Teatro della Cometa

12 aprile 2015

Una commedia di Michele La Ginestra e Adriano Bennicelli

Con Michele La Ginestra, Beatrice Fazi e Maria Chiara Centorami.

Regia di Roberto Marafante

Cosa succede quando un uomo, sposato da vent’anni, si ritrova nel letto un’affascinante donna sconosciuta e non ricorda nemmeno perché? Come spiegare alla moglie qualcosa che nemmeno lui sa?

Ti posso spiegare è una divertentissima commedia che lascia senza fiato per le grandi risate.

Michele La Ginestra è Paolo, fotografo alla sua grande occasione, sposato da vent’anni con Roberta, Beatrice Fazi, donna terribilmente gelosa e ossessiva. Quando un terzo elemento esterno alla coppia, la conturbanete Jacqueline, Maria Chiara Centorami farà il suo ingresso nella vita di Paolo e Roberta, nasceranno una serie di equivoci e situazioni incredibili che non renderanno facile dire “Cara, non è come credi…giuro, ti posso spiegare!”.

Il testo di questa esilarante commedia possiede una struttura linguistica solida, ma fluida allo stesso tempo; una struttura forte, ben congegnata, che non offre punti deboli, e fluida perché le parole scorrono impetuosamente dalla bocche dei protagonisti come il classico fiume in piena, ma mantenendo sempre un legame tra di loro, senza mai distrarre lo spettatore dalla scena e dalla storia.

Un linguaggio notevolmente dinamico e arguto, in un’energica ed efficace connessione di parole e battute  mai scontate, in un crescendo dialettico coinvolgente.

Un linguaggio sempre pulito, garbato ed educato a dimostrazione che si può continuare a far ridere e ridere tanto senza necessità dell’uso della parolaccia. Un esempio del “teatro di una volta” che non sa né di antico, né di desueto, ma, anzi, fa piacere rivedere rinnovato nel tempo.

Michele La Ginestra è una certezza; ogni sua commedia e ogni sua interpretazione sono sempre nuove, diverse; ogni volta si ride, ma si ride per qualcosa che, seppur facente parte del canovaccio tradizionale, è offerta al pubblico in maniera sempre nuova e originale.

La sua espressività è qualcosa di incredibile e quel suo saper sembrare sempre così confuso o spaesato non solo nella voce, ma anche nei gesti e negli sguardi, porta il pubblico a fare il tifo per il suo personaggio.

Beatrice Fazi è un’ottima compagna di scena; ironica, divertente, espressiva, porta lo spettatore a voler interagire con lei. La coppia funziona benissimo: ne è dimostrazione che questo è il quarto anno che lo spettacolo va in scena con loro due come protagonisti.

La bella presenza di Maria Chiara Centorami, oltre ad essere molto gradita al pubblico maschile, è piaciuta anche a quello femminile, perché, sebbene nel ruolo della avvenente ragazza straniera che rischia di rovinare una famiglia, non è mai volgare o eccessiva; la sua Jacqueline è una giovane ragazza divertente e leggera, non una mangia uomini ed è fresca e piacevole.

Divertente e gradito anche il dopo spettacolo, quando Michele, presi gli applausi, si è messo a parlare al pubblico continuando a farlo ridere.

Teatro Greco

10 Aprile 2015

Robin Hood, Il Valore della Giustizia è un gradevole musical “in progress”: possiede infatti interessanti, a volte ottimi elementi scenici e narrativi, belle musiche, un’ ottima orchestrazione e alcuni interpreti molto validi

Allo stesso tempo, si avverte che si tratta di un lavoro che deve ancora prendere una propria strada e acquisire un’identità ben specifica; d’altronde dopo solo due giorni in scena (quella a cui ho assistito è la terza replica) è più che normale.

La storia è ben nota: Robin Hood è il ladro che ruba ai ricchi per dare ai poveri; quando sul trono salirà il Principe Giovanni, usurpando il posto che appartiene di diritto a Re Riccardo, Robin sentirà il dovere di intervenire insieme al suo fido amico Little John per ripristinare l’ordine delle cose.

Lo spettacolo possiede alcune soluzioni registiche molto interessanti: Robin Hood  arriva in scena entrando dalla platea vestito in abiti moderni e indossando i panni dell’eroe di Nottingham solo una volta arrivato sul palcoscenico; la stessa cosa accadrà alla fine, quando Robin svestirà i propri panni di scena, per tornare ad indossarne di moderni, come a indicare una contemporaneità della storia ed una continuità anche dopo la fine della rappresentazione.

Molto bella è la scena in cui Re Riccardo è in cella e canta disperato mentre in primo piano si svolge un’altra azione completamente al rallentatore.

Le musiche e l’orchestrazione di Simone Martino sono molto belle e anche le liriche ben gestite e in accordo: si avverte solo un tono in generale sempre troppo grave: è vero che si parla di fame, miseria e povertà, ma, a volte, si sarebbe potuto usare un tono più incisivo; ci sono momenti in cui le voci maschili sono tutte troppo “cupe”.

Molto belli i costumi; meno efficaci, in alcuni momenti, le luci, che accentuano una chiusura sulla scena piuttosto che un’apertura verso il pubblico. Si tratta pur sempre di una commedia e forse un po’ più di “apertura” sarebbe stata più efficace.

Elementi di eccellenza dello spettacolo sono Daniele Derogatis, Il Principe Giovanni: oltre dar vita ad un personaggio cattivo, ma molto divertente, Derogatis affascina e cattura immediatamente l’attenzione e il plauso del pubblico per la gestualità, la mimica facciale ed una voce potente e perfetta per il carattere del personaggio.

Travolgente, carico e dalla voce possente come la sua figura Giuseppe Cartellà nei panni di Little John (tra l’altro anche autore del libretto con Simone Martino).

Altro elemento di spicco Simone Sibillano nei panni dello Sceriffo di Nottingham: perfettamente a proprio agio, con la sua bella voce e il suo saper stare in scena, dona al personaggio quel guizzo folle, avido e cinico al punto giusto.

Ancora, Mariagrazia Di Valentino, Lady Sibilla, assolve con onore al suo compito di spietata spada del Principe/Re Giovanni.

Lorenzo Tognocchi, Re Riccardo, dopo un inizio titubante, riesce a ritrovarsi e a portare a casa il suo personaggio.

Giusto ed equilibrato Paolo Gatti nei panni di Frate Tuck: bella voce profonda forse qui più adatta che per altri personaggi (sempre per quel discorso di percezione musicale di un lirismo un po’ troppo grave).

Divertente e ironico Antonio D’Onofrio in Bronco che, non so perché, mi viene da chiamare Broccolo, forse per la caratterizzazione particolarmente buffa che ne viene data e perfettamente funzionale.

Mi spiace aver lasciato per ultimi Michelangelo Nari e Sharon Alessandri, rispettivamente Robin Hood e Lady Marian; purtroppo la loro esibizione non mi ha convinto.

Da un punto di vista puramente estetico sembra più di vedere Peter Pan e Trilly; la figura di Michelangelo viene soffocata dalla statura fisica degli altri interpreti, primo il Re Riccardo (escluso Little John che deve essere così come è) e la sua interpretazione non è così efficace da supplire a questo limite.

Però c’è da dire che Michelangelo è straordinario nel brano in cui Robin urla disperato il suo senso di inadeguatezza, il suo essere solo un uomo.

Qui tira fuori quella che sembra essere veramente la sua voce che fino a quel momento era stata trattenuta e che arriva dritta, non per gli acuti o le “urla”, bensì per l’intonazione è l’intensità interpretativa.

E allora, visto che un “momento no” può capitare a chiunque, sospendo in parte il giudizio, in attesa di un nuovo e diverso confronto.

Menzione a parte va fatta per la splendida Brunella Platania nel ruolo di Lady Rose: oltre ad essere simpatica e a divertire con le sue espressioni, Brunella è un’artista che fa sentire il suo valore con leggerezza, senza imporsi. Il suo solo essere in scena dona un qualcosa di più allo spettacolo: ne avverti la lieve presenza nei controcanti delicati che non si sovrappongono mai alla prima voce.

Una grande fortuna per questi ragazzi vedere in azione ed essere in scena con un talento come quello di Brunella, da cui poter prendere e imparare sicuramente qualcosa.

Sono convinto che questi cinque giorni in scena saranno molto utili per limare e sistemare quegli aspetti ancora un po’ rigidi e per aiutare questi ragazzi ad acquisire piena scioltezza sul palco. La curiosità e la voglia di rivederli tra qualche tempo c’è.

Musiche e Orchestrazione: Simone Martino

Libretto: Simone Martino – Giuseppe Cartellà

Regia: Paolo Gatti

Aiuto Regia: Serena Mastrosimone

Tecnico del suono: Willy Antico

Scenografa: Martina Basta Salvetti

Direttore di scena: Fabrizio del Prete

Coreografie: 2D

Coreografie: Claudia Gallo

Grafica: Giulia Pagano

Assemblaggio costumi: Rita Pagano

CAST di ROBIN HOOD IL VALORE DELLA GIUSTIZIA:

Robin Hood: Michelangelo Nari

Little John: Giuseppe Cartellà

Lady Marian: Sharon Alessandri

Re Riccardo I Cuor di Leone: Lorenzo Tognocchi

Principe Giovanni: Daniele Derogatis

Sceriffo di Nottingham: Simone Sibillano

Fra Tuck: Paolo Gatti

Lady Sibilla: Mariagrazia Di Valentino

Bronco: Antonio D’Onofrio 

Con la Partecipazione di Brunella Platania in Lady Rose

Voce Narrante: Davide Lepore

Ensemble:

Claudia Gallo, Danilo Monardi, Serena Mastrosimone, Massimiliano Lombardi, Arianna Milani, Pierluigi Sorteni, Martin Loberto, Alice Viglioglia.

DOPPIO SOGNO

di Giancarlo Marinelli

tratto dall’omonimo racconto di Arthur Schnitzler

Con Ivana Monti, Caterina Murino, Ruben Regillo, Rosario Coppolino

E con Andrea Cavatorta, Francesco Maria Cordella, Serena Marinelli, Simone Vaio, Carlotta Maria Rondana

scene Andrea Bianchi

costumi Adelia Apostolico

musiche Roberto Fia

light designer Mirko Oteri

regia Giancarlo Marinelli

Al Teatro Quirino fino al 19 aprile

Doppio Sogno è uno spettacolo visionario in cui sogno e realtà, falsità e verità si alternano e intrecciano continuamente, accavallandosi, rendendo difficile capire quando ci si trovi in un mondo o nell’altro.

Un viaggio nel terreno dell’inconscio e dell’onirico, tra ricordi sognati e ricordi indotti come quando si è in preda ai deliri di una febbre molto alta: la Verità è lì a un passo (su una sedia come direbbe uno dei protagonisti), ma è celata, offuscata, esasperata, ingigantita. Un viaggio nel senso di colpa, nella paura dell’abbandono e nei processi mentali inconsci che elaborano queste paure in figure immaginifiche che tormentano l’esistenza dell’individuo.

Un delirio della mente dove i fantasmi che vengono a tormentarci, per assurdità, chiedono perdono per la loro stessa presenza e dove il carnefice è a sua volta vittima.

Tratto dall’omonimo racconto di Arthur Schnitzler a cui si è ispirato Stanley Kubrick per il suo incompiuto Eyes Wide Shut, Doppio Sogno parte dall’ipotesi di un tradimento solo pensato per scaraventare la coppia protagonista, innamoratissima e affiatata, in un baratro esistenziale dove si insinuano il dubbio e la frustrazione fino a scavare profondi fossati nell’anime tormentate, facendo vivere (o rivivere?) pensieri celati al raziocinio e portandoli all’esasperazione attraverso l’espediente del sogno delirante, del ricordo indotto, dell’incubo martellante. In questo delirio febbrile le persone si intrecciano e nessuno è più come sembra: ognuno nasconde qualcosa, un segreto, un peccato, un vizio, ognuno indossa una maschera, non solo fisicamente, realmente, come accade per buona parte dello spettacolo, ma anche simbolicamente.

Siamo di fronte a un doppio nascondimento dove, sotto la maschera che cela il viso, esiste una maschera che cela l’animo.

Ognuno ha una doppia faccia e nasconde segreti reconditi e misteri insondabili.

In questo modo, i personaggi sono loro e altri, nascondono personalità diverse e divergenti; una situazione narrativa perfettamente in linea con l’intento dichiarato del regista di creare personaggi multipli per i suoi attori e un testo che fosse già teatro multiplo.

Tutto questo si va ad aggiungere ad un contesto, come già sottolineato, di continuo passaggio tra sogno e realtà, finzione e verità, aumentando quella dimensione di incertezza e vaghezza propria di tutta la narrazione.

L’adulterio solo vagheggiato diventa ossessione e crea pensieri quasi maniacali che vanno a mescolarsi con altri dubbi, rimpianti e interrogativi che portano il soggetto a specchiarsi e a non riconoscersi e anche a non essere riconosciuto dagli altri né a riconoscere gli altri.

Che non fosse affatto facile portare in scena un’opera incompiuta e così complessa era un dato di fatto e, purtroppo, Doppio Sogno, seppur mirabile nelle intenzioni del regista, non mi ha convinto fino in fondo.

“…solo questo mi interessa, raccontare (ancora una volta) i crimini, anche solo della fantasia, che attentano ogni giorno alla felicità della coppia; dire quanto sia disperante dover amare e essere amati, facendo i conti con l’infantile terrore e la sadica eccitazione dell’abbandono; mettere in scena la follia di chi, ad un certo punto della sua vita, è convinto che il dolore che subiamo, in verità, sia la punizione meritata a quel nostro abbandonare, tradire, violare chi ha scelto di essere, per sempre, nostro.

Il teatro è amare gli attori. E odiare tutto ciò che riescono ad essere al posto nostro.” [Giancarlo Marinelli].

Gli elementi di divertissement che dovrebbero alleggerire il tono della narrazione, quelli di stacco che dovrebbero strappare lo spettatore dalla dimensione onirica e riportarlo alla realtà e gli espedienti comici tendenti al grottesco sono, in realtà, inefficaci e distraenti. I personaggi che dovrebbero creare tensione e paura sono buffi, portati all’estremo e, seppur in una dimensione onirica, perdono di spessore e rischiano di essere vacui.

I sogni e gli incubi che tormentano l’esistenza del protagonista sotto la spinta dei sensi di colpa e delle sue paure non sono catartici, non lo portano a liberarsene, ma a rinchiudersi in se stesso; lo stesso attore protagonista si chiude in un soliloquio disperato chiaro solo a lui; il messaggio non viene trasmesso, ma trattenuto, tenuto per sé, come se non si fosse voluto dare o dire tutto.

Lo svolgimento globale sembra un po’ forzato: il fatto stesso che sia necessario che una delle protagoniste si rivolga verso il pubblico togliendosi la maschera e dicendo “ora è la verità” come a dire che quello che verrà detto da quel momento è quello che realmente è accaduto, fa capire che la narrazione non ha portato lo spettatore a cogliere appieno i vari livelli di comunicazione e a discernere da solo quali fossero gli stati onirici, quelli falsi e i fatti reali.

Nel finale si avverte una sovversione dei ruoli che fa pensare ad una deviazione da tutto quanto accaduto sino a quel momento, ma non basta. E’ nel finale che appare evidente che Doppio Sogno è soprattutto una storia d’amore, dove l’amore è talmente forte che si trasforma in paura di perderlo e tradirlo, una paura cosi disperante che rischia di allontanare i due coniugi innamorati.

La cifra di tutto è nelle ultime parole della protagonista, dapprima presentata come donna frivola, egoista e anaffettiva, quando, ormai disperata, riuscirà a riportare il marito alla lucidità strappandolo al delirio e minacciandolo di amore: “ non ti azzardare più a impazzire senza portarmi con te! (…) Sono sempre la stessa, una che ti cercava”.

Una menzione di onore deve essere fatta per la grandissima Ivana Monti, strepitosa, bellissima, altera, anche divertente, un’attrice che regala un’interpretazione magistrale propria della vecchia scuola di Teatro, quel Teatro di cui, oggi, si avverte la mancanza.