Teatro India

3 febbraio 2026

Orgasmo: quando il lavoro prende il posto del sesso.

Orgasmo – Prosa dispiaciuta sulla fine del sesso è l’ultimo spettacolo di Niccolò Fettarappa, qui autore, interprete e regista, attualmente in scena al Teatro India di Roma.

Lo spettacolo è un lavoro sarcastico, intelligente e tagliente che analizza il drastico calo del desiderio sessuale nella nostra società a causa dello stress da lavoro e dell’ansia da prestazione lavorativa. 

Immaginando un imminente futuro distopico, Fettarappa presenta il programma dell’Agenda 2030 dell’Unione Europea che prevede, entro quell’anno, la fine della sessualità umana con l’ultimo orgasmo in Europa.

Attraverso un racconto surreale e incalzante, Fettarappa costruisce una satira caustica sul lavoro che oggi occupa un sempre maggiore spazio nella nostra vita, conquistando zone che prima erano dedicate alla relazionalità, allo svago, al divertimento e al sesso.

Il mondo del lavoro pretende oggi prestazioni sempre più performanti; dobbiamo esserci sempre, essere sempre più rapidi ed efficienti; dobbiamo garantire capacità multitasking.

Concentrati come siamo sulla produttività e sulle prestazioni, abbiamo perso di vista ogni altro aspetto della nostra vita, proiettandoci in un letargo sessuale che frustra ogni afflato emotivo.

I protagonisti di questa storia sono personaggi iconici ed esasperati, esseri che hanno smarrito se stessi.

Una coppia ormai in crisi trascina la propria vita chiusa in casa: lei lavora da remoto e perseguita i clienti tentando di vendere abbonamenti e mandando pec. Lui pratica yoga e legge il giornale.

Da un televisore fa irruzione nell’appartamento la voce festante di un giornalista che annuncia la fine dell’orgasmo.

Fuori, nel mondo, gli orsi tentano di suscitare antiche pulsioni sessuali nelle persone mettendo a rischio l’ordine costituito. 

A tentare di arginare l’emergenza c’è il dottor Fettarappa, zoologo incaricato dalla Commissione Europea di entrare nella vita delle coppie in crisi con l’obiettivo di annientare il sesso e dedicare tutti se stessi solo al lavoro. 

Orgasmo – Prosa dispiaciuta sulla fine del sesso è un racconto visionario e distopico che permette di raccontare la crisi del desiderio protagonista del nostro tempo: crisi del corpo, crisi della sessualità, crisi del rapporto con l’altro.

Eros e potere diventano i due poli opposti: il potere vuole annullare l’eros perché una massa di individui privati degli istinti e della pratica erotiche diventa un esercito di depressi facilmente governabile e manipolabile.

Il corpo diventa un peso, un ostacolo. Lo rendiamo docile, addomesticandolo in palestra, sottraendogli quel potenziale di rivoluzione che sviluppa quando più corpi collegati al cervello si ritrovano in piazza.

Oggi il corpo è ormai inteso come mero supporto lavorativo, come un oggetto funzionale al lavoro, annientandone, in questo modo, la bellezza, la gioia  e l’energia dell’atto sessuale.

Così in scena i corpi si agitano, fisicamente attraversati da un’energia che vuole risvegliare nello spettatore, ormai abbandonato nel cimitero del sesso,  il piacere di possedere un corpo, di abitarlo e utilizzarlo in modo agitato e rivoluzionario.

Orgasmo – Prosa dispiaciuta sulla fine del sesso è uno stimolo al risveglio, anzi, di più, è un inno rivoluzionario, è un invito alla disobbedienza. 

Il quesito che si pone è: diserzione o rivoluzione? 

La risposta è: probabilmente entrambi.

Nel momento in cui ci viene chiesto di utilizzare il nostro corpo come mero mezzo, che sia in ufficio o in trincea, disertare diventa un atto rivoluzionario.

Anche pensare, come fa Fettarappa, ad una terza via che diserti entrambe le prime due, diventa un atto rivoluzionario.

Con Orgasmo – Prosa dispiaciuta sulla fine del sesso Fettarappa  porta verso il limite la speculazione sui disagi della società moderna presente nei suoi lavori precedenti, esasperando personaggi e linguaggio in un’operazione drammaturgica azzardata e rischiosa, ma decisamente coinvolgente.

Fettarappa, giovane artista tra i più interessanti in circolazione, opera una profonda decostruzione della realtà frantumandola in tanti piccoli atti surreali. Ogni intervento, a sua volta, diviene un piccolo atto rivoluzionario che si oppone ad uno status quo letargico che vuole l’individuo sempre più narcotizzato e manipolato.

Il testo cavalca con ritmo incalzante il non sense attraverso un racconto iperbolico dotato di un’ironia corrosiva in cui emerge un’Europa totalizzante dove si muore di lavoro e gli orsi affrontano il potere costituito cercando di risvegliare non solo gli istinti, ma anche le coscienze. 

A dare corpo a questo testo distopico e visionario, finalista al premio Pier Vittorio Tondelli / Riccione Teatro 2023, lo stesso Fettarappa, che cura anche la regia dello spettacolo, con Gianni D’Addario, Lorenzo Guerrieri e Rebecca Sisti.

Tutti insieme danno vita ad una storia che corre tanto veloce da far girare la testa, come un giro sulle montagne russe durante il quale si attraversano immagini, simboli, metafore, citazioni e rimandi.

Tutti si fanno strumenti e latori di un messaggio dalla grande potenza evocativa che suscita numerosi riverberi in quegli spettatori dotati di spirito critico e consapevolezza sociale. 

Forse non tutto gira perfettamente in questo turbinio di parole e immagini, ma Orgasmo è certamente uno spettacolo molto stimolante e caustico che con ritmo incalzante genera un’acuta riflessione su certi meccanismi marci della nostra società arrivando al pubblico con immediatezza e sferzante ironia.

Orgasmo

Prosa dispiaciuta sulla fine del sesso

di Niccolò Fettarappa

con (in o.a.) Gianni D’Addario, Niccolò Fettarappa, Lorenzo Guerrieri, Rebecca Sisti

regia Niccolò Fettarappa

aiuto regia Lorenzo Guerrieri

assistente alla regia Roberta Gabriele

disegno luci Tiziano Ruggia

costumi Elena Dal Pozzo

sound design Massimo Nardinocchi

scene costruite nel Laboratorio di Scenotecnica di ERT

responsabile del Laboratorio e capo costruttore Gioacchino Gramolini

costruttori Veronica Sbrancia e Tiziano Barone, Keolo Camara

scenografe decoratrici Martina Perrone, Alice Di Stefano, Sarah Menichini, Bianca Passanti, Noemi Ruth Biganzoli

logistica Achour Meradji

direttore di scena Claudio Bellagamba

elettricista Tiziano Ruggia/Omar Scala

tecnico audio Massimo Nardinocchi

sarta Carola Tesolin 

produzione Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, Teatro di Roma – Teatro Nazionale, Agidi, Sardegna Teatro 

testo finalista al premio Pier Vittorio Tondelli / Riccione Teatro 2023

Foto di copertina Matilde Piazzi

Teatro Vascello

27 gennaio 2026

Prima

Misurare il salto delle rane: non è possibile misurare il salto quando ci si trova sull’abisso emotivo

Misurare il salto delle rane è il nuovo spettacolo di Carrozzeria Orfeo vincitore del Premio della Critica A.N.C.T. 2025 eora in scena al Teatro Vascello di Roma. 

Scritto da Gabriele Di Luca, che è anche regista insieme a Massimiliano Setti, lo spettacolo è una produzione Fondazione Teatro Due, Accademia Perduta/Romagna Teatri, Teatro Stabile d’Abruzzo, Teatri di Bari e Fondazione Campania dei Festival – Campania Teatro Festival in collaborazione con Asti Teatro 47.

Misurare il salto delle rane è una commedia cupa e amara che tratta temi dolorosi e tragici con una buona dose di ironia e cinismo.

Siamo negli anni ’90: in un piccolo paese di pescatori in montagna si ritrovano tre donne appartenenti a tre generazioni diverse, ma accomunate da una tragica morte avvenuta vent’anni prima e che nasconde ancora molti aspetti da chiarire.

Lori, Betti e Iris convivono in un paese dimenticato, circondato da un enorme lago e da una tetra palude, dove la comunità è ancorata a vecchissime usanze.

Le tre donne, che condividono un legame particolare, declinato in maniera differente per ognuna di loro, rappresentano tre mondi personali attraversati da dolori, lutti e mancanze, ma anche da rinascite.

Misurare il salto delle rane è un percorso intimo di conoscenza e consapevolezza nel cuore e nell’anima di tre donne tormentate ognuna a proprio modo, ma che si ritrovano l’una nell’altra, accomunate dal rifiuto di categorie sociali preimpostate e imposte.

Isolate in una comunità arcaica, sprofondate in una quotidianità ripetitiva e frustrante, tormentate da un’enorme sofferenza e da un doloroso rimpianto, Lori, Betti e Iris, dopo iniziali incomprensioni e forti scontri, instaureranno una profonda complicità stringendo una potente alleanza.

Sullo sfondo c’è sempre la prevaricazione dell’uomo sulla donna, che si manifesta nei modi più diversi, dalla dominazione psicologica fino agli atti di violenza verbale e fisica.

E’ sempre l’uomo a decidere del destino della donna; c’è sempre una mentalità maschilista e patriarcale che tenta di soffocare l’autonomia di pensare e agire della donna, ancora di più se ci si trova in una piccola comunità isolata dove il tempo sembra essersi fermato.

Lori è prigioniera di un lutto che non riesce ad elaborare. Betti è la “matta” del paese, con la sua fissazione per le gare di salto delle rane e i suoi comportamenti brutali e maneschi.

Iris sta sfidando se stessa abbattendo la facciata della propria comoda vita compiendo un viaggio reale e metaforico per consegnare un messaggio a Lori.

Prendendo a prestito l’ossessione di Betti per le rane e la sua dedizione nell’allenare la sua Froggy per effettuare il salto più lungo durante il campionato, anche le tre donne si troveranno a dover affrontare un “salto della rana” doloroso e molto impegnativo, ma che potrà portare loro un po’ di pace.

La rana, anfibio che vive tra terra e acqua, è qui il simbolo della transizione, della trasformazione. Il suo salto rappresenta il lasciarsi alle spalle uno status quo per approdare ad una nuova dimensione.

Il titolo, Misurare il salto delle rane, è decisamente evocativo e mette in risalto il bisogno di trasformazione e lo sforzo che essa comporta.

Misurare questo sforzo, però, quantificare la fatica e il coraggio che esso richiede, è impossibile.

Come valutare l’impatto emotivo di un atto di ribellione (anche sociale e politica) a un mondo maschilista in cui la violenza di genere è all’ordine del giorno tanto da apparire naturale?

Il salto a cui le tre protagoniste sono chiamate è quello di superare il ruolo che la società ha imposto loro per diventare altro e ogni volta qualcuna di diverso, senza rimanere intrappolate in categorie.

Misurare il salto delle rane è una storia di sofferenza e di rimpianto, un percorso duro e doloroso che conduce verso una nuova consapevolezza, verso l’accettazione di ciò che è stato e la capacità di perdonarsi, attraverso la scelta coraggiosa di fare i conti con il passato per accettare il presente e cambiare il proprio futuro.

La drammaturgia è un sapiente intreccio di racconti di vite, emozioni, sentimenti, contrasti, rimpianti e rigurgiti dell’anima.

Racconta con potenza la durezza della vita insieme anche alla sua leggerezza, alternando scene di quotidianità mesta e misera a situazioni paradossali che, seppur nella loro drammaticità, suscitano ilarità.

Dal contrasto tra la gravità dei temi trattati e la reazione comica o assurda dei personaggi scaturisce un umorismo che non ha il solo scopo di far ridere, ma che è strumento di critica della società e delle sue vecchie e stupide e convenzioni morali, destando allo stesso tempo nel pubblico un’amara consapevolezza e risvegliando un sorriso che, spesso, è di (auto)commiserazione.

Straordinarie le tre attrici in scena: Noemi Apuzzo, Elsa Bossi e Chiara Stoppa.

La Apuzzo interpreta Iris, un personaggio che parte apparentemente in sordina per poi crescere costantemente nel tempo per spessore e carattere, perfettamente incarnato dalla sua protagonista a cui dà attimi di esitazione alternati a decisioni di carattere, respiri, sospiri e sguardi a volte smarriti, altre volte decisi. Un climax davvero coinvolgente.

Elsa Bossi è Lori, la tormentata madre che non riesce a fare i conti col suicidio della figlia; è quella che vorrebbe sapere, ma allo stesso tempo ha paura di sapere. L’interpretazione sublime della Bossi ne fa una donna forte, ma ferita, piegata, anche fisicamente,  fortemente impaurita e tormentata eppure sempre pronta a esserci per le altre.

Chiara Stoppa è Betti una donna complessa, piena di problemi non risolti, vittima dell’abbandono e della solitudine, allontanata da tutti come “pazza”.

Una donna che ha dovuto fare i conti con la cattiveria e la violenza del mondo, con l’isolamento e il giudizio degli altri e che ha sviluppato un atteggiamento ribelle che sfocia spesso in atti di violenza contro gli uomini.

La Stoppa dà un’interpretazione travolgente e irresistibile di un personaggio complesso che deve essere tragico e comico allo stesso tempo rimanendo sempre credibile, reale, senza mai scadere nella caricatura o nella macchietta. 

Missione nella quale la Stoppa riesce con successo, rappresentando un personaggio sì sopra le righe, ma reale, perfettamente plausibile e che rivela un’intelligenza spiccata.

La regia di Gabriele Di Luca e Massimiliano Setti abbraccia uno stile cinematografico riscontrabile nel ritmo, nei tempi, nelle mille storie che si intrecciano alla storia, nelle parole e nei gesti della quotidianità che lasciano spazio agli atti tragici e dolorosi, così come anche nelle “inquadrature” con cui i personaggi vengono rappresentati. 

Anche la scena aperta contribuisce a dare immediatezza alla storia grazie alla suggestiva creazione di Enzo Mologni che pone poco decentrato sulla scena l’interno di una vecchia baita di montagna con dentro i suoi pochi e poveri arredamenti.

Alla sua destra una piccola legnaia che funge anche da rifugio e nascondiglio. Dalla parte opposta, la solitaria panchina sul lago, sovrastata da alcuni rami secchi di un albero. E’il luogo del salto, non solo metaforicamente.

Concludono l’allestimento “pittorico” i costumi assai curati di Elisabetta Zinelli e un disegno luci davvero efficace oltre alle musiche che portano indietro agli anni ‘80 e ’90 e diventano spesso tessuto narrativo.

Carrozzeria Orfeo è una tra le compagnie più apprezzate del teatro italiano, un punto di riferimento per la drammaturgia contemporanea nazionale. 

Con Misurare il salto delle rane torna al passato per dire qualcosa di nuovo, con uno spettacolo che è profondamente intimo, ma anche decisamente sferzante.

Tra i tantissimi spunti di analisi che lo spettacolo desta, sembra centrale una riflessione sulla comunicazione affrontata nella sua mancanza e nel suo bisogno.

E’ curiosa l’ossessione di Betti di comunicare attraverso i Walkie Talkie, come se per comunicare con gli altri fosse necessario un mezzo, uno strumento, un intermediario. Come se le persone non potessero comunicare faccia a faccia, ma avessero bisogno di qualcosa dietro cui nascondersi.

Forse perché parlare certe volte è difficile; è complicato raccontarsi. Alcune cose non possono essere dette, altre non devono. E’difficile raccontarsi agli altri e amaro sentirsi raccontare dagli altri.

Le parole fanno paura e possono fare molto male. Però, le parole dette al momento giusto e nel modo giusto, possono sciogliere anche gli animi più freddi e creare ponti tra le persone.

MISURARE IL SALTO DELLE RANE

Uno spettacolo di Carrozzeria Orfeo

Premio della Critica A.N.C.T. 2025

Drammaturgia Gabriele Di Luca

Regia Gabriele Di Luca e Massimiliano Setti

Con (in o.a.) Noemi Apuzzo (Iris), Elsa Bossi (Lori), Chiara Stoppa (Betti)

Assistente alla regia Matteo Berardinelli Musiche originali Massimiliano Setti

Scene Enzo Mologni Costumi Elisabetta Zinelli Ideazione luci Carrozzeria Orfeo

Direzione tecnica e luci Silvia Laureti Macchinista Cecilia Sacchi

Realizzazione scene Atelier Scenografia Fondazione Teatro Due

Realizzazione costumi Atelier Sartoria Fondazione Teatro Due

Illustrazione locandina Federico Bassi, Giacomo Trivellini Foto di scena Simone Infantino 

Organizzazione Luisa Supino e Giulia Zaccherini Ufficio stampa Raffaella Ilari

Una produzione Fondazione Teatro Due, Accademia Perduta/Romagna Teatri, Teatro Stabile d’Abruzzo, Teatri di Bari e Fondazione Campania dei Festival – Campania Teatro Festival

in collaborazione con Asti Teatro 47

Foto di copertina di Andrea Morgillo

Teatro Brancaccio

22 gennaio 2026

Anastasia Il Musical incanta il Teatro Brancaccio

Anastasia Il Musical torna a infiammare il cuore e gli animi del pubblico romano presso il prestigioso Teatro Brancaccio.

Un ritorno in grande stile, per una storia che ha appassionato generazioni di spettatori.

Molti film hanno raccontato la leggenda della Granduchessa Anastasia Nikolaevna di Russia, primo fra tutti quello del 1956 diretto da Anatole Litvak, con Ingrid Bergman nel ruolo di Anastasia e Yul Brynner in quello del generale Bunin, che valse l’Oscar alla Bergman come Miglior Attrice Protagonista.

Indimenticabile il film di animazione del 1997 diretto e prodotto da Don Bluth e Gary Goldman e distribuito dalla 20th Century Fox, in cui la voce di Anastasia è quella meravigliosa di Tosca.

La leggenda dei Romanov e Anastasia è ormai nota: Anastasia (Sofia Caselli) è l’ultima discendente dei Romanov, scampata allo sterminio della propria famiglia nella rivoluzione russa del 1917 e ora, dopo aver vagato a lungo per la Russia vittima di un’amnesia, è in cerca del proprio passato.

Nel suo cammino si unirà a Dimitri (Cristian Catto) e al suo amico Vlad (Nico DI Crescenzo), due simpatici truffatori alla ricerca di una sosia della principessa da presentare all’imperatrice madre in cambio di 10.000 rubli.

Tutti e tre insieme partiranno alla volta di Parigi.

Al loro inseguimento ci sarà il temibile Gleb (Brian Boccuni).

Anastasia Il Musical diretto da Federico Bellone è uno spettacolo appassionante non solo per la storia coinvolgente, ma anche per un allestimento suggestivo e per le interpretazioni di altissimo livello.

Un musical eseguito e interpretato da chi sa fare il musical!

Se, come è, la storia è uno sogno per chi ha vissuto la nuova ascesa della Disney negli anni ’80, oggi questo sogno torna a essere vivo e splendente anche per le nuove generazioni di spettatori che hanno riempito la sala del teatro ieri sera e che, ne siamo certi, la riempiranno nei prossimi giorni.

Perché Anastasia Il Musical, non è solo una romantica storia d’amore, ma uno spettacolo brillante che riserva momenti di divertimento come anche di tensione.

Tutto è perfettamente calibrato e le diverse scene si susseguono sul palco con scorrevolezza, attraverso cambi scena anche a vista, ma che risultano rapidi e ottimamente inseriti nel contesto scenografico.

Scenografia, visto che l’abbiamo citata, meravigliosa di Clara Abruzzese e l’intervento di Federico Bellone, con sorprendenti prospettive, arredamenti ed effetti speciali che ci riportano indietro nel tempo, grazie anche ai bellissimi costumi di Clara Ricotti.

In scena un cast di attori e attrici professionisti che sono riusciti a fare della loro passione il proprio lavoro e che ad ogni spettacolo mettono tutti se stessi affinché ogni replica possa essere un successo. 

Sofia Caselli ha conquistato in pochissimo tempo il cuore artistico di chi scrive, impreziosendo ogni sua interpretazione con la grazia della figura e propria voce, ma anche con la determinazione di personaggi forti a cui cede parte della propria volitività.

Cirstian Catto continua il proprio percorso artistico dimostrandosi sempre più presente e sicuro, mai spavaldo però. Si avverte la sua maturità artistica che, ne siamo certi, potrò portare ad altri grandi ruoli e successi.

Finalmente quest’anno abbiamo potuto ammirare e applaudire Brian Boccuni e Nico Di Crescenzo.

Brian, nel ruolo del cattivo Gleb, dona al proprio personaggio un grande nerbo e un’impronta molto decisa, interpretando con trasporto e sofferenza il forte dissidio interno del personaggio. La sua voce, poi, potente e sferzante nei momenti drammatici diventa misurata, ma tagliente, in quelli più intimisti.

Da par suo, Nico Di Crescenzo interpreta un Conte Vlad eccentrico e divertente che passa attraverso diversi stati d’animo, tutti ben misurati. Probabilmente in scena è quello che interagisce con più personaggi anche contemporaneamente destreggiandosi sempre con grande precisione, misura e capacità.

A dare una sferzata di colore e allegria ad una storia bellissima, ma di fondo drammatica, è la Lily interpretata con grande ironia e maestria dalla straordinaria Stefania Fratepietro capace sempre di entrare nelle pieghe dei propri personaggi e tirarne fuori sempre il meglio.

Ottima prova per Carla Schnek, imperatrice austera e commossa. Con loro sul palco un bellissimo ensemble carico di energia e grinta, affiatato e capace che esegue le belle coreografie di Chiara Vecchi (anche regista associata).

Le musiche, suonate dal vivo, sono quelle del film di animazione, ma con nuove e splendide orchestrazioni sinfoniche e nuove canzoni. La traduzione e l’adattamento del libretto e parole italiane delle canzoni sono di Franco Travaglio che, come al solito, ha svolto un eccellente lavoro.

Nonostante gli “ancoraggi” che abbiamo rispetto alla versione originale, i suoi testi sono perfettamente aderenti al contesto e raccontano con precisione la storia.

Così, brani iconici come “Cuor non dirmi no” e “Quando viene dicembre” diventano “Il passato scoprirò” e “Un lontano dicembre”, ma il potere dei sentimenti espressi non cambia.

Anastasia Il Musical è uno spettacolo travolgente e affascinante che non potrà che incantare sia il pubblico italiano che quello straniero, visto anche che si parla di tour internazionale dello spettacolo.

Allora, bravi tutti e bravo Bellone che ha inanellato un altro enorme successo grazie al suo spirito e alla proprie capacità.

Produzione Dada e Pierfrancesco Pisani e Isabella Borettini
per Infinito in collaborazione con Argot Produzioni

ANASTASIA Il Musical
Libretto di Terrence Mcnally   Musiche di Stephen Flaherty   Testi di  Lynn Ahrens
Traduzione e adattamento del libretto e parole italiane delle canzoni FRANCO TRAVAGLIO

SOFIA CASELLI è ANASTASIA
CRISTIAN CATTO è DIMITRI
BRIAN BOCCUNI  è GLEB
NICO DI CRESCENZO è VLAD
STEFANIA FRATEPIETRO è LILY
CARLA SCHNECK è IMPERATRICE MARIA

ENSEMBLE
DAVIDE DAL SENO, MATTEO GERMINARIO, MATTIA CAPUTANO, MARCO CARNEVALI, LORENZO GIAMBATTISTA, ELENA IDINI, GIULIA MATTARUCCO, MATILDE PELLEGRI, ILENIA DE ROSA, ALESSANDRA REGOSINI

Regia  e scenografie di FEDERICO BELLONE

Chiara Vecchi regia associata & coreografie | Giovanni Maria Lori Supervisione Musicale
Clara Abbruzzese scenografie |  Clara Ricotti costumi, acconciature, trucco
Valerio Tiberi disegno luci | Emanuele Agliati disegno luci associato | Poti Martin disegno fonico
Paolo Carta illusioni e effetti speciali
Doug Besterman orchestrazioni originali | Pino Perris direzione orchestrazioni italiane
Maurizio Sansone direzione orchestrazioni italiane | Elisa Fagà vocal coach/direzione vocale

Anastasia si ispira al film distribuito dalla Twentieth Century Fox Motion Pictures per accordo speciale con Buena Vista Theatrical e dall’opera teatrale di Marcelle Maurette adattata da Guy Bolton.

Anastasia è presentato in accordo con Concord Theatricals Ltd