Cometa Off

9 ottobre 2024

Desdemona continua a morire: tradimento, intrigo, complotto e femminicidio ante litteram nell’Otello di Luigi Siracusa

In scena al Cometa Off di Roma l’Otello di William Shakespeare nell’adattamento e con la regia di Luigi Siracusa prodotto da Goldenart Production in coproduzione con Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico è uno spettacolo sferzante.

Il pubblico entra in sala mentre gli attori sono già disposti in scena intorno a un grande letto matrimoniale quadrato che domina lo spazio centrale in diagonale.

Mentre gli spettatori prendono rumorosamente posto, gli attori e le attrici agiscono in silenzio sulla scena: il letto è disfatto, le coperte sono arruffate e sopra e tutto intorno è ingombro di numerosi oggetti di vita quotidiana.

Uno sgabello con sopra due libri (uno è una copia dell’Otello) e della carta igienica; tazze da colazione; una palla da basket; una bottiglia di vetro vuota; altre tazze; scarpe; vestiti; biancheria; calze; una cravatta…sono tutti oggetti di uso quotidiano incastonati in ordine sparso in una scena sospesa. Sono lì, fermi e immutabili a ricordare qualcosa che è stato.

Intorno, sulle pareti che sembrano di cemento, campeggiano delle foto di espressioni diverse dello stesso volto (quello di Desdemona), proiettate come fossero quadri appesi facenti parte di un’installazione.

Comincia la tragedia di Shakespeare. Il dramma si mantiene per una buona parte del tempo su un ritmo brioso, frizzante e ironico, con alcuni momenti entusiasmanti, per farsi poi, passo passo, sempre più cupo e tragico.

Con capacità, padronanza, mestiere, intenzione, passione, colore e accenti Francesco Sferrazza Papa (Iago), Gianluigi Rodrigues (Otello), Zoe Zolferino (Desdemona), Laurence Mazzoni (Cassio), Eleonora Pace (Emilia) e Luca Carbone (Roderigo) portano in scena il dramma della gelosia di Shakespeare, in cui intrigo, complotto, menzogna e manipolazione la fanno da padroni.

La prova attoriale è eccellente, le dinamiche tra i personaggi sono rapide, nette, taglienti e conferiscono ritmo allo spettacolo per gran parte del tempo.

E’ evidente che la regia di Luigi Siracusa (che ha curato anche l’adattamento) sia stata preparata e curata con un rigore quasi maniacale, dimostrando la grande analisi e riflessione in merito all’opera, alla sua messa in scena e alle intenzioni del regista che, per fortuna, riesce a fermarsi giusto un attimo prima di cadere nell’intellettualismo autoreferenziale di cui si evoca il pericolo (scampato) in un certo indugiare eccessivo su alcune dinamiche.

Sebbene in Otello il “regista” di tutto sia Iago (è lui a muovere le fila di tutto, a complottare e agire contro tutti) ciò che veramente sembra essere centrale per Siracusa è il legame tra Otello e Desdemona.

Così, nonostante all’interno di una recitazione globale di alto livello, che regala momenti topici (i silenzi e gli sguardi di Emilia; gli occhi gonfi di lacrime di Desdemona; l’innocenza di Roderigo; l’ubriacatura di Cassio, per dirne alcuni) Francesco Sferrazza Papa domini la scena, grazie a un ruolo a lui congeniale che gli consente di poter attingere ad un ventaglio di colori, accenti, sguardi, sorrisi e gesti che sono connaturati nella sua espressività artistica, il regista sembra volersi soffermare più sulla relazione tra Otello e Desdemona.

La scenografia di Luigi Siracusa e Francesco Esposito è tutta rivolta a questo scopo.

Il letto disfatto e ingombro di oggetti sopra e nello spazio intorno rappresenta la vita di tutti i giorni.

E’un fermo immagine della relazione tra Otello e Desdemona, simbolo di un rapporto costruito nel tempo e alimentato dalla quotidianità.

Su quello stesso letto, che è stato incontro, fuga, passione, amore, casa, i mariti (Otello e Iago) uccideranno le mogli  (Desdemona ed Emilia). 

Il doppio femminicidio e poi il suicidio di Otello avvengono, come nella maggior parte dei casi di cronaca contemporanei, in casa. 

Il tutto viene inscatolato in uno spazio che sembra un’installazione artistica da osservare da fuori: il letto, gli oggetti, le pareti di cemento, le foto/quadri appesi.

Un’immagine che fissa una successione di momenti cristallizzandoli in un unico lungo momento che è testimonianza di vita e di morte, conservatore di memoria.

Di fronte all’immobilità della scena, i personaggi amano, tradiscono, complottano e soffrono agitandosi, dimenandosi, rincorrendosi e sventolando quel maledetto fazzoletto.

L’adattamento e la regia di Luigi Siracusa consentono di “vedere” tutto ciò che non viene portato in scena, ma viene evocato dalle parole, dai discorsi, dai racconti e dai dialoghi dei personaggi, siano essi diretti o affidati agli a parte.

Gli attori non escono mai di scena, rimanendo defilati, seduti negli angoli o in piedi, dando il fianco alle pareti, come a ricordare la presenza incombente dei propri personaggi nella storia, gli effetti che le loro azioni hanno  sulla vita degli altri anche una volta che si sono staccate da essi e hanno assunto vita autonoma. 

Completano il brillante allestimento, gli eleganti costumi di Francesco Esposito le musiche di Oragravity, insistenti e coinvolgenti e l’ottimo disegno luci di Pasquale Mari.

GOLDENART PRODUCTION in coproduzione con

ACCADEMIA NAZIONALE D’ARTE DRAMMATICA SILVIO D’AMICO

presentano

OTELLO

Regia e adattamento di

LUIGI SIRACUSA

con

FRANCESCO SFERRAZZA PAPA

GIANLUIGI RODRIGUES

ZOE ZOLFERINO

LAURENCE MAZZONI

ELEONORA PACE

LUCA CARBONE

Scena

LUIGI SIRACUSA

FRANCESCO ESPOSITO

Costumi

FRANCESCO ESPOSITO

Luci

PASQUALE MARI

Musiche

ORAGRAVITY

Progetto Grafico

Giulia Pagano

PERSONAGGI E INTERPRETI

Cometa Off

21 novembre 2023

Io che amo solo te: il ricordo di un amore adolescenziale puro tra rimpianti e rimorsi

Sputi, calci, pugni, insulti: a questo vanno incontro moltissimi giovani che si scoprono omosessuali, nonostante tentino, confusi, insicuri e impauriti, di nascondere i propri sentimenti e le proprie emozioni.

Eppure, Niccolò (Riccardo D’Alessandro) e Valentino (Andrea Lintozzi) si amano: amici da sempre, scoprono di nutrire l’un l’altro un sentimento profondo che li pervade di una felicità nuova e assoluta.

Ma sono giovani, troppo giovani e hanno paura. Soprattutto Niccolò: è terrorizzato che questo sentimento nuovo e inaspettato, che tanto lo rende felice, venga allo scoperto e che egli possa essere additato come frocio.

Nicco e Vale condividono tutto: la scuola, il tempo libero, le birre e il fumo.

Attraversano la loro adolescenza con leggerezza fino a quando non scoprono un sentimento nuovo che li esalta e li spaventa al tempo stesso.

Felici di questa loro scoperta, ma anche confusi, insicuri, terrorizzati da quello che possano pensare gli altri, soprattutto gli amici, decidono di tenere nascosto questo amore che germoglia e li riempie di emozioni nuove, fino a quando accade l’inevitabile: gli amici scoprono qualcosa e la paura è troppo forte e loro troppo giovani per essere davvero coraggiosi.

E, a volte, l’amore non basta, soprattutto quando si è così giovani.

E’ Niccolò, ormai adulto (Alessandro Di Marco), a rievocare i ricordi di quel periodo così meraviglioso eppure terrificante.

Ha passato la vita nel rimorso e, ora, giunto alla mezza età, una moglie e due figli non sono sufficienti a colmare la mancanza e a perdonarsi il tempo non vissuto e le occasioni perse.

Niccolò adulto ricorda quella sera in cui i sentimenti si sono rivelati nella loro naturalezza e purezza e rivive gli eventi eccitanti e drammatici successivi.

Io che amo solo te è la promessa di due adolescenti di donarsi reciprocamente la gioventù con piena dedizione: una promessa disattesa e tradita.

Perché Nicco e Vale, così giovani e persi in una dimensione nuova che non sanno gestire e in cui navigano a vista, quel coraggio di andare avanti, di resistere al giudizio e al disprezzo degli altri, non ce l’hanno.

Niccolò adulto, però, non ha mai dimenticato il suo amore per Vale e le sue promesse, e ora, a distanza di tanti anni, chiede perdono per non essere stato in grado di difendere quell’amore che ha continuato ad alimentare ogni giorno della propria vita.

Io che amo solo te è uno spettacolo delicato e forte allo stesso tempo, che accarezza e prende a schiaffi.

Alessandro Di Marco e Lucilla Lupaioli hanno scritto un testo perfettamente calibrato, che miscela con delicatezza, ma anche lucidità, tutti i passaggi emotivi di una storia d’amore che esalta i cuori dei protagonisti, ma ne determina i destini in maniera drammatica.

Un testo efficace nel far rivivere tanto la tenerezza di un amore adolescenziale, consumato tra birra, fumo e musica rock, quanto il rimorso e la frustrazione di un uomo che sa di aver lasciato andare la propria occasione di essere felice e realizzato e vive nel senso di colpa nei confronti dell’altro.

Io che amo solo te traccia un percorso di vita, eccitante e doloroso al tempo stesso. Un percorso verso l’accettazione di sé, che, spesso, però, può essere angoscioso e infausto.

Riccardo D’Alessandro e Andrea Lintozzi appaiono affiatatissimi e perfettamente credibili nei loro ruoli di adolescenti innamorati, emozionati e impauriti.

Restituiscono con immediatezza, naturalezza e una forte dose di empatia le emozioni e le paure dei propri personaggi, restituendole al pubblico genuine e con un forte impatto emotivo.

Grazie alla scrittura di Alessandro Di Marco e Lucilla Lupaioli, alla regia dello stesso Alessandro Di Marco e all’interpretazione spontanea ed efficace dei protagonisti, lo spettatore non si sofferma sulla sessualità dei personaggi, ma riflette sulla dolcezza di un amore adolescenziale puro, alimentato da baci e carezze, che si trasforma nel rimpianto e nel rimorso nel cuore di uno dei due ora adulto.

Io che amo solo te è uno spettacolo che può essere di esempio e incoraggiamento per molti giovani insicuri e impauriti che non sono in grado di reggere alla vergogna che gli altri gli lanciano contro, derisi, emarginati o, peggio, bullizzati, soprattutto in un’età in cui si ha un bisogno vitale di sentirsi parte di un tutto.

E’ anche un monito per tanti adulti che non hanno avuto il coraggio di fare i conti con se stessi.

Io che amo solo te è un invito a vivere la propria vita con coraggio.

Società per Attori presenta

IO CHE AMO SOLO TE

di Alessandro Di Marco e Lucilla Lupaioli

con Riccardo D’Alessandro, Alessandro Di Marco, Andrea Lintozzi

Regia Alessandro Di Marco

Assistente alla regia Guido Del Vento

Luci e fonica Sirio Lupaioli

Scene e costumi Nicola Civinini

Cometa Off

7 novembre 2023

Il Condominio di Giulia è uno spettacolo che restituisce l’emozione e la soddisfazione di andare a teatro

Il Condominio di Giulia, scritto da Francesca Staasch e diretto da Riccardo Scarafoni, è uno spettacolo urgente e necessario, emozionante e coraggioso.

Giulia è una brillante autrice televisiva che, a causa di un ictus, si ritrova paralizzata in un letto di ospedale.

La sua condizione è gravissima e non consente recupero. Giulia, infatti, è stata colpita dalla sindrome locked-in o sindrome del chiavistello, una condizione nella quale il paziente è cosciente e sveglio, ma non può muoversi o comunicare a causa della completa paralisi di tutti i muscoli volontari del corpo.

Come fare i conti con una paralisi totale e con uno stato di coscienza che ogni giorno, ogni attimo, ogni momento ti rende consapevole della tua completa immobilità e incapacità di comunicare con l’esterno?

La testa di Giulia, unico “organo” sano rimasto, è agitata da emozioni contrastanti e pensieri vorticosi, confusi e rumorosi, come un condominio affollato.

Coscienza, Razionalità, Senso di Colpa, Speranza, Sistema Nervoso e Cuore, sono i condòmini di Giulia, che vivono e agiscono nella sua testa.

Saranno loro, tra scontri e confronti, a sostenere Giulia nel proprio viaggio attraverso la malattia e ad accompagnarla verso la decisione finale.

Oltre a loro, poi, altri personaggi vengono evocati, pur non comparendo mai in scena: Inconscio, che comunica con gli altri solo attraverso un telefono; Subconscio che manda segnali apparentemente incomprensibili e che Coscienza tenta disperatamente di interpretare con l’aiuto di Cuore; Distrazione, che non si sa che fine abbia fatto e manca a tutti; Il Signor Rimpianto e la Signora Rimorso, genitori di Senso di Colpa.

Tutti insieme popolano la testa di Giulia, animano e scatenano i suoi pensieri e tutti insieme e cercheranno di aiutare Giulia, scuoterla, animarla, rassicurarla, standole vicino fino alla fine.

Il Condominio di Giulia è uno spettacolo eccellente ed emozionante che  riesce a ricostruire in chiave ironica, brillante, a tratti divertente, i percorsi mentali ed emotivi che conducono ad una presa di coscienza definitiva.

Uno di quegli spettacoli che restituiscono l’emozione, il piacere e la soddisfazione di andare a teatro.

Il testo di Francesca Staasch è originale e affronta con lucidità, agilità e asciuttezza una questione profondamente drammatica e attuale quale quella della eutanasia, che non  comporta “solo” la dolorosissima e personale scelta tra vivere o morire, già di per sé drammatica e angosciante, ma  anche una serie di considerazioni sulle condizioni, sui sentimenti, sulle emozioni, sul dolore non solo della persona direttamente interessata, ma anche di chi le sta intorno. 

È questo che riesce a fare il testo Francesca Staasch, presentare la drammaticità della malattia e l’angoscia data dalla consapevolezza di essere intrappolati nel proprio corpo attraverso letteralmente gli occhi del soggetto malato e la rappresentazione del suo mondo prima di tutto interiore, fatto di voci e sentimenti contrastanti, e poi del mondo esterno che si muove nel suo limitato campo visivo, riuscendo anche ad evocare con fermezza e chiarezza il dolore, la sofferenza, la disperazione e l’impotenza delle persone che gli sono intorno.

Nel passare dei giorni che diventano settimane, mesi, anni, l’angoscia sale lenta, progressiva e inesorabile, ma si accompagna ad una presa di consapevolezza drammatica, ma necessaria, sollevando riflessioni profonde scomode e personali.

Così, i personaggi che popolano il condominio di Giulia, non solo accompagnano lei nel suo percorso di consapevolezza e scelta, ma prendono per mano anche lo spettatore che si ritrova a fare i conti con se stesso, rivivendo situazioni analoghe o sviluppando considerazioni a cui mai aveva pensato prima.

Nonostante tutto questo, lo spettacolo non è cupo, anzi, regala anche momenti di divertimento, progredendo, però, inevitabilmente, con decisione, ma anche con delicatezza, verso la soluzione finale.

Fabiana Bruno (Speranza), Ughetta D’Onorascenzo (Cuore), Gabriele Linari (Razionalità), Veruska Rossi (Coscienza), Fabrizio Sabatucci (Senso di Colpa) e lo stesso Riccardo Scarafoni (Sistema Nervoso) sono i bravissimi protagonisti che danno vita ai personaggi che popolano la mente di Giulia.

Perfetti nelle loro caratterizzazioni, riescono a restituire un ventaglio di emozioni contrastanti tra loro, dando allo spettacolo dinamicità e colore, inseriti in un flusso di coscienza dinamico in un crescendo di emozioni sempre più drammatiche.

La regia di Riccardo Scarafoni è asciutta e procede agile e tagliente come gli eventi della vita, mantenendo, nonostante lo scenario immaginifico, una potente aderenza alla realtà.

Anche la scenografia e i costumi sono pensati con rigorosa attenzione al mondo interiore di Giulia.

Le scene di Emanuele Cignitti riproducono la dimensione interna di Giulia, rifugiatasi nella sua stanza dei giochi di quando era bambina. La occupano tre letti a castello su cui trovano posto i sei personaggi inizialmente sdraiati opposti due a due; un tavolinetto col telefono e una poltroncina davanti e un baule che racchiude i ricordi rimossi.

Il pavimento è ricoperto da un enorme tappeto di erba sintetica rosa fucsia .

Nei costumi, tutti rigorosamente bianchi, di Lisa Sorone, ritroviamo elementi caratterizzanti ogni personaggio: Coscienza, per il suo coraggio, richiama a Lady Oscar; Sistema Nervoso, che governa tutto il corpo, è in tenuta da arti marziali; Cuore è una Madonna anni ’80; Razionalità sembra un analista; Senso di Colpa è vestito da Papa; Speranza indossa un ampio vestito che la fa apparire un posposta e un po’ bambola.

Anche le musiche, infine, sono pensate per innestarsi sull’impianto narrativo.

Riccardo Scarafoni e Veruska Rossi non sono nuovi a spettacoli così impegnati e che affrontano tematiche etiche e sociali fondamentali (basta vedere i link alle recensioni dei vari spettacoli sparsi nel testo) e verso di loro non si può che provare un senso di gratitudine, non solo per il coraggio con cui suscitano riflessioni scomode, ma anche per il modo sempre delicato, garbato ed elegante e la sensibilità artistica e umana con cui lo fanno.

IL CONDOMINIO DI GIULIA

di Francesca Staasch

Regia di Riccardo Scarafoni

con : Fabiana Bruno, Ughetta D’Onorascenzo, Gabriele Linari, Veruska Rossi, Fabrizio Sabatucci e Riccardo Scarafoni

Costumi : Lisa Sorone – Sarta : Sara Iacobini – Scene : Emanuela Cignitti – Luci : Giacomo Cursi – Aiuto Scenografia : Francesca Meloni – Ufficio Stampa : Claudia Ragno – Foto e Locandina : Patrizio Cocco – Assistente di Produzione : Martina Polizzi – Assistente Regia : Daniele Felici– Regista Assistente : Leonarda Imbornone – Aiuto Regia : Veruska Rossi

Le Voci : INCONSCIO : Cinzia De Carolis – GIORGIO : Francesco Venditti – DOTTORESSA : Cinzia Villari