QUEEN AT THE OPERA – Il rock- sinfonico rinasce come una fenice!
Queen At The Opera è lo show rock-sinfonico basato sulle musiche dei Queen che riprenderà la sua tournée dal Politeama di Genova il 17 gennaio prossimo per poi arrivare a Roma il 22 gennaio e toccare moltissime altre città italiane.
E’ stato presentato in conferenza stampa presso l’elegante Palazzo Brancaccio di Roma, alla presenza di Simone Scorcelletti, direttore artistico e produttore dello spettacolo e alcuni dei protagonisti: Luca Marconi, che fa parte della formazione sin dalla prima edizione dello spettacolo; Valentina Ferrari e Alessandro Marchi.
Queen At The Opera, ha esordito con una tournée internazionale nel 2015 raccogliendo standing ovation e tutto esaurito fino a due anni fa. Poi ha dovuto bloccarsi per via del covid.
Oggi, dopo il fermo per pandemia, promette di confermarsi come lo show musicale dell’anno.
Nato da un’idea di Simone Scorcelletti e prodotto da Duncan Eventi, porta il sottotitolo Pohenix Tour 2022, all’insegna di una rinascita, proprio come una fenice che rinasce dalle proprie ceneri.
E lo fa con la forza del rock.
Insieme ai già citati Luca Marconi, Valentina Ferrarie Alessandro Marchi, sul palco ci saranno anche Luana Fraccavaleri e Giada Sabellico.
Queen At The Opera torna in scena totalmente rinnovato: nuovi arrangiamenti e nuove orchestrazioni opera del M°Piero Gallo; la presenza sul palco di un’orchestra composta da un gran numero di elementi; la partecipazione della soprano Sabellico, che conferirà un alto valore sinfonico ad alcuni dei brani leggendari dei Queen col suo bellissimo e potente registro da soprano.
Infine, una nuova scenotecnica e un nuovo disegno luci che daranno vita a un visual show che saprà unire il rock al glam.
Ai brani più popolari dei Queen verranno affiancati brani meno conosciuti e più sofisticati.
Il pubblico sarà protagonista di uno show unico in cui registri lirici, estesissimi, delle voci soprano si mescolano al graffiante rock, arpeggi acrobatici della chitarra elettrica si fondono con la dolcezza delicata degli archi, mentre le straordinarie voci dei solisti daranno vita ad un concerto entusiasmante.
Dopo Genova e Roma, Queen At The Opera, arriverà a Napoli, Firenze, Torino, San Benedetto del Tronto, Livorno, Assago (MI), iUdine, Cremona e Ancona.
Simone Scorcelletti ha confidato il suo amore storico verso il gruppo rock e la passione che lo hanno portato a lavorare dieci anni per costruire questo straordinario show che rappresenta un enorme investimento.
Uno show che promette di essere travolgente e che vuole celebrare le varie anime del gruppo musical britannico.
E’ andato in scena all’OFF/OFF Theatre, Il Grande Inquisitore di Fëdor Dostoevskij, spettacolo adattato, diretto ed interpretato da Daniele Salvo in scena con Melania Giglio e Daniele Ronco.
Il Grande Inquisitore porta in scena un capitolo dell’opera I fratelli Karàmazov di Dostoevskij
che può essere benissimo estrapolato dall’intero romanzo e letto, rappresentato e analizzato a sé, come espressione degli elementi psicologici, antropologici e di filosofia della religione propri dell’autore russo.
Ivàn Karamàzov espone al fratello Aleksej (Alëša) un racconto allegorico di sua invenzione, ambientato in Spagna ai tempi della Santa Inquisizione.
Millecinquecento anni dopo la sua morte, a Siviglia, Cristo torna sulla terra. Le strade della città sono piene dei roghi degli uomini che il Grande Inquisitore ha condannato come eretici.
Mentre cammina tra la folla che lo riconosce e lo circonda, acclamandolo, Gesù viene catturato su ordine del Grande Inquisitore e rinchiuso in prigione.
Nel carcere buio, il Grande Inquisitore muove la sua feroce accusa contro Gesù e lo condanna a morte.
Nella sua lunga arringa contro il Messia, il Grande Inquisitore affronta temi della filosofia morale, filosofia politica, filosofia della storia e filosofia della religione fondanti.
In particolare, il grande tema dibattuto è quello della libertà dell’essere umano, considerata dal Grande Inquisitore come il più grande fardello dell’uomo.
Il libero arbitrio, costituisce un peso per l’uomo, incapace di scegliere tra il bene e il male. L’uomo, essere vile e spregevole, non è capace di anteporre il bene al proprio interesse.
L’unica soluzione è quella di creare un’organizzazione fortemente gerarchica che detti regole ferree all’interno delle quali l’uomo possa scoprire i limiti della propria libertà.
Il Grande Inquisitore si presenta, così, come liberatore degli uomini dal peso della libertà attraverso il miracolo, il mistero e l’autorità, perché la grande libertà che Gesù è venuto a portare è per gli uomini una maledizione.
Quello tra il Grande Inquisitore e Gesù, non è un dialogo. Il Cardinale inquisitore espone la propria visone del mondo, opposta a quella di Gesù che rimane sempre in silenzio.
Come unica risposta Egli si avvicina al vecchio Inquisitore e lo bacia sulle sue vecchie labbra esangui: “il vecchio sussulta (…) e lo lascia andare per le oscure vie della città”.
Portare Dostoevskij a teatro è impresa ardua,
perché non si tratta di rappresentare un racconto, ma il suo pensiero: non è solo narrazione, ma riflessione sull’uomo.
Si richiede all’attore un grande lavoro di interpretazione che sia carico di emotività e faccia sentire prepotente la propria presenza scenica.
Daniele Salvo rappresenta i dubbi, il cinismo e la sfrontatezza di Ivan e la ferocia e smania di potere del Grande Inquisitore disegnando due personaggi reali carichi di turbamenti e frustrazioni.
Al suo fianco Daniele Ronco nei panni del fratello minore Alëša, timorato di Dio e poi in quelli di Cristo: un Cristo, inerme, imbelle, muto, quasi rassegnato a farsi mettere al patibolo un’altra volta dall’umanità.
La rappresentazione è carica di segni, simboli e allegorie
necessari a rappresentare i diversi aspetti della riflessione dello scrittore russo intorno all’uomo, che Daniele Salvo, con la sua regia, sa gestire grazie alla potente visionarietà a cui ci ha abituati, ma di cui non ci si sente mai stanchi.
Gli elementi razionali, teorici e cognitivi sono concentrati su Ivan; quelli più pragmatici, cinici e, allo stesso tempo speculativi, sulla figura del Grande Inquisitore; in Alëša vivono gli elementi più umani e sensibili e nella figura del Cristo, quelli più spirituali.
E’nel terzo, fondamentale personaggio de Lo spirito nero che è incarnato l’elemento mistico.
Melania Giglio aleggia come uno spirito sulla scena, attraversando il tempo: prima come spirito al fianco di Ivan, la sua coscienza forse, una voce espressione del suo lato più intimo e nascosto; come uno spirito nero, il diavolo, dopo, presenza oscura e cupa che incombe su Gesù e lo tenta attraverso le promesse lusinghiere del Grande Inquisitore.
Come sempre, la potenza espressiva ed evocativa di Melania carica di mistero e misticismo l’intera messa in scena, conferendole un senso di orrore incombente, sempre suscitato, mai compiuto o tradotto in azioni.
La scena di Alessandro Chiti riporta, dapprima, ad un ambiente rustico e semplice di una locanda, con una tavola, panche e banchetti in legno, per poi trasformarsi nel patibolo di Cristo.
Il tappeto di foglie ingiallite a terra, oltre a evocare una stagione di transizione, richiama la classica immagine degli ambienti rappresentati nei drammi degli autori russi.
I veli neri tagliati che circondano la piccola scena centrale dai tre lati, dividono il noto dall’ignoto, il reale dallo spirituale. Dagli spazi tra le tele l’elemento spiritico incarnato da Melania si affaccia sulla scena e fa il suo ingresso, tra gemiti, lamenti e canti latini.
La musica di Patrizio Maria D’Artista riesce a creare un’atmosfera inquietante, di continua sospensione del tempo, affiancando alle suggestioni delle antiche musiche di chiesa o alle arie delle preghiere cantate in latino, suggestioni gotiche.
IL GRANDE INQUISITORE Di Fëdor Dostoevskij
Adattamento e regia di Daniele Salvo
Con Daniele Salvo (Ivan – Il Grande Inquisitore) Melania Giglio (Lo spirito nero) Daniele Ronco (Alesa)
Scene Alessandro Chiti – Costumi Daniele Gelsi Musiche originali Patrizio Maria D’Artista – Luci Giuseppe Filipponio
Assistenti alla regia Riccardo Parravicini, Matteo Fiori Understudies Riccardo Parravicini (Ivan / Alesa) – Matteo Fiori (Alesa) Una produzione: Centro Studi Viačeslav Ivanov (Roma) con il contributo di GAZPROMBANK / Fahrenheit 451 Teatro / Teatro Maria Caniglia (Sulmona) / Mulino ad Arte Elaborazione grafica Michele Salvezza
Giancarlo Nicoletti porta l’opera nei teatri di prosa. Un’impresa ambiziosa e rischiosa, ma molto ben riuscita a giudicare dalla Prima al Teatro Vittoria.
Viene abbandonata la pomposa orchestrazione a favore solo di un pianoforte sulla scena: scelta pericolosa eppure grandemente efficace, che restituisce l’immediatezza del canto e l’intimità e l’impatto delle emozioni rappresentate.
Sul palco del Teatro Vittoria va in scena l’opera integrale di Giacomo Puccini in una messinscena diretta e coinvolgente che abbandona il consueto luogo di rappresentazione dell’opera per portarla in un teatro di prosa.
Una rappresentazione fedele alla drammaturgia musicale pucciniana per uno spettacolo che esce dagli schemi tradizionali, prestando il fianco a un tipo di rappresentazione scenica più teatrale che operistica, ma mantenendo invariata la partitura musicale e vocale.
Sul palco viene raccontato il passaggio dei protagonisti dalla gioventù, carica di leggerezza, all’età adulta gravata dalle responsabilità.
Un passaggio che si vive con stacco netto tra i primi due quadri e i secondi due della rappresentazione, passando dalla leggerezza e il brio dei primi a una dimensione più dolorosa, emozionante e coinvolgente degli altri.
Più la storia avanza e si fa triste, più i protagonisti riescono a tirare fuori toni, colori e registri emozionanti e coinvolgenti, soprattutto laddove ci sono quei pochi momenti di solo recitato che conferiscono una maggiore umanità alla vicenda di Mimì, Rodolfo e dei loro amici.
L’uso del solo pianoforte in scena, magistralmente suonato dal giovane e bravissimo Umberto Cipolla, rende l’impatto emotivo ancora più forte ed efficace non consentendo ad una eventuale orchestrazione di colmare col suono possibili debolezze recitative, ma, anzi, consentendo alla voce e alle parole di arrivare in tutta la loro enfasi.
In scena una compagnia di cantanti/attori giovani e provenienti dai più importanti Conservatori, già affermati a livello nazionale, sotto la guida del soprano Amelia Felle e del regista Giancarlo Nicoletti.
Per quanto riguarda i protagonisti è previsto un doppio cast che si alternerà ogni sera.
La scenografia di Alessandro Chiti delimita spazi e aperture, tramite l’uso di pannelli girevoli e porte dai vetri smerigliati.
La Bohème in scena al Teatro Vittoria è uno spettacolo emozionante e coinvolgente, esempio di un’operazione importante e rischiosa di avvicinare il pubblico della prosa all’opera e viceversa, in virtù di una comunicazione artistica.
Un’operazione coraggiosa ancor di più in un momento come quello attuale, così difficile e precario anche per lo spettacolo dal vivo.
Un impegno economico notevole e rischioso in un momento così incerto per il settore, frutto del lavoro, della passione e della “follia” di Giancarlo Nicoletti,Rocchina Ceglia e Cinzia Storari, di Altra Scena e Goldenart Production e con il sostegno di Ministero della Cultura.
LA BOHEME Opera in quattro quadri di Giacomo Puccini
libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica
regia Giancarlo Nicoletti direzione musicale Amelia Felle
con Flavia Colagioia – Silvia Susan Rosato Franchini – Joseph Dahdah Alessandro Fiocchetti – Annamaria Borelli – Giorgia Costantino – Vladimir Jindra Ivan Caminiti – Vittorio Ferlan Dellorco – Martin Kurek
al pianoforte Umberto Cipolla e Victoria Merkulyeva
scene Alessandro Chiti – costumi Vincenzo Napolitano disegno luci Daniele Manenti – direttore di scena Giovanni Piccirillo realizzazione scene L.T.Costruzioni – aiuto regia Alex Angelini organizzazione Cinzia Storari – ufficio stampa Rocchina Ceglia foto Luana Belli e Agnese Ruggeri – grafica Ruggero Pane
Produzione Altra Scena e Goldenart Production con il sostegno di Ministero della Cultura
