Teatro Greco di Siracusa

Inda nel Teatro Greco di Siracusa

13 giugno 2026

I Persiani: tragedia dei vinti e supremazia della democrazia ateniese

Con I Persiani di Eschilo prosegue la 61esima stagione del Teatro Greco di Siracusa a cura della Fondazione Inda.

La tragedia, rappresentata per la prima volta nel 472 a.C. ad Atene, è ambientata a Susa, capitale dell’Impero persiano, presso la residenza del re, dove si trovano riuniti la regina Atossa, madre di Serse, e i vecchi dignitari fedeli a Dario rimasti a presidiare la città.

Tutti sono in uno stato di forte ansia e preoccupazione per l’esito della grande spedizione militare che Serse ha intrapreso contro Atene, poiché dall’esercito non è ancora giunta alcuna notizia.

Ad accrescere la tensione contribuisce il racconto di un sogno angoscioso fatto da Atossa, che sembra preannunciare la sconfitta del sovrano persiano.

Poco dopo, giunge un messaggero che reca la notizia della pesante disfatta subita dalla flotta persiana nella battaglia di Salamina, nonostante la sua schiacciante superiorità numerica.

Segue una dettagliata narrazione dello scontro: le navi persiane sono state distrutte e galleggiano in mare come relitti, mentre centinaia di soldati hanno perso la vita e molti altri risultano dispersi.

Sconvolti dal dolore e dalla paura, Atossa e il Coro evocano dall’Ade l’anima di Dario, il glorioso padre di Serse.

Lo spettro dell’antico sovrano offre una spiegazione morale della sconfitta, interpretandola come una giusta punizione per la hybris di Serse.

La sua smisurata tracotanza lo ha infatti spinto a oltrepassare ogni limite: invece di accontentarsi di governare il vasto e prospero impero ereditato, ha ambito a estendere il proprio dominio oltre i confini dell’Oriente.

Infine, Serse fa ritorno in patria distrutto e con le vesti lacerate; il suo lamento disperato si unisce a quello del Coro, che piange la sorte dei giovani persiani caduti in battaglia.

I Persiani è la più antica tragedia che sia arrivata a noi per intero ed è un’opera i cui personaggi sono realmente esistiti e i fatti realmente accaduti.

Eschilo partecipò agli scontri cruciali delle guerre persiane: la battaglia di Maratona (490 a.C.), dove perse un fratello, la battaglia di Salamina (480 a.C.) e probabilmente la battaglia di Platea (479 a.C.).

Egli, ne I Persiani, fa una cosa umanamente molto difficile,  soprattuto per un soldato che ha combattuto queste battaglie: mettersi nella parte degli altri.

L’opera, infatti, è da tutti considerata, a buon diritto, la tragedia dei vinti.

Eschilo, infatti, parla non tanto della vittoria dei Greci, quanto di come la battaglia sia stata vissuta e patita dai vinti.

Egli mette in scena il dolore dei vinti e ciò spinge a riflettere sulle difficoltà di un popolo e dei suoi governanti nell’affrontare una sconfitta improvvisa e il lutto che ne deriva dopo essersi creduti invincibili.

E’ anche vero, come ha detto lo stesso regista catalano Àlex Ollé, cofondatore della celebre compagnia La Fura dels Baus e recentemente insignito in Spagna del prestigioso “Oscar della lirica”, che Eschilo, pur raccontando i vinti, celebra la democrazia ateniese come modello superiore alla dittature persiana.

Si evince , quindi, come dietro a questa opera, ci sia una serie numerosa di messaggi e spunti di riflessione: si parla della guerra, del potere, della forza, della violenza, della cieca ambizione, ma anche del dolore umano.

Mettere in scena oggi I Persiani, infatti, significa far vivere un testo antico che parla ancora di cose attuali: guerra, politica, potere e dolore collettivo.

Mai come oggi questo aspetto risalta attuale, considerando che l’antica Persia corrisponde all’odierno Iran.

La visione teatrale di Àlex Ollé (con la collaborazione di Ramon Simo Vines) rivela un lavoro rigoroso e magnetico, in cui l’intensità della recitazione e l’imponente visione scenica si fondono dando vita a una rappresentazione potente.

Al centro dell’interpretazione di Ollé vi è l’illusione della perpetuità del potere: il sovrano crede di poter conservare il proprio dominio senza limiti. Tuttavia, è proprio il timore di perdere il potere e il desiderio di mantenerlo a ogni costo che lo conducono alla rovina. In questa prospettiva, il disastro nasce dall’incapacità di accettare i limiti della propria condizione e dalla volontà di preservare un’autorità che non può essere eterna.

Da qui  il dramma della hybris, la rovinosa ambizione umana.

La proposta scenica colloca l’azione in un contesto contemporaneo, caratterizzato da scenografie e costumi moderni. I personaggi assumono i tratti di figure facilmente riconoscibili nel mondo di oggi — politici, militari e consiglieri — dando vita a una corte del potere priva di riferimenti a un Paese specifico e conferendo alla vicenda una dimensione universale.

L’intenzione che è alla base del lavoro del regista non è quella di cambiare il senso del dramma, ma di renderlo più vicino al pubblico.

Il potere è rappresentato come un grande tavolo di una sala riunioni con 14 sedute per lato e due centrali, spalle al pubblico,

Mentre dentro si sta svolgendo un incontro tra le più alte cariche delle varie forze armate, fuori imperversa la contestazione. 

Si sentono sfrecciare auto, clacson suonare e sirene della polizia e delle ambulanze passare veloci. Dalla strada arrivano voci e urla sempre più forti e in avvicinamento  che inneggiano slogan contro la guerra.

Delle telecamere riprendono in presa diretta i protagonisti proiettandone i visi su un enorme video a led disposto in fondo .

Il tutto dà un tocco cinematografico all’intera rappresentazione con un doppio effetto: se da una parte ciò consente al pubblico  di cogliere le sfumature degli attori e condividere le emozioni dei personaggi, dall’altra questo stesso strumento distrae dalla visione complessiva della scena, sottraendo proprio l’elemento più specificamente teatrale.

I Persiani è una tragedia in cui l’azione è minima e centrale è la parola.

Ollè costruisce la regia attorno alla forza del testo e all’intensità emotiva degli interpreti, lavorando con gli attori su una fisicità trattenuta e valorizzando soprattutto la potenza verbale legata al peso della parola e l’espressività degli attori. 

La fisicità degli attori, essenziale ma contenuta, esprime il peso della sconfitta e del lutto e sostiene l’efficacia della parola scenica.

La splendida Anna Bonaiuto interpreta la regina Atossa, madre di Serse e moglie di Dario, restituendo un personaggio molto umano, non solo regina, ma, soprattutto madre.

Il dialogo tra lei e Dario è molto doloroso: mentre il fantasma di Dario, richiamato dalla terra, condanna la hybris (tracotanza) del figlio Serse, Atossa cerca disperatamente un appiglio in un mondo che sta per crollarle addosso.

L’interpretazione dello spettro di Dario da parte di Alessio Boni non cattura particolarmente l’attenzione, non facendo adeguatamente da riscontro a quella della sua compagna in scena.

Anche la scelta del trucco di Dario e delle riprese sfocate non aiutano a centrare la scena.

Lo spettacolo prende il volo con l’arrivo del messaggero di ritorno dal campo di battaglia, interpretato magistralmente dal grandissimo Giuseppe Sartori.

Il messaggero non fornisce un semplice resoconto della battaglia, ma svolge un ruolo determinante, dovendo restituire tutta drammaticità, il dolore, la disperazione della stessa e portando la notizia di centinaia e centinaia di morti.

Nel suo racconto c’è un trasporto emotivo totale e assoluto grazie all’interpretazione di Sartori, sofferta e dolorosa, intima e appassionata.

La voce tremante, l’incedere sofferente, non solo per la ferita sanguinante, ma per la furia e la tragicità degli eventi vissuti e che ora deve riportare.

Sartori evoca con potenza le immagini della guerra e della devastante sconfitta prodigandosi in un racconto dolorosissimo patito nel cuore e nell’anima.

Altro punto di forza di questo cast è Massimo Nicolini, che non delude mai.

Il suo personaggio, Serse, è un re che si sente un dio, un uomo la cui ambizione sfrenata e tracotanza senza limiti lo porterà alla rovina.

Nicolini riesce a rappresentare il viaggio di un uomo che, credendosi un dio, ritorna a essere uomo nel peggiore dei modi.

Di grande livello tutto il resto del cast che sentiamo di dover nominare. 

Marco Maria Casazza, che guida il Coro degli anziani persiani con grande piglio e determinazione; le Corifee, Simonetta Cartia e Elena Polic Greco.

I Coreuti: Francesco Biscione; Fabrizio Bordignon (sempre con quel quid in più nell’espressività e nella presenza scenica); Nicola Bortolotti, Rosario Campisi, Antonello Cossia, Michele Cipriani, Francesco Migliaccio, Giovanni Nardoni, Stefano Quatrosi, Roberto Trifirò.

I Persiani di Ollé è uno spettacolo appassionante che unisce impatto visivo, uso innovativo della tecnologia e attenzione alla dimensione politica e collettiva della scena con risultati per lo più molto soddisfacenti nonostante qualche ombra.

Ollè, per esempio, inserisce tre intermezzi contemporanei attraverso il monologo di tre diverse vittime di guerra: una giovane vedova; un reduce che ha ormai la sua vita stravolta dagli orrori a cui ha assistito e dalle cose che ha dovuto fare;  una madre che ha perso un figlio che non sognava di fare il soldato.

Tre monologhi molto potenti, ottimamente interpretati, ma che  nel contesto generale risultano ridondanti.

Le scenografie sono di Alfons Flores. oltre al grande tavolo e al video a led, comprendono un enorme telo che viene srotolato all’ingresso di Serse e su cui sono dipinti i due emisferi a rappresentare l’ambizione di potere di Serse non solo sul mondo orientale, già in suo dominio, ma anche su quello occidentale..

I costumi, anch’essi contemporanei, sono di Lluc Castells; il disegno luci di Marco Filibeck e le musiche originali di Josep Sanou.

La traduzione del testo è a cura di Walter Lapini, esperto grecista e professore ordinario di Lingua e Letteratura Greca. 

La sua traduzione, a cui ha lavorato per un anno, è fedelissima al testo di Eschilo ed è eccellente, capace di restituire un testo di una vivacità straordinaria. 

La parte del messaggero, poi, ha una potenza immaginifica straordinaria.

I Persiani di Ollé rispetta Eschilo e fornisce un’immersione totale dell’animo umano nella tragedia della guerra dal punto di vista dei vinti e non dei vincitori, insegnandoci, ancora una volta, che nessuno torna dalla guerra, nemmeno i vivi.

I Persiani

Di Eschilo

Regia Àlex Ollé 

Traduzione Walter Lapini

Scena – Alfons Flores

Costumi – Lluc Castells

Musiche – Josep Sanou

Disegno luci – Marco Filibeck

Video – Joan Rodon

Assistente alla regia – Simo Ramon Vines

Assistente scenografo – Sarah Bernardy

Direzione del coro Elena Polic Greco e Simonetta Cartia

Atossa – Anna Bonaiuto

Messaggero – Giuseppe Sartori

Spettro di Dario – Alessio Boni

Capo coro – Marco Maria Casazza

Corifee – Simonetta Cartia, Elena Polic Greco

Coreuti – Francesco Biscione, Fabrizio Bordignon, Nicola Bortolotti, Rosario Campisi, Antonello Cossia, Michele Cipriani, Francesco Migliaccio, Giovanni Nardoni, Stefano Quatrosi, Roberto Trifirò

Foto Michele Pantano

Teatro Greco di Siracusa

9 maggio 2026

Prima

Antigone, eroina della disobbedienza civile per Carsen

Antigone è il secondo spettacolo, dopo l’Alcesti, con cui la Fondazione Inda ha inaugurato la 61esima Stagione del Teatro Greco di Siracusa.

Antigone è una tragedia di Sofocle (datata circa 442 a.C.) che appartiene al ciclo di drammi tebani ispirati alla drammatica sorte di Edipo, re di Tebe, e dei suoi discendenti.

L’opera rappresenta il conflitto tra la legge umana (dello Stato) e quella divina e morale.

La storia racconta che, a seguito dello scontro tra i due fratelli Eteocle e Pollice, figli di Edipo, per il potere su Tebe, in cui entrambi trovarono la morte, il nuovo sovrano Creonte stabilisse che Eteocle potesse ricevere gli onori funebre, mentre Polinice, considerato nemico dello Stato, restasse insepolto e il suo copro lasciato alla mercé degli animali selvatici.

La sorella Antigone, però, si ribella a questo editto e, trasgredendo consapevolmente la legge, dà sepoltura al corpo.

Nonostante gli interventi di Ismene, sua sorella, e di Emone, figlio di Creonte e promesso sposo di Antigone, Antigone viene condannata a morte e la sua morte porterà sventura sulla casa di Creonte così come aveva profetizzato Tiresia.

Antigone è l’unica tragedia a carattere politico giunta fino a noi. In genere, infatti, le tragedie raccontano dei miti.

Il suo valore politico e civile è molto alto: Antigone, sfidando il re Creonte nel dare sepoltura al fratello Polinice assurge a simbolo di resistenza civile, dimostrando pietas e ribellandosi al dispotismo autoritario del sovrano.

Creonte è un despota che non rispetta le leggi non scritte degli dei o un governatore che fa valere le leggi scritte dall’uomo?

Da sempre il pensiero dominante è che Creonte sia un tiranno, come ce ne sono stati molti e come anche oggi possiamo constatare guardando alla nostra politica mondiale.

E’ ostinato a far valere la legge mutevole dell’uomo, contro la legge non scritta, atavica, degli dei e della famiglia.

Nonostante ora ci sia anche una vasta letteratura che sovverte l’interpretazione antica in favore di una rivalutazione di Creonte e del suo attaccamento allo Stato e alla sua legge, è interessante e dà sollievo notare come Robert Carsen, regista di questo splendido e potente allestimento, appena insignito del premio Eschilo d’Oro 2026, non si discosti dalla lettura che da secoli viene data a quest’opera, anzi la attualizzi e la renda figurativamente ancora più potente.

Carsen porta l’Antigone in uno dei molteplici terreni di guerra che martoriano il nostro mondo.

Siamo a Tebe (scena di Radu Boruzescu), ma potremmo essere ovunque oggi nel mondo ci sia una guerra. Soldati dispongono a terra i sacchi che contengono i corpi dei caduti.

Dominano il grigio delle divise e il nero dei sacchi. Intorno e addosso è polvere. Un tamburo suona rintocchi di morte.

Una marea nera umana entra in scena: i volti sono disperati, le bocche urlano straziate dal dolore.

Sono i parenti delle vittime che accorrono ad abbracciare i sacchi che contengono i corpi dei loro cari.

E’ un momento corale di enorme emozione. Solo il primo. Ne seguiranno molti altri.

L’elemento contemporaneo è dato anche dai costumi di Luis Carvalho: i cappotti grigi e neri, anch’essi impolverati, del Coro e gli abiti di Creonte e di Euridice, sua moglie, che tanto ricorda la first lady americana.

Un soldato porterà notizia a Creonte che il corpo di Polinice ha ricevuto gli onori funebri. Scatta immediatamente la caccia a chi sia stato.

Si tratta di Antigone, che verrà portata a cospetto del re e condannata ad essere sepolta viva.

A nulla serviranno le parole della sorella Ismene (Mersila Sokoli), che non aveva voluto esserle a fianco nell’impresa, ma che poi tenta, senza successo, di esserle vicino nella pena.

A nulla servirà nemmeno l’intervento del promesso sposo, Emone (Gabriele Rametta).

Col suo andare contro la legge, donna e sola, Antigone diventa il simbolo della disobbedienza civile. Ella sa che andando contro il potere rischierà la morte, ma sa che deve farlo.

Antigone è una ragazza che ha attraversato il dolore: ha vissuto l’incesto dei genitori, la morte della madre, l’esilio del padre Edipo, la morte dei fratelli uccisisi a vicenda.

La sua disobbedienza civile proviene da un profondo sentimento interno, da una consapevolezza vissuta e sofferta. Ella è strettamente connessa al mondo degli dei e alle leggi della famiglia e ha un senso della morale e della giustizia radicati nell’intimo.

Camilla Semino Favro è presa, dentro la parte, eppure, la sua interpretazione non convince fino in fondo: possiede ostinazione e coraggio, ma manca di passione.

Forse perché la sua Antigone è talmente lucida che agisce più per rispetto della legge non scritta che per afflato emotivo.

Creonte è l’uomo di potere ottuso che ha paura di venire screditato da una donna. Egli non può cedere davanti alle istanze della donna. Egli è uno dei tanti tiranni come ci sono oggi.

Paolo Mazzarelli ne dà un’interpretazione asciutta, molto diretta, potente, crudele. Davvero convincente.

Poi c’è Tiresia, la figura che lega l’umano al divino; l’indovino che fa da ponte tra il terreno e il soprannaturale.

Graziano Piazza è semplicemente straordinario. La sua interpretazione è potente e coinvolgente. Il suo Tiresia attraversa una serie di accenti, da quelli più sfumati dell’uomo che si rivolge al re, a quelli più eccitati dell’indovino in preda alla propria visione.

E’ interessante come risaltino due elementi in connessione tra loro, ossia, la cecità di Tiresia che, però, vede il futuro, e la visionarietà di Antigone, che usa tanto il verbo “guardare”.

Gabriele Rametta è Emone, figlio devoto e rispettoso che cerca di far ragionare il padre, ma alla fine si suicida davanti alla sua Antigone.

Il Capo coro Rosario Tedesco e la guardia Pasquale Di Filippo costituiscono due fulcri in movimento entro i quali si svolgono degli scambi illuminanti che hanno come unico destinatario Creonte. Deve essere anche per questo, oltre che per l’evidente contesto di guerra, che si esprimono con ritmo marziale, come se battessero dei passi di marcia.

Poi c’è Euridice (Ilaria Genatiempo), moglie bella e silenziosa, che scatena con potenza il dramma, il proprio e quello di Creonte, in una manciata di battute e di minuti.

Infine il Coro. Questa presenza cosi importante, imponente. Il Coro che è d’accordo con Antigone, ma ha paura di manifestare il proprio appoggio alla posizione della donna.

Un Coro che vede una partecipazione massiccia di personaggi che creano immagini potenti e suggestive, grazie al superbo lavoro di Marco Berriel che ha pensato dei bellissimi i movimenti coreografici che costituiscono un ulteriore linguaggio dello spettacolo e che vengono eseguiti con grande coordinazione.

Conclude un allestimento di grande impatto visivo lo splendido disegno luci di Giuseppe Di Iorio e dello stesso Carsen, un disegno luci che taglia le figure e ne staglia le ombre in maniera netta.

Da citare l’attenta e precisa traduzione di Francesco Morosi.

Antigone con la regia di Robert Carsen è la tragedia dell’umanità che fa riflettere sul nostro mondo contemporaneo e ci invita a prendere posizione e a manifestare il nostro dissenso civile. Ad alta voce. Senza paura. Anche se dovessimo rimanere soli.

Antigone di Sofocle

Regia di Robert Carsen 

Traduzione di Francesco Morosi, 

Scena – Radu Boruzescu

Costumi – Luis Carvalho

Musiche – Cosmin Nicolae

Movimenti – Marco Berriel

Disegno luci – Giuseppe Di Iorio, Robert Carsen

Assistente alla regia – Stefano Simone Pintor

Assistente scenografo – Alison Isabel Walker

Assistente costumista – Giorgia Tomatis

Sul palcoscenico del Teatro Greco di Siracusa un cast di grande talento:

Antigone – Camilla Semino Favro

Ismene – Mersila Sokoli

Creonte – Paolo Mazzarelli

Guardia – Pasquale Di Filippo

Emone – Gabriele Rametta

Euridice – Ilaria Genatiempo

Tiresia – Graziano Piazza

Messaggero – Dario Battaglia

Capi coro – Elena Polic Greco, Rosario Tedesco

Foto di Tommaso Le Pera

Teatro greco di Siracusa

8 maggio 2026

Prima

Alcesti, una straniera che muore per amore

Alcesti è lo spettacolo con cui la Fondazione Inda ha inaugurato la 61esima Stagione del Teatro Greco di Siracusa.

L’Alcesti è la più antica opera euripidea che conosciamo (rappresentata probabilmente alle Dionisie del 438 a.C.) che chiude la tetralogia dopo Le Cretesi, Alcmeone a Psofide, Telefo.

In queste competizioni la prassi voleva che le tetralogie si chiudessero con un dramma satiresco. Il caso di Alcesti è diverso: l’opera non è certo un dramma satiresco né può definirsi commedia, quanto, piuttosto, una tragedia a lieto fine.

Alcesti occuperebbe il quarto posto nella tetralogia per l’elemento “comico” rappresentato dalla figura di Eracle e per quel lieto fine che vede tornare Alcesti dal mondo dei morti.

Questa, in maniera breve e non esaustiva, la storia dell’opera.

Il dio Apollo concede ad Admeto di sfuggire alla morte nel caso trovi qualcuno che si sacrifichi per lui.

Né gli amici, né i genitori si presteranno a tale sacrificio. Sarà la moglie Alcesti a scegliere di morire per lui.

Nel momento più drammatico e intenso del lutto, presso la casa di Admeto giunge Eracle a chiedere accoglienza. Pur devastato dalla morte della moglie, Admeto, rispettoso del culto dell’ospitalità, nasconde all’ospite il proprio dolore e lo accoglie in casa.

Eracle approfitterà dell’ospitalità ubriacandosi. A quel punto verrà affrontato da un servo risentito dal suo atteggiamento che gli rivelerà la verità.

Dapprima offeso per il comportamento di Admeto, Eracle deciderà poi di onorare il proprio ospite riportandogli la moglie dal mondo dei morti.

Alcesti è un’opera molto complessa e controversa. Si è discusso molto e si discute ancora sulla sua natura di tragedia a lieto fine e sugli elementi “comici” che la caratterizzano.

Fondamentali, allora, nella sua messa in scena, sono la lettura e l’interpretazione che ne dà il regista e il punto di vista a partire dal quale viene rappresentata.

Possono essere fatte mille considerazioni in merito all’Alcesti: si può discutere del ruolo della donna al tempo; si può analizzare la figura di Amleto, uomo e marito che manda la moglie a morire al suo posto per poi rimpiangerla.

Quello che certamente il regista Filippo Dini fa per quest’opera è prendere una posizione netta. 

Prima scelta è quella di portare Alcesti ai giorni nostri, non solo per quanto concerne l’ambientazione, scenografia e costumi (questi di Alessio Rosati), ma anche dal punto di vista del “sentire”.

Nella visione di Filippo Dini, il carattere femminile è molto marcato e le donne in qualche modo assumono una consapevolezza dello stare al mondo.

La sua Alcesti è sicuramente un potente invito a vivere i sentimenti in maniera meno superficiale. 

Per Dini, Alcesti non è sacrificabile in quanto donna e, quindi, perché la sua vita fosse considerata meno importante di quella di un uomo. 

Il regista concentra l’attenzione sul suo essere straniera, una straniera che entra in una famiglia potente e antica il cui sacrificio consapevole è quello di una donna che ama molto.

Il sacrificio di Alcesti, attraverso la lettura di Dini, rivela l’essenza stessa dell’amore: Alcesti ci insegna a vivere l’amore in maniera più profonda e meno superficiale; a scegliere di amare e ad essere responsabili delle nostre scelte.

Dini con Alcesti intende indagare la condizione femminile contemporanea. Il suo ritorno dalla morte viene presentato come simbolo di riscatto dall’orrore delle violenze e dei femminicidi.

Altra scelta netta e felicemente condivisa è quella di seguire la linea di un Admeto che, una volta resosi conto di quello che sta accadendo, cade in uno sconforto reale, consapevole che la propria vita proseguita oltre il proprio destino sia stato un grandissimo errore.

L’allestimento, dicevamo, è decisamente contemporaneo. Mentre il numerosissimo pubblico prende posto, lentamente entrano in scena ragazze in intimo fucsia, pigre, lente, sonnolenti e altre donne (in tutto ne abbiamo contate 21) a fare le pulizie nel grande palazzo di Admeto.

La scena di Gregorio Zurla ricostruisce una residenza ricca e modernissima a misura di maschio, con palestra e spa, eleganti arredamenti da giardino con lettini prendisole. Alle spalle una grande cabina armadio doppia a vista. Tutto sui colori del grigio e del nero a contrasto con il rosso e il color mattone degli abiti delle donne.

Un Apollo bleso (Alessio Del Mastro) si presenta tutto dipinto di oro.

Thanatos (un bravissimo Luigi Bignone) viene presentato come un contabile viscido e capriccioso dalle fattezze andreottiane che indossa un trench e si aggira con tre schiavi zombie, laidi e lascivi, che ululano e rantolano come bestie. Una delle scelte più azzeccate di questo allestimento.

Alcesti (Deniz Ozdogan) entra in scena intonando dei potenti vocalizzi e va incontro alla morte rantolando, come posseduta da Thanatos. 

Gli stessi vocalizzi saranno ripresi alla fine, quando uscirà di scena una volta tornata dall’aldilà.

L’interpretazione della Ozdogan è potente, intensa, ma particolare, sopra le righe. La sua Alcesti  annaspa, ansima; la voce è alterata; nei suoi occhi si vede la disperazione, eppure Alcesti, mentre esprime il suo ultimo saluto e impone al marito la promessa di non sostituirla con un’altra donna, più che impaurita o addolorata, sembra ubriaca.

Admeto, nell’interpretazione calzante e ficcante di Aldo Ottobrino, è perfettamente aderente al punto di vista registico che si è descritto sopra e capace di mantenere il proprio personaggio credibile per tutto il tempo della rappresentazione presentandolo come un uomo fiero e orgoglioso che ha tutte le debolezze e le fragilità di un maschio contemporaneo e si dimostra vigliacco nel voler scampare alla morte.

Il suol dolore per la morte della moglie, però, è vero, sentito. 

Piace molto Sandra Toffolatti nei panni della Ancella: misurata, precisa, restituisce perfettamente la tensione del personaggio.

Troviamo in scena Filippo Dini nei panni di Ferete, padre di Admeto, potente e deciso nell’invettiva contro il figlio dopo che questi gli ha furiosamente inveito contro.

Molto interessanti i movimenti coreografici del Coro che adottano una gestualità molto espressiva opera di Alessio Maria Romano.

Dini opta per diversificare il coro, creando un coro del popolo e un coro della casa di Admeto. Due cori che costituiscono non due masse indistinte, bensì individui ben determinati nel proprio ruolo sociale.

Su tutto gioca il disegno luci di Pasquale Mari.

A rendere speciale questa nuova produzione anche le musiche di Paolo Fresu, autore delle musiche dello spettacolo, che in occasione della serata di debutto sono state eseguite dal vivo dallo stesso Fresu.

La sua tromba, strumento insolito per una tragedia greca, suona un lento motivo funesto, funebre e malinconico.

Molto apprezzata la traduzione di Elena Fabbro che dà il giusto spessore alle parole chiave di questa tragedia.

Dispiace dover constatare, però, i forti limiti di questo spettacolo.

L’Alcesti di Dini è una tragedia urlata per tutto il tempo. 

Più che seguire la via della disperazione e dello strazio per il lutto, è stata scelta la via del lamento e del rimpianto espressi a voce alta.

Alcuni personaggi sono esageratamente esasperati. Eracle (Denis Fasolo) entra in scena in bici indossando un cappotto giallo con pellicciotto che ricorda la pelle del leone di una delle sue fatiche. Parla in veneto, è alticcio, poi si ubriaca e sembra un esaltato.

Gli fa da contraltare il servo offeso (Bruno Ricci) che lo rimprovera in pugliese. 

Dini sceglie una regia con un indirizzo molto netto e preciso sapendo di esporsi al giudizio del pubblico. Lo spettacolo, infatti, risulta divisivo per le scelte registiche applicate. 

Quando si fanno scelte così particolari, estreme, si è inevitabilmente consapevoli di esporsi ai commenti e alle critiche. 

Va riconosciuto, senza voler offendere alcuno, ma per manifestare il nostro dissenso in merito alla direzione di questo spettacolo, che molte soluzioni adottate si rivelano ridicole, non nel senso etimologico di ciò che provoca una risata, ma nel senso esteso di imbarazzante.

Non condividiamo l’idea di voler rendere a tutti costi contemporaneo il classico, che già possiede in sé la caratteristica di resistere nel tempo e parlare a tutti in ogni epoca, esasperandone alcuni elementi decisivi. L’estremizzazione applicata a blocchi non funziona.

Anche il pubblico ha dimostrato di non aver gradito questa versione dell’Alcesti di Filippo Dini.

Resta poi una grande preoccupazione per le migliaia di giovani studenti che si avvicinano al teatro in genere e alla tragedia greca in particolare per la prima volta e si imbattono in spettacoli così controversi senza avere ancora gli strumenti necessari per saper leggere uno spettacolo e saper contestualizzare le scelte applicate.

Alcesti

Di Euripide

Regia Filippo Dini 

Traduzione a Elena Fabbro

Scena – Gregorio Zurla

Costumi – Alessio Rosati

Musiche – Paolo Fresu

Movimenti – Alessio Maria Romano 

Disegno luci – Pasquale Mari

Assistente alla regia – Arianna Sorci

Assistente costumista – Giulia Giannino

Con:

Alcesti – Deniz Ozdogan

Admeto – Aldo Ottobrino

Apollo – Alessio Del Mastro

Thanatos – Luigi Bignone

Eracle – Denis Fasolo

Ferete – Filippo Dini

Ancella – Sandra Toffolatti

Servo – Bruno Ricci

Capo coro – Carlo Orlando

Coro – Simonetta Cartia, Gennaro Di Biase, Riccardo Gamba, Lucia Limonta, Margherita Mannino, Carolina Rapillo, Ottavia Sanfilippo, Roberto Serpi, Chiarastella Sorrentino, Dalila Toscanelli

Foto di Franca Centaro