King Lear

Teatro Eliseo

28 gennaio 2020

Dopo due allestimenti da lui interpretati e diretti (1984 e 1999), Glauco Mauri torna a vestire i panni di Re Lear questa volta sotto la direzione di Andrea Baracco.

King Lear è una storia di guerra, ambizione e sopraffazione, di falsità e tradimenti, una storia di figli contro i padri e di padri contro i figli, ma il King Lear di Baracco è soprattutto la storia di un padre stanco che sente avvicinarsi la propria fine, ha paura e cerca conforto nell’amore delle figlie, nella loro devozione.

In quella regressione che accompagna la vecchiaia quando è segnata da una demenza senile, il padre cerca protezione, diventa figlio dei propri figli, pur volendo ancora esercitare l’autorità genitoriale, reclamata anche a gran voce, ma solo per mantenere un minimo di aderenza a ciò che si è stati e al ruolo genitoriale.

Lear è di certo un re, anzi forse è soprattuto re, perché un uomo con un’investitura così importante mette al primo posto il proprio regno, il potere, l’ambizione e le responsabilità. Il Lear di Baracco, però, interpretato magistralmente da Glauco Mauri, è solo un uomo, vecchio e debole, la cui mente vacilla, ma che con ostinazione e orgoglio cerca di resistere al decadimento fisico e mentale e cerca aiuto nella figlie, cerca conforto, compassione, pietà ed esige rispetto per non sentirsi completamente perso, morto prima del tempo.

Tornerà Re solo alla fine, quando, avendo attraversato il dolore e la follia, rinsavirà in tempo per riconoscere l’amore e la devozione della figlia Cordelia, da lui precedentemente disconosciuta e diseredata. Sarà Re nelle  sue braccia, nel calore e nell’affetto di quell’unica figlia sincera che saprà amarlo e rispettarlo fino alla fine, riconoscendogli l’autorità e l’onore che si devono ad un padre.

Glauco Mauri mette nel proprio Lear l’esperienza e le sofferenze di una vita, della sua vita, e questo si sente.

Sul palco con lui un Roberto Sturno giusto e misurato, esprime il contraltare di Lear.

Tra loro e con loro un folto gruppo di attori e attrici alcuni dei quali regalano ottime interpretazioni.

Bravissimo Francesco Sferrazza Papa nei panni di Edgar, ma ancor di più in quelli di Tom, nella sua follia inventata: luce nell’oscurità della tragedia e guida nella cecità del padre.

Aleph Viola riesce a rendere pungente, fastidiosa come ortica, l’ambiguità a tratti melliflua di Edmund, velenoso come un serpente e raccapricciante nel suo diabolico piano.

Enco Curcurù fornisce una buonissima e solida prova nelle doppie vesti di Kent e del fedele servo in maschera di Lear, riuscendo a colorare il personaggio nelle sfumature.

Dario Cantarelli è il matto, personaggio reso surreale eppure quanto mai aderente alla realtà. Interessanti la presenza scenica e la prova attoriale di Francesco Martucci.

Non hanno altrettanta potenza le interpreti femminili, Linda Gennari (Goneril), Aurora Peres (Regan) ed Emilia Scarpati Fanetti (Cordelia). Brave, non c’è che dire, ma meno incisive.

La drammaturgia è quella classica di Shakespeare, ma la regia di Baracco, la traduzione di Letizia Russo, la riduzione e l’adattamento di Andrea Baracco e Glauco Mauri, i costumi di Marta Crisolini Malatesta, le musiche di Giacomo Vezzani e Riccardo Vanja, le proiezioni di Luca Brinchi e Daniele Spanò, le luci di Umile Vainieri portano segni di contemporaneità non sempre tutti condivisibili.

Baracco osa, si mette in discussione e corre il rischio e ciò è apprezzabilissimo, eppure sembra mancare uno slancio, come se rimanesse in bilico tra la tradizione e una volontà di innovazione. Si resta come sospesi in attesa di uno squarcio, uno strappo che non arriva.

Quello che forse mancava come aspettativa personale, il regista lo condensa in chiave diversa nella scenografia funzionale e nel dinamismo continuo della scena.

Le lettere a caratteri cubitali che compongono la scritta King Lear e ruotano offuscando la maestà e lasciando l’uomo; la struttura in legno e metallo che copre l’intera larghezza sullo sfondo del palco fungendo sopra  da ballatoio e dotata sotto di pannelli velati che aprono ad accessi nascosti; i ripetuti passaggi dall’alto al basso e viceversa e le frequenti entrate dalla platea determinano un dinamismo costante.

Infine da notare l’interessante inserimento del monologo di Amleto, “Essere o non essere”, che sgorga dalla bocca di Gloucester (Roberto Sturno).

Re Lear

di William Shakespeare

Traduzione Letizia Russo

Riduzione e adattamento Andrea Baracco e Glauco Mauri

Regia Andrea Baracco

Con Glauco Mauri, Roberto Sturno

e con Dario Cantarelli, Enzo Curcurù, Linda Gennari, Paolo Lorimer, Francesco Martucci, Laurence Mazzoni, Aurora Peres, Emilia Scarpati Fanetti, Francesco Sferrazza Papa, Aleph Viola

Scene e costumi Marta Crisolini Malatesta

Musiche Giacomo Vezzani e Riccardo Vanja

Luci Umile Vainieri

Produzione Compagnia Mauri Sturno

Fondazione Teatro della Toscana

 Teatro  Vascello

29 marzo 2016. Prima

Foto di Tommaso Le Pera

E’ una Yerma immaginata in un sogno, una Yerma imprigionata in un incubo quella messa in scena da Gianluca Merolli al Teatro Vascello di Roma.

Il testo di Lorca, tradotto e adattato da Roberto Scarpetti, viene preso, amato e sondato in ogni piega dalla regia attenta, sensibile e arguta del grande Merolli.

In Yerma l’autore, Garcia Lorca, dimostra di essere precursore dei temi cari alla bioetica, così attuali oggi e dei quali tanto si dibatte, quali la procreazione assistita e il diritto alla genitorialità, dando prova della sua modernità o, per converso, dimostrando l’incredibile arretratezza della cultura dei nostri giorni.

Yerma è una giovane donna andata ubbidientemente, così come disposto dal padre, sposa ad un uomo dal quale desidera ardentemente un figlio.

Yerma vuole un figlio a tutti i costi e precipita in una spirale ossessiva e dolorosa che avrà il suo culmine e compimento estremo quando scoprirà che suo marito non condivide il suo stesso desiderio.

La storia viene rappresentata all’inizio quasi come un sogno, uno sfogo onirico che diventa sempre più reale e drammatico mano a mano che i personaggi, che sembrano qui quasi usciti dal delirio visionario di Yerma, prendono consistenza divenendo indipendenti e veri.

Così, in scena, compare subito quel figlio desiderato a tal punto da divenire una figura idealizzata con la quale Yerma comunica.

Come scritto nelle note di regia, più che i personaggi, qui ci sono gli archetipi umani: non Yerma, Juan o Victor, ma lo Sposo, la Sposa, l’Amante, la Vecchia e così via a rappresentare un senso di sconfitta presente nell’intero corso della storia.

Al centro della rappresentazione sono l’aridità e la sterilità del mondo di Yerma, il deserto e la solitudine che la circondano. Lei stessa appare in scena, fintamente gravida, uscendo da sotto la sabbia contenuta in un enorme ventre, clessidra che segna il tempo che passa e deserto che abita il grembo di Yerma, gigante mammella che non allatterà mai.

Non solo sterilità fisica, giocata sulla convinzione di Yerma, nella quale il marito la conferma, di essere “fradicia”, e la reale incapacità di Giovanni di procreare, ma anche aridità di un contesto sociale che ragiona per strette e maschiliste categorie.

Sterilità, quindi, deserto: un enorme senso di impotenza, di inadeguatezza, di incompletezza; una pungente sensazione di non essere all’altezza, dalla quale deriva un’immensa e dolorosissima frustrazione di un ventre che vorrebbe essere fecondato e resta arido.

L’opera di Merolli è intrisa di un grandissimo simbolismo; Gianluca carica il suo Yerma di figure, simboli e metafore creando un paesaggio suggestivo ed evocativo.

Gli uomini vestiti da donne, soluzione che riporta all’antico teatro greco; le giovani vestite di pelliccia che indossano una maschera; le lavandaie che utilizzano i tappeti che delimitano lo spazio interno, le vecchie coi bastoni che formano un coro sotto un’enorme parrucca di ferro; gli occhi delle cognate che scrutano intorno come fari di un auto nella notte; l’antro della fattucchiera che diventa la Clinica Cirinnà presso la quale poter aver un figlio da sola…tutto è permeato di un grande carattere allusivo; è un grandissimo territorio nel quale ci si muove per immagini.

Il linguaggio drammaturgico è poeticamente alto e, a volte, c’è il rischio che il linguaggio figurativo non mantenga sempre lo stesso importante livello, creando dei cali nella tensione rappresentativa: un rischio che verrà eluso sicuramente nel procedere delle prossime repliche dove solo la pratica in scena consentirà di sciogliere piccole ruggini.

I personaggi acquisiscono passo passo nel corso della rappresentazione consistenza e valore.

Sopra tutti sovrasta Yerma che vive la sua drammatica situazione di sterilità subita che assume un significato più ampio e universale.

Elena Arvigo è di una drammaticità intensa, straziante; rappresenta con grande vividezza e crudezza un dolore enorme, lamentato, ma trattenuto, ossia tenuto dentro, vissuto pienamente solo all’interno del suo animo tormentato. Uno strazio che troverà sfogo solo nel finale, quando ucciderà  l’unica possibilità per lei di avere in figlio; un tormento che troverà sfogo, ma non esaurimento e si trasformerà con tutta la sua  potenza devastante in una disperazione cupa e folle (Ho ucciso mio figlio!).

Se Yerma è il buio della disperazione, il nero baratro del tormento, Vittorio è il sole, è la luce; Vittorio è la liberalità, è il mondo che potrebbe essere scelto, ma, soprattutto, è la reale e concreta possibilità di fare un figlio. Costituisce tutto ciò di cui Yerma avrebbe bisogno; è lì a un passo, eppure Yerma non può averlo, non vuole averlo.

Enzo Curcurù è compatto ed energico; è un perfetto contraltare di Elena: compagno, sostegno e spalla, Enzo riesce a creare un personaggio fermo, solido e rassicurante, ma affatto spento. Riesce con immediatezza e talento a passare dal suo personaggio principale, agli altri in cui si cala passo passo, vestendo ogni volta panni diversi e recitando ogni volta su differenti registri con grande padronanza e capacità

Giovanni è un uomo fermo, ma fragile, che vuole una vita tranquilla e ha bisogno di sicurezza e calore. Giovanni è un uomo insicuro. Egli soffre perché in cuore suo sa di non poter dare un figlio a Yerma perché sterile, mentre Vittorio è  abile all’azione.  Giovanni sa che Vittorio capisce Yerma e sarebbe pronto ad accoglierla.

Il confronto tra Giovanni e Vittorio è sempre suggerito e rimandato.  Merolli dedica un attimo in cui sviluppa il confronto in scontro: non si tratta tanto di uno scontro per una donna, quanto piuttosto di una dimostrazione di virilità.

Il loro è uno scontro dettato più che altro dall’ “invidia del seme”, uno scontro sulla mascolinità.

Gianluca, che aveva deciso che qui sarebbe stato solo regista, ha dovuto affrontare questo ruolo ad una settimana dalla prima, col rischio di non riuscire a “trovare il personaggio”. Rischio solo potenziale e non concretizzato, grazie alla competenza, alla professionalità e alla passione di Merolli, la cui interpretazione è solo valore aggiunto all’opera.

Giulia Maulucci, apprezzatissima e amata protagonista  di Un Gabbiano, prima regia di Gianluca, qui interpreta donne diversissime. Giulia si mette al servizio dell’opera ed è ogni volta una e cento.

Prima tra tutte la mite Maria, donna che resta incinta ed è causa involontaria della tristezza di Yerma; compone, poi, il coro delle vecchie insieme a Gianluca ed Enzo e, ancora,  è una delle giovani.
Giulia porta la freschezza e la leggerezza che servono per contrastare la cupezza di Yerma, ma anche una certa lucidità, un crudo realismo che può ferire (la giovane che non ha e non vuole figli, ma divertirsi).

Maurizio Rippa è una presenza delicata e costante: è il figlio che non nascerà mai e con cui Yerma parla. Rappresenta una sorta di controcanto alla coscienza di Yerma; Maurizio, attore, cantante di musica barocca e contraltista raffinato con la sua bellissima voce incanta e trasporta in un mondo onirico pieno di suggestioni.

Yerma non è solo storia e rappresentazione, ma anche uno spettacolo ampiamente ed elegantemente strutturato.

La regia di Gianluca Merolli è molto attenta e precisa, curata nei particolari, lucida e visionaria al tempo stesso e dimostra la grande preparazione di questo artista e la sua capacità di interiorizzare parole e messaggi per restituirli elaborati e mediati dalla sua spiccata e originale sensibilità in segni, simboli ed emozioni.

E’ possibile ritrovare in Yerma alcuni elementi scenici e drammaturgici che sembrano costituire attualmente una certa cifra stilistica di Gianluca Merolli, qui alla sua seconda regia dopo l’intenso spettacolo che fu il suo adattamento de Il Gabbiano di Cechov.

I movimenti scenici curati da Luca Ventura creano un dinamismo stimolante : i personaggi si muovono per traiettorie spesso contrapposte così da creare quel senso continuo di scontro, frustrazione, di irraggiungibilità, attrazione e repulsione; i rari momenti di contatto fisico (i salti di Yerma in braccio a Vittorio, lo scontro tra lui e  Giovanni, gli abbracci spezzati di Giovanni e Yerma) esprimono esplosioni di energia dopo tanti gesti trattenuti. I movimenti dei diversi personaggi, nell’intrecciarsi delle traiettorie, creano disegni nell’aria.

Bellissime le scene di Alessandro Di Cola: assolutamente non accessorie, ma parte integrante della scena, sono esse stesse protagoniste e storia; di fattura pregevole, curate nei particolari, non solo integrano la scena, ma raccontano e rappresentano. La scenografia è toccata, usata, calpestata, è materia viva in mano agli attori.

Da segnalare i costumi eccentrici di Claudio Di Gennaro.

Completano un allestimento raffinato ed emotivamente intenso le musiche di Luca Longobardi e le  luci di Pietro Sperduti in un connubio altamente evocativo. Splendido, ammaliante e ipnotico lo Stabat Mater cantato all’inizio da Maurizio Rippa, così come intime e coinvolgenti le altre musiche e liriche, capaci di creare commozione.

Yerma vi aspetta al Teatro Vascello fino a domenica 3 aprile.

YERMA

di Federico Garcia Lorca

Regia: Gianluca Merolli

Traduzione e adattamento: Roberto Scarpetti

Attori: Elena Arvigo, Enzo Curcurù, Gianluca Merolli, Giulia Maulucci e Maurizio Rippa

Scene: Alessandro Di Cola

Costumi: Claudio Di Gennaro

Musiche: Luca Longobardi

Movimenti Luca Ventura

luci Pietro Sperduti

Foto di Tommaso Le Pera

STAGIONE TEATRALE 2015-2016

Teatro Vascello

sala Giancarlo Nanni

PRIMA NAZIONALE

dal 29 marzo al 3 aprile 2016  prosa

dal martedì al sabato h 21 domenica h 18

YERMA

di Federico Garcia Lorca

Regia: Gianluca Merolli

Traduzione e adattamento: Roberto Scarpetti

Attori: Elena Arvigo, Enzo Curcurù, Gianluca Merolli, Giulia Maulucci e

Maurizio Rippa

Scene: Alessandro Di Cola

Costumi: Claudio Di Gennaro

Musiche: Luca Longobardi

Movimenti Luca Ventura

luci Pietro Sperduti

Foto Fabio Gatto
Produzione La fabbrica dell’attore -Teatro Vascello e Andrea Schiavo | H501 srl

“YERMA” , LA MATERNITA’ COME RICERCA DELLA PROPRIA IDENTITA’
Dal 29 marzo al 3 aprile 2016 al Teatro Vascello di Roma va in scena “Yerma” spettacolo prodotto da Andrea Schiavo | H501 srl insieme a La Fabbrica dell’attore – Teatro Vascello, tratto dall’omonima opera teatrale di Federico Garcia Lorca, con la regia di Gianluca Merolli e la traduzione e l’adattamento di Roberto Scarpetti.
Yerma, interpretata da Elena Arvigo, è l’eroina protagonista che dà il nome all’opera, il cui significato letterale in spagnolo rimanda immediatamente ai concetti di “deserto” e “sterilità”. Ed è caratterizzato proprio dalla solitudine e dall’aridità il mondo di Yerma, come anche la ristretta ma variegata comunità in cui vive la donna, che desidera a tutti i costi avere un figlio dal marito e che, quando scoprirà che lui non condivide il suo stesso desiderio, cadrà in un vortice di ossessione e dolore che culminerà in un gesto estremo.
Quest’ opera di Garcia Lorca scritta nel 1934 e pubblicata nel 1937, dimostra una grande attualità: in essa l’autore andaluso sembra anticipare le domande più recenti sulla bioetica e sul diritto alla procreazione, inserendosi a pieno titolo nell’attuale dibattito sulla procreazione assistita e sul diritto alla genitorialita’, con una posizione moderna e assolutamente laica.

Note di regia.

Più che un testo teatrale, sembra una favola nera, una storia torbida di vittime e sciacalli, dove le vittime e gli sciacalli si scambiano i ruoli regolarmente.

Yerma. Un equilibrio perfetto basato sull’autosufficienza degli archetipi umani, che si stagliano nella storia come presenze necessarie, che si alternano nella trama a volte da protagonisti, a volte da semplici messaggeri. Qui non abbiamo di fronte Maria, Juan o Victor, ma lo Sposo, la Sposa, l’Amante, la Vecchia… E non dialogano, ciascuno immerso nella propria solitudine, nella propria aridità. Non solo una presunta sterile, Yerma, che ha fatto del desiderio d’avere un figlio la sua ossessione, ma un mondo di persone che non sanno più toccarsi, arsi e infecondi.

Questo ha reso ai miei occhi il testo così interessante. Mi sembra che il decadentismo e il senso di sconfitta dell’autore sia diventato quello dei personaggi, e che questo ripiegarsi in se stessi dei personaggi, la loro urgenza di darsi un senso, sia facilmente riconducibile al mio, al nostro.

E già, viene il giorno in cui si fanno i conti con cosa resterà di noi, con quello che abbiamo saputo costruire, per poi poterlo donare e abbandonare. Inevitabilmente si omaggia il materno e la sua eredità.

La madre, l’attesa, l’autorità. Cosa resta della madre quando si diventa madri? O perché non lo si diventa mai? Perché spesso resta sopito quel desiderio che pure sembra lecito, obbligato e che invece a volte fa paura? Quell’istinto di generare così diverso nell’uomo e nella donna, forse semplicemente non esiste? Qui si scontrano la possibilità recente

di autodeterminazione, con l’antica dipendenza tra uomo e donna. L’autore sembra anticipare le domande più recenti sulla bioetica e sulla procreazione, con una posizione assolutamente laica.

Il testo, uno dei meno praticati di Lorca, vola altissimo facendosi forte di una stretta dicotomia tra verso e prosa, in una lingua asciutta, viva, concreta. C’è qualcosa di ieratico nel testo, qualcosa che ricorda lo

“E’ così.” Come se si aspettasse il figlio di Dio, un figlio che porti grazia e speranza, che ci riconcili con l’assoluto, che ci renda immortali perché dia continuità alla nostra discendenza.

Senza considerare che il solo amare fino in fondo sarebbe già sufficiente.

E tutto intorno l’ignoranza e il pensiero comune che bloccano la conoscenza, il dialogo e la vita stessa; quel pensiero comune che accontenta tutti, tranne Yerma.

Quanto dolore nelle pagine di Lorca?

La forza ci vorrebbe, per gridare ciò che non si vuole essere, dire, agire. Per gridare chi si vuole seguire, dove si vuole fuggire. Il volere. Questo bisogno disperato di entrare nel corpo di un altro, di dare vita, di riceverne. In questo mondo prosciugato di desiderio, di calore umano, ci siamo bevuti tutto ed ora non si beve più. Non si piscia più, non si eiacula più. Non c’è rimasto che il nostro corpo e un posto nel mondo da occupare e rivendicare. Pochi i fortunati, mai a vista. Tanti i disperati, tutti esposti al pubblico ludibrio.

Alla mamma e alla madre.

La madre dei bambini, dei non nati, dei bastardi e degli stranieri.

Alla mamma dei silenzi.

Alla madre dei padri. I padri che non vogliono esserlo e di quelli che non

l’hanno avuto e di quelli che l’avrebbero voluto diverso.

Alla madre che verrà.

A mia madre. Gianluca Merolli

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