambi di persona assume i contorni del varietà declinato fino al Kabarett tedesco.

Grandissima l’interpretazione di ogni singolo elemento.

Bravissima Carlotta Proietti nei panni della cantante eccentrica e di Caterina. Padrona dei propri personaggi, prima esaspera e poi trattiene, riuscendo ad accompagnare ogni battuta con gestualità e mimica appropriate e naturali e a far rivivere il mutamento psichico del proprio personaggio anche nelle sfumature.

Accanto a lei la presenza importante e forte di Mauro Santopietro perfettamente aderente al proprio personaggio col quale gioca con abile disinvoltura, anch’egli dominandolo anche solo con i gesti e con le espressioni.

Federigo Ceci è uno strabiliante Cristoforo Volpe: è il primo personaggio che si incontra e subito cattura. Resta sempre in scena: travolgente quando attivamente presente sul palco, fa sentire la propria presenza anche quando è seduto in alto ad assistere allo spettacolo.

Con loro, poi, tutti gli altri, ugualmente bravi: Giulio Cavallini, Diego Facciotti, Gianni Ferreri, Paolo Giangrasso, Roberto Mantovani, Ivan Olivieri, Loredana Piedimonte, Sara Putignano. Degli altri dirò a breve.

Oltre alla meraviglia delle interpretazioni in generale, è l’allestimento completo de La bisbetica domata a conquistare: è l’impatto visivo, sono le immagini evocate, le musiche, i canti, i rumori.

Gli elementi scenografici di Fabiana Di Marco sono pochi ed essenziali, ma perfettamente funzionali. Il resto è creato dalle dinamiche dei personaggi, dai loro movimenti, dalle linee che segnano e che spesso si incrociano. Movimenti ideati da Alberto Bellandi con la consulenza coreografica di Laura Rocco.

Infatti, oltre alla tensione creata dagli scontri dialettici tra Petruccio e Caterina e ai sotterfugi intorno al corteggiamento di Bianca, molto fanno le immagini create dai movimenti coreografici: passi, salti, corse, rincorse, in una serie di scambi rapidi ed efficaci.

Già quasi all’inizio, la scena della compagnia che arriva al ristorante ha un fortissimo impatto visivo. Fanno il loro ingresso ognuno col proprio bagaglio e per un attimo restano immobili: un’immagine che sembra un’istantanea dell’epoca e un momento nel quale si possono apprezzare tutti insieme i bellissimi costumi di Susanna Proietti in un equilibrio cromatico e di stile impeccabile.

Il flusso dinamico dello spettacolo è poi dato dai bellissimi movimenti e dalla fluidità nonché dall’espressività di Federico Tolardo, nei panni di Grumio e del fantasista, un perfetto saltimbanco instancabile (meravigliosa la scena in cui viene rincorso in casa di Petruccio), ma anche dal tip tap e dagli interventi di Lorenzo Grilli (impegnato in ruoli diversi) e dai ruoli travesti dello stesso Grilli e di Donato Altomare (che interpreta Nicola e il tenente), Gabrio Gentilini (Curzio, Vincenzo, Comandante), impegnato anche in un altro divertente pezzo con Tolardo, e Antonio Sapio (Filippo e cantante).

Anche l’intervallo è animato in maniera divertente e piacevole da alcuni attori con l’esibizione in un numero musicale cantato di tip tap da Lorenzo Grilli, Donato Altomare e Antonio Sapio.

A questo proposito è doveroso e giusto citare la presenza in scena del quartetto William Kemp che ha eseguito tutte le musiche dal vivo.

Nonostante la lettura moderna e la contestualizzazione e gli inserimenti esposti sino ad ora, lo spettacolo rispetta il canone shakespeariano: i personaggi shakespeariani e le loro dinamiche non vengono stravolti. Semmai alcuni elementi, soprattutto comici, vengono amplificati e anche i travestimenti trovano un prolungamento nella scena en travesti.

La bisbetica domata di Loredana Scaramella in scena al Silvano Toti Globe Theatre è un prezioso esempio di buon teatro

Link al video: https://www.youtube.com/watch?v=QDpLuvUc-Ck  

La bisbetica domata

di William Shakespeare

Regia di

Loredana Scaramella

Traduzione e adattamento Loredana Scaramella

Prodotto da Politeama Srl

Interpreti

(in ordine alfabetico)

Nicola, tenente                                             DONATO ALTOMARE

Lucenzio, boy della compagnia                   GIULIO CAVALLINI

Cristoforo Volpe,                                          FEDERIGO CECI

Ortensio, boy della compagnia                    DIEGO FACCIOTTI

Gremio, comico                                             GIANNI FERRERI

Curzio, Vincenzo, Comandante                 GABRIO GENTILINI

Tranio, comico                                             PAOLO GIANGRASSO

Biondello, Giuseppe, aiuto cuoco,

ballerino di tip tap                                        LORENZO GRILLI

Battista, attore di prosa                                ROBERTO MANTOVANI

Professore, amministratore di compagnia IVAN OLIVIERI

Vedova, sarta                                                           LOREDANA PIEDIMONTE

Caterina, cantante eccentrica                      CARLOTTA PROIETTI

Bianca, soubrette                                          SARA PUTIGNANO

Petruccio, Caposettore                                 MAURO SANTOPIETRO

Filippo, cantante                                           ANTONIO SAPIO

Grumio, fantasista                                        FEDERICO TOLARDO

Musiche eseguite dal vivo :

quartetto WILLIAM KEMP

Violino ADRIANO DRAGOTTA Sassofoni  LORENZO PERRACINO

Chitarra FRANCO TINTO  Contrabbasso  DANIELE ERCOLI

MAESTRO MOVIMENTI DI SCENA

Alberto Bellandi

AIUTO REGIA

Francesca Visicaro

ALLESTIMENTO A CURA DI

Susanna Proietti

SCENE

Fabiana Di Marco

COSTUMI

Susanna Proietti

CONSULENZA COREOGRAFICA

Laura Ruocco

ASSISTENTE COREOGRAFO

Giulio Benvenuti

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

DISEGNO LUCI    Umile Vainieri         DISEGNO AUDIO    Franco Patimo

Si ringrazia Cinzia D’Angelo dell’ufficio stampa

21 dicembre 2017. Prima

Allegria e miseria nella Roma degli anni ’50 in uno spettacolo basato sulla parola come evocazione di immagini. Grandissima prova corale e uno straordinario Lino Guanciale.

Dopo il successo dell’anno scorso a Roma e dopo aver fatto incetta di premi, torna, sempre a Roma, sempre al Teatro Argentina, Ragazzi di vita, lo spettacolo tratto dal romanzo di Pier Paolo Pasolini nella riscrittura drammaturgica di Emanuele Trevi e con la regia di Massimo Popolizio.

Forse, proprio per l’importanza dei premi vinti, (Premio Le Maschere del Teatro Italiano 2017 come migliore spettacolo della stagione; Premio Le Maschere del Teatro Italiano 2017 come migliore regia; Premio della Critica Teatrale Italiana 2017 come migliore regia; Premio Ubu 2017 per la migliore regia) torna con un maggiore carico di responsabilità da gestire che affronta con consapevolezza e padronanza.

Ragazzi di vita è un racconto in presa diretta che rappresenta l’Italia post seconda guerra mondiale in tutta la sua miseria, ma anche in tutta la sua allegria.

Protagonisti sono i giovani di quella Roma degli anni ’50 uscita abbattuta e profondamente impoverita dalla guerra, ragazzi delle borgate di periferia che parlano in dialetto romanesco e trascorrono le loro giornate alla ricerca di qualche soldo e nuovi passatempi. Riccetto, Agnolo, Alvaro, il Begalone, lo Spudorato, il Caciotta, Amerigo e tutti gli altri, sono giovani spaesati che devono imparare in fretta a stare al mondo. Perduta troppo presto l’innocenza della fanciullezza, emarginati dalla Roma bene, popolano e animano quartieri di periferia riempiendoli della loro accesa vivacità e vitalità estrema alla quale ricorrono per sfuggire alle paure di una vita incerta e precaria. Liberi da vincoli culturali e sovrastrutture sociali affondano mani e piedi nella vita, tentando sempre di tirare su la testa per non annaspare nella povertà e nella disperazione.

Si susseguono, così, racconti di vite e vicende di questi ragazzi in una serie di episodi e archi temporali diversi, ognuno dei quali rappresenta i diversi modi di essere e di sopravvivere alla miseria e alla borgata.

Storie di scorribande e di brevi felicità, storie di amicizia e di dolore, storie di allegria e di miseria, storie di ruberie e squallidi interni di famiglia.

Con loro viaggiamo attraverso una Roma di un tempo andato, ma che resta viva nel ricordo soprattutto dei romani. I Ragazzi di vita si muovono con energia travolgente dal Tuscolano al Prenestino a Centocelle, con incursioni nel centro della città, tra il Fontanone e Piazza di Spagna, da Ponte Garibaldi a Ponte Sisto sul fiume Tevere, ai bagni del Lido di Ostia, restituendo immagini vivide di una città che non c’è più, tra atteggiamenti spregiudicati e momenti di pudore, slanci di bontà, ma anche di violenza, episodi crudi, ma anche ironici e divertenti.

Tra loro si aggira, straniero non visto, narratore esterno, ma coinvolto, Lino Guanciale, che passa tra le varie situazioni in cui i ragazzi si immergono con la sola immediatezza del presente come un testimone che vede e registra tutto, che racconta Roma come se la sorvolasse dall’alto, ma la restituisce nelle sue parole vivendola da dentro.

Ragazzi di vita è uno spettacolo corale, distribuito e gravante sulle spalle di ogni singolo, eccellente attore; uno spettacolo di grandissimo impatto animato da uno stato di grande eccitazione e turbamento collettivo in cui a prevalere sono la parola e la gestualità.

Uno spettacolo potente e comunicativo in cui la drammaturgia di Emanuele Trevi restituisce la potenza della parola a cui lo straordinario Lino Guanciale riesce a dare senso e corpo ricreando a voce immagini vivide e vigorose: il caldo estremo delle estati a Roma, i bagni nel Tevere, i prati arsi dal sole, il girovagare dei ragazzi per i quartieri le cui immagini prendono vita nella mente dello spettatore, il disagio, la rabbia, la sensibilità, la frustrazione, la disperazione, ma anche l’allegria e la vivacità riuniti e rappresentati in una sorta di coscienza collettiva.

La potenza evocativa della parola che si fa immagine e linguaggio poetico, parola sempre verace e grezza, ma ricca di una semantica intensa e pratica.

Questi Ragazzi di vita riempiono il grande palco, praticamente vuoto, della loro presenza, della loro energia, della loro forza interpretativa e della loro fisicità vivace. Pochi gli oggetti di scena: tutto è evocato con grande forza immaginifica.

In questo affresco popolare e quotidiano sono diretti dalla regia di Massimo Popolizio, chiara, precisa e incentrata sul sovrapporsi di due dimensioni diverse: quella dei ragazzi di borgata e quella del punto di vista dell’osservatore esterno, che si muove tra loro senza accavallarsi.

Anche l’uso del racconto in terza persona aiuta in questo processo che continuamente porta dal romanzo al teatro e dal teatro al romanzo con naturalezza.

Poi c’è la musica: stornelli e canzoni, ricantate sulle voci originali, che riempiono il tessuto narrativo dando voce all’anima dei ragazzi.

Non è solo la Roma degli anni ’50 a rivivere in Ragazzi di vita: sono le emozioni, le occasioni non arrivate, quelle perse, i fallimenti, il passaggio dalla sfrontatezza della gioventù ad un certo conformismo dell’adultità a parlare allo spettatore e a portarlo in un tempo che fu, ma che appartiene ancora oggi a noi romani e può essere esteso universalmente.

Ragazzi di vita
di Pier Paolo Pasolini
drammaturgia Emanuele Trevi
regia Massimo Popolizio

con Lino Guanciale e Sonia Barbadoro, Giampiero Cicciò,Roberta Crivelli, Flavio Francucci, Francesco Giordano, Lorenzo Grilli,Michele Lisi, Pietro Masotti, Paolo Minnielli, Alberto Onofrietti, Lorenzo Parrotto, Cristina Pelliccia, Silvia Pernarella, Elena Polic Greco, Francesco, Santagada, Stefano Scialanga, Josafat Vagni, Andrea Volpetti

Rapunzel – Il Musical

Regia di Maurizio Colombi

Una favola classica in versione moderna, un po’ cartone animato, un po’ fumetto, Rapunzel stupisce!

Nonostante qualche difficoltà iniziale, la prima è stata un grandissimo successo di pubblico e critica!

Breve sinossi: Rapunzel è una bambina che all’età di un anno viene portata via ai genitori, il re e la regina, da madre Gothel, sorella della regina, per punire quest’ultima a causa di antichi rancori. La ragazza vivrà fino all’età di 18 anni segregata in un’alta torre inaccessibile; l’unico modo per entrare e uscire dalla torre sono i suoi lunghi capelli magici dalle proprietà curative. Poi, un giorno, arriva un ladro scanzonato che la porta via dalla torre e comincia l’avventura…

Rapunzel è un musical bello e divertente.

Ricorda molto la comicità delle scenette che Lorella faceva con Marco Columbro ai tempi della loro Buona Domenica: una comicità molto garbata, con un linguaggio semplice, diretto, pulito che strappa sane risate rimanendo sempre attuale. Sì, perché Rapunzel è anche una rappresentazione attuale con riferimenti a personaggi dell’immaginario collettivo comune moderno e l’utilizzo di un linguaggio contemporaneo; un modo efficace per avvicinare un pubblico di tutte le età.

Rapunzel è uno spettacolo per bambini e per sognatori, per chi crede che tutto può cambiare, che, se vogliamo veramente qualcosa, questa accade; il leitmotiv di tutto il musical, infatti è “Immagina, tu puoi”.

Ok, all’inizio suona già sentito, però, poi, la sceneggiatura è talmente ben curata da far dimenticare il riferimento già altrove utilizzato e da personalizzarlo e renderlo perfettamente fruibile dallo spettatore.

Un altro simpatico espediente è l’inserimento nello spettacolo di proiezioni in stile cartone animato: i protagonisti sono disegnati come fossero fumetti e le scene in movimento vengono inserite nei momenti in cui si deve dare l’idea del tempo che passa o di fughe e spostamenti.

C’è un altro bel momento all’interno spettacolo, ma non voglio svelarlo…dirò solo che gli spettatori entreranno in qualche modo a far parte di una scena.

Le musiche originali di Davide Magnabosco, Alex Procacci e Paolo Barillari coi testi di Maurizio Colombi, Giulio Nannini e Federico Del Vecchio sono bellissime: trascinanti, piene di ritmo, di quelle musiche che mettono voglia di ballare e i testi funzionano molto bene. Non ci sono ovvietà o rime facili. Le canzoni non accompagnano le scene, ma le raccontano.

Belli i costumi di Francesca Grossi, soprattutto quelli di Madre “Go to hell”.

Efficace la regia di Maurizio Colombi.

Gli interpreti sono tutti molto bravi.

Lorella Cuccarini, che torna al musical (finalmente) dopo tanti anni, conferma il suo talento e la sua attitudine per lo spettacolo a 360°. Sempre bellissima, fasciata dai seducenti abiti di Madre Gothel con spacchi che mettono in risalto le sue lunghe e affusolate gambe, nonostante l’evidente e comprensibile emozione della prima, è padrona del palco senza, però, rubare la scena a nessuno.

La sua Madre Gothel, per quanto all’inizio cerchi di essere cattiva non può fare a meno di risultare ironica e simpatica, prendendo, a volte, in giro se stessa.

Lorella supera a pieni voti l’ennesima prova di attrice e cantante dal vivo (anche se non ne avevo mai dubitato): il personaggio di Madre Gothel sembra cucito su di lei, segue esattamente le sue corde e dà risalto alle sue capacità interpretative; e se questo non fosse vero, se cioè il personaggio non fosse stato adattato su di lei, allora doppio plauso per la sua bravura e capacità di entrare nel personaggio disegnato e averlo fatto proprio.

Alessandra Ferrari è una strepitosa, simpatica, irriverente e caparbia Rapunzel: pur interpretando un personaggio fiabesco, una fanciulla alla scoperta di un mondo completamente nuovo, tira fuori la sua voce forte, potente, chiara e cristallina che la caratterizza.

Giulio Corso è, per me, una rivelazione nel musical: bello è bello, ma anche bravo. Sciolto sul palco, interpreta un Phil scanzonato, brigante gentiluomo, simpatico e, fondamentalmente, buono. E poi canta e canta bene; la sua voce mi è piaciuta davvero molto e insieme ad Alessandra crea una bellissima armonia.

Da citare Goffredo Maria Bruno nel doppio ruolo di re e brigante e Barbara di Bartolo in quelli di regina e locandiera; più brillanti nei ruoli di brigante e locandiera per ovvi motivi di sceneggiatura, perché trattasi di personaggi che consentono la possibilità di giocare di più rispetto ai ruoli regali più austeri. Applauso a loro.

Enormi complimenti vanno fatti a tutto l’ensemble; un gruppo di personaggi diversi per caratteristiche fisiche e vocali che si muove fluidamente su quel palco rendendo tutto magico e divertente.

Le coreografie di Rita Pivano, belle, fresche e trascinanti sono assegnate a loro.

Da sostenitore di Lorella, posso dire che avrei voluto vederla ballare un po’ di più, perché so che può farlo tranquillamente, ma da spettatore attento e critico so anche che non sarebbe stato opportuno per il taglio che è stato voluto dare allo spettacolo.

Esilaranti e bravissime Rosa e Spina, rispettivamente Alessandra Ruina e Martina Gabbrielli, che interpretano anche i ruoli di nutrice e popolana.

Simpaticissimo Maurizio Semeraro nei panni del brigante Polifemo e in quelli del buffo cortigiano.

Di seguito gli altri membri del cast: Lorenzo Grilli è il brigante Igor e anche il cantastorie; Donato Altomare è il brigante Milord e il fantastico, divertente ed eclettico Segugio che parla una lingua tutta sua di base latina; Ezio Domenico Ferraro è il brigante (un po’ stupido) Gamba di Legno e una guardia reale; Alfonso Capalbo è brigante, guardia e druido; Giovanni Mocchi è il capitano, ma anche un brigante; Filippo Grande, brigante e guardia reale; Maria Chiara Centorami, cortigiana e guardia; Vanessa Innocenti è Rapunzel bambina e popolana; Eleonora Peluso è una popolana.

In conclusione Rapunzel è un bel musical, che cattura, prende e trascina; molto adatto ad un pubblico di bambini che, infatti, hanno seguito tutto lo spettacolo con attenzione e ne sono rimasti molto divertiti e affascinati.

Dimenticavo: non perdetevi il rap finale! Il Rap di Rap –unzel!