SHORT THEATRE 2019
Visione d’insieme

XIV edizione
6 – 14 settembre 2019

ROMA
La Pelanda | WeGil | Teatro Argentina | Teatro India | Carrozzerie n.o.t.

con:

Alessandra Di Lernia | Alessandro Sciarroni | Alex Cecchetti | Angélica Liddell/École des Maitres | Anne Lise Le Gac & Arthur Chambry | Barokthegreat | Claudia Castellucci  Deflorian/Tagliarini | DOM- + BoatoDanesin | Encyclopédie de la Parole | Françoise Vergès | Invernomuto | Jaha Koo | Kader Attia | Kiddy Smile | Lady Maru/Kybbe/Bob Corsi | Lancelot Hamelin/The Light House Project | Manuela Cherubini | Marie Losier  Marta Cuscunà | Mk | Motus | nora chipaumire | Nyamnyam | OHT_Little Fun Palace  OKO DJ | Panorama Roma | Panzetti/Ticconi | Ricardo Dias Gomes | Samira Elagoz
Sara Leghissa/Strasse + Carlo Fusani | Shawala | Sirna/Pol | Sotterraneo | Tropicantesimo

 

La ritualità ipnotica del Leone d’Oro 2019 Alessandro Sciarroni e la discesa profonda negli abissi delle relazioni uomo-donna della finlandese/egiziana Samira Elagoz. Le mappature musicali e politiche di Invernomuto e l’house senza confini del principe del voguing Kiddy Smile. La censura dentro e fuori di noi analizzata dal più volte premio Ubu Manuela Cherubini e l’epica della resistenza femminile di Marta Cuscunà. La riflessione sul corpo postcoloniale sviluppata dall’artista visivo Kader Attia e quella sul corpo come archetipo pop nella performance di nora chipaumire. L’inventario delle parole di un territorio restituito da un juke box umano nell’Encyclopédie de la parole di Jorise lacoste e Elise Simonet e il catalogo di sogni e incubi stilato da Lancelot Hamelin per Italian Dreams, parte del suo progetto The Light House Project.

Sono soltanto alcune delle molteplici traiettorie esplorate da Short Theatre 2019 – uno dei più importanti appuntamenti sul piano internazionale con le performing arts e la creazione contemporanea – che dal 6 dal 14 settembre animerà la Capitale negli spazi de La Pelanda, WeGil, Teatro Argentina, Teatro India e Carrozzerie n.o.t.

9 giorni per assistere alle creazioni e alle visioni di (oltre agli artisti già citati) Alessandra Di Lernia, Alex Cecchetti, Angélica Liddell, Anne Lise Le Gac & Arthur Chambry, Barokthegreat, Claudia Castellucci, Deflorian/Tagliarini, DOM- + BoatoDanesin, Ginevra Panzetti/Enrico Ticconi, Jaha Koo, Marie Losier, Mk, Motus, Nyamnyam, OKO DJ, Sara Leghissa/Strasse + Carlo Fusani, Shawala, Sirna/Pol, alle sonorizzazioni di Tropicantesimo, alle riflessioni di Panorama Roma e alla programmazione speciale di OHT_Little Fun Palace.

Titolo di questa edizione: Visione d’insieme. Ovvero quella prospettiva che sa mettere in relazione le tracce diverse di una realtà sempre più complessa, quella capacità di far dialogare le stratificazioni della Storia con ciò che accade nel presente, attraverso uno sguardo sempre aperto e inclusivo. Essere disponibili a rovesciare le prospettive per mantenere sempre vivo il percorso di indagine. La visione d’insieme è l’unico sguardo possibile di fronte alla complessità delle società contemporanee. La visione d’insieme è il contrattacco creativo a chi costruisce la rappresentazione semplificata del mondo per spianare la strada a percorsi autoritari.

Grande novità di questa edizione l’inaugurazione, grazie alla collaborazione con la Regione Lazio, di un nuovo centro di vita del festival: gli spazi di WeGil che ospiteranno i primi due giorni di programmazione di Short Theatre 2019, il 6 e 7 settembre. Un flusso ininterrotto di performance, installazioni, listening session e momenti di riflessione abiterà lo storico palazzo di Trastevere per far dialogare le forme razionaliste ideate dall’architetto Moretti nel 1933 con il presente della città, attraverso una pratica di ri-significazione dello spazio pubblico.

In tutto questo si inseriscono il consolidamento della collaborazione con l’Azienda Speciale Palaexpo, che si traduce nella coabitazione all’interno della Pelanda – che ospita la gran parte della programmazione del festival – già a partire dalle attività di questa estate e la partecipazione ad altri due progetti europei, INFRA e Festival of the Future, che si aggiungono a Fabulamundi Playwriting Europe, More Than This e Shift Key.

Short Theatre rafforza inoltre il dialogo con alcune realtà artistiche e istituzioni culturali nazionali e romane – Teatro di Roma, Carrozzerie n.o.t, NERO, Fanfulla 5/a, il Modulo Arti del Master in Studi e Politiche di Genere di Roma Tre, Da.Re – Dance Research, Dominio Pubblico – per stratificare ulteriormente la propria offerta artistica e accogliere una comunità di spettatori sempre più ampia, configurandosi come snodo nevralgico del dialogo fra realtà culturali e amministrazione nella rigenerazione del territorio.

Short Theatre 2019 è ideato e organizzato da AREA06 con la co-direzione di Fabrizio Arcuri e Francesca Corona, è realizzato con il sostegno di MiBAC e Regione Lazio e il patrocinio di Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e Azienda Speciale Palaexpo. Si svolge in collaborazione con il Teatro di Roma – Teatro Nazionale e Carrozzerie n.o.t, con il supporto di Acea SpA, Institut Français Italia, Villa Medici, Accademia di Spagna Roma, Istituto Cervantes Roma, Institut Ramon Llull.

***

Programma

Dopo la consueta anteprima di giovedì 5 settembre all’Accademia di Spagna con il duo milanese di artisti e ricercatori Invernomuto e il producer e dj Hugo Sanchez, Short Theatre 2019 si apre con un flusso continuo di creazioni che per due giorni – il 6 e 7 settembre –  riempiranno gli spazi di WeGil, edificio che subito offre lo spunto per riflettere sulla controversa eredità architettonica del fascismo e del colonialismo. Attraverso i linguaggi e le pratiche performative degli artisti, il festival vuole attivare un processo di rilettura e riscrittura di un luogo e di ciò che rappresenta. Ma non saranno solo gli artisti a intervenire, perché Short Theatre intende condividere questo percorso anche con alcune figure del mondo intellettuale come Simone Frangi, teorico, curatore e direttore artistico di Viafraini, la scrittrice Igiaba Scego, Ilenia Caleo e Isabella Lo Pinto, curatrici del Modulo Arti del Master in Studi e Politiche di genere di Roma Tre, e la redazione di NERO.

I temi della decolonizzazione, dei corpi e delle identità ai margini, del privilegio e dominio bianco giunto oramai a un punto critico, sono affrontati direttamente da Kader Attia, artista visivo franco-algerino attivo nelle principali gallerie e musei internazionali, nel suo film-documentario The Body’s Legacies, Part 2: The Postcolonial Body che verrà proiettato nelle due giornate del festival al WeGil. Presentato alla biennale d’arte Manifesta di Palermo nel 2018, The Postcolonial Body scava dentro il concetto di corpo migrante nelle società occidentale esponendo i tratti che gli sono stati attribuiti. Allo stesso modo, nasce dalla riflessione sull’incontro tra il pensiero femminista e quello sulla decolonizzazione il lavoro della politologa militante Françoise Vergès, attiva insieme ad Attia nel collettivo artistico Décoloniser les arts, che terrà una lectio magistralis il 7 settembre in collaborazione con il Modulo Arti del Master di Studi e Politiche di Genere di Roma Tre e NERO, a partire dal suo ultimo testo Féminisme décolonial. Con un taglio completamente diverso ma nello stesso ambito si muove Black Med, listening session-installazione sonora di Invernomuto in programma il 6 settembre che assume la nozione di Mediteranneo nero proposta dalla studiosa Alessandra Di Maio, e la esplora attraverso la cultura musicale, ricostruendo la mappa labirintica in cui i ritmi, le sonorità, le estetiche attraversano il Mediterranneo, per ribaltarne l’impronta bianca e occidentale. Lo sguardo sull’identità, i corpi e le dinamiche di dominio si sposta poi sul mondo arabo con la presentazione di Burning Play- Passo#1 di Manuela Cherubini, conferenza-spettacolo in scena il 7 settembre al WeGil. Burning Play – Passo#1 è un progetto in fieri sulla figura della scrittrice egiziana Nawal Al Sa’adawi, a partire dalla sua commedia God Resigns at The Summit Meeting, scritta nel 1996 e mai rappresentata. La commedia è stata bruciata “affinché il libro non esista più”. Burning Play – Passo#1 è uno spettacolo su una commedia che non si può rappresentare. Perché è stata distrutta col fuoco. Perché quel che ne resta brucia ancora tanto che nessuno lo vuole toccare.

A ribaltare di nuovo la prospettiva ci penserà poi nora chipaumire, artista e coreografa dello Zimbabwe attiva negli Stati Uniti. Nelle prime due sere del festival, nora presenterà in prima nazionale 100% POP, uno dei tre capitoli della sua live perfomance album dedicata alle icone dei suoi anni di formazione nello Zimbabwe – in questo caso Grace Jones –, nella quale l’energia della musica punk e new wave degli anni ’80 si mescola con il suono delle radio africane, la povertà, la vita rurale. A scandire la temperatura dei due giorni di Short Theatre 2019 a WeGil arriverà poi Bermudas, la coreografia “atmosferica” di MK di Michele Di Stefano, che sarà presentata anche nella versione estesa di Bermudas Forever; il Love Bar di Alex Cecchetti, un luogo sospeso tra il miraggio, lo storytelling e il palco teatrale in cui dissetarsi con cocktail a base di erbe locali preparati dall’artista in cambio di storie d’amore e racconti di emozioni; l’installazione performativa site-specific 8000 anni dopo di Nyamnyam, collettivo di filosofi ed artisti di Barcellona che interroga le origini dell’agricoltura, vero punto di svolta nell’indirizzare il corso dell’umanità, alterandone la narrazione e attivando una diversa memoria a partire dal contesto locale. Protagonista del dj set di inaugurazione del festival il 6 settembre infine sarà OKO DJ, giovane cosmopolita originaria di Parigi. Conduttrice radiofonica, animatrice di serate underground della scena queer francese, OKO DJ nei suoi set ama rompere i rigidi schemi del clubbing, mescolando generi ed estetiche attraverso il proprio stile unico e pieno di brio.

Domenica 8 settembre il festival si sposta nella sua location principale, La Pelanda, e al Teatro Argentina per la prima delle due repliche dell’attesissimo Augusto, ultimo lavoro del Leone d’Oro alla carriera per la danza Alessandro Sciarroni. Presentato nell’ambito della collaborazione fra Short Theatre e Grandi Pianure, la rassegna dedicata alla danza contemporanea del Teatro di Roma, curata da Michele Di Stefano, Augusto raccoglie il gesto quotidiano del ridere e lo trasfigura in un’unica parossistica espressione di gioia, euforia, commozione, sofferenza, rabbia e paura. Uno spettacolo sul bisogno di sentirsi amati in maniera incondizionata e sul dolore. Un omaggio alla figura dell’Augusto: il clown, il fool, l’idiota che combina sempre guai e che si orina addosso, sempre ubriaco, col naso rosso, e che ride di tutto. Ma “augusto” significa anche imperiale, regale, autorevole, ed è il nome del primo imperatore romano. In  scena l’8 e 9 settembre alle 21 al Teatro Argentina.

Alla Pelanda il programma si apre nel primo pomeriggio con Panorama Roma, format nato nel 2018 per creare una zona di condivisione, di ricerca e di riflessione sulle urgenze e le necessità della comunità artistica romana. Gli artisti sono invitati a condividere alcuni momenti del loro processo creativo anche in relazione alle condizioni di produzione. A fare il punto della situazione, in questa terza edizione di Panorama Roma, saranno la coreografa Premio Ubu 2018 per la danza Silvia Rampelli/Habillé d’eau, la giovane emergente Marina Donatone, l’artista visivo di fama internazionale Andreco, la regista Fabiana Iacozzilli, il collettivo nomade di architetti Stalker, il duo di artisti Malombra. Short Theatre 2019 ospiterà poi il debutto della prima produzione nata nell’ambito di Panorama Roma: Speranza contro speranza della regista e drammaturga Alessandra di Lernia. La giornata dell’8 settembre alla Pelanda si concluderà infine con il live di un innovatore della scena brasiliana fin dagli anni ’90, Ricardo Dias Gomes, già bassista di Caetano Veloso.

Si rimane in atmosfera sudamericana anche il giorno seguente, lunedì 9 settembre alla Pelanda, con la proiezione in prima nazionale di Cassandro, the Exotico!, opera filmica della danzatrice, artista e regista francese Marie Losier, abituale frequentatrice di festival cinematografici come quello di Berlino, di Rotterdam e di Tribeca a New York e di gallerie come la Tate Modern di Londra, il Centre Pompidou di Parigi e il MOMA della Grande Mela. Il film è un ritratto di Cassandro, la star più eccentrica dello sgargiante e appariscente  mondo della Lucha Libre, il wrestling messicano. Cassandro è il re degli Exòticos, i wrestler gender bender e crossdresser che combattono il pregiudizio. Un animale da combattimento, un pluripremiato campione del mondo, che spinge il suo corpo oltre i limiti nonostante i suoi capelli laccati, il suo mascara e le sue ciglia perfettamente incurvate. La serata del 9 settembre si chiude con le sonorità di una Giamaica immaginaria del Rootsvibes djset curato da Lady Maru, Enrico Kybbe e Bob Corsi.

Formati differenti, eterogeneità dei linguaggi, sguardo prismatico per interrogare le tante dimensioni della contemporaneità. È la Visione d’insieme di Short Theatre 2019, al cui interno troviamo il racconto del quotidiano, con le sue solitudini e cortocircuiti relazionali, che attraversa e connette lo spazio geografico globale a partire dalle storie individuali. È il caso di Jaha Koo – artista sudcoreano ma attivo a Ghent – che in Cuckoo, in scena il 10 e 11 settembre alla Pelanda, ripercorre la storia recente Corea del Sud e riflette sul tema dell’isolamento e del suicidio nella società sudcoreana in compagnia di un cuoci riso elettrico. Data unica invece, il 10 settembre, per I giardini di Kensington del giovane duo Sirna/Pol, un viaggio nell’intimità consuetudinaria di una coppia qualsiasi, fatta di complicità, piccole noie, litigiosità, gesti d’amore che fanno traballare il modello sociale – binario e normativo – a cui si pensava di aderire.

L’11 e 12 settembre si rimane in ambito di storie individuali e di relazioni umane in Cock, cock…who’s there?, intenso spettacolo-conferenza-documentario in cui l’artista egiziano-finlandese Samira Elagoz condivide la sua ricerca – nata in seguito a una vicenda personale di abuso – sul dating online, l’autodeterminazione femminile, il consenso e la violenza sessuale, passando in rassegna l’intero spettro delle relazioni uomo-donna – dall’intimità alla brutalità – e trascinando con sé il pubblico nella riflessione sull’ambiguità radicale che le contraddistingue, oltre ogni moralismo (lo spettacolo è sconsigliato ai minori di 16 anni)

La femminilità e la sua relazione antropologica con la comunità sono poi al centro di Il canto della caduta di una delle più significative esponenti della scena contemporanea italiana, Marta Cuscunà. In scena il 10 settembre alla Pelanda, Il canto della caduta prosegue idealmente il discorso iniziato con la Trilogia delle Resistenze femminili e raccoglie un orizzonte di pensiero che continua a tramandarsi nonostante millenni di patriarcato. Il mito di Fanes, infatti, è una antichissima tradizione popolare dei Ladini, una minoranza etnica delle Dolomiti. È un ciclo epico che racconta di un regno pacifico guidato da regine e distrutto dall’inizio di una nuova epoca del dominio e della spada. È il canto nero della caduta nell’orrore della guerra. Sulla scena, l’immaginario ancestrale prende vita grazie ai pupazzi e ai corvi meccanici realizzati dalla scenografa Paola Villani, in un progetto artistico che cerca di unire la tradizione del teatro di figura ai principi di animatronica e alla componentistica industriale.

La visione d’insieme si snoda poi attraverso tutti quei dispositivi che mettono sotto la propria lente lo stesso linguaggio artistico, svelandone convezioni e dinamiche,  come ad esempio fa Chroma keys, l’ultima produzione “meta-filmica” dei Motus in cui vediamo Silvia Calderoni agire davanti al green screen dei set cinematografici, sabotando la cornice dello schermo in una incursione dentro la meraviglia della finzione e i suoi vecchi “trucchi” stereoscopici (alla Pelanda dal 12 al 14 settembre); oppure entrando direttamente all’interno del processo creativo, come fanno Deflorian/Tagliarini in Scavi, in cui Daria Deflorian e Antonio Tagliarini restituiscono le scoperte fatte durante la fase di indagine del lavoro compiuto per Quasi niente, ispirato a Deserto Rosso di Michelangelo Antonioni (dal 10 al 14 settembre a Carrozzerie n.o.t.); o ancora indagando direttamente il sistema teatro, attraverso le interviste che Sotterraneo conduce ad alcuni dei protagonisti della scena artistica italiana in Talk Show, format che risponde all’esigenza di incontrare altri artisti e di interrogarsi reciprocamente sul senso di questo mestiere al tempo della rivoluzione digitale (10 settembre a Carrozzerie n.o.t, 11 e 12 settembre alla Pelanda).

Il 12 settembre nella zona esterna della Pelanda ci sarà inoltre la possibilità di reinventare lo spazio, il tempo e le atmosfere con la serata danzante Shawala, habitat di connessione curato dal trio Bonetti/Cabiddu/Cuttica (WOW e Fanfulla 5/a).

La trasformazione delle pratiche artistiche, la commistione delle lingue e la manipolazione delle materie e delle possibilità espressive articolano lo scenario mutevole che prenderà vita alla Pelanda anche con la performance DUCTUS MIDI dei marsigliesi Anne Lise Le Gac e Artur Chambry, in programma il 12 e il 13 settembre, che recupera il principio medievale del “ductus” (con il quale si indicava una modalità libera di pensare e muoversi a partire dallo sviluppo di una traiettoria, piuttosto che dalla pianificazione della stessa) per generare sulla scena ibridi incantevoli: immagini acustiche, strumenti da ballo, palazzi della memoria, mappe che sembrano dipinti. Dipinti e tracciati fuori dall’ordinario sono poi quelli con cui Sonia Brunelli del duo Barokthegreat costruisce la sua danza forsennata, astratta e fantasmatica in GHOST – Lucifer wants to sell, solo che parte dallo studio del “footwork”, sottocultura e street-dance nata negli anni ’90 a Chicago, in scena venerdì 13 settembre. Con una musica sparata a ritmi mozzafiato, i migliori footworkers leggono la musica come una mappa, riuscendo a incorporare nei movimenti le variazioni più sottili di dinamica e ritmo. E mozzafiato sarà anche il dj set, per la prima volta in Italia, di Kiddy Smile, dj della periferia parigina, guerriero da ballroom, producer, attore e icona LGBTQ noto come “il principe francese del Voguing”, che il 13 settembre trasformerà La Pelanda in uno straordinario spazio di libertà.

Nel segno delle forme archetipiche si inscrivono i due progetti del 14 settembre, sempre alla Pelanda. In All’inizio della città di Roma Claudia Castellucci esplora la matrice del nostro vivere collettivo in un’azione coreografica che risale alle radici dell’Occidente guardando alla nascita di una delle più estese civiltà europee: quella Romana, osservata non dal punto di vista dell’estasi della conquista ma come società che ha dovuto costruire un modello di convivenza. La traiettoria della tradizione e dell’archetipo è anche quella percorsa dal giovane duo coreografico di Ginevra Panzetti ed Enrico Ticconi, che con il loro Harleking, esplorano la figura dell’Arlecchino della Commedia dell’arte e ne portano alla luce una specifica qualità ipnotica, in cui i contenuti, spesso estremi ed opposti, si fondono in un sistema metamorfico fluido dove tutto può accadere.

La XIV edizione di Short Theatre fornisce poi un’ulteriore occasione di incontro con il contesto specifico della città, attraverso la proposta di alcuni progetti site-specific che attiveranno – o hanno già attivato in questi mesi – percorsi immaginifici di riscrittura dei territori e del loro bagaglio collettivo di simboli, significati, esperienze. Primo tra tutti, JUKEBOX_Roma di Encyclopédie de la Parole con la regia di Joris Lacoste e la direzione artistica di Elise Simonet – prodotto nella sua versione italiana da Échelle 1:1, Short Theatre, Teatro di Roma – Teatro Nazionale, Fondazione Teatro Metastasio/Contemporanea Festival, Sardegna Teatro/10 Nodi Festival nell’ambito del network I.N. Italia in collaborazione con la Francia in Scena, stagione artistica dell’Institut français Italia / Ambasciata di Francia in Italia. JUKEBOX è un solo pensato per un singolo spazio geografico: una città, i suoi abitanti e la lingua che condividono. Se io vivo a Roma, Prato o Cagliari, quali sono le differenti forme di discorso che mi attraversano in un determinato giorno? La drammaturgia dei materiali orali raccolti da 7 raccoglitori locali con il coordinamento di Francesco Alberici sarà interpretata venerdì 13 e sabato 14 settembre da Monica Demuru, sorta di jukebox umano che esplorerà con il pubblico i modi con cui una comunità rappresenta sé stessa. L’elaborazione dell’immaginario di un territorio si rovescia nella ricostruzione del materiale onirico collettivo nel progetto Italian Dreams realizzato dall’autore francese Lancelot Hamelin nell’ambito di Fabulamundi Playwriting Europe, che dopo aver raccolto sogni e incubi degli abitanti di un quartiere di Roma, Tor Sapienza, li ha assemblati in una forma drammaturgica a metà tra scrittura teatrale ed indagine sociologica attraverso un processo laboratoriale condiviso con attori, autori e appassionati dell’universo onirico, che ne daranno restituzione giovedì 12 e venerdì 13 settembre. Ad intervenire nel territorio sarà poi TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE, talk fuori formato di Sara Leghissa/Strasse che si sviluppa nel corso di più giorni del festival, e il cui testo viene esposto nello spazio pubblico attraverso una pratica che riflette sul confine labile tra legalità e illegalità, tra privilegio e resistenza, tra tempo storico e presente in emersione.

Anche quest’anno inoltre prenderà vita la co-abitazione tra Short Theatre e altre entità artistiche e organismi di curatela nella sezione dei Progetti in Residenza. Torna la roulotte di Little Fun Palace di OHT di Filippo Andreatta e Salvatore Peluso, luogo effimero di aggregazione che nasce in omaggio al “Fun Palace”, il leggendario progetto dell’architetto Cedric Price e della regista teatrale Joan Littlewood che negli anni Sessanta volevano realizzare un’università della strada, un laboratorio del divertimento. Little Fun Palace ospiterà al suo interno una programmazione quotidiana speciale, in cui la comunità del festival potrà ritrovarsi a seguire delle reading sessions, godere di ascolti musicali in cuffia, consultare i volumi di una piccola biblioteca costruita ad hoc.

Ad accompagnare i nove giorni di programmazione di Short Theatre 2019, infine, ci sarà anche quest’anno Tempo Libero, la sezione che dalla scorsa edizione il festival dedica alla formazione e che si concentra quasi interamente negli spazi del Teatro India, con un denso programma di workshop e a laboratori aperti a tutte e tutti e gratuiti.

A celebrare il rito di chiusura di Short Theatre 2019 sabato 14 settembre sarà ancora una volta Tropicantesimo, l’installazione sonora in cui il corpo è al centro di una esperienza e una drammaturgia imprevedibile, carillon bello e malefico che incarna i suoni e i ritmi tribali della fascia equatoriale, immaginati e sognati, ritagliati e scoperti.

SHORT THEATRE 2019
6 – 14 settembre | ROMA

La Pelanda – Mattatoio di Roma, Piazza Orazio Giustiniani 4
WEGIL, Largo Ascianghi 5
Teatro Argentina, Largo di Torre Argentina, 52
Teatro India, Lungotevere Vittorio Gassman, 1
Carrozzerie n.o.t., via Panfilo Castaldi, 28

www.shorttheatre.org
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+39 06 44702823

SHORT THEATRE  – PROGRAMMA

6-14 settembre- Roma

La Pelanda – Mattatoio | WeGil | Teatro Argentina | Teatro India | Carrozzerie n.o.t

GIOVEDÌ 5 settembre (preview)

Accademia di Spagna

h 18

Hugo Sanchez (Roma)

dj-set

Invernomuto (Piacenza)
diffusione sonora + dj-set

VENERDÌ 6 settembre

WeGil

h 18 – 24 | Salotto

Kader Attia (Berlino– Algeri)

The Body’s Legacies, Part 2: The Postcolonial Body

installazione video

45’

in francese con sottotitoli in italiano e in inglese

h 18 | Piazzetta

OHT_Little Fun Palace(Trento)
SIR – Sharing In Roma con Fabritia D’Intino
danza
1 h

h19 | Piscina
Alex Cecchetti(Parigi)
Love Bar
performance
3 h

Ingresso gratuito

h 19 | Hall

MK (Roma)

Gil Bermudas
danza

45’

h 20 | Sala Rossa

Invernomuto (Piacenza)

Black Med
listening session

2 h

h 21| Piazzetta

OHT_Little Fun Palace(Trento)

Cultura coloniale e monumentalità con Serena Fiorletta, Simone Frangi
talk
1 h

h22:30 | Auditorium

nora chipaumire(Mutare – New York City)

100%POP – prima nazionale

live performance album

50’

h 23:30 |Hall

OKO DJ (Parigi)

dj-set

SABATO 7settembre

WeGil

h 16:30 – 24 | Salotto

Kader Attia (Berlino – Algeri)

The Body’sLegacies, Part 2: The Postcolonial Body

installazione video

45’

in francese con sottotitoli in italiano e in inglese

h16:30 | Hall

MK (Roma)

Bermudas forever

danza

3 h

h18 | Piscina

Françoise Vergès (Parigi – Londra)

Lectio magistralis

1 h

Ingresso gratuito; in inglese con traduzione simultanea in italiano

h 19:30 | Sala Rossa

Nyamnyam (Barcellona)

8.000 anni dopo – prima nazionale

installazione/performance
1 h 15’

in italiano

h 20 | Piscina

Alex Cecchetti(Parigi)

Love Bar

performance

3 h

Ingresso gratuito

h21 – 23 | Piazzetta

OHT_Little Fun Palace(Trento)

A message to the Sea di Basir Mahmood

video
6’

h22 |Sala Rossa

Manuela Cherubini (Roma)

Burning Play – Passo 1

conferenza/spettacolo

50’
in italiano

h23 | Auditorium

nora chipaumire(Mutare – New York City)

100%POP – prima nazionale

live performance album

50’

h23:30 | Hall
MK

Bermudas Forever (and ever) – Bunny Dakota (Industria Indipendente)
dj set

DOMENICA 8 settembre

Teatro Argentina

h21

Alessandro Sciarroni (San Benedetto del Tronto)

Augusto
danza

1 h

La Pelanda

PANORAMA ROMA

dimostrazioni di lavoro

h 15
I SESSIONE: Marina Donatone, Andreco, Fabiana Iacozzilli,Stalker
2 h

h 17:30
II SESSIONE: Malombra, Silvia Rampelli + talk
2 h

h 20 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)

All for alldi Kinkaleri

con Piersandra Di Matteo, Marco Mazzoni

1h

in italiano

h 21:30| Teatro 2

Alessandra di Lernia(Roma)

Speranza contro speranza _ Primo ossame – prima assoluta

teatro

1 h 10’

h 22:30 | Zona esterna
Ricardo Dias Gomes
live

Ingresso gratuito

LUNEDÌ 9 settembre

Teatro Argentina

h21

Alessandro Sciarroni (San Benedetto del Tronto)

Augusto
danza

1 h

La Pelanda

h 19:30 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace (Trento)

h21 | Zona Esterna

Marie Losier
Cassandro, the Exótico!– prima nazionale
Film
1h 13’

Ingresso gratuito; in inglese con sottotitoli in italiano

h22:30 | Zona Esterna
Lady Maru/Enrico Kybbe/ Bob Corsi
Rootsvibes dj set

Ingresso gratuito

MARTEDì 10 settembre

Carrozzerie n.o.t

h 18

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
Performance

1 h

Max40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com

in italiano con sottotitoli in inglese

h 19:15

Sotterraneo (Firenze)

TALK SHOW con Antonio Tagliarini
Performance – Talk

1 h

La Pelanda

h 19 | Teatro 2

Marta Cuscunà (Monfalcone)

Il canto della caduta
teatro
1 h

h 20 – 24 | Atelier

Guardo in alto
installazione

h 20 – 24 | Galleria
Kader Attia (Berlino – Algeri)

The Body’s Legacies, Part 2: The Postcolonial Body

installazione video

45’

in francese con sottotitoli in italiano e in inglese

h20:30 | Teatro 1

Sirna/Pol (Roma)

I giardini di Kensington. Il litigio, il rifugio, il trasloco
teatro

1 h

h 21:30 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)

SUN RA: space is the place film di John Coney
in inglese con sottotitoli in italiano

dalle h 23 talk e listening con Roberto Lycke
in italiano

h 21:45 | Studio 1

Jaha Koo (Amsterdam – Ghent)

Cuckoo
Performance

1 h

in inglese e coreano con sovratitoli in italiano e in inglese

Altri spazi

Progetti in Residenza
Sara Leghissa / Strasse + Carlo Fusani (Milano)

TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE
site-specific public lecture

MERCOLEDì 11 settembre

 Teatro India

h 21 | Sala b

École des maitres/ Angélica Liddell(Udine – Roma – Lisbona – Coimbra – Bruxelles – Caen)

Storia della Follia nell’Età Classica di Michel Foucault. Il Nervo del Rospo
Dimostrazione finale

Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com

in italiano, francese, spagnolo e portoghese

Carrozzerie n.o.t

h 18

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
Performance

1 h
Max40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com
in italiano con sottotitoli in inglese

La Pelanda

h 18 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)
Il teaser video premio tuttoteatro.com

talk + video

1h

h 19:30 | Teatro 2

Sotterraneo(Firenze)

TALK SHOW con Timpano / Frosini
performance / talk

1 h

h 20 – 24 | Galleria
Kader Attia (Berlino– Algeri)

The Body’s Legacies, Part 2: The Postcolonial Body

installazione video

45’

in francese con sottotitoli in italiano e in inglese

h 20:45 | Studio 1

Jaha Koo(Amsterdam – Ghent)

Cuckoo
performance

1 h

In inglese e coreano con sovratitoli in italiano e in inglese

h 22 | Studio 2

Samira Elagoz(Helsinki – Amsterdam)

Cock, Cock… Who’sThere?

performance

1 h

in inglese con sovratitoli in italiano; sconsigliato ai minori di 16 anni

h 22:30 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)

Caraoche fichissima acura di Sara Leghissa e Lucia Gallone

Altri spazi

Progetti in Residenza
Sara Leghissa / Strasse + Carlo Fusani (Milano)

TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE
site-specific public lecture

GIOVEDì 12 settembre

Carrozzerie n.o.t

h 18

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
Performance

1 h
Max40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com
in italiano con sottotitoli in inglese

La Pelanda

h 18 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)
SIR -Sharing in Roma con Anna Basti e Chiara Caimmi

h 19 | Galleria

Motus (Santarcangelo di Romagna)

Chroma Keys
performance
25’

h 19:45 | Studio 2

Samira Elagoz (Helsinki – Amsterdam)

Cock, Cock… Who’s There?

performance

1 h

in inglese con sovratitoli in italiano; sconsigliato ai minori di 16 anni

h 20 e h 22 | Atelier

Lancelot Hamelin / The Light House Project(Parigi)

Italian dreams-People of Tor Sapienza –prima nazionale

performance
35’

In italiano.Max30 spettatori

h 21:15 | Teatro 1

Anne Lise Le Gac&Arthur Chambry (Marsiglia)

DUCTUS MIDI
performance
1 h 10’

in francese con sovratitoli in italiano

h 22:30 | Teatro 2

Sotterraneo (Firenze)

TALK SHOW con Fabrizio Arcuri
performance / talk

1 h

h 23 |Zona Esterna

Shawala (Roma)

con Techno Thriller, Cazzurillo, Steve Pepe + Lucia Guarino e Krishna Sutedja

dj-set / live

Altri spazi

Progetti in Residenza
Sara Leghissa / Strasse + Carlo Fusani (Milano)

TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE
site-specific public lecture

VENERDì 13 settembre

Carrozzerie n.o.t

h 18

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
performance

1 h
Max40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com
in italiano con sottotitoli in inglese

La Pelanda

h 18 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)
Bodymetrics– La misura dei corpi

con Liana Borghi, Federica Giardini, Beatrice Busi, Alessandra Masala, Giulia Crispiani, Ilenia Caleo e Isabella Pinto

1 h

h 19 | Teatro 2

Encyclopédie de la Parole(Parigi)

JUKEBOX_Roma- prima nazionale

teatro

45’

In italiano

h 19:30 e h 21:30 | Atelier

Lancelot Hamelin / The Light House Project(Parigi)

Italian dreams- People of Tor Sapienza – prima nazionale

performance
35’

In italiano. Max 30 spettatori

h 20:15 | Teatro 1

Anne Lise Le Gac&ArthurChambry (Marsiglia)

DUCTUS MIDI
performance
1 h 10’

in francese con sovratitoli in italiano

h 21:45 | Studio 1

Barokthegreat (Verona)

Ghost – Lucifer wants to sell
danza

55’

h 23 | Galleria

Motus (Santarcangelo di Romagna)

Chroma Keys
performance

25’

h 23:30 | Zona Esterna

Kiddy Smile (Parigi)
dj-set

Altri spazi

Progetti in Residenza
Sara Leghissa / Strasse + Carlo Fusani (Milano)

TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE
site-specific public lecture

SABATO 14 settembre

Carrozzerie n.o.t

h 16 + h 18

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
performance

1 h
Max 40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com
in italiano con sottotitoli in inglese

La Pelanda ´

h 18 – 3:30 | Zona Esterna

Tropicantesimo (Roma)
ambiente sonoro

h18 | Studio 1
DOM- + BoatoDanesin (Roma)
L’uomo che cammina

film
1 h + talk

Ingresso gratuito

h 19 | Studio 2

Claudia Castellucci(Cesena)

All’inizio della città di Roma
danza
50’

h 19:45 | Zona Esterna

OHT_Little Fun Palace(Trento)
VIVA DONNA HARAWAY a cura di NERO

presentazione dell’edizione italiana di Staying With the Trouble di Donna Haraway edito da NOT
1 h

+ proiezione di Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival di Fabrizio Terranova

in inglese con sottotitoli in italiano

1 h 30’

h 20:30 | Teatro 2

Encyclopédie de la Parole (Parigi)

JUKEBOX_Roma – prima nazionale

teatro

45’

In italiano

h 21:30 | Teatro 1

Panzetti/ Ticconi (Torino – Berlino)

Harleking
danza

40’

h 22:30 | Galleria

Motus (Santarcangelo di Romagna)

Chroma Keys
performance

25’

Altri spazi

Progetti in Residenza
Sara Leghissa / Strasse + Carlo Fusani (Milano)

TONIGHT NOT POETRY WILL SERVE
site-specific public lecture

DOMENICA 15 settembre

Carrozzerien.o.t

h 18 + h 20

Deflorian / Tagliarini (Roma)

Scavi
performance

1 h
Max 40 spettatori. Prenotazione obbligatoria a shorttheatrefestival@gmail.com
in italiano con sottotitoli in inglese

È stata presentata oggi la nuova stagione 2019/2020

del Teatro dell’Opera di Roma

alla presenza della sindaca Virginia Raggi,

presidente della Fondazione

COMUNICATO STAMPA

19 giugno 2019

 

 

“Roma vuole far dialogare il proprio territorio con l’opera lirica e la danza, riconoscendo al teatro quel valore educativo e quello stimolo intellettuale che si manifestano e trovano la loro più completa espressione nella potenza della musica, nella purezza della voce, nella creatività della coreografia” ha dichiarato la sindaca di Roma e presidente della Fondazione Teatro dell’Opera di Roma, Virginia Raggi aprendo la conferenza stampa.

“La nostra Capitale è impegnata da tempo nella salvaguardia dell’importante patrimonio teatrale che caratterizza e distingue il nostro Paese nel mondo e vuole continuare ad essere il mezzo grazie al quale le nuove generazioni potranno entrare in contatto con la ricchezza delle produzioni italiane, valorizzando i molteplici linguaggi dell’arte che nello spazio del teatro prendono vita” ha proseguito la sindaca.

“È all’interno del teatro – culla di storie sorprendenti e uniche – che la varietà delle nostre tradizioni può rimanere viva; dove, grazie alla fantasia e al genio di alcuni, è possibile scoprire modi sempre nuovi e intelligenti per fare e consumare cultura; e dove voci, suoni e movimenti da sempre raccontano – e continueranno a raccontare – emozioni e sentimenti senza età” ha concluso.

“Il cammino intrapreso dal Teatro dell’Opera di Roma qualche anno fa – ha dichiarato il sovrintendente del Teatro dell’Opera di Roma Carlo Fuortes nell’illustrare la nuova stagione – oggi allunga il passo e lo sguardo. Il programma che vi presentiamo è un percorso dove s’intrecciano più direzioni e più obiettivi. Verso l’eccellenza musicale, verso gli spettatori, verso la ricerca e la sorpresa, verso la rilettura di grandi classici del repertorio lirico e di balletto, guardando altrove”.

“Da questa stagione – ha proseguito il sovrintendente – il nostro direttore musicale, Daniele Gatti, acclamato nel mondo, sarà al Costanzi per dirigere tre opere e per offrire la sua visione su capolavori che attraversano i secoli. Artisti di tutti i Paesi hanno accettato di essere i protagonisti nel nostro Teatro per condividere la loro idea contemporanea sul mondo lirico. Una programmazione pensata per il nostro pubblico che negli ultimi anni ci ha seguito con sempre maggior entusiasmo, facendoci raggiungere risultati insperati e per valorizzare appieno le straordinarie professionalità di tutte le persone che lavorano qui. Un viaggio tra tredici titoli d’opera e sei di balletto, tra il Costanzi e le Terme di Caracalla, che cerca di rappresentare il meglio del teatro musicale d’oggi.”

Sono poi intervenuti Onofrio Cutaia direttore generale per lo spettacolo dal vivo del Mibact, Albino Ruberti, Capo di Gabinetto del presidente della Regione Lazio e i rappresentanti dei due soci privati della Fondazione, la presidente di Acea, Michaela Castelli, e il presidente della Camera di Commercio di Roma, Lorenzo Tagliavanti.

“Il teatro deve vivere al tempo stesso di tradizione e di tradimento – ha dichiarato Onofrio Cutaia, direttore generale per lo spettacolo dal vivo del Mibact – anche se questo può sembrare in contrasto. Tradizione perché il Teatro dell’Opera di Roma ha un ricco patrimonio di conoscenza e di qualità interpretativa, legata alla lirica italiana, che va assolutamente custodito. Ma al tempo stesso questa tradizione va “tradita”, cioè mutata, e resa più vicina alla contemporaneità. La presenza del maestro Gatti è una garanzia di questo sapere interpretare l’opera e restituirla oggi all’attualità, perché il teatro sia sempre qualcosa di vivo”.

“La stagione 2019-20 del Teatro dell’Opera di Roma – ha dichiarato Albino Ruberti, Capo di Gabinetto del presidente della Regione Lazio – conferma un percorso votato all’eccellenza e al coinvolgimento di artisti acclamati a livello internazionale. Allo stesso tempo, il programma messo in campo conferma una grande apertura verso nuovi pubblici e, soprattutto, verso i giovani. Coinvolgere le nuove generazioni nella vita culturale della città e del territorio è anche uno degli obiettivi fondamentali delle operazioni portate avanti dalla Regione Lazio e per questo motivo abbiamo deciso di inserire tra le promozioni della LAZIO YOUth CARD alcuni spettacoli programmati dal Teatro dell’Opera di Roma alle Terme di Caracalla: attraverso la card regionale 4000 ragazzi under 30 potranno assistere gratis a 22 spettacoli tra cui: Tosca, Aida, La traviata, Un Romano a Marte e i balletti di Tokyo Ballet e Romeo e Giulietta. Una sperimentazione che ci auguriamo di poter confermare anche per la prossima stagione operistica”.

“L’ingresso nella Fondazione del Teatro dell’Opera – ha dichiarato la presidente di Acea, Michaela Castelli – ha segnato un momento importante per l’Azienda nell’azione che da sempre svolge a sostegno della cultura nei territori nei quali opera. È un onore per noi poter supportare questa stagione operistica e promuovere la musica lirica e la danza classica al fianco del Teatro dell’Opera, che rappresenta un’istituzione fortemente radicata nel territorio della Capitale, allo stesso tempo orientata a una vocazione di respiro internazionale”.

“La Camera di Commercio di Roma è fortemente convinta della rilevanza strategica della cultura quale fondamentale leva di sviluppo economico e sociale. Per questo – ha spiegato il presidente della Camera di commercio di Roma Lorenzo Tagliavanti – abbiamo deciso di incrementare per il 2019 il nostro contributo alla Fondazione, della quale siamo soci dal 2005, nella certezza che il Teatro dell’Opera di Roma continui a garantire una produzione di eccellenza, confermandosi una infrastruttura strategica per accrescere e diversificare l’offerta culturale della Capitale”.

 

La stagione operistica

Martedì 10 dicembre (repliche fino al 22) il maestro Daniele Gatti inaugura con Les vêpres siciliennes la stagione lirica del Teatro dell’Opera di Roma, ma anche il suo nuovo ruolo di direttore musicale del nostro Teatro. Un momento importante per l’orchestra e il coro, col suo maestro Roberto Gabbiani, che vedono sottolineata, con la presenza costante di un direttore di caratura internazionale, la qualità del loro impegno artistico già ampiamente riconosciuta negli anni scorsi. L’incarico del maestro Gatti non si limiterà alle quattro esecuzioni previste: la sua sarà una presenza costante, attenta, e dunque significativa per tutta la Fondazione, ma anche una garanzia nei confronti dei colleghi, italiani e stranieri, che saliranno quest’anno sul podio del Costanzi. Il calendario della stagione 2019-20 mostra come molti nomi di prestigio arrivino per il loro primo impegno a dirigere la nostra orchestra: Myung-whun Chung, Bertrand De Billy, David Robertson. Accanto a loro le presenze attese dal pubblico di Roberto Abbado, James Conlon, Alejo Pérez e, nelle riprese di due evergreen del nostro cartellone, Piergiorgio Morandi e Paolo Arrivabeni. Nelle passate stagioni abbiamo visto come l’opera lirica riconquisti e mantenga la sua attualità (e il suo appeal verso il pubblico più curioso e quello giovanile in particolare) grazie al fatto di essere innanzitutto un grande spettacolo. Consolidiamo le scelte di questi anni e rinnoviamo la nostra fiducia a grandi registi perché rileggano il passato rendendolo attuale. Tornano quindi Valentina Carrasco, Robert Carsen, Denis Krief, Damiano Michieletto, Emilio Sagi, Graham Vick e per la ripresa di Tosca Alessandro Talevi. Per la prima volta arriva al Teatro dell’Opera Richard Jones, acclamato regista lirico e operistico britannico ed è in assoluto la prima volta che uno dei maggiori artisti contemporanei, il cinese Ai Weiwei, accetta la sfida di una regia lirica con un titolo per vari motivi a lui congeniale. Troppo lungo sarebbe poi elencare qui le voci dei molti cantanti che esordiranno al Costanzi o che, accolti dall’affetto del nostro pubblico, vi faranno ritorno.

La stagione lirica del Teatro dell’Opera di Roma sarà dunque aperta da Les vêpres siciliennes, un’opera che manca dal nostro teatro dal gennaio 1997, quando fu per la prima volta eseguita al Costanzi nella lingua originale (le precedenti tre versioni, 1940, 1956 e 1964 furono eseguite in italiano). Questa è l’opera con cui Verdi esordì nel giugno 1855 a Parigi, la piazza teatrale più importante per un compositore dell’epoca; la prima italiana avvenne a Parma nel dicembre dello stesso anno, dopo svariati interventi della censura, che spostarono anche l’azione da Palermo al Portogallo. Direttore de Les vêpres siciliennes sarà, come si è detto, Daniele Gatti, mentre la regia del nuovo allestimento è affidata a Valentina Carrasco, già apprezzata dal nostro pubblico per una sua Carmen a Caracalla (2017). La scenografia sarà opera del francese Richard Peduzzi, celebre, tra gli altri lavori, per il Ringrealizzato da Boulez/Chéreau a Bayreuth nel 1976. Il maestro Peduzzi debutta in questa occasione a Roma, dove ha in passato diretto l’Accademia di Francia fra il 2002 e il 2008. Le luci saranno di Peter van Praet e i costumi di Luis Carvalho. Le coreografie del balletto “Le quattro stagioni”, parte integrante del secondo atto di questo grand-opéra, saranno di Massimiliano Volpini. Tra i principali interpreti Roberto Frontali nel ruolo di Guy de Montfort, Dario Russo in quello de Le sire de Béthune; Hélène sarà cantata da Roberta Mantegna che, nata nel nostro progetto “Fabbrica”, ha già intrapreso una brillantissima carriera internazionale. Sono talenti della seconda edizione di questo stesso progetto Andrii Ganchuk, che interpreta Le comte de Vaudemont, e Irida Dragoti, Ninetta. Con loro ci saranno John Osborn (Henri), Michele Pertusi e Alessio Cacciamani (Jean Procida), Francesco Pittari (Danieli), Saverio Fiore (Thibault) e Alessio Verna (Robert).

Prima opera del 2020 (dal 23 gennaio al 6 febbraio) I Capuleti e i Montecchi di Vincenzo Bellini sarà il secondo titolo diretto dal maestro Daniele Gatti in un nuovo allestimentocon regia, scene, costumi e luci di Denis Krief. I ruoli dei due protagonisti saranno interpretati da Anna Goryachova e Vasilisa Berzhanskaya (Romeo, en travesti), Mariangela Sicilia e Benedetta Torre (Giulietta). Con loro sul palcoscenico Iván Ayón Rivas e Giulio Pelligra (Tebaldo), Nicola Ulivieri (Lorenzo) e Alessio Cacciamani(Capellio). Un’opera molto attesa dagli appassionati del belcanto per la appassionata versione che Bellini, nel 1830, seppe dare della tragedia di Shakespeare, e anche perché questo capolavoro manca dal Costanzi dal 2004, quando venne diretto da Nello Santi. Sporadiche comunque le apparizioni precedenti sul palcoscenico romano: la prima è datata 1967, diretta da un giovanissimo Claudio Abbado con la regia di Mario Missiroli, allestimento poi ripreso nel ’79 con Argeo Quadri sul podio.

Sarà in scena a febbraio (dal 18 al 29) anche l’Evgenij Onegin di Čaikovskij diretto da James Conlon. Un’ “opera di formazione”, tratta dal romanzo in versi di Puškin, che vede la giovanissima protagonista “innamorarsi dell’idea dell’amore” e invaghirsi della persona sbagliata, per raggiungere solo in seguito la sua maturità sentimentale. Lo spettacolo (in lingua originale) avrà la regia di Robert Carsen, che nella sua brillantissima carriera ha debuttato solo la scorsa stagione a Roma con una poetica lettura dell’Orfeo ed Euridice e tornerà nel prossimo ottobre con l’Idomeneo mozartiano. Scene e costumi saranno di Michael Levine e le luci di Jean Kalman. Nel ruolo del titolo Markus Werba. Maria Baiankina (Tat’jana) debutta all’Opera di Roma, così come Yulia Matochkina (Ol’ga). Negli altri ruoli maschili Saimir Pirgu (Lenskij), John Relyea (Gremin) e Andrea Giovannini(Triquet). Tornano su questo palcoscenico Anna Victorova (Filipp’evna), così come Irida Dragoti (Larina) e Andrii Ganchuk (Zareckij) del progetto “Fabbrica” YAP.

Quest’opera fu eseguita in italiano nelle sue prime tre rappresentazioni al Teatro Costanzi (1965, 1975 e 1981); nel 2001 la prima edizione in lingua originale, scelta che verrà adottata anche questa volta. L’allestimento è della Canadian Opera Company per una produzione creata per la Metropolitan Opera di NYC.

L’edizione della Turandot, in programma dal 25 marzo al 5 aprile, si annuncia come una lettura davvero nuova del capolavoro di Puccini così amato e tante volte rappresentato all’Opera di Roma.

Il nuovo allestimento sarà curato in ogni aspetto (regia, scene, costumi) da uno dei più grandi artisti contemporanei, Ai Weiwei, che per la prima volta si cimenta con una regia teatrale. Una scelta lontana dalla sua consueta ricerca artistica, ma che Ai Weiwei ha accettato anche perché, giovanissimo, era stato una comparsa nella Turandot di Zeffirelli al Metropolitan. Da quei giorni newyorchesi un lungo cammino di artista, e di oppositore del governo cinese, lo ha condotto ad essere una figura di assoluto spicco nel mondo artistico di oggi: proprio a New York lo scorso anno gli sono state affidate cinquanta sedi dove allestire una sua enorme personale. Leggere l’immaginario mondo cinese di Gozzi, e poi di Puccini, da parte di un artista cinese sarà motivo di straordinario interesse.

A dirigere Turandot sarà Alejo Pérez, che da poco ha ottenuto un grande successo con L’angelo di fuoco di Prokof’ev e che negli anni scorsi si era affermato ne Il naso di Šostakovič e nella Lulu di Berg: dunque uno specialista del Novecento storico in grado di sottolineare le molte novità della scrittura pucciniana.

Nel ruolo della principessa con Anna Pirozzi si alternerà Amber Wagner (al suo debutto romano), Calaf sarà Gregory Kunde (in alternanza con Arsen Soghomonyan, anche lui al debutto), Altoum Carlo Bosi, Timur Antonio di Matteo (in alternanza con Marco Spotti), Liù sarà interpretata da Francesca Dotto, di casa al Costanzi. Ci saranno Alessio Verna (Ping), Francesco Pittari (Pang), Pietro Picone (Pong) e, dal progetto “Fabbrica” YAP, Andrii Ganchuk (un mandarino).

Agli stessi anni della Turandot risale la Kát’a Kabanová, che Leoš Janáček terminò nel 1922. È la prima volta che questo capolavoro del musicista ceco è rappresentato a Roma: si potrà dunque ascoltare e vedere uno dei maggiori lavori teatrali del Novecento, in cui conflitti sociali di un mondo autoritario e drammi interiori della protagonista s’intersecano fino a condurre alla tragedia finale. L’opera sarà presentata in un nuovo allestimento in coproduzione con la Royal Opera House di Londra, uno spettacolo che ha vinto quest’anno l’Olivier Award. A dirigere l’opera (dal 19 al 28 aprile) sarà David Robertson, regia di Richard Jones e scene e costumi di Antony McDonald. Lucy Carter curerà le luci e Sarah Fahie le coreografie. Molti i debutti nel cast: Charles Workman (Boris Grigorijevič), Susan Bickley (Marfa Kabanová), Andrew Staples (Tichon Kabanov) e Amanda Majeskicome protagonista. Nel cast anche Stephen Richardson (Savël Prokofjevič Dikoj), Cristopher Lemmings (Váňa Kudrajaš), Emily Edmons (Varvara), Lukáš Zeman (Kuligin).

A maggio (dal 22 al 31) torna un’opera del giovane Verdi raramente presente nella storia del nostro Teatro e che abbiamo affidato alla regia di Damiano Michieletto. Trascurata per quasi un secolo, Luisa Miller (1849) ebbe infatti la sua prima romana nel 1938 e fu ripresa poi nel 1949 e di nuovo nel 1990. In quest’ultima data la diresse Roberto Abbado, che tornerà sul podio per questo lavoro tratto da Schiller, da tempo considerato centrale nell’evoluzione stilistica di Verdi. Lo spettacolo ha  le scene di Paolo Fantin, i costumi di Carla Teti e le luci di Hans-Rudolf Kunz, video designer Timo Schlüssel. Riccardo Zanellato sarà il conte di Walter, Piero Pretti Rodolfo, Daniela Barcellona Federica, Marco Spotti Wurm, Enkhbat Amartuvshin, giovane baritono mòngolo, debutta come Miller, Roberta Mantegnaritorna in stagione come Luisa. Si tratta di un allestimento in collaborazione con l’Opera di Zurigo.

Alla fine di maggio sarà in teatro, a capo per la prima volta della nostra orchestra, il maestro Myung-whun Chung: dirigerà la Messa da Requiem di Giuseppe Verdi, il massimo capolavoro non teatrale del compositore. Sotto la sua bacchetta canteranno il soprano Carmen Giannattasio, il mezzosoprano Daniela Barcellona, il tenore Saimir Pirgu e il basso Roberto Tagliavini. L’unica presenza, in un lontano passato, al Costanzi del maestro Chung risale al 1995, ospite con la Philharmonia Orchestra per un concerto sinfonico.

Dal 13 al 25 giugno sarà in programma la Carmen, diretta da Bertrand de Billy (al suo debutto all’Opera) con la regia di Emilio Sagi, le scene di Daniel Bianco, luci di Eduardo Bravo e coreografie di Nuria Castejón. Si tratterà però di un nuovo allestimento perché lo spettacolo (visto nel 2014) avrà costumi nuovi disegnati da Fendi: continua così la collaborazione del Teatro dell’Opera con le grandi firme della moda proseguita, dopo La traviata di Valentino, con Maria Grazia Chiuri per la maison Dior e ancora con Jean Paul Gaultier ciascuno per due spettacoli di balletto.

A interpretare i ruoli principali di questa Carmen tornano Veronica Simeoni e Pavel Černoch (insieme già ne La damnation de Faust). Nel ruolo della protagonista ci saranno anche Ksenia Dudnikova e Irene Roberts, in quello di Don José anche Migran Agadzhanyan. Escamillo sarà interpretato da Vitaliy Bilyy e, dal progetto “Fabbrica” YAP, Andrii Ganchuk. Maria Grazia Schiavo sarà Micaëla.

Due importanti titoli di Stravinskij, legati alla sua stagione neoclassica ed entrambi diretti da Daniele Gatti, chiuderanno la stagione nella seconda metà di ottobre. Un nuovo allestimento del Rake’s Progress (La carriera di un libertino) dal 18 al 29, uno dei grandi capolavori del Novecento rappresentato al Costanzi una sola volta nel maggio 1968, (ma allora in una produzione e con complessi dell’Opera di Amburgo). Questo, che vede invece protagoniste l’orchestra e tutte le forze del teatro, sarà invece un allestimento in tutto nuovo con il nostro direttore musicale e la regia di Graham Vick. Canteranno Juan Francisco Gatell nel ruolo di Tom Rakewell, Chen Reiss in quello di Anne Trulove, Markus Werba di Nick Shadow. Ci saranno Adriana Di Paola (Baba the Turk), Stephen Richardson (Father Trulove), Paul Nilon (Sellem) e Susan Bickley (Mother Goose).

A intercalarsi tra le date del Rake’s Progress ci sarà, il 23 e il 24 ottobre, l’oratorio stravinskiano Oedipus Rex affidato alla narrazione, in un ruolo centrale del lavoro di un grande attore italiano, Massimo Popolizio. Accanto a lui le voci di Brendan Gunnell nel ruolo del titolo, di Ekaterina Semenchuk in quello di Jocasta; Alex Esposito torna su questo palcoscenico e interpreterà Créon, Andrea Mastroni sarà Tirésias. Questa pagina è presente un’unica volta nella cronologia del teatro, diretta da Zoltan Pesko nel 1995 con la regia di Squarzina e le scene e i costumi di Manzù, questi ultimi diventati parte integrante dell’importante collezione di artisti che hanno collaborato con l’Opera di Roma.

Com’è ormai consuetudine, e per venire incontro alle attese del pubblico, due produzioni evergreen del Teatro dell’Opera di Roma incorniceranno l’inizio e la fine della stagione. In dicembre, con l’opera inaugurale, si alterneranno cinque recite di Tosca, nella versione 1900 della prima assoluta dell’opera, curata da Alessandro Talevi e diretta da Pier Giorgio Morandi. Le scene e i costumi di Adolf Hohenstein sono ricostruite sui bozzetti originali rispettivamente da Carlo Savi e Anna Biagiotti. Le luci sono di Vinicio Cheli. Lyudmila Monastyrska, che debutta all’Opera di Roma, si alternerà con Monica Zanettin nel ruolo del titolo. Giorgio Berrugi e Diego Cavazzin torneranno a interpretare Cavaradossi così come Claudio Sgura come Scarpia, Domenico Colaianni Sagrestano, Luciano Leoni Angelotti. Andrea Giovannini sarà Spoletta. Alla produzione partecipa la Scuola di Canto Corale dell’Opera di Roma. A novembre 2020 sarà in scena La traviata con la regia di Sofia Coppola, i costumi di Valentino, Maria Grazia Chiuri e Pierpaolo Piccioli, le scene di Nathan Crowley. Sul podio ci sarà Paolo Arrivabeni e nel ruolo della protagonista si alterneranno Zuzana Markova, Albina Shagimuratova e Claudia Pavone, in quello di Alfredo Germont Sergey Romanovsky, Iván Ayón Rivas e Alessandro Scotto di Luzio, in quello di Giorgio Germont Marco Caria e Simone Del Savio. Le coreografie interpretate dal Corpo di Ballo del Teatro dell’Opera di Roma sono di Stéphane Phavorin, Vinicio Chelifirma le luci, video a cura di Officine K.

 

La stagione di balletto

La nuova stagione di balletto 2019 – 20 del Teatro dell’Opera di Roma si sviluppa in continuità con gli ultimi anni e potenzia il lavoro di valorizzazione della cultura ballettistica tout court. La cura per i propri ballerini, le scelte di variegata qualità per la programmazione, l’attenzione per il proprio pubblico sono i punti focali del programma presentato.

I tersicorei sono il cuore del progetto. La Direzione con il suo staff lavora incessantemente per la crescita dei ballerini più giovani offrendo loro opportunità di rilievo internazionale per una crescita personale, tecnica e artistica. A tale lavoro si affianca quello di supporto degli artisti più maturi per accompagnarli verso l’ultima e delicata fase della loro carriera ballettistica. Tutto questo è possibile attraverso una programmazione attenta e bilanciata, tra grandi balletti del repertorio classico e titoli fondamentali di quello moderno e contemporaneo. Negli anni la scelta di titoli più moderni e di coreografi innovativi – come Jiří Kylián, William Forsythe, Angelin Preljocaj per citarne solo alcuni – conferma, anche in ambito ballettistico, che l’orientamento della Fondazione del Teatro dell’Opera di Roma di riscoprire il repertorio e di aprirsi a forme artistiche più attuali, sia una scelta di successo, gradita dal grande pubblico e dalla critica.

La nuova stagione di balletto si compone di 5 spettacoli: la ripresa de Il lago dei cigni di Benjamin Pech da Marius Petipa e Lev Ivanov; una serata celebrativa dedicata all’innovatore Jerome Robbins con tre camei Glass Pieces, In the Night, The Concert; la nuova creazione de Il Corsaro affidata a José Carlos Martínez; il trittico Suite en blanc/Serenade/Bolero opere di Lifar, Balanchine, Pastor; e un grande classico del repertorio moderno Notre-Dame de Paris del geniale Roland Petit.

La programmazione s’impreziosisce di guest internazionali che non si sostituiscono ai talenti del Teatro, ma che si alternano a essi. Gli ospiti che balleranno sul palcoscenico del Costanzi sono Amandine Albisson e Germain Louvet entrambi étoile dell’Opéra di Parigi, Anna Tsygankova principal dancer Dutch National Ballet, e Daniel Camargo étoile internazionale per la ripresa de Il lago dei cigni; Eleonora Abbagnato étoile dell’Opéra di Parigi con Zachary Catazaro étoile internazionale per In the Night; Olesja Novikovaprincipal dancer del Teatro Mariinskij di San Pietroburgo, Leonid Sarafanov, principal dancer presso il Teatro Michajlovskij di San Pietroburgo e Isaac Hernández lead dancer dell’English National Ballet per la nuova creazione de Il Corsaro; Friedemann Vogelprincipal dancer dello Stuttgart Ballet per Bolero insieme ad Eleonora Abbagnato, e Adamzhan Bakhtiyar principal dancer del Teatro dell’Opera di Astana per Notre-Dame de Paris.

I protagonisti assoluti di questa nuova stagione sono l’étoile Rebecca Bianchi, i primi ballerini Susanna Salvi, Claudio Cocino e Alessio Rezza, i solisti e il corpo di ballo diretti da Eleonora Abbagnato.

La nuova stagione di balletto 2019 – 20 del Teatro dell’Opera di Roma s’inaugura con la ripresa del balletto record d’incassi, Il lago dei cigni di Benjamin Pech già étoile dell’Opéra di Parigi, primo maître e assistente alla Direzione del Ballo del Teatro dell’Opera di Roma. Il lago dei cigni è in scena al Teatro Costanzi dal 31 dicembre 2019 all’8 gennaio 2020.

Il lago dei cigni è uno dei titoli più famosi e amati, una fiaba romantica percorsa dall’eterno conflitto tra Bene e Male che ancora oggi, con il suo intenso simbolismo, continua ad affascinare gli spettatori di tutto il mondo. Pech rimanendo in gran parte fedele al libretto immaginato da Marius Petipa, rielabora la drammaturgia e crea la sua versione. Il mago Von Rothbart, che nella storia originaria trasforma la principessa in cigno, non c’è. È Benno, l’insospettabile amico del Principe Siegfried, a ricoprire il ruolo del malvagio. Benno, geloso e avido di potere, manipola il Principe per tutto il balletto e solo alla fine del terzo atto rivela la sua vera natura e svela l’inganno. Il tradimento che si compie a opera di Benno nei confronti del Principe, e del Principe nei confronti di Odette pur senza volerlo, diventa il tema centrale di questa versione. La morte incombe metaforicamente sulla scena portando con sé Odette. Benno raggiunge il suo scopo, ma la purezza di cuore del principe, che tutto perdona, lo disarma. Il lavoro di Pech dialoga con un allestimento magico fatto di scene raffinate e preziosi decori dello scenografo Aldo Buti con le luci di Vinicio Cheli. L’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma è diretta dal maestro Nir Kabaretti e dal maestro Carlo Donadio.

Al geniale Jerome Robbins, il grande innovatore di tutti i tempi si consacra la Serata Robbins con un programma speciale composto da Glass pieces, In the Night e The Concert. La Serata Robbins è in scena al Teatro Costanzi dal 30 gennaio al 5 febbraio.

Glass pieces di Robbins debutta il 12 maggio 1983 al New York State Theater, con il New York City Ballet. Si tratta di un lavoro altamente formale, articolato in tre sezioni, dove Robbins sovrappone a un vocabolario tradizionale concetti provenienti dalla postmodern dance e costruisce schemi di movimento e ritmi visibili che traducono in architettura fisica le musiche di Philip Glass: Rubric e Façades (dall’album Glassworks), accanto a degli estratti dall’opera Akhnaten. Il risultato è un sofisticato linguaggio moderno che è allo stesso tempo ipnotico e carico di energia, quella di ben quarantadue ballerini in scena. Le scene sono dello stesso Robbins con Ronald Bates, i costumi di Ben Benson.

In the Night viene creato da Robbins nel 1970 per il New York City Ballet. Tre diverse coppie di innamorati sono le protagoniste di questo elegante e raffinato balletto: una prima coppia è formata da giovani, una seconda da lirici e un’ultima da passionali amanti che s’incontrano sotto il cielo stellato di mezzanotte. I tre Pas de deux esprimono coreograficamente i diversi temperamenti delle tre coppie sulle note di tre Notturni di Frédéric Chopin. La prima coppia invade il palcoscenico con una danza fluida di tenera espressività; la seconda interpreta un duetto molto raffinato ed elegante; l’ultima esegue una danza d’impetuoso contrappunto, qui affidato alla grinta di Eleonora Abbagnato. Lei oscilla tra il furore esplosivo e la supplica disperata, e con il partner anima una disputa e una riconciliazione. Questo affascinante affresco delle peripezie amorose si conclude con una danza d’insieme di tutte le coppie. I costumi sono di Anthony Dowell che nel 1973 danza in maniera memorabile In the Night al Royal Ballet.

Robbins crea The Concert, The Perils of Everybody per il New York City Ballet con il quale debutta il 6 marzo 1956 al City Center of Music and Drama di New York. Il balletto – particolarmente brillante, in un atto – ritrae i comportamenti di un pubblico che ascolta un concerto per pianoforte e affresca situazioni ricorrenti durante i concerti, innescando un crescendo di gag dalla forte componente umoristica. Il pianista suona Frédéric Chopin in scena: i suoi spettatori lo raggiungono, si portano una sedia e animano comicamente il concerto, esternando, con gesti e atteggiamenti, i comportamenti che li caratterizzano.  C’è il ragazzo attento che siede in prima fila, le due donne che scartano caramelle e disturbano il ragazzo parlando in continuazione, la donna bella e sinuosa che ascolta languidamente il concerto appoggiandosi al pianoforte, la donna vigorosa dal forte temperamento, il marito premuroso succube della moglie dispotica, il timido occhialuto, il ritardatario che disturba i presenti, la maschera che chiede i biglietti e fa spostare gli spettatori da un posto all’altro. Le scene sono di Saul Steinberg e Edward Gorey, i costumi di Irene Sharaff.

Le luci della Serata Robbins sono di Jennifer Tipton. L’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma è diretta dal maestro Carlo Donadio.

Il Corsaro di José Carlos Martínez è una nuova creazione coreografica sulla produzione del Teatro dell’Opera di Roma con allestimento di Francesco Zito e luci di Vinicio Cheli. Il Corsaro è in scena al Teatro Costanzi dal 1 all’8 marzo. Anteprima giovani 28 febbraio.

Il Corsaro dal momento della sua creazione è molto evoluto, ha conosciuto versioni differenti con spesso diverse aggiunte musicali. José Carlos Martínez per questa sua versione per il Teatro dell’Opera di Roma vuole tornare allo scenario originale facendone un balletto in due atti e alleggerendolo di tutte le aggiunte fatte nel tempo. L’idea non è quella di fare una ricostruzione storica, ma di tornare alle origini del Corsaro creando una nuova coreografia. L’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma è diretta dal maestro Alexei Baklan.

La formula del trittico, divenuta una consuetudine, si rinnova forte del successo ottenuto negli ultimi anni con tre capolavori Suite en blanc, Serenade e Bolero di tre grandi maestri George Balanchine, Serge Lifar e Krzysztof Pastor. Il Trittico Suite en blanc/Serenade/Bolero è in scena al Teatro Costanzi dal 6 al 10 maggio. Anteprima giovani il 5 maggio.

La serata si apre con la poesia di Suite en blanc balletto non narrativo in un atto creato da Lifar nel 1943 per la compagnia dell’Opéra di Parigi. Il coreografo afferma che nel comporre questo capolavoro si è concentrato esclusivamente sulla danza pura, indipendentemente da ogni altra considerazione, animato dalla volontà di creare delle belle visioni. Il risultato è una successione di frammenti coreografici autonomi, tuttavia accomunati tra loro dal medesimo stile neoclassico. Eleonora Abbagnato balla l’Adage di Suite en blanc.

Segue Serenade, primo balletto americano di Balanchine creato nel 1934 a partire da Serenata in do maggiore per orchestra d’archi dell’amato musicista Čajkovskij. Il balletto, una vera pietra miliare della storia della danza, senza trama si divide in quattro movimenti. Come Balanchine stesso disse nasce dal desiderio di “fare un balletto che non mostrasse quanto danzavano male” i suoi ballerini, ma come lui aggiunse in Serenade c’è la traccia di un uomo che incontra una donna, se ne prende cura, e di un destino che li allontana. La creazione nel tempo ha subito varie modifiche, ma la struttura generale è rimasta quella originale. I costumi sono di Barbara Karinska.

Conclude la serata il Bolero di Pastor creato nel 2012. Il Bolero occupa un posto speciale nella storia della musica e della danza. La prima produzione ballettistica di Bolero è di Bronislava Nijinska insieme a Ida Rubinstein che nel 1928 la presentano al pubblico parigino, ma quella che ha segnato la storia e che ancora oggi si pone come un’icona dell’arte del balletto è la leggendaria versione di Maurice Béjart. Pastor, consapevole del fatto che da sempre il Bolero è stato concepito “in cerchio” generalmente con un tavolo rotondo al centro del palcoscenico con un solista, donna o uomo, che danza su di esso e gli altri ballerini tutti intorno, e a conoscenza del desiderio di Ravel di rappresentarlo in uno spazio aperto con un’industria sullo sfondo, decide di usare un ampio spazio rettangolare. Da qui sviluppa la sua idea e affida l’esecuzione del suo Bolero a un uomo e a una donna, una coppia principale con un corpo di ballo che li ingloba e li rilascia. Interprete d’eccezione di questo Bolero è Eleonora Abbagnato. Le scene e i costumi sono di Tatyana Van Walsum, le luci di Bert Dalhuysen. L’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma è diretta dal maestro Façal Karoui.

La stagione di balletto 2019 – 20 si conclude con un capolavoro dal titolo evocativo e tristemente attuale Notre-Dame de Paris del coreografo francese Roland Petit, qui ripreso da Luigi Bonino Direttore Artistico del Repertorio Roland Petit. Notre-Dame de Paris è in scena dal 24 settembre al 1 ottobre. Anteprima giovani 23 settembre.

Mentre Roland Petit – affascinato dalle vicende del Medioevo, epoca caratterizzata da una visione mistica del mondo, e spinto dal desiderio di modernizzarlo – pensa di realizzare un balletto a partire da Il monaco di Lewis, si ritrova a leggere il capolavoro di Victor Hugo, Notre-Dame de Paris e a riscrivere, seguendo la trama di Hugo, il libretto per l’omonimo balletto che nel 1965 debutta sul palcoscenico del Palais Garnier, Opéra di Parigi. Notre-Dame de Paris di Roland Petit è un balletto d’azione in due atti ambientato nella Parigi del 1482 e come sempre è una creazione totale, uno spettacolo unico e originale fatto di danza, partiture musicali, scene e costumi che dialogano vivamente tra di loro aggiungendo qualcosa in più al tema originale. Si tratta di una collaborazione d’eccezione che riunisce artisti di grande personalità come lo stilista Yves Saint-Laurent, lo scenografo René Allio e il compositore Maurice Jarre.

Il corpo di ballo è qui il popolo francese, un vero coprotagonista, un collante e un elemento di supporto per i personaggi principali. Esmeralda, Quasimodo, l’arcidiacono Frollo e il capitano Phoebus emergono, da questo corpus narrativo e coreografico dal forte impatto visivo ed emotivo, con potenza. Le loro intrigate vicissitudini danno vita a un vero dramma delle passioni dal quale svetta il protagonista assoluto, Quasimodo. Petit fa nascere questo personaggio dentro di sé e lo interpreta alla prima rappresentazione. Con Petit, Quasimodo perde la gobba e non è un mostro, ma un ragazzo complessato a causa delle conseguenze di un brutto incidente. In lui, come in Esmeralda considerata come una strega perché allevata dagli zingari, Petit vede delle persone rifiutate dalla società perché diverse: questo è il punto di partenza del suo balletto e della sua geniale opera di modernizzazione. Quasimodo è destinato alla rigenerazione ed è lui nell’ultima scena a portare la morta Esmeralda in un altrove dove anche i rifiutati trovano il riposo eterno. L’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma è diretta dal maestro Louis Lohraseb.

 

La stagione estiva alle Terme di Caracalla

Per la prossima stagione di Caracalla, oltre a numerosi Extra che saranno annunciati volta per volta nel corso dei prossimi mesi, ecco già da ora i titoli dei quattro spettacoli in programma. Torneranno l’Aida verdiana, diretta da Jordi Bernàcer con la regia di Denis Krief, che andrà in scena tra pochi giorni (a partire da giovedì 4 luglio) e Il barbiere di Siviglia con la regia (2016) di Lorenzo Mariani e diretto da Stefano Montanari. Lo stesso direttore sarà sul podio anche per La vedova allegra di Franz Lehár allestita nel febbraio scorso con molto successo al Costanzi da Damiano Michieletto, e che sarà modificata dallo stesso regista per gli spazi più ampi di Caracalla. In scena ci sarà anche presentato un nuovo balletto, una serata Gershwin diretta da Gareth Valentine con le coreografie di Derek Deane, intitolata Strictly Gershwin.

 

Oltre l’Opera

Ritornerà anche l’anno prossimo il progetto OperaCamion, con nuovi titoli che gireranno per le piazze di Roma e del Lazio sul camion, ormai famoso, appositamente attrezzato per contenere le scene e i cantanti. Si tratterà come sempre della scelta, essenziale ma di grande qualità, di uno spettacolo d’opera che raggiungerà gratuitamente un grandissimo numero di spettatori. Due i titoli previsti: Tosca, l’opera romana per eccellenza e L’opera da tre soldi di Brecht e Weill con la regia di Fabio Cherstich. La parte strumentale sarà curata ancora una volta dalla nostra Youth Orchestra, la realtà giovanile istituita dal Dipartimento Didattica e Formazione del Teatro dell’Opera di Roma e formata da oltre cento musicisti, con già al suo attivo un ricco curriculum di attività.

 

Lezioni di Opera

Proseguiranno le “Lezioni di Opera” tenute da Giovanni Bietti che, oltre a un pubblico fisso di appassionati, raccolgono sempre nuovi ascoltatori di ogni età che vogliono apprezzare meglio le particolarità del linguaggio musicale. Saranno guidati con una terminologia semplice e accessibile, e non per questo superficiale, che permette di ricostruire ogni volta gli elementi specifici di ogni produzione operistica.

 

“Fabbrica” Young Artist Program

Continuerà nella stagione 2018-19 anche l’attività di “Fabbrica” Young Artist Program che ha permesso agli artisti prescelti di collaborare già a molte produzioni del Teatro e di vivere “dall’interno” il modo in cui si mette in scena un melodramma. I giovani talenti inseriti nel progetto hanno modo di perfezionarsi sotto la guida dei vari artisti che realizzano gli spettacoli della stagione e anche di mettersi alla prova in lavori autonomi.

 

L’Opera per i giovani

Se in generale è stato rilevato nelle scorse stagioni un aumento del numero di spettatori, è stata di particolare soddisfazione la presenza nutrita di giovani (e anche giovanissimi!) nel nostro Teatro. A loro abbiamo dedicato due particolari iniziative che proseguiranno nella prossima stagione. Con lo slogan “Vietato ai maggiori di 26 anni”, alle prove generali potranno accedere coloro che non hanno ancora compiuto i 26 anni pagando solo 15 euro. Inoltre con l’iniziativa “Last minute” per alcune serate (a discrezione della Direzione) è prevista la riduzione del 25% sul prezzo dei biglietti in vendita, a partire da un’ora prima dell’inizio dello spettacolo.

Non mancherà neanche il prossimo anno l’attenzione per i giovanissimi: a loro è dedicata la Scuola di Canto Corale del Teatro dell’Opera. Anche questa un’iniziativa non secondaria del Teatro, rivolta alla formazione musicale che intendiamo proseguire.

La Scuola di Danza del Teatro dell’Opera di Roma e i suoi giovani talenti sono anch’essi al centro delle nostre attenzioni. Oltre ai consueti appuntamenti annuali con la Lezione Aperta e il Saggio Spettacolo di fine anno, gli allievi partecipano ad alcuni balletti in programma nella Stagione 2018-19. La Scuola per la sua finalità è da sempre impegnata, attraverso una mirata selezione, a preparare bambini, adolescenti e giovani che intendono avviarsi alla professione del danzatore, con ammissioni annue di bambini provenienti da ogni parte d’Italia e non solo.

 

Informazioni: operaroma.it

 

 

COMUNICATO STAMPA

 

21 Giugno | 15 Ottobre 2019

Silvano Toti Globe Theatre

Direzione artistica Gigi Proietti

 

Roma, 29 Maggio 2019. La magia del teatro shakespeariano sta per tornare a Villa Borghese: il 21 Giugno si accendono, per il sedicesimo anno consecutivo, le luci del Silvano Toti Globe Theatre, unico teatro elisabettiano d’Italia, nato nel 2003 grazie all’impegno dell’Amministrazione Capitolina e della Fondazione Silvano Toti per una geniale intuizione di Gigi Proietti.

Dallo scorso anno il Globe è parte del Sistema di Teatro Pubblico Plurale, coordinato dal Teatro di Roma e promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Crescita Culturale.

Sotto la direzione artistica di Proietti il teatro ha raccolto un successo sempre crescente arrivando ai circa 63.000 spettatori del 2018, nonostante l’inclemenza metereologica che ha fortemente penalizzato l’afflusso del pubblico per buona parte del mese di agosto.

A grande richiesta Gigi Proietti torna sul palco in veste di attore con il suo Edmund Kean acclamato da pubblico e critica.

La stagione 2019 presenta alcune novità strutturali. In un cammino parallelo alla stagione dedicata ai titoli del canone shakespeariano, alcuni testi originali nati come esperimenti, già portati in scena in passato, e nuovi spettacoli allestiti quest’anno si prestano a comporre un itinerario, le tappe del quale sono riflessioni e invenzioni su opere minori e su aspetti specifici della cultura elisabettiana. A partire da un solido tronco fornito da Shakespeare, ci piace coltivare nuovi rami aperti verso nuove scritture ispirate dalla poesia, dalle indagini critiche, dalla necessità di divulgare le caratteristiche di un teatro che ancora oggi ha un fascino e una validità per la sua peculiare capacità di comunicare.

Proprio al desiderio di approfondire lo studio e l’acquisizione di modi e tecniche legate a questo universo teatrale si connette l’altra novità che abbiamo elaborato nel corso degli ultimi mesi, grazie alla collaborazione con il Dipartimento di lingua e cultura inglese dell’Università di Roma Tre. Sono stati raccolti i materiali relativi a tutte le stagioni del Globe ed è in atto una catalogazione che nell’arco dei prossimi mesi renderà disponibile un archivio intitolato appunto al Silvano Toti Globe Theatre. Riprese video, fotografie, bozzetti, copioni, saranno testimonianza del lavoro portato avanti in questi anni e diverranno strumento per lo studio di questa scommessa divenuta realtà, così come accade con altre importanti strutture internazionali che si dedicano all’allestimento delle opere di Shakespeare.

Ad arricchire la proposta in una direzione formativa c’è l’introduzione, nella seconda parte della stagione, di una iniziativa che vede il Globe collaborare con l’Università ad un progetto di formazione del pubblico giovane e di partecipazione degli studenti delle scuole superiori  ad attività che verranno svolte all’interno del teatro, destinate a creare un ponte tra la scuola superiore, l’Università e il mondo del lavoro così come può avvenire in un contesto teatrale: in quanti possibili modi può essere declinato l’inglese di Shakespeare? Quali porte può aprire? A quali scoperte in termini di emozioni, comportamenti, relazioni sociali, comunicazione può condurre un gruppo di giovani? Questa ricerca, questo confronto con le parole e con il luogo in cui quelle parole possono diventare strumento di comunicazione animerà il nostro palcoscenico a partire dai primi di settembre e sarà per noi un’esperienza molto desiderata, che speriamo di ripetere e strutturare in forma più ampia nei prossimi anni.

 

Altre due iniziative di questa stagione:

 

• Al Globe con mamma e papà, le domeniche mattina per bambini in compagnia di Shakespeare.

Date da definire

“Le tre streghe di Macbeth” – L’educazione civica di un aspirante Re

 

Liberamente ispirato alla tragedia scozzese di William Shakespeare

Scritto e diretto da Gigi Palla, prodotto da Politeama s.r.l.

 

Macbeth ha un unico, grande desiderio: quello di diventare Re, per poter finalmente cingere il suo capo della meravigliosa corona appartenuta a Kenneth Mac Alpine, capostipite dei re scozzesi. Tre streghe, apparentemente sue complici di questo ambiziosissimo progetto, attraverso una serie di ridicole prove, falsi incantesimi e premonizioni “tarocche”, gli faranno capire quali sono le qualità che bisogna avere per poter guidare un regno ed essere un punto di riferimento per la propria comunità.

 

• Vieni al Globe con il tuo amico a quattro zampe

Il Globe Theatre aderisce ad un’interessante proposta di Bauadvisor, diventa Dog Friendly e offre una possibilità in più di vivere liberamente gli spettacoli anche ai proprietari di cani d’affezione, mettendo il suo servizio di Dog Walking unico e esclusivo” BauTheatre” che consente ai proprietari di godersi gli spettacoli affidando il proprio amico a quattro zampe  a un team di operatori cinofili specializzati. Per maggiori informazioni visitare il sito www.bauadvisor.it

 

Si ringrazia BANCO BPM che per il terzo anno consecutivo sostiene la rassegna teatrale come main sponsor.

 

21, 22, 23 Giugno ore 21.15 

SHAKESPEARE & CERVANTES in GHOST WRITER, con la regia Stefano Reali.

Lo spettacolo racconta di un incontro “virtuale” tra due di quei poeti, e cioè il grande romanziere Miguel de Cervantes e il poeta anglo-italiano John Florio, che tanti studiosi di tutto il mondo sostengono possa essere il ghost writer di tutte le opere teatrali di Shakespeare. Lo scontro tra Florio e Cervantes è su due modi opposti di vedere la professione dello Scrittore: è meglio mettere la propria faccia, esporsi e rischiare una vita breve, anche da un punto di vista letterario, oppure è meglio nascondersi dietro un prestanome, e garantirsi tranquillità, anche se con l’amarezza di non essere celebrati per il proprio talento?

 

26, 27, 28 Giugno ore 21.15

“LE OPERE COMPLETE DI WILLIAM SHAKESPEARE IN 90 MINUTI “di Long, Singer, Winfield interpretato e diretto dalla Bignami Shakespeare Company – Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo Degl’Innocenti. Una parodia di tutte le opere di William Shakespeare eseguita in forma comicamente abbreviata da tre attori, usando le più svariate tecniche interpretative. Veloce, spiritoso e fisico, è pieno di risate per gli amanti di Shakespeare. Una sfida teatrale ai limiti dell’incredibile: come condensare l’opera omnia del Bardo, 37 opere, in 90 minuti? O raccontare l’Amleto in 43’’

 

Dal 2 al 14 Luglio ore 21.15 (escluso i lunedì)

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE, a firma di Riccardo Cavallo scomparso prematuramente.

 Una storia che continua ad emozionare e a far sognare raccontando il tempo breve della felicità con un sottile sottofondo di malinconia.

L’opera è stata scritta in occasione di un matrimonio e rappresenta, come una scatola cinese, un mondo stregato in cui dominano il capriccio e il dispotismo. Linguaggi diversi che si intrecciano: quello delle fate che alterna al verso sciolto, canzoni e filastrocche, e quello degli artigiani, in cui la prosa di ogni giorno è interrotta dalla goffa parodia del verso raffinato.

 

Dal 19 Luglio al 4 Agosto ore 21,15 (escluso i lunedì)

LA BISBETICA DOMATA, con la regia di Loredana Scaramella

Il racconto è ambientato in Italia alla fine degli Anni Trenta, alla soglia di un radicale cambiamento del rapporto uomo-donna. In una pensione-ristorante un uomo potente organizza una beffa ai danni di un ubriaco facendogli credere di essere un gran signore. Per farlo si serve della magia del teatro: è una compagnia di artisti di varietà basso che ai suoi ordini interpreta la commedia della lotta fra l’astuto Petruccio e la bisbetica Caterina, tra fuochi d’artificio verbali e musicali. Il gioco di equivoci e sotterfugi da farsa che la trama shakespeariana suggerisce prende i colori del varietà e le ombre del kabarett tedesco, in un clima in cui la finzione sembra toccare punte di verità profonda. Oltre che esilarante rappresentazione di una guerra tra i sessi, il testo si presenta così come occasione di riflessione sull’esperienza teatrale come specchio amplificante della vita, luogo di esplorazione dei suoi interrogativi nascosti, e si rivela metafora del rapporto fra l’artista e il potere, della reciproca fascinazione, della difficoltà di mantenere viva e libera la propria voce.

 

Dal 7 al 25 Agosto ore 21.00 (escluso i lunedì)

MOLTO RUMORE PER NULLA con la regia di Loredana Scaramella.

Un altro grande successo della programmazione del Globe che ha fatto ridere e ballare spettatori di tutte le età. “Molto rumore per nulla” è una favola illuminante sul potere della parola, una riflessione brillante e divertente su come una difficoltà possa trasformarsi in un’occasione di crescita personale e collettiva. Un gruppo di soldati al ritorno dalla guerra invade il palazzo, lo spazio delle donne. Benedetto e Beatrice, campioni dei rispettivi schieramenti, continuano ad affrontarsi a colpi di battute ironiche, sotto gli occhi divertiti di tutti. Ma il destino riserba loro una grande prova, prima che venga sancito con un doppio matrimonio il tempo della pace.

 

Dal 30 Agosto al 15 Settembre ore 20,45 – Domenica ore 18.00 (escluso i lunedì)

RICCARDO III con la regia di Marco Carniti

Porta in scena, con lo svolgersi della Storia e del Potere attraverso i secoli. La Storia che si compie grazie al prodotto geniale della bestialità umana, il Potere. L’eterno Potere che non muore mai e rinasce con mille facce. La missione di Riccardo è solo un piccolo tassello del gigantesco ingranaggio della Storia, un uomo straordinario mix di crudeltà amoralità egocentrismo sfrenato e, allo stesso tempo, purezza e straordinaria ironia.

 

16, 23, 30 Settembre ore 21.00  è la volta del ritorno, a grande richiesta, di Gigi Proietti in veste di attore con EDMUND KEAN di Raymond FitzSimons (adattamento e regia Gigi Proietti, regista assistente Loredana Scaramella). In scena un uomo solo nel suo camerino che beve, si trucca e si interroga sulle parole di Shakespeare, passando in rassegna una vita di battaglie e successi. È Edmund Kean, grande attore inglese dell’inizio dell’Ottocento, idolatrato dal pubblico e dalla critica che ne decretarono l’ascesa dal ruolo di Arlecchino ai grandi protagonisti shakespeariani e, poi, la rovinosa decadenza. Il copione è più che un testo chiuso: è un’occasione per entrare nel segreto del camerino in cui monologhi, battute, idee prendono e perdono forma, in un processo creativo da laboratorio che smonta e scruta le creazioni di Shakespeare.

 

Dal 20 Settembre al 6 Ottobre ore 20,45 – Domenica ore 18.00 (escluso i lunedì)

GIULIO CESARE con la regia di Daniele Salvo

La messa in scena di Salvo si avvale dell’ausilio di 30 maschere di lattice (realizzate da Michele Guaschino) che riproducono perfettamente le fattezze umane e di un gruppo di 16 attori e 12 figuranti che rivestono i 45 diversi ruoli del “Giulio Cesare”. I congiurati sono uomini svuotati, indecifrabili, simili a calchi in cera perché il potere ha tolto loro ogni parvenza di umanità, cancellando le loro passioni ed emozioni. I costumi fanno riferimento alla Roma classica ma senza ricorrere a nessuna contemporaneità e anche il disegno luci riproduce una Roma tetra, attraversata da temporali furiosi, lampi di luce improvvisa, deboli fiaccole e bracieri, simbolo del profondo buio interiore in cui sono calati tutti i personaggi del Giulio Cesare.

 

Dall’8 al 13 Ottobre ore 20.45 – Sabato e Domenica ore 18.00

ROMEO AND JULIET

Il nuovo appuntamento della Bedouin Shakespeare Company in lingua originale per l’ormai solito appuntamento di fine stagione con la regia di Chris Pickles.

 

Il cartellone 2019 sarà anche accompagnato da una serie di appuntamenti speciali che verranno rappresentati nei lunedì e nei pomeriggi della stagione.

 

I LUNEDI’ DEL GLOBE

 

8, 22, 29 Luglio – 2 Settembre ore 21.00

WILLIAM AND ELIZABETH 

ideazione e regia Melania Giglio

Elisabetta I regnò per quasi mezzo secolo facendo la differenza: ereditato un paese sull’orlo della guerra civile e di religione lo pacificò e fece della debole Inghilterra cattolica una potente nazione protestante. Questa madre del mondo moderno permise la nascita di una delle più straordinarie stagioni della cultura di ogni tempo: il teatro elisabettiano.  In una notte di mezza estate William Shakespeare sta provando al Globe con i suoi attori. Improvvisamente una visita imprevista e totalmente inaspettata viene a turbare il processo creativo del Bardo e della sua compagnia. Chi osa disturbare le prove del genio di Stratford? La visitatrice misteriosa altri non è che la Regina in persona. In un serratissimo ed affascinante duello verbale Shakespeare ed Elisabetta I ci faranno fare un viaggio vertiginoso che andrà a toccare il cuore stesso del Teatro ed il senso del suo esistere.  Il Teatro: da sempre “moribondo illustre”. Da sempre croce e delizia. Da sempre rifugio per le anime tormentate. Da sempre specchio del Mondo e dei suoi Potenti.

 

15 Luglio – 12 e 19 Agosto ore 21.00

LE OPERE COMPLETE DI SHAKESPEARE IN 90 MINUTI di Long, Singer, Winfield interpretato e diretto dalla Bignami Shakespeare Company- Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo Degl’Innocenti. Una parodia di tutte le opere di William Shakespeare eseguita in forma comicamente abbreviata da tre attori, usando le più svariate tecniche interpretative. Veloce, spiritoso e fisico, è pieno di risate per gli amanti di Shakespeare.

 

9 Settembre ore 21.00

WILLIAM’S STAR – SPETTACOLO-CONCERTO CORO CITTA’ DI ROMA di Mauro Angeloni regia Marco Carniti.

Concerto in forma di spettacolo che comprende una serie di brani musicali su testi di Shakespeare o ad essi ispirati, si svolge all’interno di una cornice teatrale i cui protagonisti sono Miranda e Ferdinando, personaggi presi in prestito da “La Tempesta”. Dallo stesso dramma provengono anche il direttore del coro (Prospero), il contralto solista (Ariel) e il pianista (Calibano). Il cast è completato dagli altri cantanti solisti, dal coro e, soprattutto, da William, autore-voce fuori campo che interviene in modo decisivo in alcune fasi della vicenda, guidando le sue creature – le stelle di William – verso il loro destino.

 

 

I POMERIGGI DEL GLOBE

 

5, 6, 7 Luglio – 31 Agosto – 13, 14, 27, 28 Settembre ore 18,30

1, 15, 29 Settembre ore 16,00

WILLIAM AND ELIZABETH ideazione e regia Melania Giglio

Elisabetta I regnò per quasi mezzo secolo facendo la differenza: ereditato un paese sull’orlo della guerra civile e di religione lo pacificò e fece della debole Inghilterra cattolica una potente nazione protestante. Questa madre del mondo moderno permise la nascita di una delle più straordinarie stagioni della cultura di ogni tempo: il teatro elisabettiano.  In una notte di mezza estate William Shakespeare sta provando al Globe con i suoi attori. Improvvisamente una visita imprevista e totalmente inaspettata viene a turbare il processo creativo del Bardo e della sua compagnia. Chi osa disturbare le prove del genio di Stratford? La visitatrice misteriosa altri non è che la Regina in persona. In un serratissimo ed affascinante duello verbale Shakespeare ed Elisabetta I ci faranno fare un viaggio vertiginoso che andrà a toccare il cuore stesso del Teatro ed il senso del suo esistere.  Il Teatro: da sempre “moribondo illustre”. Da sempre croce e delizia. Da sempre rifugio per le anime tormentate. Da sempre specchio del Mondo e dei suoi Potenti.

 

12,13,14 Luglio – 2, 3, 4, 23, 24, 25 Agosto – 6, 7 Settembre – 4, 5 Ottobre ore 18.30

8 Settembre – 6 Ottobre ore 16,00

PLAYING SHAKESPEARE ideazione e regia Loredana Scaramella

Dalla musica del trio William Kemp e da alcuni attori del Globe, conduce gli spettatori alla scoperta del tempo di Shakespeare, con qualche sorpresa, gioco e molta leggerezza.

 

20, 21, 26, 27, 28 Luglio – 21, Settembre ore 18,30

22 Settembre ore 16,00

SONETTI D’AMORE ideazione e regia di Melania Giglio (traduzione di Alfonso Veneroso e Melania Giglio).

Un viaggio tra i più bei versi di William Shakespeare accompagnato da una ricca contaminazione musicale: da Marvin Gaye a Amy Winehouse, da Leonard Cohen ad Alanis Morissette.

 

 

APPUNTAMENTO SPECIALE: AL GLOBE CON MAMMA E PAPÀ

 

Date da definire, con inizio alle ore 11

La domenica mattina al Globe in famiglia in compagnia di Shakespeare

 

LE TRE STREGHE DI MACBETH

Liberamente ispirato alla tragedia scozzese di William Shakespeare.

Scritto e diretto da Gigi Palla – Produzione Politeama s.r.l.

 

Macbeth ha un unico, grande desiderio: quello di diventare Re, per poter finalmente cingere il suo capo della meravigliosa corona appartenuta a Kenneth Mac Alpine, capostipite dei re scozzesi. Tre streghe, apparentemente sue complici di questo ambiziosissimo progetto, attraverso una serie di ridicole prove, falsi incantesimi e premonizioni “tarocche”, gli faranno capire quali sono le qualità che bisogna avere per poter guidare un regno ed essere un punto di riferimento per la propria comunità.

 

PROGRAMMA

La stagione 2019 del Silvano Toti Globe Theatre

 

21, 22, 23 Giugno, ore 21,15

SHAKESPEARE & CERVANTES

in

GHOST WRITER

Scritto e diretto da Stefano Reali

 

26, 27, 28 Giugno, ore 21,15

  “LE OPERE COMPLETE DI SHAKESPEARE IN 90 MINUTI”

di Long, Singer, Winfield interpretato e diretto dalla Bignami Shakespeare Company Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo Degl’Innocenti.

 

Dal 2 al 14 Luglio, ore 21,15 (escluso i lunedì)

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE

Regia di Riccardo Cavallo

 traduzione Simonetta Traversetti

Dal 19 luglio al 4 Agosto, ore 21,15 (escluso i lunedì)

LA BISBETICA DOMATA

Regia di Loredana Scaramella

Traduzione e adattamento Loredana Scaramella

 

Dal 7 al 25 Agosto, ore 21,15 (escluso i lunedì)

MOLTO RUMORE PER NULLA

regia di Loredana Scaramella

traduzione e adattamento Loredana Scaramella e Mauro Santopietro

 

 

Dal 30 agosto al 15 Settembre, ore 20,45 – domenica ore 18,00 (escluso i lunedì)

RICCARDO III

Regia Marco Carniti

Traduzione e adattamento Marco Carniti

16, 23, 30 Settembre, ore 21,00

GIGI PROIETTI in

EDMUND KEAN

adattamento e regia Gigi Proietti, regista assistente Loredana Scaramella

Dal 20 Settembre al 6 Ottobre, ore 20,45 – domenica ore 18,00 (escluso i lunedì)

GIULIO CESARE

Regia Daniele Salvo

Traduzione Masolino D’Amico.

Dall’8 al 13 Ottobre ore 20,45 – sabato e domenica ore 18,00

ROMEO AND JULIET

Testo in lingua originale

Regia di Chris Pickles

In coproduzione con The Bedouin Shakespeare Company

 

 

Appuntamenti speciali

I lunedì del Globe

8, 22, 29 Luglio – 2 Settembre ore 21,00

WILLIAM AND ELISABETH

Regia Melania Giglio

 

15 Luglio – 12, 19 Agosto ore 21,00

“LE OPERE COMPLETE DI SHAKESPEARE IN 90 MINUTI

interpretato e diretto dalla Bignami Shakespeare Company- Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo Degl’Innocenti.

 

9 Settembre ore 21,00

“WILLIAM’S STAR“

SPETTACOLO-CONCERTO CORO CITTA’ DI ROMA

Testo di Mauro Angeloni

Regia Marco Carniti

 

 

Appuntamenti speciali

I pomeriggi  del Globe

5,6,7 Luglio – 31 Agosto – 13,14,27,28 Settembre ore 18,30

1,15, 29 Settembre ore 16,00

WILLIAM AND ELIZABETH

Ideazione e Regia Melania Giglio

 

 

12,13,14 Luglio – 2, 3, 4, 23, 24, 25 Agosto – 6, 7 Settembre – 4, 5 Ottobre ore 18,30

8 Settembre – 6 Ottobre ore 16,00

PLAYING SHAKESPEARE

Ideazione e Regia Loredana Scaramella

20, 21, 26, 27, 28 Luglio – 21, Settembre ore 18,30

22 Settembre ore 16,00

SONETTI D’AMORE

Ideazione e Regia Melania Giglio 

(traduzione Alfonso Veneroso e Melania Giglio)

 

Date da definire, ore 11,00

 

Appuntamento speciale: al Globe con mamma e papà

 

Le domeniche mattina per bambini in compagnia di Shakespeare

 

“Le tre streghe di Macbeth”

Liberamente ispirato alla tragedia scozzese di William Shakespeare.

Scritto e diretto da Gigi Palla – Produzione Politeama s.r.l.

 

 

Ufficio Stampa Silvano Toti Globe Theatre Cinzia D’Angelo, cell 3355226780  cinziadangelo1@gmail.com

Ufficio Stampa Teatro di Roma Amelia Realino – tel 06 684000308/3454465117 ufficiostampa@teatrodiroma.net

 

 

 

Il Silvano Toti Globe Theatre

 

La bellezza e il fascino di Roma risiedono non solo nel suo storico patrimonio artistico ma anche nelle opere contemporanee che ne confermano e rinnovano l’immagine di capitale della cultura mondiale. L’inaugurazione del Silvano Toti Globe Theatre è avvenuta in un momento particolarmente significativo per Roma che ha festeggiato nel 2003, con questo teatro elisabettiano, i cento anni di Villa Borghese gemellandosi virtualmente con la città di Londra, sede del famoso Globe Theatre. La realizzazione del Silvano Toti Globe Theatre è stata resa possibile grazie alla Fondazione Silvano Toti, associazione creata dalla famiglia Toti per onorare la memoria di Silvano Toti, mecenate ed imprenditore. In questo modo la Fondazione intende offrire il proprio contributo alla crescita culturale della città in cui la famiglia Toti è nata, anche imprenditorialmente, ed alla quale si sente legata e riconoscente.

Il rispetto dell’ambiente e delle zone ad alto valore storico è stato il principio guida nella progettazione e nella realizzazione del teatro, costruito con legno proveniente da foreste gestite e riforestate e inserito perfettamente nel contesto ambientale e culturale di Villa Borghese.

Il Silvano Toti Globe Theatre, dove vengono proposte le tragedie e le commedie elisabettiane, è uno spazio che, grazie alle particolari caratteristiche architettoniche ed all’essenzialità delle scene, permette un rapporto catartico con le opere del teatro rinascimentale inglese, nella suggestiva cornice di Villa Borghese.

Il Teatro Silvano Toti non deve essere considerato una imitazione del Globe di Londra, del quale per altro non esiste copia del progetto originario, ma un luogo nuovo, tutto italiano, in linea con le nostre normative di sicurezza, in modo da garantire al pubblico le condizioni ideali per assistere agli spettacoli in programmazione.

Le attività promosse dalla Fondazione Silvano Toti sono portate avanti anche in collaborazione con organizzazioni ed enti nazionali ed internazionali.

Tra le attività supportate dalla Fondazione Silvano Toti si ricordano l’impegno a sostegno della Società Genextra che opera nel campo della ricerca sulle malattie legate all’invecchiamento e sulla rigenerazione cellulare.

Il 23 maggio 2017 a Palazzo Venezia in Roma  è stato inaugurato il  restauro del soffitto e del fregio a fresco della Sala delle Fatiche di Ercole grazie ad una donazione liberale della Fondazione Silvano Toti.

 

 

Fondazione Silvano Toti

Roma 00161 – Via Catania, 9 – Tel. 06549021

Presidente: Maria Teresa Toti

 

 

Evento	SCHEDA INFO     STAGIONE 2019 DEL SILVANO TOTI GLOBE THEATRE
Dove	Roma, Largo Aqua Felix (Piazza di Siena), Villa Borghese
Quando	21 giugno – 15 ottobre 2019
Enti promotori     Main Sponsor   Partnership	Assessorato alla Crescita culturale di Roma Capitale Fondazione Silvano Toti   Banco BPM   Ticketone
Media Partner	Dimensione Suono Soft
Produzione	Politeama Srl
Organizzatore Generale	Alessandro Fioroni
Info	INFOLINE 3389104467 tutti i giorni dalle 16.00 alle 19.00 – ATTIVO DAL 14 GIUGNO Web – www.globetheatreroma.com Facebook – www.facebook.com/SilvanoTotiGlobetheatreRoma/ Twitter – @globeroma Instagram – globetheatreroma
Botteghino e prevendite	Botteghino Viale P. Canonica: – dal martedi alla domenica dalle 16.30 alle 19.00, nei giorni di spettacolo fino all’inizio dello stesso – lunedi aperto solo nei giorni di spettacolo dalle 18.00 alle 21.00 – apertura botteghino dal 14 giugno N.B. Al botteghino si può acquistare fino alle 19 per tutte le serate. Dopo le 19 si può acquistare solo per lo spettacolo della sera (è a discrezione dell’operatore in funzione della quantità di persone in coda, emettere biglietti per le date successive. Normalmente, in caso di grande affluenza, vengono emessi non appena smaltita la coda per la vendita serale).   Prevendita online Circuito www.ticketone.it – call center 892.101 dal 5 giugno   Prevendite abituali (presso i punti vendita abilitati alla vendita circuito TicketOne)
Biglietti	Palco GOLD: intero € 32, ridotto € 29 (settore non sempre disponibile in prevendita) Palco Centrale Livello 1 e 2: intero € 27, ridotto € 24 Palco Centrale Livello 3: intero € 22, ridotto € 20 Palco Laterale 1 Livello 1 e 2: intero € 23, ridotto € 21 Palco Laterale 1 Livello 3: intero € 18, ridotto € 15 Palco Laterale 2 Livello 2: intero € 16, ridotto € 13 Palco Laterale 3 Livello 1 e 2: intero € 14, ridotto € 12 (visibilità ridotta) Parterre (posti in piedi) intero € 10, ridotto € 8   Hanno diritto alla riduzione i minori di anni 12; i minori di anni 6 hanno diritto al ridotto cortesia pari a € 5   Diritti di prevendita Diritto di prevendita al botteghino del Teatro (applicabile fino a 2 ore prima dello spettacolo) da € 1,50 – € 4,00 Diritto di prevendita sui circuiti online (applicabile fino al termine della vendita online per la serata prescelta) 15% del prezzo del biglietto, oltre ai costi applicati dal circuito di vendita (commissioni, spese di spedizione, etc); tali costi sono determinati dal gestore del sistema e sono di sua esclusiva pertinenza.   Promozioni speciali Tutte le domeniche continua l’iniziativa “i fidanzati di Villa Borghese”: i fidanzati di tutte le età (sia etero che gay), avranno diritto a una riduzione sul biglietto di ingresso (escluso posti in parterre). Il mercoledì per gli over 65 speciale promozione “biglietto 2×1” (escluso posti in parterre) 1 biglietto intero del settore prescelto + 1 biglietto cortesia a € 5 (entrambe i fruitori devono essere over 65) Il venerdì per gli under 20 ingresso ridotto.   Tutte le riduzioni sopra elencate non sono valide per il parterre e possono essere acquistate solo ed esclusivamente al botteghino del Teatro. All’ingresso il personale di servizio potrà richiedere documento comprovante il requisito che dà diritto alla riduzione.   Globe Card Base – costo € 7,00 La Globe Card, acquistabile al botteghino del Teatro, è valida per tutta la stagione e dà diritto ad una riduzione sul prezzo del biglietto (per ciascun spettacolo in cartellone) variabile da € 3,00 a € 5,00 a seconda del settore prescelto. La Globe Card è nominativa, non cedibile e non cumulabile con altri sconti e/o iniziative particolari promosse dal Teatro.   Gold Globe Card – costo € 12,00 Oltre ai normali sconti previsti dalla Globe Card Base ti offrirà i seguenti servizi: – un numero telefonico riservato attivo tutti i giorni dalle 16.00 alle 19.00 attraverso il quale potrai prenotare il tuo biglietto, pagarlo tramite bonifico bancario e ritirarlo la sera stessa dello spettacolo allo sportello riservato agli Accrediti e alle GOLD Globe Card, senza ulteriori commissioni se non il normale diritto di prevendita; – ingresso a € 2,20 agli spettacoli della programmazione pomeridiana; – ingresso a € 2,20 ad eventuali prove aperte degli spettacoli in programmazione (novità di questa stagione).   Disabili Un biglietto ridotto nel settore riservato (centrale I livello) e un omaggio per l’accompagnatore Inoltre, se provvisti di automobile, l’auto potrà arrivare fino a largo Picasso all’altezza della sbarra che delimita l’ingresso al parco di Villa Borghese; l’accompagnatore segnalerà la presenza del disabile al personale del Teatro a uno dei seguenti numeri 3314618970/3389104467 ed il personale staff provvederà ad aprire la sbarra e a consentire l’accesso all’auto fino all’ingresso di servizio (l’auto non potrà sostare all’interno del Teatro). Ove ritenuto necessario, all’ingresso, contestualmente allo strappo del biglietto, potrà essere richiesta documentazione attestante l’invalidità al 100%.   Gruppi inviare una mail a gruppi@globeroma.com (minimo 15 persone)   Gruppi scolastici inviare una mail a scuole@globeroma.com

 

 

21, 22, 23 Giugno ore 21,15

Giuseppe Zeno-Ruben Rigillo

SHAKESPEARE & CERVANTES

in

GHOST WRITER

Scritto e diretto da Stefano Reali

Produzione Primo Atto S.r.l.

 

Messina, 27 ottobre 1571.

Nell’ Ospedale Militare della città siciliana, sono ricoverati i marinai feriti della Flotta Cristiana che ha sconfitto i turchi nella battaglia di Lepanto.

Tra loro, c’è il giovane Miguel de Cervantes, che si è arruolato nella marina spagnola per sfuggire alla giustizia, dopo aver ferito un nobiluomo spagnolo in una rissa.

Per evitare la pena, Cervantes pianifica una fuga dall’ospedale, ma riceve una visita inaspettata: è un ventenne damerino italo-inglese di nome John Florio. È anche lui un aspirante poeta, ma sembra essere l’opposto di Cervantes: se lo spagnolo è di umili origini, ma pieno di ardore muscolare, John è un timido intellettuale, garbato e vulnerabile. Solo una cosa li accomuna: la passione per la scrittura. Una passione bruciante, assoluta, per la Poesia e per il Teatro, con una libertà di esprimersi che ai tempi dell’ Inquisizione poteva costare anche la vita.

L’incontro, si trasforma in un conflitto tra due opposte visioni del Mondo. Miguel esce facilmente vincitore da quello scontro, fisico, oltre che verbale, ma il giovane e timido John rimane affascinato dal temerario Cervantes, e sogna di diventare come lui.

Sarà un sogno complicato, da realizzare, perché John vive a Londra con suo padre, un predicatore italiano condannato a morte dall’ Inquisizione, costretto a fuggire dall’ Italia per evitare il rogo. E così John sa che non potrà mai usare il suo cognome, per firmare i drammi teatrali che scrive, e sarà costretto ad usare un altro, come prestanome. Sceglie un giovane attore semi-analfabeta di nome William Shakespeare. Con tutto quello che accadrà…

Il duello tra John e Miguel si riapre ventotto anni più tardi, nel 1599, quando i due poeti, ormai maturi, si incontrano di nuovo, e sembrano molto cambiati, rispetto al primo incontro.

Miguel conosce il segreto di John, e non riesce a capire la sua pavidità nel rivelare al mondo chi è il vero autore dei drammi firmati da Shakespeare.  John gli ribatte che nascondersi è l’unico modo per salvare la sua vita, e quella di suo padre, ricercato dall’Inquisizione.

Cervantes e Florio si incontreranno un’ultima volta diciassette anni dopo, nel 1616, a Londra.

Durante un ultimo duello verbale con lui, John è costretto ad ammettere quanto gli sia costato aver rinunciato al più grande desiderio a cui uno scrittore possa aspirare: l’immortalità letteraria.

Al contrario, Cervantes ha vissuto una vita priva di qualunque successo, e piena di sventure. Ma l’ha affrontata con coraggio, senza mai piegarsi né nascondersi. John Florio lo invidia, per tanta forza morale. Sa di essere alla fine della sua esistenza, abbandonato da tutti e caduto in disgrazia. Ma la sua vera punizione è la consapevolezza di essersi condannato da solo all’oblìo, avendo costruito e blindato lui stesso la più grande truffa letteraria di tutti i tempi: per quattro secoli il successo delle sue opere sarà attribuito a William Shakespeare. Finché qualcuno non racconterà la sua storia…

 

NOTE DELL’ AUTORE

Ogni nazione europea ha avuto un Poeta Nazionale che ha esaltato la Lingua e la Cultura della sua terra di appartenenza. L’Italia ha avuto Dante, la Germania Goethe, la Spagna Cervantes, l’Inghilterra Shakespeare. La loro opera li ha resi Immortali. Ma quanto sappiamo di loro, come uomini? Forse questi autori di allora avevano gli stessi obiettivi dei giovani sceneggiatori che oggi scrivono per le serie tv di Netflix: successo, soldi, potere, e riconoscimenti pubblici. Con la differenza che gli autori di allora dovevano essere pronti anche a usare la spada oltre alla penna, dato che vivevano in un’epoca in cui scrivere, esporsi, firmare con il proprio nome, voleva dire rischiare la propria vita.

Questo spettacolo racconta di un incontro “virtuale” tra due di quei poeti, e cioè il grande romanziere Miguel de Cervantes e il poeta anglo-italiano John Florio, che tanti studiosi di tutto il mondo sostengono possa essere il ghost writer di tutte le opere teatrali di Shakespeare. Lo scontro tra Florio e Cervantes è su due modi opposti di vedere la professione dello Scrittore: è meglio mettere la propria faccia, esporsi e rischiare una vita breve, anche da un punto di vista letterario, oppure è meglio nascondersi dietro un prestanome, e garantirsi tranquillità, anche se con l’amarezza di non essere celebrati per il proprio talento?

Tra accuse, offese, invettive, tradimenti, sarcasmo, e sfide di sciabola all’ultimo sangue, con la spavalderia poetica e la tracotanza muscolare di due geniacci letterari, assistiamo a una serie di colpi di scena incredibili, ma storicamente documentati, su quanto il Rinascimento Italiano abbia veramente donato alla nascita della futura Lingua Inglese.

E vengono messi a nudo i dettagli documentali di un segreto su cui i maggiori studiosi del mondo, indagando su quella che è stata probabilmente la più grande frode letteraria degli ultimi quattro secoli, stanno finalmente facendo luce: chi ha scritto davvero i drammi di William Shakespeare?

Stefano ReaLI

 

Interpreti

(in ordine alfabetico)

             Ana                                     AGNESE FALLONGO

     Michelangelo Florio                        MARIANO RIGILLO

 John Florio                                     RUBEN RIGILLO

                          Miguel de Cervantes                           GIUSEPPE ZENO

 

Scene

CARLO DE MARINO

Costumi

ALFONSINA LETTIERI

Musiche

STEFANO REALI

Coreografie duelli

M° RENZO MUSUMECI GRECO

Direzione Tecnica

STEFANO CIANFICHI

 

26, 27, 28 giugno ore 21,00

 

LE OPERE COMPLETE DI SHAKESPEARE IN 90 MINUTI

Di Long, Singer, Winfield

diretto e interpretato da Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo Degl’Innocenti

Coproduzione Politeama S.r.l. – La Macchina del Suono

 

“The Complete Works of William Shakespeare (Abridged)” , noto anche come: “The Compleat Wrks of Wllm Shkspr (Abridged)”, tradotto in italiano come: “Le opere complete di William Shakespeare in 90 minuti (in versione abbreviata)”, è una commedia scritta da Adam Long, Daniel Singer e Jess Winfield.

Dopo aver debuttato all’Edinburgh Festival Fringe nel 1987 è stata replicata al Criterion Theatre di Londra per nove anni, diventando uno degli spettacoli più conosciuti al mondo. Una parodia di tutte le opere di William Shakespeare eseguita in forma comicamente abbreviata da tre attori, usando le più svariate tecniche interpretative. Veloce, spiritoso e fisico, è pieno di risate per gli amanti e soprattutto per gli odiatori di Shakespeare. Una sfida teatrale ai limiti dell’incredibile: come condensare l’opera omnia del Bardo, 37 opere, in 90 minuti? O raccontare l’‘Amleto’ in 43’’?

La ‘Bignami Shakespeare Company’ è composta da Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli e Lorenzo Degl’Innocenti (in ordine rigorosamente di età), che dopo tanti anni di amicizia si sono ritrovati ed hanno deciso di unire le loro esperienze nel campo della prosa, musica e commedia dell’arte, e darsi al Bardo!
Già portato in scena da Zuzzurro e Gaspare con la regia di Alessandro Benvenuti dal 2013 al 2015 col titolo “Tutto Shakespeare in 90 minuti”, la versione coprodotta da Politeama e La Macchina del Suono con la regia dei tre attori in scena, si rifà maggiormente alla versione originale spingendo al massimo sulla comicità fisica irriverente e travolgente del testo inglese, derivante da un approccio scenico che deve molto alla commedia dell’arte.

Si, perché portare in scena le opere complete di Shakespeare in 90 minuti è una sfida teatrale, un’immersione leggera e stravagante nel mondo shakespeariano, un omaggio divertito e divertente al grande drammaturgo. La potenza e la poesia dei suoi versi vengono prevedibilmente meno ma lo scopo, in fondo, non è altro che divertire il pubblico, incuriosirlo e svelare il lato comico che si cela anche nelle tragedie più cupe.

 

Dal 2 al 14 luglio ore 21,15 (escluso i lunedì) 

 

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE

regia di Riccardo Cavallo

traduzione di Simonetta Traversetti

 

Prodotto da Politeama Srl

 

La notte di mezz’estate è una notte magica e il titolo ne svela immediatamente l’atmosfera onirica, irreale anche se, come viene precisato, la notte in cui si svolge gran parte dell’azione è quella del calendimaggio, la celebrazione del risveglio della natura in primavera e non in estate. E’ comunque l’augurio di un risveglio gioioso. Ma è davvero così? Tre mondi si contrappongono: il mondo della realtà (quello di Teseo, Ippolita e della corte), il mondo della realtà teatrale (gli artigiani che si preparano alla rappresentazione) e il mondo della fantasia (quello degli spiriti, delle ombre). Ma i sogni alle volte possono trasformarsi in incubi: il dissidio fra Oberon e Titania che rivela a un certo punto un terribile sconvolgimento nel corso stesso delle stagioni, il rapporto tra Teseo e Ippolita, il conquistatore e la sua preda, la brutalità di certi insulti che gli amanti si scambiano sotto l’influsso delle magie di Puck.

“Sogno di una notte di mezza estate”, scritta in occasione di un matrimonio, è come una serie di scatole cinesi. All’esterno dell’opera ci sono la sposa, lo sposo e il pubblico, all’interno le coppie, Teseo e Ippolita, Titania e Oberon e i quattro innamorati e nell’opera dentro l’opera, i teatranti, la vicenda di Piramo e Tisbe. In questo mondo stregato domina il capriccio, il dispotismo di Oberon che attraverso Puck gioca con i mortali e con Titania, per imporre il suo dominio. Si compie quindi su Titania quella violenza che Teseo compie su Ippolita e che Egeo vorrebbe compiere sulla figlia costringendola a un matrimonio che respinge. Si noti la sequenza degli scambi fra gli amanti. Si inizia con Ermia che ama Lisandro e con Elena che ama Demetrio, ma quest’ultimo con l’appoggio di Egeo, padre di lei, vuole invece conquistare Ermia. Si passa, attraverso l’intervento “magico” di Puck, al folle girotondo in cui Ermia insegue Lisandro, Lisandro Elena, Elena Demetrio e Demetrio Ermia. E non è finita. Perché Ermia, alla quale dapprincipio aspiravano entrambi i giovani, sarà abbandonata da tutti e due, innamorati ora di Elena, e solo nel quarto atto dopo un nuovo intervento di Puck, si avrà la conclusione in cui gli amanti formeranno davvero due coppie.

La grandezza di Shakespeare sta nell’aver saputo coinvolgere tre mondi diversi, ciascuno con un suo distinto linguaggio: quello delle fate che alterna al verso sciolto, canzoni e filastrocche, quello degli amanti dominato dalle liriche d’amore e quello degli artigiani, nel quale la prosa di ogni giorno è interrotta dalla goffa parodia del verso aulico.

Il mondo è folle e folle è l’amore. In questa grande follia della natura, l’attimo di felicità è breve. Un richiamo alla malinconia che accompagna tutta la vicenda.                                                                                  

Riccardo Cavallo

 

Dal 19 luglio al 4 agosto ore 21,15 (escluso i lunedì) 

 

LA BISBETICA DOMATA

di William Shakespeare

Regia di 

Loredana Scaramella

Traduzione e adattamento Loredana Scaramella

Prodotto da Politeama Srl

                                                                  “È stata lunga ma, finalmente, le nostre note discordi 

                                                                  entrano in armonia…”

                                                                                                                 La bisbetica domata V, 2

 

MA L’AMORE NO

Un allestimento de La Bisbetica domata non può prescindere, soprattutto oggi, da una riflessione su quell’ultimo lungo monologo nel quale la ex bisbetica e indomita Caterina tesse le lodi della mitezza e della soggezione allo sposo. Quello sposo che dal momento in cui la incontra la sfida, la affronta, la inganna, la porta con sé in una casa inospitale – ma, si sa, è per gioco! – e con gesti gentili, ovvero con gentilissime torture, la riduce prima al silenzio e poi alla conversione a discorsi non suoi. Si, perché se la ribellione di Caterina e il suo essere “bisbetica ” è soprattutto nella voce e nell’eloquio puntuto, brillante e inarrestabile con cui affronta il mondo, il suo pacato silenzio e il suo discettare a comando sono il segno di una riduzione forzata all’obbedienza. Negli Anni Settanta, durante le più accese battaglie femministe, si guarda con occhi preoccupati e attenti alla riduzione al silenzio e all’addomesticamento dell’eloquio e dell’energia fisica tanto apprezzata nei maschi e condannata nel sesso opposto. È uno sguardo “dalla parte delle bambine”, come titolava un famoso saggio del tempo. Da allora molto è cambiato nel campo della definizione di genere e molto quotidianamente continua a cambiare, mentre la biologia e l’etica affrontano nuove realtà ed interrogativi. Ma Caterina, creatura shakespeariana nata da una figura di tradizione medioevale, dove si pone in questo flusso di riflessioni sul rapporto uomo-donna, e soprattutto sul femminile? E, ai fini di una rappresentazione, qual è il momento in cui un racconto di domatore e domata – oltre al suo significato simbolico non legato ai due sessi – può ancora essere concepito nei limiti della nostra storia sociale? Credo che, nel nostro paese, l’ultimo periodo in cui si sia cercato di inquadrare programmaticamente la donna in uno schema politico, sociale ed economico sia il Ventennio fascista. La figura femminile viene strutturata e il suo ruolo viene molto valutato, ma solo in quanto moglie e madre. La donna ribelle – cioè sola -, soprattutto se sessualmente libera, è dannosa perché contraria ai principi dello Stato. Come controparte è ben leggibile l’immagine di un domatore istituzionale, un maschio superiore per definizione. Da qui la decisione di collocare il racconto di Shakespeare prima dell’inizio dell’ultima guerra, che cambierà definitivamente i rapporti di equilibrio nella coppia, ma più complessivamente fra i sessi.

Dagli Stati Uniti e dal resto dell’Europa arrivano germi di mutamento che hanno già modificato il costume nelle classi più agiate e in quelle zone a margine in cui l’eccentricità è un attributo strutturale. Sono infatti “diverse” le dive del cinema (attrici ma anche produttrici e registe) e le donne comuni che lavorano come operaie, dattilografe, segretarie, e che guardano con simpatia alle ragazze dello spettacolo dal vivo, che di quelle dello schermo cercano di seguire l’esempio: le divette, le cantanti, le soubrette dalla vita indipendente.

È quindi alla fine degli Anni Trenta che collochiamo il racconto della Bisbetica: è ancora possibile in quell’epoca l’idea di una doma della femmina, ma la donna ha degli strumenti per opporsi e la battaglia dei sessi vive un momento cruciale, particolarmente appassionante.

Shakespeare nella struttura dell’opera, in particolare nell’in quarto del 1594, ci fornisce una cornice completa, che è la storia del calderaio ubriacone Sly, al quale viene giocata una beffa da un

potente che rientra nella taverna alla fine di una battuta di caccia. L’uomo trova Sly disgustoso e miserabile, quindi passibile della sua feroce attenzione. Decide di divertirsi ai danni del poveraccio e di fargli credere di essere un potente. Seguendo uno schema antico, già presente ne Le Mille e una notte, lo traveste dandogli le caratteristiche di una insigne autorità. Proprio mentre sta organizzando la beffa, arriva in una taverna, che nel nostro allestimento diventa una pensione-ristorante, un gruppo di musicisti e attori di avanspettacolo, che fa il suo ingresso con tutto l’armamentario tipico dello spettacolo viaggiante – valigie, biciclette, baule armadio, cagnolino – per riposare in attesa dell’arrivo delle ballerine (che peraltro mai arriveranno). Gli artisti si trovano di fronte l’uomo di potere il quale, dopo averli osservati, valutati e in qualche modo tacitati con la sua presenza, propone loro di interpretare, in cambio di vitto alloggio, una pièce di suo gradimento per compiacere un signore bizzarro. La compagnia accetta di mettere in scena la commedia che non conosce se non sommariamente e che l’uomo distribuisce su fogli volanti, tenendo per sé il ruolo di Petruccio. È infatti invaghito della cantante, che ha già avuto modo di ammirare, che interpreterà Caterina. È un’artista particolare, con una fisicità e un approccio centrato, autonomo, in contrasto con la bella soubrette, che rappresenta una femminilità più convenzionale. La compagnia, con i mezzi che ha e con le tecniche che conosce, cioè quelle dell’avanspettacolo, e con la sua gerarchia e distribuzione di ruoli, – il fantasista, il comico, il duo, la soubrette, il ballerino di tip-tap, il macchiettista, il cantante d’opera -, si organizza per offrire la sua professionalità al racconto, che assume una forma musicale e leggera nell’ambiente del ristorante trasformato in palcoscenico, passerella, strada. Il gioco di equivoci e sotterfugi da farsa che la trama shakespeariana suggerisce prende i colori del varietà e le ombre del kabaret tedesco. Lo spettacolo va avanti su un doppio piano, seguendo lo schema già scritto di teatro nel teatro, ma per quanto riguarda la coppia cantante-uomo di potere la relazione fra Petruccio e Caterina fa da specchio a quella reale. Sotto la maschera del ruolo, l’uomo fa le sue avances, che la cantante cerca di schivare con i suoi mezzi. Sono mezzi verbali: Caterina, come anche la cantante, ha padronanza di eloquio, sa confrontarsi con il mondo. L’uomo è affascinato e attratto dalla sua insolita esuberanza, dalla sua personalità eccessiva e brillante. In uno slancio di desiderio e di sopraffazione cerca di vincerla: le toglie la parola, le toglie le sue parole e, una volta ridotta al silenzio durante il primo incontro, la prende in sposa. Ma la vera doma avviene durante il soggiorno a casa di Petruccio. Caterina attraversa la fame, la sete, l’astinenza dal sonno e da qualunque piacere, compreso quello delle gioie femminili, che era lecito attendersi dopo il corteggiamento, e quello degli abiti e di qualunque forma estetica. Un’altra beffa: altro che l’amore raccontato dalle canzoni. Quando i due coniugi partono per andare al matrimonio della bella Bianca, la sorella ambita da tutti i pretendenti, il viaggio si svolge scandito da rumori e musica in un crescendo di tensione in cui si scontrano la logica della Bisbetica e il volere di Petruccio, fino al momento in cui Caterina, vinta, abdica totalmente al suo pensiero e accetta quello di lui. In questo nuovo assetto di sudditanza, arriva al banchetto di nozze. Le due nuove spose, Bianca e la Vedova, hanno maturato una certa libertà, come impugnando il testimone lasciato incustodito. È contro di loro che Petruccio spinge Caterina, ormai domata, a supportare la tesi di una donna mite, obbediente, succube.  La sua arringa è così efficace che l’ubriaco Sly, risvegliandosi, vede nella commedia che crede di aver sognato un insegnamento su come comportarsi con la moglie, e si avvia verso un esito che è facile immaginare coronerà la beffa. La compagnia incassa il compenso e ripone i suoi strumenti, la musica e i canti lasciano posto al silenzio, rotto dal rumore dei passi che si allontanano e delle valigie che si chiudono.  La cantante-Caterina rimane sola, davanti all’uomo che fino a qualche istante prima è stato Petruccio, con una decisione da prendere, sospesa tra libertà e legame, solitudine e coppia, finzione e realtà.    Approfondire e allargare il respiro del racconto in questa direzione, già disegnata da Shakespeare, suggerisce diverse implicazioni. Oltre che esilarante rappresentazione di una guerra dei sessi all’insegna di vecchi e nuovi modelli di genere, il testo si presenta come occasione di riflessione sul carattere dell’esperienza teatrale come specchio amplificante della vita, luogo di esplorazione dei suoi interrogativi nascosti, e si rivela metafora del rapporto fra l’artista e il potere, della reciproca fascinazione e della difficoltà di mantenere viva e libera la propria voce, la discussione, il pensiero.

 

Dal 7 al 25 agosto ore 21,15 (escluso i lunedì) 

MOLTO RUMORE PER NULLA

regia di Loredana Scaramella

traduzione e adattamento di Loredana Scaramella e Mauro Santopietro

Prodotto da Politeama Srl

 

 

BENEDETTO: “Quale è stato il primo dei miei difetti per il quale ti sei innamorata di me?”

BEATRICE: “Per tutti quanti insieme. Perché hanno organizzato una compagine così perfetta da impedire anche ad una sola qualità di insinuarsi tra loro.”                                                              

Atto V, 2

 

TRA IL BACO E LA FARFALLA

Uno dei sapori più dolci del teatro è nella ripetizione: il medesimo testo, col passare del tempo, ci si mostra cambiato. È un’esperienza perturbante guardare con occhi nuovi un oggetto conosciuto ma apre lo sguardo su orizzonti più vasti. Accanto ai temi che ci hanno appassionato, ne scorgiamo di nuovi. Ed è stimolante l’idea di affrontare questo viaggio con un gruppo di attori diverso, con una compagnia nata dagli incontri favoriti in questi anni dalle stagioni del Globe. Ecco il perché di una nuova versione di questa commedia che mi appare oggi come una riflessione molto brillante e ludica sul tema della crisi intesa come tempo della metamorfosi, su come un ostacolo, una difficoltà, possa trasformarsi in un’occasione di crescita personale e collettiva. Abbandonare abitudini e convinzioni ormai inadatte alle nostre vere esigenze è una necessità ed un’azione da intraprendere con coraggio, e anche con un po’ di umorismo, per avviare una rinascita della nostra società.

“Molto rumore per nulla” è una favola illuminante sul potere della parola, una commedia invasa da una gioia luminosa resa ancora più accecante da una lama d’ombra che per alcuni istanti l’attraversa. Il titolo racchiude tutti i sensi della storia e li nasconde proprio in quel “nothing” apparentemente inoffensivo. “Nulla” come un basso continuo contrapposto al suono di troppe parole, alla frenesia che spinge gli uomini ad amare, giocare, desiderare, combattere. Questa agitazione, che ha la sua sintesi nell’eccitazione sessuale, esplode in una casa ospitale piena di balli e di feste, d’estate, nella assolata Sicilia, un luogo che per Shakespeare certo significava esotismo e sensualità e che noi spostiamo in un Salento ideale, illuminato da quello stesso sole che esaspera i contrasti della scacchiera di corredi stesi a sbiancare, mentre dal parlato le voci prendono il volo per costruire richiami e canti che irrobustiscono il tessuto musicale già suggerito dal testo. E “nothing”, nella sua forma gergale antica, allude anche al sesso femminile, attorno al quale tanto rumore si scatena, e ci porta più vicino al tema centrale.

Un gruppo di soldati torna dalla guerra ed invade lo spazio delle donne. È la fine della specificità dei generi: l’uomo guerriero, la donna custode del focolare. Finite le battaglie, la commedia racconta quello che sta nel mezzo, dopo la guerra e prima della pace, dopo il “separato” e prima dell’ “unito”. Questo interregno è il tempo della parola, che si fa ponte tra due singoli mondi. È il maschile che cerca l’accordo col femminile. E “Molto rumore per nulla” racconta la rottura della membrana che divide i due stati, la lenta e difficile osmosi tra l’uno e l’altro. Tra uomo e donna, giovinezza ed età adulta, ricerca di identità e assunzione di identità. Tra il baco e la farfalla.

Benedetto e Beatrice, campioni dei rispettivi schieramenti, difendono strenuamente e con sfoggio di battute ironiche le loro autonome identità, come due adolescenti ostinati, lei attaccata al ruolo maschile che ha assunto, lui incapace di liberarsi dall’attrazione per il cameratismo adolescenziale. Sono paralizzati da una paura che li rende comici. L’abbandonarsi alle emozioni potrebbe precipitarli su un terreno instabile che sconvolge il carattere, azzera ogni sistema di sicurezza e apre le porte ad una dimensione sconosciuta e incontrollabile. Beatrice è una donna insolita, una Queen Elizabeth in miniatura. Pur non essendo padrona di nulla, parla con libertà a stranieri, a uomini di potere, familiari e non. Tutto con lei si trasforma in motto di spirito, forgiato in una lingua paragonabile solo a quella di Benedetto, brillante e impertinente. Comportamento in genere condannato in una donna ma in lei accettato in virtù del suo essere casta, vergine e comica.  Ogni battuta di spirito va però a rafforzare la robusta corazza che nega il suo corpo e che nasconde dietro la goffaggine, le risate e lo scintillio delle parole la sua delicatissima parte emotiva. Benedetto è la sua immagine gemella, un Peter Pan attratto da una donna che è un guerriero e che gli propone un rapporto in fondo rassicurante, molto simile a quello che è abituato ad avere con i compagni d’armi. Il grimaldello che incrina queste due casseforti d’amore è proprio lo stato di crisi, il momento della difficoltà in cui le maschere rassicuranti cadono e ci si trova a rischiare la caduta nel baratro. Quando le parole di Beatrice sono rese vane dalla menzogna dei malvagi e il suo senso di giustizia non trova mezzi per farsi valere, Benedetto diventa necessario, la sua virilità un valore. Solo un uomo può impugnare la spada per difendere la giustizia, ma la strada gliela insegna una donna che lo separa dal branco. E così il “buffone del Principe” si trasforma nel nuovo capo del palazzo, giovane, saggio e brillante.

Da zero si va a zero: i malvagi rimangono tali, chi oggi si ama si amava già ma con una coscienza diversa. In questo processo di svelamento e metamorfosi, tutti ci ritroviamo complici del tentativo di mettere a nudo, come in un gabinetto anatomico, i meccanismi del cambiamento e tutti siamo chiamati a spiare e valutare i rischi e l’eventuale bellezza dell’incontro con l’altro. Tutti, singolarmente e come corpo sociale, nascosti nella penombra del teatro, sospesi fra realtà e finzione, facciamo insieme prove di vulnerabilità. Sostenuti dalla gioia e dal coraggio e trascinati dalla musica, transitiamo dal baco alla farfalla.

Loredana Scaramella

 

 

Dal 30 Agosto al 15 settembre ore 20,45 – Domenica ore 18,00 (escluso i lunedì) 

 

RICCARDO III

regia di Marco Carniti

traduzione e adattamento di Marco Carniti

Prodotto da Politeama Srl

 

 

Riccardo III nostro incubo contemporaneo

Affrontare Riccardo III di Shakespeare è come entrare in un intricato labirinto di relazioni che passano dal politico al personale e che come spettatore ti lasciano completamente stordito e anche un po’ perduto. È l’indagine giovanile dell’homo politicus Shakespeare che ripercorre impietosamente le tappe storiche di un periodo particolarmente sanguinoso e corrotto dell’aristocrazia inglese e della sua feroce lotta per il potere.

Non è però l’intricato gioco politico a catalizzare totalmente la nostra attenzione ma bensì gli innumerevoli ed efferati crimini sanguinari del protagonista assoluto dell’opera, Riccardo, compiuti metodicamente e con una ripetizione quasi al limite della monotonia svelando al mondo un’anima di spietata disumanità che può solo cercare di appagare la sua sete di potere, come in un ciclico gioco al massacro nel quale sono tutti coinvolti.

Riccardo III è un personaggio assoluto, da tragedia greca, che mette completamente  in gioco l’anima per raggiungere i suoi obiettivi, come un Don Giovanni che ha già venduto la sua anima al diavolo e che ora ne vuole assumere addirittura le forme.

Riccardo III è sicuramente tra i personaggi più negativi del teatro shakespeariano anche se il suo è il riflesso del negativo che lo circonda  Infatti gioca con ironia sarcastica con se stesso e con il destino degli altri come un attore sul palcoscenico del mondo che mette la sua esistenza sempre al limite dell’umano, camminando come sulla lama di un coltello e sempre in equilibrio tra la vita e la morte. In un rituale macabro da roulette russa.

Il grande gioco del potere al servizio dell’uomo produce solo mostri.

Ed è qui che Shakespeare rivela il genio contemporaneo. Costruisce un personaggio che specchia continuamente se stesso riflettendo l’immagine del marcio nascosto nell’essere umano, dietro le apparenze, e che rappresenta la deformità congenita nell’uomo. Che è di tutti, nessuno escluso.

Riccardo III è un uomo che indaga continuamente su se stesso in un dialogo aperto con il pubblico con il quale gioca con l’ironia del grande mattatore divertendosi a scoprire continuamente le carte del suo progetto di sterminio e paradossalmente nessuno tenta di fermarlo. Dove il potere e l’uso della parola è assoluto, tanto da farlo essere il personaggio con più versi mai scritti per altri personaggi shakespeariani. Un uso del linguaggio che ci riporta drammaticamente a una riflessione sui meccanismi della dittatura e dei fondamentalismi e che ci riconduce facilmente alla nostra contemporaneità.

Riccardo III è la tragedia di un uomo che non vuole essere annullato. Tanto meno per colpa della sua diversità. Quella deformità che l’autore ha voluto aggiungere al personaggio teatrale (perché  ricordiamo che il Riccardo storico non aveva nessuna deformità) fa partire la sua storia da una fragilità acquisita involontariamente, che ha determinato tutto il periodo della sua crescita, quasi come una pena da scontare in vita che esplode in reazioni di violento furore e di un feroce desiderio di autoaffermazione.

Un dramma interiore dell’uomo che combatte il suo isolamento e la sua emarginazione e che continuamente si confronta con la propria fragilità.

Unica via di uscita alla depressione e all’annullamento è avere il potere assoluto.

Riccardo III è la tragedia della psiche, anche in senso contemporaneo, come nella visione psicanalitica della pittura di Francis Bacon. Un lungo eterno incubo di Riccardo che coinvolge e lega tutti i personaggi della tragedia ora spettri della realtà ora spettri della mente. Perché l’essere umano così schiavo delle sue azioni non può sottrarsi da se stesso e quindi è condannato a vivere una vita di incubi popolati da spettri della coscienza.

Vedo questo spettacolo come un incontro psichiatrico con il “mostro” che è in tutti noi.

Uno spettacolo che permetta allo spettatore di entrare nella mente del protagonista per seguirlo nella sua follia omicida. Come attraverso un obiettivo fotografico, limito lo spazio ad un’unica passerella rossa sospesa e sorretta da corde e catene, come un astratto ponte levatoio, un luogo mentale di analisi, una linea che spezza, un trampolino sulla vita, una strada a senso unico che con un movimento perpetuo, proietta Riccardo e le sue vittime dalla propria immagine riflessa a compiere il salto nel vuoto.

 

 

16, 23, 30 settembre ore 21,00

A grande richiesta

Gigi Proietti

in

EDMUND KEAN

di Raymund FitzSimons

Adattamento e regia Gigi Proietti

Regista assistente Loredana Scaramella

Prodotto da Politeama srl

Un uomo solo nel suo camerino. Beve, si trucca ma soprattutto interpreta e si interroga sulle parole di Shakespeare, passando in rassegna una vita di battaglie e successi. È Edmund Kean, grande attore inglese dell’inizio dell’Ottocento, idolatrato dal pubblico e dalla critica che ne decretarono l’ascesa dal ruolo di Arlecchino ai grandi protagonisti shakespeariani, e poi la rovinosa decadenza. Ad interpretarlo è Gigi Proietti, nel testo scritto da Raymond FitzSimons per Ben Kingsley, già portato in scena a Taormina ventisette anni fa, ripreso nella scorsa stagione come omaggio affettuoso a Shakespeare in occasione dei quattrocento anni dalla sua morte e riproposto quest’anno per soddisfare la grande richiesta da parte del nostro pubblico. Il copione è più che un testo chiuso: è un’occasione per entrare nel segreto del camerino in cui monologhi, battute, idee prendono e perdono forma, in un processo creativo da laboratorio che smonta e scruta le creazioni di Shakespeare. Mai come in questo caso, celebrare un genio del teatro attraverso la figura di un attore è un gesto dovuto, perché proprio agli attori si deve la sopravvivenza dei testi e la vitalità dei versi che ancora ci emozionano, a loro il merito di averli traghettati fino a noi dall’epoca d’oro Elisabettiana attraverso secoli di buio e disinteresse.

Oggi che le opere del Bardo sono celebrate e diffuse in tutto il mondo, è difficile credere che non sempre sia stato la stella polare che è ora. Ma la sua vera fortuna è iniziata solo nel secondo Settecento, con Goethe e Lessing. Furono loro a farlo uscire da una sorta di letargo, all’epoca dell’invenzione dei teatri pubblici in Germania. Fu una rivoluzione anche se, dopo la condanna dell’Illuminismo, per cominciare ad avere una diffusione massiccia delle opere e dell’identità artistica del poeta di Stratford bisogna aspettare l’inizio dell’Ottocento, quando nel maggio del 1828 da Londra arriva a Parigi Edmund Kean ad interpretare il ruolo di Riccardo III. È famoso. È molto amato dai poeti romantici e Byron lo considera un genio.  Il suo merito è quello di aver scardinato la forma classica della recitazione, in contrapposizione alle interpretazioni di un altro grande attore inglese, John Kemble, inventando una recitazione emozionale e moderna. Kean arriva ubriaco a Parigi e le rappresentazioni sono inficiate dal suo stato alterato. Ma è affascinante e maledetto come una rock star degli Anni Settanta e tutta l’intellighenzia europea lo accoglie come una rivelazione. Attraverso lui Victor Hugo vede esaltati i materiali shakespeariani e, nella prefazione al suo Cromwell, dice che Shakespeare sa come comporre un dramma vero che rispecchi gli aspetti contraddittori e opposti della vita, e propone, seguendo il modello del Bardo, di mescolare nell’arte sublime e grottesco, cioè tragico e comico, bello e brutto, bene e male, luce e ombra, realtà e fantasia. L’impatto di Kean con il mondo parigino è così potente che Alexandre Dumas scrive sull’attore inglese un testo: Kean, ou Désordre et Génie. Genio e sregolatezza. un sottotitolo destinato a divenire proverbiale, che nello spettacolo fa da contrappunto a successi e frustrazioni, amori, odi, sconfitte ai quali prestano voce i grandi personaggi shakespeariani che finiscono col confondersi con l’interprete e ne compongono la biografia.

Accade così che un filo intrecciato con le parole di Shylock, Riccardo III, Amleto, Macbeth, Otello, unisca Proietti a Kean, e Kean a Shakespeare, in una celebrazione dell’evocazione e del racconto.

Un passaggio di testimone da un secolo all’altro, che trova la sua collocazione ideale nel vuoto spazio del Globe, nel rapporto ravvicinato con il pubblico, nella forma antica del monologo.

 

 

MUSICHE

Fiorenzo Carpi

SCENE E COSTUMI

Cappellini & Licheri

AIUTO REGIA

Francesca Cioci

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

LIGHT DESIGNER

Umile Vainieri

SOUND ENGINEER

Franco Patimo/Daniele Patriarca

ORGANIZZAZIONE

Alessandro Fioroni

 

 

Dal 20 Settembre al 6 Ottobre ore 20,45 – Domenica ore 18,00 (escluso i lunedì) 

GIULIO CESARE

regia di Daniele Salvo

traduzione e adattamento di Daniele Salvo

Produzione Politeama S.r.l.

 

 

La messa in scena si avvale dell’ausilio di 30 maschere di lattice che riproducono perfettamente le fattezze umane e di un gruppo di 14 attori e 12 figuranti che rivestono i 45 diversi ruoli del “Giulio Cesare”. I congiurati sono uomini svuotati, indecifrabili, simili a calchi in cera perché il potere ha tolto loro ogni parvenza di umanità, cancellando le loro passioni ed emozioni. Il potere sommo è in maschera e si identifica con essa: la maschera muta le personalità, sconvolge le menti. I costumi fanno riferimento alla Roma classica, senza ricorrere a nessuna contemporaneità e il disegno luci riproduce una Roma tetra, attraversata da temporali furiosi, lampi di luce improvvisa, deboli fiaccole e bracieri, simbolo del profondo buio interiore in cui sono calati tutti i personaggi del Giulio Cesare.

 

Note di regia

In un buio assoluto, nelle strade di una Roma rischiarata solo da fiaccole e bracieri, appaiono i personaggi del Giulio Cesare, figli della Storia e del loro inevitabile destino, creature del passato, ossessioni che visitano brevemente il nostro tempo. Gli attori interpretano le loro parti identificandosi in prima persona con i personaggi, confrontandosi con loro in modo ravvicinato, intimo, come fossero persone reali, senza “stili” o cliché teatrali precostituiti. Così i personaggi prendono vita lentamente dalla memoria del poeta.

Con l’ausilio di 30 maschere di lattice che riproducono perfettamente le fattezze umane, un gruppo di 14 attori di solida esperienza teatrale e un gruppo di 12 figuranti, rivestono i 45 diversi ruoli del “Giulio Cesare”, conducendo uno studio approfondito sull’opera shakespeariana.

I congiurati sono uomini svuotati, indecifrabili, simili a calchi in cera. Il potere ha tolto loro ogni parvenza di umanità, ha cancellato le loro passioni, le loro emozioni. Sono creature fragilissime, preda di paure e terrori notturni, vittime del destino. Giulio Cesare è creatura onnipotente, sovrannaturale, dai lineamenti trasformati, cancellati, multipli. Il potere sconvolge le menti, travolge gli animi. Nel nostro spettacolo lo stesso attore che interpreta Giulio Cesare, nella seconda parte rivestirà il ruolo di Ottaviano: tra il vecchio e il nuovo non c’è alcuna differenza. I costumi fanno riferimento alla Roma classica, senza facili modernizzazioni: non serve “attualizzare” la scrittura di Shakespeare, è attuale di per sé. Lo spettatore deve avere la libertà di ascoltare il testo di Shakespeare nella sua integrità pensando ai giorni nostri senza che la regia sottolinei troppo questo aspetto. Il disegno luci riproduce una Roma scura e tetra, attraversata da temporali furiosi, lampi di luce improvvisa, deboli fiaccole e bracieri, simbolo del profondo buio interiore in cui sono calati tutti i personaggi del Giulio Cesare.

Si tratta di un “sogno teatrale” fatto di rigore, necessità, serietà e determinazione. L’idea base che sottende a questo lavoro è quella di cercare nuove direzioni di ricerca recitativa, verso un nuovo modo di “fisicizzare” il testo poetico, sganciato dagli stili retorici e obsoleti che troppo spesso vengono insegnati nelle scuole. Si cerca un linguaggio immediato, che indaghi sulle motivazioni profonde di composizione di un verso, di una battuta, si cerca la “verità” degli stati emotivi, il rapporto di necessità fra l’attore e ciò che viene detto. La poesia e il Teatro hanno un linguaggio sintetico e come tale vengono da noi affrontati: non è possibile mentire o “far finta”, applicare formule o stili precostituiti. Analizzando questa grande opera di William Shakespeare e il percorso di questi piccoli uomini dal destino già determinato, ritrovando le tracce delle loro vite reali nelle opere di Plutarco (da cui Shakespeare attinse a piene mani), abbiamo preso coscienza di quanto la Storia si ripeta incessantemente, di quanto la società controlli lo spirito umano, di quanto interferisca pesantemente nei meccanismi creativi ed educativi, di quanto il consenso e il dissenso siano fenomeni pilotati, di quanto la politica entri spesso in conflitto con la nostra vita quotidiana, di quanto la nostra Libertà sia qualcosa di illusorio ed effimero.

Per questo vogliamo parlare con le parole di William Shakespeare grande poeta dallo sguardo rivolto al futuro.

                                                                                                                                 Daniele Salvo.

 

Dall’8 al 13 Ottobre ore 20,45 – Sabato e domenica ore 18,00

ROMEO AND JULIET

Testo in lingua originale

Regia di Chris Pickles

 

In co-produzione con The Bedouin Shakespeare Company

 

“Vertue it selfe turnes vice being misapplied,

And vice sometime by action dignified.”

La storia di Romeo e Giulietta esisteva già, in qualche forma, da forse oltre 150 anni prima che Shakespeare, agli inizi della sua carriera, scrivesse il dramma nel 1595. E dopo la prima rappresentazione avvenuta oltre 400 anni fa, e’ stata eseguita di continuo in tutto il mondo praticamente in tutte le lingue. Dell’opera sono state prodotte quasi 50 versioni cinematografiche (la prima nel 1908) e più di 200 altri film ispirati alla storia di Romeo e Giulietta, della quale esistono anche adattamenti sotto forma di opere liriche, balletti, musical, mimi, versioni orchestrali e rap – “Il Trono di Spade” potrebbe forse essere considerata la versione rimaneggiata di Romeo e Giulietta per la generazione contemporanea.

Ogni generazione ha dissertato animatamente intorno all’essenza dell’opera, e quindi ogni generazione ha scoperto la propria Romeo e Giulietta. Il dramma è stato uno dei primi ad essere rappresentato in Inghilterra dopo la riapertura dei teatri nel 1660, successivamente alla guerra civile, ma il finale venne ritenuto troppo cupo per la nuova epoca e fu trasformato in lieto fine; così cominciò la tendenza a rimaneggiare l’opera per i successivi 250 anni, fino ai primi del ‘900. Perché rimaneggiarla? Credo che la ragione sia da ricercare nei molti elementi contrastanti contenuti in Romeo e Giulietta, e nelle tante domande che solleva. Non rientra facilmente in alcuno degli schemi in cui potremmo volerla inserire. E a noi gli schemi piacciono, vero?E’ una tragedia? Si, ma sorprendentemente e’ anche commedia. Ha una morale? Si, ma al contempo esplora, e non condanna, una cupa immoralità. Gli “amanti nati sotto cattiva stella” sono marionette nelle mani del fato? Si, ma sono anche giovani autonomi e appassionati. E’ romantica? Si, ma non si tratta solo di una poetica espressione d’amore, l’opera e’ anche permeata di una forte sessualita’ terrena e grossolana, che aziona il dramma come una locomotiva. E’ anche sanguinaria e violenta. E’ realistica? Possiamo rapportarci ad essa in qualità di esseri umani? Si, ma rimane un’ opera di estremi teatrali e di opposti. L’amore contro l’odio. La morale contro gli istinti umani naturali primari. Il fato in lotta contro il libero arbitrio. La ragione contro la fantasia. La poesia che combatte la banalità. La libertà che si scontra con il dovere. L’oscurità che invade la luce. La passione sfrenata che abbatte l’equilibrio e il controllo.                                                           –                                                                     Chris Pickles.

La Bedouin Shakespeare Company e’ felicissima di tornare anche quest’anno al Silvano Toti Globe Theatre. Il 2019 segna il quinto anno consecutivo della nostra splendida collaborazione. Constatare che il numero degli spettatori a Roma cresce di anno in anno ci riempie di gioia, e vedere così tante persone di ogni età che vengono a sentire Shakespeare in lingua originale dimostra quanto ciò sia richiesto ed apprezzato in questa bella città’. Non vediamo l’ora di mostrare a tutti la più bella storia d’amore mai raccontata: questo è’ oggi il nostro progetto più ambizioso. Ci vediamo a ottobre!

 

Artistic Director: Edward Andrews

Director: Chris Pickles

Composer: Paul Knight

Lighting: Derek Carlyle

Costumes: Adrian Lillie

Producer: Eleanor Russo

Cast to be confirmed.

 

 

8, 22, 29 Luglio ore 21,00

(I lunedì del Globe)

5, 6, 7  Luglio – 31 Agosto – 13,14, 27, 28 Settembre ore 18,30

1,15, 29 Settembre ore 16,00

 (I pomeriggi del Globe)

 

WILLIAM AND ELIZABETH

Ideazione e regia di  Melania Giglio

 

Prodotto da Politeama Srl

 

Introduzione

 

Elisabetta I regnò per quasi mezzo secolo facendo la differenza : ereditato un paese sull’orlo della guerra civile e di religione lo pacificò e fece della debole Inghilterra cattolica una potente nazione protestante, con il primo governo parlamentare dell’era moderna, nonché una marina, una City e una lingua destinate a governare il mondo. Questa madre del mondo moderno permise la nascita di una delle più straordinarie stagioni della cultura di ogni tempo: il teatro elisabettiano fu infatti uno dei periodi artistici di più grande splendore per il teatro mondiale e per la storia dell’intera umanità. Nacquero i primi teatri pubblici, la figura dell’impresario, le compagnie di attori professionisti, una produzione drammaturgica di incredibile ricchezza e versatilità.

Il teatro elisabettiano fu, anche, innovazione: vennero introdotte delle nuove tecniche, vennero affrontate diversamente le tematiche sociali, si lasciò ampio spazio all’improvvisazione.

L’innovazione più grande fu quella del teatro nel teatro: si ritagliava uno spazio di tempo durante l’opera in cui veniva messa in scena un’altra rappresentazione teatrale. Una vera e propria età dell’oro, voluta strenuamente da questa piccola donna che amava definirsi “un semplice attore”.

Elisabetta I, la “regina vergine”, scomunicata da Pio V, colei che non aveva mai voluto sposarsi perché, come amava dire ai suoi pretendenti, “il mio sposo è l’Inghilterra”, muore il 24 marzo 1603.

Di lei papa Sisto V scrisse : “Guardate come governa! E’ solo una donna, solo la signora di mezza isola eppure si fa temere da tutti.”

 

Note di regia

 

In una notte di mezza estate William Shakespeare sta provando al Globe con i suoi attori. Improvvisamente una visita imprevista e totalmente inaspettata viene a turbare il processo creativo del Bardo e della sua compagnia. Chi osa disturbare le prove del genio di Stratford?

La visitatrice misteriosa altri non è che Elisabetta I. La Regina in persona. Era venuta di nascosto al Globe, rigorosamente in incognito, per incontrare qualcuno…forse uno dei suoi amanti.

O forse cercava soltanto un pretesto per placare le sue ansie notturne e per cercare conforto nella Poesia e nel Teatro che così tanto amava .A ben guardare, comunque, il motivo per cui Elisabetta è lì non è poi così importante. Questo incontro notturno tra Potere e Teatro è l’occasione per potersi finalmente parlare e confrontare. Qual è l’equilibrio tra creazione artistica e potere?

Come il Teatro può rapportarvisi senza soccombere? Come il potere può trarre spunto ed ispirazione dagli artisti? In un serratissimo ed affascinante duello verbale Shakespeare ed Elisabetta I ci faranno fare un viaggio vertiginoso che andrà a toccare il cuore stesso del Teatro ed il senso del suo esistere.

Il Teatro: da sempre “moribondo illustre”. Da sempre croce e delizia. Da sempre rifugio per le anime tormentate. Da sempre specchio del Mondo e del suoi Potenti.

Melania Giglio

 

 

Interpreti

(in ordine alfabetico)

                    Elisabetta I                                                       MELANIA GIGLIO

                    Ned, un attore della Compagnia               SEBASTIAN GIMELLI MOROSINI

                    Rosalind, un’attrice della Compagnia        FRANCESCA MARIA

                    William Shakespeare                                     ALFONSO VENEROS

COSTUMI

Susanna Proietti

SCENE

Fabiana Di Marco

MUSICHE  DI

Marco Podda , Michael Nyman, Henry Bishop, Arthur Sullivan

CANTATE DAL VIVO

ASSISTENTE ALLA REGIA

Roberta Russo

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

 

 

12,13,14 Luglio – 2, 3, 4, 23, 24, 25 Agosto – 6, 7 Settembre – 4, 5 Ottobre ore 18,30

8 Settembre – 6 Ottobre ore 16,00

(I pomeriggi del Globe)

PLAYING SHAKESPEARE

Regia di Loredana Scaramella

Prodotto da Politeama Srl

 

A seguito del grande successo ottenuto nelle due passate stagioni prosegue Playing Shakespeare ideato da Loredana Scaramella, che ha voluto e saputo sapientemente unire l’aspetto divulgativo (lo spettatore scoprirà tante curiose abitudini ed eventi che accadevano al tempo di Shakespeare) e l’aspetto puramente spettacolare con annessi virtuosismi di un gruppo di attori e musicisti che oramai fa parte, a pieno titolo, della storia del Globe. Il Silvano Toti Globe Theatre di Roma è una presenza singolare nel parco di Villa Borghese a Roma, nato da un guizzo creativo del suo direttore artistico, Gigi Proietti. Una presenza apparentemente incongrua, estranea alla tradizione teatrale italiana. Con Playing Shakespeare se ne potrà conoscere meglio la storia. Con l’aiuto delle musiche del trio William Kemp, le voci degli attori condurranno gli spettatori in viaggio dalle taverne di Eastcheap fino alla vita della magica O di legno e dei suoi frequentatori.

Con qualche sorpresa, qualche gioco e molta leggerezza.

 

Interpreti

(in ordine alfabetico)

VINCENZO D’AMATO

ROBERTO MANTOVANI

MATTEO MAURIELLO

LOREDANA PIEDIMONTE

MAURO SANTOPIETRO

LOREDANA SCARAMELLA

Musica dal vivo

Trio WILLIAM KEMP

Percussioni                            MICHELE DI PAOLO

                                            Mandolino                  LUCA MEREU

                                            Chitarra                      ANTONIO PAPPADA’

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

20, 21, 26, 27, 28 Luglio – 21, Settembre ore 18,30

22 Settembre ore 16,00

(I pomeriggi del Globe)

SONETTI D’AMORE

Viaggio tra i più bei versi di William Shakespeare

Ideazione e Regia Melania Giglio

Traduzione di Alfonso Veneroso

 

Prodotto da Politeama Srl

 

Samuel Coleridge definì Shakespeare “An androgynous mind”, una mente androgina.In effetti, nessuno come lui ha saputo parlare d’amore accogliendo in sé il maschile e il femminile, la passione carnale e la sublimazione, la vita e la morte. Basti pensare al fatto che i primi 126 sonetti sono dedicati al fair youth, un giovane ambiguo e narciso di sesso maschile, con ogni probabilità identificabile con Henry Wriothesley, terzo conte di Southampton, patrono e mecenate di Shakespeare; mentre i sonetti dal 127 al 154 hanno come loro fulcro una misteriosa Dark Lady, quasi certamente la tenutaria di un bordello londinese frequentato dal Poeta.Qual è la natura dell’amore? Qual è il confine tra amore e amicizia?In che cosa differiscono l’amore passionale e quello ideale? Quando possiamo parlare di affinità elettive? Shakespeare nei suoi sonetti indaga tutti i possibili aspetti dell’amore. E l’amore stesso diviene così lo strumento d’eccellenza per conoscere se stessi, l’altro, il mondo, la poesia, la bellezza e la caducità Il poeta è testimone instancabile di un mondo che non c’è più, una realtà costruita con dedizione, fede, potenza espressiva, serietà, competenza e valori indiscutibili. Nella stanza dell’immaginario del grande poeta ci si può anche smarrire. Là ci sono pochi oggetti, lo spazio è denso, percorso da sussurri e voci dimenticate, memorie di antiche interpretazioni, ombre in transito e riflessi di luce abbaglianti. Il poeta frequenta il futuro nella vita di ogni giorno, si batte per la verità, cade in deliquio, trema, sviene per un istante e in quell’istante elabora universi, sogna l’infinito e tenta di decifrarne la grammatica. Così è la scrittura di Shakespeare, scrittura “vivente”, tracciata nell’inconscio dei suoi interpreti. Così è la sua Poesia. Questo viaggiatore dell’illusione e del sogno parla una lingua di cristallo, si misura con ogni possibile realtà, con ogni forma di tradimento e, come dal fondo di un pozzo, si affanna a parlare a tutti gli uomini ancora “vivi”, ancora innamorati …. La stanza che ospita quest’uomo e le ombre che lo accompagnano,  ha grandi pareti di fumo che soffrono dell’instabilità propria dei sogni e quindi mutano continuamente. Proprio perché è “strumento divino”, proprio perché dialoga con gli angeli, il Poeta non deve solo divertirci, ma ha la possibilità di aiutarci a ritrovare la nostra grazia, la nostra innocenza, a lungo vagheggiata e rimpianta, cancellata inesorabilmente dal cinismo e dalla superficialità della nostra vita quotidiana.

 

Interpreti

(in ordine alfabetico)

Dark Lady La sua Musa Il Conte di Southampton William Shakespeare

FRANCESCA MÀRIA MELANIA GIGLIO SEBASTIAN GIMELLI MOROSIN ALFONSO VENEROSO

COSTUMI

Susanna Proietti

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

9 Settembre, ore 21.00

(I lunedì del Globe)

WILLIAM’S STAR

SPETTACOLO CONCERTO CORO CITTA’ DI ROMA

Testo di Mauro Angeloni

Regia di Marco Carniti

Produzione Politeama S.r.l.

Direttore. Mauro Marchetti; Giulia Manzini, soprano alto; Stefano Guadagnini, Antonio Orsini, tenore; Diego Procoli, pianoforte

Concerto in forma di spettacolo che comprende una serie di brani musicali su testi di Shakespeare o ad essi ispirati, si svolge all’interno di una cornice teatrale i cui protagonisti sono Miranda e Ferdinando, personaggi presi in prestito da “La Tempesta”. Dallo stesso dramma provengono anche il direttore del coro (Prospero), il contralto solista (Ariel) e il pianista (Calibano).Il cast è completato dagli altri cantanti solisti, dal coro e, soprattutto, da William, autore-voce fuori campo che interviene in modo decisivo in alcune fasi della vicenda, guidando le sue creature – le stelle di William – verso il loro destino.

 

La domenica mattina al Globe in famiglia

 

Date da definire, ore 11,00

 

Appuntamento speciale: al Globe con mamma e papà

 

Le domeniche mattina per bambini in compagnia di Shakespeare

 

“Le tre streghe di Macbeth”

Liberamente ispirato alla tragedia scozzese di William Shakespeare.

Scritto e diretto da Gigi Palla – Produzione Politeama s.r.l.

 

Macbeth ha un unico, grande desiderio: quello di diventare Re, per poter finalmente cingere il suo capo della meravigliosa corona appartenuta a Kenneth Mac Alpine, capostipite dei re scozzesi. Tre streghe, apparentemente sue complici di questo ambiziosissimo progetto, attraverso una serie di ridicole prove, falsi incantesimi e premonizioni “tarocche”, gli faranno capire quali sono le qualità che bisogna avere per poter guidare un regno ed essere un punto di riferimento per la propria comunità.