Teatro Vascello

19 gennaio 2023

HYBRIS di RezzaMastrella: alla fine muoiono tutti, fucilati da una porta; tranne uno, altrimenti chi sarebbe a sparare?

La HYBRIS di RezzaMastrella è la tracotanza dell’uomo sull’uomo che porta all’annientamento dell’uomo da parte di un altro uomo in nome di una presunta superiorità.

Indeciso da dove cominciare per raccontare lo spettacolo lucidamente folle o follemente lucido, disarmante, destabilizzante, esilarante, spiazzante, entusiasmante, accattivante, parossistico di Flavia Mastrella e Antonio Rezza siamo partiti dalla fine, cercando come loro, ma senza il loro successo, di stravolgere le regole dettate dalle convenzioni.

HYBRIS è uno straordinario spettacolo di RezzaMastrella che destruttura le regole della logica e del discorso, la struttura consequenziale del dialogare tradizionale, universalmente riconosciuto e condiviso.

Rappresenta l’ideazione di un linguaggio che sovverte le consuetudini linguistiche per generare ogni volta un significato nuovo dirompente e fuori dagli schemi linguistici convenzionali.

Un non-testo e uno spettacolo che travolge i canoni logici tradizionali attraverso l’inversione di essi, creando un nuovo linguaggio e una nuova logica.

Il fatto che comunemente noi seguiamo un metodo speculativo che riteniamo logico e razionale, dettato dalle regole di convivenza e dalla necessità di una comprensione universale, non significa che altre logiche non possano essere scovate o inventate, o che non si possa costituire nuovi linguaggi, apparentemente illogici, ma in realtà semplicemente diversi, “altri”appunto, che procedono più per simboli, metafore, assonanze, distorsioni e giochi linguistici; nuovi modi di dire feroci e cinici, ma efficaci, concreti e pungenti che sovvertono le regole del comune e convenzionale ragionare.

Anzi, ascoltando Rezza e guardandolo, perché insieme a Mastrella non solo crea un linguaggio verbale e logico altro, ma lo completa anche con le possibilità infinite espressive del corpo e del viso, possiamo comprendere che le convenzioni a cui siamo arrivati e che sono state stabilite per una comprensione universale, costituiscono solo specifici punti di vista da cui si guarda, si considera, si vive e si agisce il mondo, ma anche limiti a diverse, più forti e rappresentative forme di pensiero, ragionamento, comunicazione e, quindi, linguaggio, dove per linguaggio si intende la vasta gamma delle potenzialità espressive umane che comprendono non solo le regole logiche e grammaticali, ma anche le possibilità altre e infinite di movimento nello spazio, di utilizzo degli oggetti quotidiani, di espressività fisica e mimica facciale e tutto ciò che possa venirci in mente.

Come viene portato in scena tutto questo? In uno spazio pressoché vuoto, delimitato a terra da strisce che costituiscono un confine tra un dentro e un fuori, ma un confine facilmente valicabile (è sufficiente scavalcarlo).

Sulla scena solo una sedia da ufficio, un attrezzo ginnico, due parallelepipedi che sembrano due frigoriferi, un paio di oggetti appesi, non identificabili e mai utilizzati. Il tutto giocato sulle luci e i colori del rosso e del nero.

Al centro di tutto, una porta col suo telaio, posta a terra orizzontale quasi fosse una bara.

Questa porta è il feticcio di Antonio Rezza in HYBRIS: la muove, la sposta, la apre e la chiude (da dentro e da fuori) in continuazione, senza sosta.

La porta come simbolo di apertura e chiusura, di passaggio e confine, di entrata e di uscita.

Divide chi è dentro da chi resta fuori e fa scaturire mille elucubrazioni sull’essere e sull’esserci (quindi ontologiche).

Fuori di essa c’è un mondo: la porta apre alla possibilità, a infinite possibilità nel tempo e nello spazio.

La porta “apre sul nulla e chiude sul nulla”: confine e limite tra il dentro e il fuori, ma anche apertura verso le infinite possibilità di essere e di esserci.

Però, ogni volta che noi ci consideriamo dentro qualcosa, una casa o un qualsiasi luogo, ma anche dentro un’attività manuale o speculativa, avvertiamo chi sta dall’altra parte rispetto a noi come qualcuno che sta fuori.

Eppure, la stessa sensazione e certezza avrà nei nostri confronti colui che, pur essendo fuori, prendendo come punto di riferimento il suo essere dentro ad un’altra casa o altro luogo o altra attività, avvertirà noi stessi come fuori.

Fuori dalla porta ci sono gli altri, ma per quelli che stanno fuori dalla porta, siamo noi gli altri. 

RezzaMastrella ragionano (sembra strano affermarlo guardando lo spettacolo, ma è così) sulle implicazioni di questo concetto, affrontando e analizzando l’alterità nelle relazioni, che siano esse amicali o parentali: quando si nomina o si sente qualcuno come “altro”, ci si pone sempre nei confronti di esso come se fosse fuori di noi, senza considerare che, allo stesso tempo, anche noi per l’altro siamo fuori di lui.

Chi bussa a una porta di solito sta fuori. Si bussa per entrare: ma non sarebbe forse più giusto bussare per uscire?

Il “dentro” è un rifugio; stare dentro dà protezione. E’ stare fuori che fa paura; è fuori che domina l’incertezza dell’essere. Allora dovremmo bussare per uscire, perché è fuori che sta il mondo, che stanno tutti: è lì che si deve chiedere il permesso di entrare, di “entrare fuori”.

Ma allora: dove è la HYBRIS del titolo? Il termine deriva dal greco antico e come tutti i termini greci classici, rappresenta un mondo.

Hybris indica la tracotanza, l’andare oltre la propria natura finita e imperfetta di uomo per raggiungere gli dei e ad essi sostituirsi.

Qui dio non c’è e se c’è viene rinnegato e la Hybris è quella dell’uomo nei confronti degli altri uomini; è quel senso di orgoglio che fa sentire superiori agli altri che fa compiere azioni atroci.

Antonio Rezza fa vibrare la scena concepita da Flavia Mastrella: funambolo della parola, cinico, irriverente, impertinente, scomodo, scorretto, incessante, inarrestabile, irrefrenabile fino quasi allo sfinimento (non solo il suo), tanto da far quasi perdere l’orientamento al pensiero e nello spazio, grazie all’energia fisica apparentemente inesauribile, al suo continuo muoversi e agitarsi sulla scena e al di fuori di essa.

Rezza è tutto voce, corpo, fiato e suono (emblematico il fischietto che cela – o svela?- una reiterata bestemmia – intellegibile secondo Rezza).

Intorno a lui otto personaggi muti e attoniti; o forse è lui a stare intorno e in mezzo a loro: otto bambolotti mossi dal cinico burattinaio Rezza.

Rezza muove gli altri con le azioni e con le parole, investendoli fisicamente e verbalmente a cascata, mettendoli a disagio, affermandone e allo stesso tempo negandone lo stato ontologico.

Gli altri sono burattini mossi da lui e soggetti alla sua tempesta verbale e fisica; essi stessi habitat da lui abitato; li scuote, li sconvolge, li anima. 

E, così come li anima, allo stesso modo li annienta, fucilandoli uno alla volta…con una porta!

Perché definire folle il lavoro di RezzaMastrella? 

Solo perché il loro linguaggio, che crea costantemente immagini che si negano a se stesse, è contrario o diverso da come comunemente parliamo e ci esprimiamo?

Eppure, non è così diverso dal pensiero: sì, perché il loro cinismo, poi, non è altro che rappresentazione della realtà, delle nostre idee, di quelle parole che restano mute in gola perché non è buona norma esplicitarle, perché “non sta bene”.

HYBRIS
di Flavia Mastrella Antonio Rezza

Foto di Annalisa Gonnella
con Antonio Rezza
e con Ivan Bellavista, Manolo Muoio, Chiara Perrini, Enzo Di Norscia, Antonella Rizzo, Daniele
Cavaioli, Miriam Fricano
e con la partecipazione straordinaria di Maria Grazia Sughi
(mai) scritto da Antonio Rezza
habitat Flavia Mastrella
assistente alla creazione Massimo Camilli
luci e tecnica  Daria Grispino
organizzazione generale Marta Gagliardi Stefania Saltarelli
macchinista Andrea Zanarini
produzione RezzaMastrella, La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello, Teatro di Sardegna
coproduzione Spoleto, Festival dei Due Mondi
ufficio stampa Chiara Crupi – Artinconnessione
Debutto: 7 luglio 2022 – Spoleto Festival dei Due Mondi

Teatro Argentina

17 gennaio 2023

Prima

In Interno Bernhard – Minetti e Il riformatore del mondo di Thomas Bernhard, Glauco Mauroi e Roberto Sturno abbandonano il teatro classico per uno spettacolo potenzialmente destabilizzante

In Interno Bernhard – Minetti e Il riformatore del mondo di Thomas Bernhard, Andrea Baracco dirige Glauco Mauri e Roberto Sturno.

Thomas Bernhard, scrittore, drammaturgo, poeta e giornalista austriaco tra i massimi autori della letteratura del ‘900, non solo di lingua tedesca, considerava con disprezzo l’umanità e il proprio Paese (l’Austria) esprimendo nelle proprie opere tutto il risentimento e lo spregio per essi in forma, spesso, di monologhi serrati e severi, anche feroci, ma riservando anche spazio ad un’ironia pungente.

La Compagina Mauri Sturno porta su palco del Teatro Argentina di Roma uno spettacolo che compone le due opere di Bernhard divise nei due atti, ma collegate dallo spirito critico dell’autore e dall’atteggiamento dei due protagonisti verso il mondo.

Nel primo atto, Il riformatore del mondo, Roberto Sturno interpreta un vecchio intellettuale cinico, incattivito, aspramente polemico verso tutto e tutti, incapace di stare solo, ma intollerante alle relazioni umane, che vive rinchiuso nella sua casa con l’unica compagnia di una donna (Stefania Micheli) che non ha mai sposato, ma che considera la compagna della sua vita, nonostante il più delle volte la disprezzi e la tratti con superiorità.

L’uomo è in attesa di ricevere una rappresentanza dell’università e delle istituzioni per il conferimento di una Laurea honoris causa per il suo 

trattato su come migliorare e salvare il mondo che ha suscitato grande scalpore.

Il punto, però, è che egli stesso disprezza quelle persone e ciò che rappresentano anche perché, se avessero letto e compreso il suo trattato, si sarebbero rese conto che la soluzione che egli propone per migliorare il mondo sia quella di eliminare l’intera umanità.

Questa convinzione ne esaspera l’atteggiamento polemico e ostile verso il mondo accademico e quello istituzionale.

In Minetti (ritratto di un artista da vecchio) il protagonista è un vecchio attore, un tempo celebre, che, dopo trent’anni di ritiro dalle scene, viene invitato a vestire nuovamente i panni del Re Lear in una piccola cittadina di provincia.

L’attesa del direttore del teatro (che non arriverà mai) nella hall di un albergo la notte di San Silvestro sarà animata da un lungo soliloquio, un flusso di coscienza inarrestabile in cui il vecchio attore rimesta nei ricordi e riflette sulla propria vita, sul proprio mestiere, sull’arte in genere e sulla società.

Ripercorrendo successi, delusioni e amarezze, il vecchio attore attende qualcuno che non arriverà mai in compagnia di una donna ubriaca (Stefania Micheli) che lo deride, un portiere d’albergo che lo tollera gentilmente e pazientemente (Roberto Sturno) e una giovane ragazza dapprima imbarazzata (Zoe Solferino), ma che sarà l’unico e ultimo momento di dolcezza per la vita dell’uomo.

Cosa hanno in comune Il riformatore e Minetti? Indubbiamente, dalle due storie raccontate e interpretate con magistrale bravura da Glauco Mauri e Roberto Sturno, lo spettatore riesce a cogliere i collegamenti tra le due figure.

I personaggi di Thomas Bernhard presenti nel progetto Interno Bernhard, sono due artisti, un intellettuale e un attore, delusi dal mondo, frustrati dall’imbecillità della società, soggiogati dalla preminenza di questa nei confronti del singolo.

Rappresentano l’ideologia di Bernhard e il suo disprezzo nei confronti della società austriaca (ma, per estensione, dell’umanità in genere) e la crisi dell’intellettuale.

Pensare, filosofare e fare arte non ha più senso: tutto è solo un folle elucubrare destinato al fallimento.

Lo scopo, allora, è quello di riflettere e far riflettere sul ruolo dell’intellettuale, dell’artista nella società.

Le arti (la recitazione per Minetti), la speculazione filosofica e intellettuale in genere (per Il riformatore) hanno come unica conseguenza quella dell’isolamento di chi le pratica, della chiusura in un mondo personale e folle che rende estraneo l’individuo alla società.

Il riformatore e Minetti condividono lo stesso atteggiamento nei confronti della vita, la dedizione assoluta alla realizzazione della propria vocazione,  l’annullarsi nella propria missione e nei propri ideali.

I due personaggi, come in genere quelli di Bernhard, sono scomodi, sebbene Minetti susciti una certa compassione.

La loro verbosità fatta di reiterazioni e ridondanze impedisce il dialogo con l’altro, chiunque esso sia.

Possiedono una vocazione nichilista che annienta cose e persone, condannando alla solitudine.

Allo stesso tempo, denunciano l’incapacità della società di riflettere su se stessa.

Il titolo Interno Bernhard nasce dalla consapevolezza che sia Il riformatore che Minetti, pur sostanzialmente differenti, abitino lo stesso non-luogo da cui, se si riuscisse a entrare, non sarebbe più possibile uscire,

Infatti, le stesse scenografie dei due atti, pur nelle loro diversità, si assomigliano per struttura.

Interno Bernhard è una summa delle anime dei personaggi dell’autore che, a loro volta, ne esprimono il pensiero personale.

I lunghi monologhi sono una riflessione dura e feroce sul mondo in cui l’altro è spettatore muto di un dialogo a senso unico; sono considerazioni sull’isolamento dell’artista, sulla ricerca di una perfezione che non potrà mai essere trovata perché comporterebbe la fine dalla speculazione e la morte della ricerca stessa.

Il riformatore e Minetti si perdono nelle proprie idee dissolvendosi in esse  e perdendo ogni contatto con la realtà, smarrendosi nella solitudine e in una sorta di follia, chiudendosi in un mondo personale.

Entrambi si perdono negli abissi del pensiero, tra ragione e follia; entrambi riservano acute battute, un’ironia pungente che suscita sorrisi consapevoli; entrambi vivono la loro vita tra realtà e finzione, interpretando le parti che si sono essi stessi assegnate.

Glauco Mauri e Roberto Sturno, affiancati da Federico Brugnone, Stefania Micheli, Zoe Zolferino, Giuliano Bruzzese, danno l’ennesima prova di gran teatro in un testo complesso e intellettuale che, però, anche grazie alla regia di Andrea Baracco arriva comprensibile al pubblico, stimolando una serie di riflessioni sullo stato della cultura e dell’arte ai nostri giorni.

Glauco Mauri, a 92 anni (!!!) è ancora dominatore della scena, capace di camuffare ad arte certi piccoli inciampi recitativi fondendoli nel racconto del proprio personaggio.

Il suo Minetti trasuda malinconia e rabbia e la sua spiazzante umanità suscita compassione.

Non si possono non notare e mettere in luce le assonanze tra il personaggio Minetti e l’attore Glauco Mauri.

Minetti che si è sempre negato alla letteratura classica, viene interpretato da un gigante del teatro votato al classico e che in questa occasione si stacca dal repertorio che lo ha reso celebre per calarsi in un dramma politico, sociale e culturale non condiscendente verso i gusti del pubblico, ma potenzialmente destabilizzante.

Minetti, che dei classici salva solo il Re Lear di Shakespeare, tanto da continuare a recitarne alcuni pezzi ogni mattina davanti allo specchio per trent’anni e una versione completa una volta al mese.

Minetti che porta sempre con sé una valigia che contiene ritagli di giornale che celebrano la sua carriera di un tempo, ma, soprattutto, la maschera di Ensor (James Ensor, pittore del secondo Ottocento che con le sue opere esprimeva la propria critica della società), con cui interpretava il suo Lear.

Nel suo ruolo risalta l’attore Mauri che ha interpretato Lear in centinaia e centinaia di repliche (in un articolo de La Stampa si scrive di 500 repliche).

Ne Il riformatore del mondo, Roberto Sturno dà un’altra prova da grande attore, riuscendo a trasmettere la rabbia e il disprezzo del proprio personaggio tanto da renderlo a sua volta disprezzabile da parte del pubblico, eppure sapendo anche rappresentarne la sofferenza intima, la frustrazione e la sincerità della speculazione intellettuale, e, soprattutto, il senso del suo pensiero.

Due attori che dominano la scena, ma con umiltà, mettendosi al servizio della parola. Mauri e Sturno occupano il centro della scena, ma nei loro soliloqui folli (o apparentemente folli), pieni di reiterazioni, ridondanze e giochi linguistici, riescono a rendere continuamente presente l’idea di ciò che sta fuori, di un mondo esterno che sembra rimanere in agguato.

La composizione dei testi rispetta la scrittura di Bernhard riuscendone a trasferire la struttura ritmica e il gioco costante tra etimologie e assonanze.

La regia di Andrea Baracco (aiuto regia Maria Teresa Berardelli), riesce a costruire due momenti diversi, ma non separati, connessi tra loro per senso e intensità, sia del messaggio che della messa in scena.

Scene che, pur nella differenza materiale, condividono il loro essere rifugio per l’uno e per l’altro, non luogo esistenziale in cui poter essere soli, nonostante la presenza di altri, e poter lasciare fuori il mondo tanto disprezzato.

Il connubio tra regia e scene (di Marta Crisolini Malatesta, così come i costumi) ben rappresenta il palcoscenico su cui si muovono i personaggi de Il riformatore e Minetti.

Soprattutto nel secondo atto, poi, sono evidenti e, per forza di cose, più stingenti: il sipario alle spalle di Minetti, dietro cui si svolge la festa di San Silvestro, popolata da personaggi vacui e anonimi, che indossano delle maschere (di lepre).

Anche quelli che passano nella hall dell’albergo indossano una maschera, ma la maschera che Minetti custodisce nella propria valigia, la maschera di Ensor, è “la più orrenda di tutte”.

Soprattutto, mentre le maschere degli altri nascondono celando alla vista, la maschera di Ensor, al contrario, simbolo di contestazione, non cela, ma rivela la verità, così come la follia di Lear/Minetti svela la verità. Una verità amara e crudele.

Infine, così come le scene del primo atto delimitano un luogo chiuso, delimitato nello spazio e nel tempo, e una dimensione statica in cui poca libertà di azione è possibile, allo stesso modo, nel secondo atto, il riferimento alla tempesta (ancora Lear) è un continuo richiamo a ciò che sta fuori, prima come eco, poi come potenza che travolge le barriere e copre tutto con la sua furia naturale.

Alla fine, Minetti non può far altro che abbandonarsi alla tempesta, farsi abbracciare da essa e farsi ricoprire dalla neve che cade copiosa, perché il mondo esterno ha vinto ancora una volta. 

Era inevitabile e Minetti, così come Il riformatore, ha sempre saputo che sarebbe andata così.

In chiusura, è doveroso citare le musiche di Giacomo Vezzani e Vanja Sturno che accompagnano l’intera messa in scena e menzionare il trucco efficace di Roberto Sturno.

Interno Bernhard

IL RIFORMATORE DEL MONDO

MINETTI – Ritratto di un artista da vecchio

di Thomas Bernhard
con Glauco Mauri, Roberto Sturno
e con Federico Brugnone, Stefania Micheli, Zoe Zolferino, Giuliano Bruzzese
Regia Andrea Baracco

Scene e costumi Marta Crisolini Malatesta
Musiche Giacomo Vezzani, Vanja Sturno
Aiuto regia Maria Teresa Berardelli
Foto di Manuela Giusto

Produzione Compagnia Mauri Sturno

Teatro Marconi

15 gennaio 2023

Alluccamm, lo spettacolo scritto e diretto da Luca Pizzurro, direttore artistico del Teatro del Torrino di Roma e regista che ha ottenuto diversi e importanti riconoscimenti, ha fatto tappa al Teatro Marconi di Roma.

Alluccamm racconta uno spaccato drammatico di Napoli durante la seconda guerra mondiale attraverso la storia e l’amicizia di due prostitute.

Dopo l’armistizio, Napoli, abbandonata dal governo, è in mano ai tedeschi che sfogano la propria rabbia sulla popolazione povera e abbattuta dalla guerra e dalla povertà.

Il malcontento è diffuso nella città, ma ogni azione di ribellione viene repressa nel sangue.

Dolores (Andrea Fiorillo) è una prostituta che incontra i propri clienti a casa ricevendo in cambio generi alimentari. 

La sua unica amica è Iolanda (Carlo Riccardo), anch’essa prostituta. Durante i loro incontri, Dolores e Iolanda vivono forti contrasti, ma anche momenti di grande vivacità, emozioni intense e intime condivisioni.

La guerra ha portato morte e distruzione, povertà e fame: la maggior parte degli uomini sono spariti per fuggire al reclutamento in guerra e le due prostitute non hanno quasi più clienti.

Un evento a sorpresa porterà ulteriore scompiglio nella vita delle due amiche, ma sarà anche la spinta finale alla ribellione, se non per il loro futuro, almeno per coloro che verranno, per i bambini felici che loro non sono mai stati e per i figli che non potranno mai avere.

Sarà allora che tutta la loro esuberanza, i loro sogni e le loro aspirazioni, le sofferenze per una vita frustrata, troveranno un senso e un riscatto in quell’ “alluccare”, alzare la voce, strillare, gridare per affermare la propria identità, per ribellarsi e opporsi ad una vita ingiusta e a un potere feroce e dispotico.

Alluccamm è uno spettacolo intenso ed emozionante interpretato con grande trasporto e capacità.

Il testo di Luca Pizzurro è scritto molto bene e strutturato su diversi livelli di lettura, dimostrandosi un racconto che va ben oltre a quello della storia drammatica di due esistenze disperate durante la Seconda Guerra Mondiale.

E’ un documento storico che racconta come esplose l’insurrezione popolare denominata Le Quattro giornate di Napoli, ma è anche l’esplorazione profonda e drammatica di un universo umano duro e controverso, attraverso la storia di due uomini che si sentono donne, due “femminelli” di Napoli, i loro sentimenti e le loro emozioni, affrontando il delicato e attualissimo tema dell’identità di genere.

Attraverso i personaggi di Dolores e Iolanda, Pizzurro approfondisce, oltre al tema storico, quello sociale e umano di due persone che vivono in un corpo nel quale non si riconoscono e che per questo si sentono sempre “dalla parte sbagliata”.

Sarà proprio il loro vivere in una terra di mezzo, il loro sentirsi ogni giorno “né carne, né pesce” e saranno i patimenti subiti e le frustrazioni sedimentate nel loro cuore ad essere la molla per il riscatto, loro e di tutta la città di Napoli.

Andrea Fiorillo (Dolores) e Carlo Liccardo (Iolanda) danno un’interpretazione intensa, coinvolgente e appassionata, conferendo sostanza, voce, corpo ed emozioni ai loro personaggi.

Fiorillo esprime con passionalità le sfumature nostalgiche di Dolores, le sue paure e il suo essere combattiva. Ne porta il dolore e ne sa restituire la forza salvifica e l’impeto di libertà.

Liccardo gli fa da contraltare nei panni di Iolanda, di cui incarna la smania e la frenesia, l’atteggiamento apparentemente più leggero nei confronti della vita, ma anche ne sa mettere in risalto l’immenso desiderio e senso di maternità.

La regia di Pizzurro è per la maggior parte fluida e incisiva, salvo per alcuni, pochi passaggi risolti un po’frettolosamente: verso la fine, infatti, gli eventi precipitano forse un po’ troppo velocemente senza riuscire a coglierne pienamente l’evoluzione. 

Colpa, anche, di una caratteristica oggettiva e peculiare del testo, che ne rappresenta però, anche, un limite.

Infatti, seppur scritto molto bene, profondo e con una drammaturgia accurata, sostenuto e rappresentato da grandi interpretazioni appassionate, ricche di sentimento ed emozione e cariche di una potente vis recitativa, il testo è scritto e recitato completamente in napoletano.

Nonostante sia possibile coglierne il senso generale, alcune parti, tra l’altro cruciali, sono davvero di difficile, se non impossibile comprensione. Un esempio è il drammatico sfogo che Dolores fa verso la fine della seconda parte dello spettacolo, quando si trova in ginocchio nella parte del palco più prospiciente alla platea.

Una confessione che non tutti riescono a comprendere e che, per questo motivo, fa perdere di intensità alla scena e agli eventi successivi che, altrimenti, si comprenderebbero con maggiore immediatezza.

La stessa difficoltà, poi, si è avvertita nei dialoghi più intimi, a volte sussurrati, complice anche un suono che, in particolare sullo sfondo del palco, non era adeguatamente amplificato.

Portare uno spettacolo in dialetto fuori dal territorio di appartenenza è sempre un’operazione rischiosa, di cui, sicuramente, Luca Pizzurro è ben consapevole e per la quale gli va riconosciuto coraggio.

L’intera messa in scena è accompagnata dalle musiche originali di Enzo Gragnaniello, ispirate alla musica popolare napoletana.
Le coreografie che le due improbabili sciantose tentano di riprodurre sono di Luana Iaquiniello.

La scenografia di Fabrizio Piergiovanni rappresenta un appartamento dimesso, piuttosto misero, che rispecchia lo stato sociale, ma anche la situazione emotiva di chi lo abita: un tavolo rotondo, tre sedie, una consolle da trucco con cassetti, due sgabelli, un attaccapanni, una rella, un  manichino da sartoria, un grammofono e una grande tenda patchwork dai colori neutri.

I costumi sono di Graziella Pera e vanno dalle sottovesti agli abiti appariscenti da caffè concerto.

Alluccamm è uno spettacolo intenso ed emozionante, ricco di immagini forti e poetiche, dai dialoghi intensi e intimi, che meriterebbe di essere compreso da un pubblico più vasto.

ALLUCCAMM

REGIA E DRAMMATURGIA LUCA PIZZURRO
MUSICHE ORIGINALI ENZO GRAGNANIELLO
CON ANDREA FIORILLO, CARLO LICCARDO
COSTUMI GRAZIELLA PERA
COREOGRAFIE LUANA IAQUANIELLO
ASSISTENTE ALLA REGIA SANDRO GALLO
FOTO SERGIO SIANO
PROGETTO GRAFICO LAURAINE CRISCIONE
SCENOGRAFIE FABRIZIO PIERGIOVANNI
PRODUZIONE ELLEGIPÌ TEATRO 20