La regola dei giochi

Teatro Basilica

23 e 24 ottobre 2021

La regola dei giochi – minimalismo e ferocia

“Anche i momenti più ardui della nostra esistenza, se guardati da un punto di vista appropriato, celano il loro elemento ludico. La vita è un gioco e sta a voi scoprirne la regola: la regola dei giochi”

La regola dei giochi è la nuova produzione del Gruppo della Creta in scena al TeatroBasilica

Cinque atti unici, scritti da Anton Giulio Calenda, diretti da Alessandro di Murro e interpretati da Valeria Almerighi, Matteo Baronchelli, Jacopo Cinque, Alessandro De Feo, Alessio Esposito, Amedeo Monda, Laura Pannia e Bruna Sdao.

Ucronìa o va tutto bene, Soldato, Il Regno, Matteo e Squali, uno studio marino sono i titoli che compongono la pentalogia di Calenda nata con l’intento di portare qualcosa di nuovo nel modo di fare teatro.

Cinque capitoli a sé stanti eppure in qualche modo sottilmente connessi, divisi in due serate.

Pentalogia o antologia seriale, come lo si voglia chiamare, il lavoro rispecchia la necessità del Gruppo della Creta di cimentarsi con forme sceniche prossime al racconto breve e al gesto minimale, richiamando la struttura di certi programmi televisivi contemporanei.

I cinque atti unici differiscono in tutto, (tematiche, storie, ambientazioni, periodi storici) eppure sono sottilmente interconnessi da un stessa regola, La regola dei giochi.

In Soldato, due uomini in equipaggiamento da guerra marciano in territori nemici. Non hanno nome: si rivolgono l’uno all’altro appellandosi solo col sostantivo che indica il loro status: “Soldato”.

Nella infinita marcia contro un nemico invisibile, all’interno di due esagoni inseriti l’uno nell’altro e riempiti di sassi e terra, il più giovane rivolge una raffica di domande all’altro nel tentativo di comprendere le “logiche” della guerra.

In questo vortice di quesiti il giovane soldato affronta un percorso verso una nuova consapevolezza che raggiungerà l’acme nell’epilogo.

In Ucronìa una donna bambola è rinchiusa in una Google – scatola illuminata da luci al neon e, assistita dal Google – amico, rassicura un interlocutore virtuale e, quindi, universale, su quanto la guerra appena conclusa, che ha devastato popoli e nazioni, abbia portato benessere per coloro che sono rimasti.

In Squali, uno studio marino quattro amici sono in barca per una battuta di pesca quando il motore va in panne e si ritrovano circondati da squali. Saranno costretti a prendere delle decisioni che faranno emergere le singole personalità.

In Matteo, una coppia borghese è distrutta da un passato che ne ha stravolto la vita. Attraverso scambi feroci, sprezzanti, ironici, provocatori e stizzosi, i due protagonisti manifestano l’incapacità di comunicare, di vivere il presente e affrontare il futuro.

Ne Il Regno un uomo, seduto sulla sua amata sedia (s.a.s.) ammira, estasiato e inebetito, i propri minuscoli, ma per lui preziosissimi, confini, blaterando minacce contro chiunque li minacci. 

Una voce, però, ne segue ogni gesto e ne registra ogni biascicato lamento, quasi fosse in un assurdo reality.

I cinque atti unici de La regola dei giochi costituiscono un’analisi e una riflessione profonda e allarmante sulla nostra società, proponendo cinque scenari e situazioni completamente differenti, ma accomunati dal alcuni determinanti elementi. 

In tutti c’è una lotta contro un nemico che è sempre invisibile e che, il più delle volte, è dentro di noi ed è solo una proiezione delle nostre debolezze, fragilità e paure.

C’è sempre un richiamo all’altro: un altro diverso da noi che ci è sconosciuto, che si teme e va tenuto in scacco, sotto dominio, se non eliminato.

In tutti è continuo il riferimento alla territorialità, ad uno spazio nostro che ci fa sentire protetti e che sentiamo di dover proteggere dagli altri.

In modi diversi, il linguaggio di tutti e cinque questi atti unici è concitato,  conciso, frammentato, spesso feroce, ma anche ironico. Domina una retorica spesso illogica in cui si cela l’incomunicabilità tra le persone.

I cinque atti unici richiamano un mondo distopico, ma poi non così lontano. 

Le dinamiche sono spesso surreali, eppure emergono con forza profonde riflessioni e domande aperte sulla libertà dell’individuo, sul libero arbitrio, sulla necessità di acquisire consapevolezza di essere umani.

Il lavoro di Anton Giulio Calenda è sorprendente e spaventoso nella misura in cui riesce ad aprire gli occhi attraverso l’esasperazione di gesti e linguaggi che oggi sono per noi talmente comuni da non rendercene conto.

Anche là dove il testo sembra più lineare, si possono sempre rintracciare dei sottotesti che si insinuano subdolamente nei pensieri.

La regia di Alessandro Murro, o, forse, dovremmo dire le regie di Alessandro Murro, sfruttando a pieno le risorse in scena, riescono a mettere in luce ciò che in scena non c’è, l’invisibile di cui però si avverte sempre la presenza.

Il tutto avviene grazie anche all’interpretazione degli attori in scena, Valeria Almerighi, Matteo Baronchelli, Jacopo Cinque, Alessandro De Feo, Alessio Esposito, Amedeo Monda, Laura Pannia e Bruna Sdao,

LA REGOLA DEI GIOCHI

di Anton Giulio Calenda

cinque atti unici: “Ucronìa o va tutto bene”, “Soldato”, “Il Regno”, “Matteo”, “Squali, uno studio marino”

drammaturgia Anton Giulio Calenda

regia Alessandro Di Murro

aiuto regia Tommaso Cardelli

assistenti di regia Ilaria Iuozzo e Jessica Miceli

luci Matteo Ziglio

musiche Enea Chisci

costumiRita Guardabascio e Beatrice Nobili

direttore di Produzione Pino Le Pera

produzione Gruppo della Creta

coproduzione Fattore K

con

Ucronia: Amedeo Monda, Laura Pannia

Soldato: Matteo Baronchelli, Alessandro De Feo

Il Regno: Valeria Almerighi, Jacopo Cinque

Matteo: Alessio Esposito, Bruna Sdao

Squali: Matteo Baronchelli, Jacopo Cinque, Alessio Esposito, Amedeo Monda

Teatro Basilica: La Regola dei Giochi di Anton Giulio Calenda, regia Alessandro Di Murro

Foto di Pino Le Pera

Teatro Lo Spazio

12 ottobre 2017

Sarà in scena fino al 22 ottobre 2017, al Teatro Lo Spazio, Tre sorelle, il nuovo spettacolo con la regia di Lorenzo De Liberato.

Protagoniste dell’opera, scritta da  Anton Cechov nel 1900, sono le tre sorelle del titolo, figlie di un generale morto l’anno prima in cui ha inizio la storia: Masha, sposata giovane a un professore, Kulygin, che non ama; Olga, la maggiore, insegnante; Irina, la minore. Le tre sorelle sono ansiosamente in attesa di trasferirsi a Mosca per fuggire dalla mediocrità della vita di provincia.

Vivono col loro fratello Andrej, futuro possibile brillante intellettuale, innamorato di Natasha, donna cinica e cattiva che diventerà sua moglie.

La casa di famiglia è frequentata poi da giovani ufficiali, cadetti, un dottore, tutti personaggi differentemente complessi e dal colonnello Versinin, non più giovanissimo, infelicemente sposato e dedito alla speculazione filosofica.

Lo spettacolo, diretto da Lorenzo De Liberato e interpretato dai bravi  Francesca Bellucci, Luisa Belviso, Alessandro De Feo, Ludovica Di Donato, Alessio Esposito, Lorenzo Garufo, Fabrizio Milano, Gioele Rotini, Marco Usai, Irene Vannelli, restituisce la poetica di Cechov, rappresentandone gli elementi principali: il passato che torna nei ricordi di famiglia, il suicidio come atto di contestazione e unica via di fuga, il desiderio sempre frustrato del cambiamento (Mosca diventa quel luogo fisico e ideale che si anela, ma che non si raggiunge mai), il lavoro inteso come emancipazione, la pigrizia, l’indifferenza, la noia e quel continuo sentirsi estranei, in casa propria, nella propria famiglia e nella propria città, da cui ne deriva la solitudine.

Anche l’amore è qualcosa di mai compiuto e concluso: Olga rimarrà signorina, Mascia vedrà sfumare il suo sogno d’amore col colonnello Versinin e Irina, a un passo dal matrimonio, perderà l’occasione tanto desiderata, l’ultima, di essere felice e trasferirsi a Mosca.

Tre sorelle è il dramma dell’assenza e della rassegnazione: i desideri e i sogni naufragano miserabilmente, la potenza non diventa mai atto, il tempo scorre vuoto e lento ripetendo sempre gli stessi momenti, rimanendo sospeso in un poter essere che non diventa mai divenire.

La messa in scena ben rappresenta tutto questo: la casa, vista dall’interno, è una gabbia in cui i personaggi vegetano e a cui tutti, sempre, comunque tornano e da cui non riescono a partire. Il freddo vuoto e la staticità del tempo vengono anche ben simboleggiati dalla “inquadratura” dell’esterno della casa attraverso un plastico.

Gli spazi sono ben utilizzati nello svolgimento dei vari momenti della storia: sul palco il tavolo da pranzo con le sedute e la credenza, in platea, nel primo atto, il salotto di vimini col carrello porta vivande riempito di bicchieri e liquori a cui continuamente quasi tutti attingono, nel secondo atto, una camera da letto; infine, il fondo della sala dà l’idea che la casa continui e la scena viene portata in altri punti della stessa non visibili grazie all’uso scenico di una scala. Spesso, mentre in un punto si svolge la scena centrale, in un altro i personaggi continuano a vivere nel loro tempo, nelle loro azioni e nei loro discorsi o solitudini.

Incisivi i cambi scena temporali che sono ben identificabili, ma senza strappi.

I protagonisti interpretano il mondo interiore dei personaggi: l’insofferenza, la solitudine, la frustrazione, l’amore deluso, quello non corrisposto, quello tradito.

Su tutti, il tempo scorre inesorabile, ma lento e immutabile: “è tutto lo stesso, sempre lo stesso”.

Il dramma di Cechov, però, nasconde anche elementi beffardi, ferocemente ironici: il barone Tuzenbach, a cui Irina aveva deciso di unirsi in matrimonio perché gentiluomo, muore il giorno prima delle nozze, ucciso dal violento Solenyi pretendente della stessa; Kulygin non vede o non vuole vedere la freddezza della moglie e la sua passione per Versinin e anche quando ne ha la prova davanti va avanti con rassegnazione.

Soprattutto è col personaggio di Natasha, davvero ben caratterizzato dalla verve e dalla espressività di Ludovica Di Donato, che la regia di De Liberato sottolinea il sarcasmo pungente di Cechov. Colorandolo di accenti maggiori rispetto a quelli che ne risulterebbero dalla lettura, sottolineandone fortemente la cattiveria, il cinismo, l’egoismo e l’arroganza, Natasha diventa l’elemento disturbante, il termine di contrasto con la rassegnazione e l’accidia di tutti quanti che restano impotenti di fronte a tanta caparbietà.

Alla fine nessuno, pur soffrendone, soccombe al tedio della quotidianità perché c’è sempre qualcosa di cui ridere e qualcuno pronto a farlo.

Ben assortito ed efficace il terzetto delle sorelle: Francesca Bellucci, Irene Vannelli e Luisa Belviso. Menzione speciale per quest’ultima che ha saputo appartenere completamente al proprio personaggio, Olga, trasmettendone il mondo interiore anche con la sola espressività.

Molto belle anche le interpretazioni di Marco Usai nei panni di Andrej e di Fabrizio Milano in quelli del colonnello Versinin.

Si avverte, però, nel complesso, una distanza tra i personaggi e un certo disallineamento tra le varie interpretazioni che, a volte, rende più faticosa una rappresentazione che per suo stesso soggetto è già lenta e complessa.

Interessanti i costumi di Giuseppe D’Andrea e Caterina Corallo e gli inserti musicali. Buono il disegno luci di Matteo Ziglio.

Tre Sorelle

di Anton Čechov

regia: Lorenzo De Liberato

aiuto regia Cristiano Demurtas

con Francesca Bellucci, Luisa Belviso, Alessandro De Feo, Ludovica Di Donato, Alessio Esposito, Lorenzo Garufo, Fabrizio Milano, Gioele Rotini, Marco Usai, Irene Vannelli

disegno Luci Matteo Ziglio

scenografia Laura Giusti, in collaborazione con  Cecilia Fallongo

costumi Giuseppe D’Andrea Caterina Corallo

Teatro Vittoria

4 giugno 2017

Il 4 giugno 2017, è andato in scena al Teatro Vittoria, all’interno della rassegna Salviamo I Talenti, lo spettacolo Un uomo è un uomo, di Bertolt Brecht, con la regia di Lorenzo De Liberato e la traduzione di Giulia Veronesi.

Uno spettacolo che colpisce, attira e coinvolge per una serie di soluzioni rappresentative molto interessanti.

Siamo nel 1925. L’esercito inglese arriva a Kilkoa con centomila soldati per marciare verso le frontiere settentrionali per fare guerra contro il Tibet. Quattro commilitoni, durante una serata libera, danno fuoco ad una pagoda per rubare i soldi delle elemosine, lasciando evidenti tracce del proprio passaggio. Uria, Jesse e Polly si vedranno costretti ad abbandonare Jip e far ritorno al treno che li trasporterà al confine. Per evitare di essere fucilati dovranno trovare nell’immediato qualcuno che possa sostituirsi a Jip per l’appello della sera: si imbattono, così, in Galy Gay, un uomo semplice, uno scaricatore di porto, che non sa mai dire di no ad alcuno.

Con l’aiuto della vedova Begbick, che gestisce il vagone-birreria dell’esercito, i tre metteranno in atto un piano grottesco per convincere Galy Gay a sostituirsi a Jip. La situazione, però, si evolverà velocemente e Galy Gay si vedrà coinvolto in un processo di trasformazione totale destinato a farlo diventare un vero soldato per sostituire definitivamente Jip, che, intanto, sembra essersi perso.

A rendere la situazione più complessa e pericolosa si aggiunge il Sergente, detto Il Sanguinario 5, o La Tigre di Kilkoa, feroce militare che ha fiutato l’inganno e tiene sotto controllo i quattro commilitoni.

Un uomo è un uomo è una tra le opere meno conosciute, studiate e rappresentate di Bertolt Brecht; che restituisce un’immagine lucida e cinica dell’imperialismo coloniale e del capitalismo che manipola il proletariato.

Una storia drammatica e comica allo stesso tempo, terribile e pungente sulla capacità di certi individui di trasformare un uomo in un altro uomo.

Galy Gay viene preso, usato, manipolato, smontato nella propria individualità e ricostituito come altro da se stesso, tanto da non essere capace più egli stesso di riconoscersi in quello che era prima.

Mentre viene messo in atto questo processo di metamorfosi profonda, inarrestabile e senza ritorno, anche le persone intorno a lui cambiano, ma, mentre gli altri cambiano con consapevolezza nell’intento di manipolarlo, invece egli muta nome e carattere perché vittima del potere che gli altri esercitano su di lui.

Lo spettacolo restituisce in pieno non solo la storia, sebbene con alcuni (graditi) tagli ed un finale diverso, quanto, soprattutto, i meccanismi psicologici e le dinamiche relazionali tra i personaggi.

Attraverso un processo graduale si passa dalla narrazione e comicità del primo atto, alla più ampia esplicazione e rappresentazione del pensiero brecthiano, attraverso la trasformazione completa di un uomo in un altro uomo e la comicità si fa ironia tagliente e beffarda.

Ciò che il primo atto sottende, richiama e anticipa, nel secondo prende prepotentemente piede in una successione di eventi che distruggono il concetto di individuo, scomponendolo e ricomponendolo a piacimento e al servizio di una ristretta collettività. L’uno cede di fronte al gruppo, l’individuo viene riconosciuto solo in riferimento ad una collettività che gli conferisce senso ed esistenza.

D’altronde “un uomo vale un altro uomo”, “un uomo lo si può rifare a volontà” perché un “uomo è un uomo”.

Il processo di disgregazione dell’individualità e la sua ricostituzione in qualcosa di diverso, manipolato e programmato a piacimento da altri, è rappresentato nello spettacolo in maniera intelligente e acuta, in una narrazione che resta fluida, con una successione di eventi non forzati, ma consequenziali, nonostante  un progressivo approfondimento del carattere psicologico dell’opera e un’atmosfera che diventa sempre più surreale.

I giovani attori in scena sono all’altezza del difficile testo, facendosi allo stesso tempo agenti e strumenti al servizio della storia e del messaggio, merito anche della evidente coesione che caratterizza le dinamiche attoriali e che si riflette nell’interazione dei personaggi.

Bellissima prova personale e collettiva per i tre commilitoni Matteo Cirillo (Uria), Tiziano Caputo (Jesse) e Stefano Patti (Polly), sia a livello interpretativo che espressivo.

Gli fa contrasto Alessandro De Feo, nella doppia veste di Galy Gay e il nuovo Jip, in un processo metamorfico graduale e costante, che forse avrebbe richiesto maggior enfasi nei due antipodi, soprattutto nello smarrimento.

Lorenzo Garufo è il Sanguinario 5, anch’esso un personaggio che muta nel corso degli eventi e che Lorenzo ben riesce a sostenere nel cambiamento.

Arianna Pozzoli è la vedova Begbick, un personaggio centrale per il piano dei tre commilitoni, di cui Arianna fa sentire l’importanza e la presenza con leggerezza e bellezza.

Agnese Fallongo interpreta la moglie di Galy Gay e, nel secondo atto, un soldato.  Di lei ammiro quella sua capacità di contenere il teatro in un gesto o in un’espressione oltre che nella sola verbalità.

Completano il cast Bruno Ricci, nei panni del vero Jip, e Mario Russo, un soldato.

La regia di Lorenzo De Liberato riesce ad alleggerire la rappresentazione a favore del messaggio che, complesso, arriva con immediatezza e lucido cinismo.

La scenografia, nuda ed essenziale, gioca sugli stessi pochissimi elementi utilizzati ogni volta in maniera diversa.

Azzeccata la scelta di utilizzare inserti musicali che, oltre a mutare ritmo allo spettacolo e a mettere in luce alcuni stati d’animo, sono essi stessi narrativi. Già presenti in Brecht, qui, tranne che per due brani, sono stati scritti e composti da Tiziano Caputo a cui va  dato merito.

Un uomo è un uomo è il quarto spettacolo di Brecht che la compagnia mette in scena e con il quale dimostra di aver saputo raccogliere e rappresentare la provocazione intellettuale di Brecht stimolando la riflessione e destando nello spettatore la curiosità di conoscerne e approfondire il pensiero e la poetica.

Lo spettacolo, inoltre, affronta un tema quanto mai ancora attuale: l’annullamento dell’individualità a favore di una massificazione acritica affinché i gruppi di potere possano manipolare gusti e orientamenti degli uomini a proprio favore.

E’ un vero piacere vedere attori, anagraficamente giovani, professionalmente già avanzati, seppur a livelli diversi, affrontare a teatro un testo di tale valore e un autore così complesso come Brecht. Lo trovo un ottimo modo per avvicinare i giovani al teatro e alla conoscenza dei classici.

Un uomo è un uomo
di Bertolt Brecht
regia Lorenzo De Liberato
traduzione Giulia Veronesi

con Tiziano Caputo, Matteo Cirillo, Alessandro De Feo, Agnese Fallongo, Lorenzo Garufo, Stefano Patti, Arianna Pozzoli, Bruno Ricci, Mario Russo
disegno luci Matteo Ziglio
scene Laura Giusti
musiche eseguite dal vivo da Mario Russo e dal M° Valerio Mele.