Teatro Vascello

26 marzo 2024 – Prima

La Sparanoia – atto unico senza feriti gravi purtroppo è il grido di ribellione che non trova voce che lo urli; è la rivoluzione senza i rivoluzionari

La Sparanoia è il nuovo spettacolo ideato e scritto da Niccolò Fettarappa, con protagonisti lo stesso Fettarappa e Lorenzo Guerrieri, che ne firmano insieme anche la regia.

Dopo il successo di Apocalisse Tascabile, che ha raccolto meritatamente grandiosi consensi da pubblico e critica e che ha vinto numerosi premi e riconoscimenti (premio In-box 2021; premio della critica al Nolo Fringe Festival; premio delle giurie riunite a Direction Under 30; premio Italia dei Visionari; candidatura al Premio Rete Critica 2022), Niccolò Fettarappa porta a teatro uno spettacolo ironico e tagliente che è molto più di uno spettacolo.

La Sparanoia è un irriverente e quanto mai attuale manifesto politico, civile e sociale, uno squarcio lucido sul presente.

La Sparanoia è l’anti manifesto della sinistra italiana, una sinistra timida, debole, una sinistra che vorrebbe osare nelle intenzioni, ma che poi non ha il coraggio dell’azione, addomesticata da una maggioranza prepotente, arrogante e violenta che la lascia annichilita. 

Una sinistra che “abbaia, ma non morde” o guaisce appena, piegandosi a un potere forte e autoritario che viene esercitato attraverso la repressione, la minaccia e la violenza dirette contro chiunque si ponga all’opposizione, con particolare dedizione a tutte le minoranze.

Attraverso un ritmo incalzante e un linguaggio semplice, veloce,  diretto, pungente e sarcastico, Niccolò Fettarappa e Lorenzo Guerrieri rappresentano la debolezza della sinistra contemporanea inerte di fronte alla prevaricazione della maggioranza e del potere costituito, attraverso personaggi icastici a confronto.

Niccolò nello spettacolo, ma attore e personaggio qui coincidono, è un ragazzo alla soglia dei trent’anni spaventato e spaesato che non vede per sé e per quelli della propria generazione alcun futuro.

Una generazione abbandonata a se stessa, in bilico tra un passato senza sicurezze e un futuro senza prospettive.

Niccolò si sente già vecchio, disorientato in un mondo sprofondato in un continuo stato di emergenza, un mondo in cui tutto va male e in cui per i giovani non esistono prospettive, schiacciati come sono dalla mancanza di lavoro e, quindi, dall’impossibilità di crearsi un’indipendenza.

Un mondo in cui “gli giovani” di sinistra sono sempre accomunati al fancazzismo, alla droga e al degrado.

Niccolò è un giovane intelligente, impegnato, curioso, istruito, informato e la sua sofferenza per la consapevolezza del tempo presente lo porta a volersi ribellare, a fare la “rivoluzione” (ma senza fumogeni!)

Ha interiorizzato Marx e il marxismo; ha studiato Adorno (Theodor Adorno è stato oggetto della tesi di laurea in filosofia di Fettarappa); è un giovane dalla mente brillante e dal pensiero veloce che è stato in grado di creare uno spettacolo sferzante, ironico e travolgente, in cui riesce a far confluire e a rielaborare la speculazione filosofica di Adorno, Horkeimer e Marcuse contestando il capitalismo monopolistico che ha condotto, tra le varie cose, all’alienazione dell’individuo e alla disumanizzazione dei rapporti sociali.

Guerrieri interpreta con piglio e carisma tutti gli altri personaggi che vanno incontro a Niccolò o si scontrano con lui: è il giornalista sensazionalista; il manipolatore della comunicazione; è un Fidel Castro appassionato di scaldabagni più che di rivoluzione, e tanto altro.

Tutto questo trova spazio in uno spettacolo che corre via leggero e godibilissimo in settantacinque minuti circa e in cui Fettarappa e Guerrieri sono sempre al massimo, “caricati a pallettoni”.

Fettarappa e Guerrieri inanellano una serie di immagini simbolo che rappresentano lo stato di difficoltà del nostro tempo e che si susseguono con ritmo serrato dando vita a una rappresentazione tanto mordace quanto intelligente e allo stesso tempo entusiasmante.

I personaggi sono esasperati nelle loro caratteristiche, tanto da apparire buffi, curiosi, eccentrici. Portati alle estreme conseguenze rappresentano un mondo in cui gli eventi politici e sociali si susseguono tanto velocemente da non darci il tempo spesso di percepirne la gravità; un mondo in cui la comunicazione dei mass mer*a è talmente amplificata dai numerosi mezzi di diffusione, rapida, affollata di notizie e rimbombante da lasciare confusi, interdetti e creare false ideologie. 

La Sparanoia è il grido di ribellione che non trova voce che lo urli; è la rivoluzione senza i rivoluzionari.

La Sparanoia è l’addomesticamento delle coscienze.

La Sparanoia è la rivoluzione fatta con le pistole ad acqua.

Ci sono spettacoli che per il loro valore educativo, sociale e civile sono particolarmente adatti anche a un pubblico in età scolastica.

Questo spettacolo, che si avvale del contributo intellettuale di Christian Raimo, non solo andrebbe fatto vedere agli studenti delle scuole superiori e agli universitari, ma sarebbe buona cosa che venisse rappresentato anche in Parlamento, per dimostrare che non tutti i giovani sono dei bamboccioni e che nel mondo, in Italia, ce ne sono moltissimi che hanno dei valori, che si informano, studiano, si confrontano, elaborano, creano, producono e diffondono cultura e che vorrebbero essere solo riconosciuti e avere delle opportunità.

LA SPARANOIA 

Atto unico senza feriti gravi purtroppo

progetto ideato e scritto da NICCOLÒ FETTARAPPA
con NICCOLÒ FETTARAPPA e LORENZO GUERRIERI

contributo intellettuale di CHRISTIAN RAIMO

regia di NICCOLÒ FETTARAPPA e LORENZO GUERRIERI

co-produzione SARDEGNA TEATRO – AGIDI, Con il sostegno di Armunia Teatro, Spazio Zut, Circuito Claps, Officine della cultura

con NICCOLÒ FETTARAPPA e LORENZO GUERRIERI

progetto ideato e scritto da NICCOLÒ FETTARAPPA

collaborazione artistica CHRISTIAN RAIMO

regia NICCOLÒ FETTARAPPA e LORENZO GUERRIERI

assistente alla regia GIULIA BARTOLINI

Si ringrazia Carrozzerie n.o.t.

Foto di copertina di Antonio Ficai

Teatro Belli

21 marzo 2024

I cuori battono nelle uova (strapazzate): inno a una vita che fa paura

I cuori battono nelle uova è l’ultimo spettacolo, in ordine di tempo, della compagnia Les Moustaches, nata a Bergamo come compagnia teatrale under 30 e che ha ottenuto grandi riconoscimenti da pubblico e critica, vincendo anche diversi festival italiani e internazionali.

In scena al Teatro Belli di Roma, all’interno della rassegna Expo – Teatro italiano, lo spettacolo è un inno disperato alla vita.

Tre donne, tutte e tre in attesa del loro primo figlio. indossano un lungo camice aperto davanti che mostra tre grandi “panze”, gonfie e tonde come uova.

Piene (come un uovo) della nuova vita che le abita, le tre donne immaginano un futuro per i propri figli o figlie, tra fantasie, speranze e paure.

Percorse e scosse da un amore cieco e disperato, le tre donne alimenteranno pensieri inizialmente leggeri e apparentemente innocui che si faranno sempre più drammatici mano a mano che andranno a scavare nel proprio intimo e che le spingeranno ad azioni feroci.

Scritto da Alberto Fumagalli, diretto dallo stesso Fumagalli con Ludovica D’Auria, I cuori battono nelle uova è il risultato di un lavoro centrato su corpo, parola, luce e ritmo.

I tre corpi con le loro pance gonfie sono protagonisti della scena, incarnati con forza, intenzione, disincanto, rabbia e cinismo dalle tre bravissime attrici Elena Ferri, Matilda Farrington, Grazia Nazzaro, che riempiono la scena con la loro gravidanza muovendosi, agitandosi, saltando, rincorrendosi e azzuffandosi.

La gravidanza rappresenta un momento unico e speciale per ogni donna, un mistero affascinante per ognuno: il mistero della creazione.

La donna incinta è una creatura quasi mitologica: il suo corpo si trasforma per fare spazio ad un altro corpo che dipende totalmente da lei.

La donna acquisisce una bellezza unica e speciale, ma è anche attraversata da pulsioni improvvise e contrastanti che l’aggrediscono come soldati su un campo di battaglia oppure possono carezzarla come piume leggere senza un ordine tra le due cose.

L’uovo è simbolo della trasformazione per antonomasia: da guscio duro, ma fragile, si trasforma in uno scrigno prezioso che conserva una vita.

I cuori battono nelle uova, sì, ma spesso queste uova sono piuttosto strapazzate. Le tre donne non danno tregua alle loro “panze”: le toccano, le reggono con le mani, le proteggono e le agitano da una parte all’altra, in frenetiche danze, assalti feroci e fughe spaventose.

Altro fattore determinante è la scrittura: una drammaturgia frutto di sperimentazione linguistica.

Un linguaggio destinato prettamente allo spazio teatrale, una prosodia affascinante e ricercata che si fa quasi filastrocca che, però, mano a mano, da verbalità diventa verbosità, sempre più gonfia, reiterata, ridondante e spesso urlata, e rischia di girare in cerchio su stessa.

Intenzionale, forse, se colleghiamo la circolarità della parola alla scenografia di Eleonora Rodigari che pone al centro della scena un grande lettino per neonati tondo, con la sua rete di protezione in alto e i suoi sonaglini, ma che allo stesso tempo diventa una giostra girevole che le tre brave attrici sanno abitare, guidate certamente anche da un’attenta e creativa regia, facendolo diventare proiezione della loro gravidanza, ma, sopratutto dei loro pensieri e delle loro paure, fino a divenire campo di battaglia.

Infine luce si è detto, grazie al progetto luci sempre di Eleonora Rodigari che disegna i confini tra incanto e disincanto, sogno e illusione, aspettativa e paura: paura esistenziale, paura per il futuro di quei poveri figli, concepiti, ma ancora non nati e già strapazzati come uova.

Società per Attori

presenta

EXPO – TEATRO ITALIANO CONTEMPORANEO

Rassegna di drammaturgia italiana contemporanea

I CUORI BATTONO NELLE UOVA

di Alberto Fumagalli

con Elena Ferri, Matilda Farrington, Grazia Nazzaro

regia Ludovica D’Auria, Alberto Fumagalli

costumi Giulio Morini

ligh designer e scenografia Eleonora Rodigari

aiuto regia Tommaso Ferrero

produzione Società per Attori, Accademia Perduta Romagna Teatri, Les Moustaches

Teatro Ambra Jovinelli

19 marzo 2023

Iliade – Il gioco degli dei: gli dei a immagine e somiglianza dell’uomo

Il senso dello spettacolo Iliade – Il gioco degli dei è tutto in quell’aggiunta al titolo che fa riferimento non solo al prendersi gioco degli uomini da parte degli dei nella mitologia e letteratura classiche, ma anche al gioco drammaturgico che Roberto Aldorasi, Alessio Boni, Francesco Niccolini e Marcello Prayer hanno scritto e portano in scena con un testo di Francesco Niccolini ispirato all’Iliade di Omero.

Il gioco drammaturgico messo in atto è un meccanismo di  umanizzazione del divino che svuota questo elemento della propria austerità misterica riducendo gli dei a esseri molto simili agli umani, mossi dagli stessi sentimenti, gelosie, desideri carnali, di conquista, di controllo e di sopraffazione sugli altri

Un gioco teatrale che comincia da subito, presentando uno Zeus vecchio, stanco e demotivato, che soffre di demenza senile e battibecca con sua moglie Era come un’ordinaria coppia di umani.

Un gioco dramamturgico che coinvolge ogni aspetto dello spettacolo: dal linguaggio, affatto aulico, ma, piuttosto, colloquiale, allo stile pop contemporaneo dei personaggi, che, convocati da Zeus discutono animatamente come una qualsiasi famiglia umana.

Gli dei sono ormai deboli e insicuri; a loro non crede più nessuno e soffrono per la mancanza di quel potere che storicamente esercitavano sul genere umano.

Annoiati, stanchi e mossi da una nostalgia pulsante, gli dei chiedono a Zeus di rievocare l’ultimo periodo della loro grandiosità prima della caduta.

Come bambini che, appassionati a un gioco, lo vogliono ripetere, così gli dei “giocano alla guerra di Troia”, rievocando un’età dell’oro ormai dissoltasi da molto, molto tempo.

L’Iliade canta la guerra delle guerre, mitica, affascinante, cruenta e di un tempo in cui gli uomini erano, o credevano di essere, assoggettati al volere degli dei che decidevano per loro gioie e dolori, vittorie e sconfitta, vita e morte.

Ogni evento era per loro incontrollabile perché rispondeva solo al volere o ai capricci degli dei.

Iliade – Il gioco degli dei con evidente riferimento ai nostri tempi e alla nostra civiltà occidentale, vuole ribaltare il punto di vista mettendo in evidenza come gli dei non fossero altro che lo specchio dei desideri, delle ambizioni, delle paure e dei sentimenti del genere umano.

Non furono gli dei a creare gli uomini a loro immagine, bensì furono questi a proiettare se stessi e il proprio mondo interiore su entità astratte e distanti a cui poter fare sempre riferimento. Gli dei, però, non ebbero mai il controllo: tutto partiva dall’uomo, ma, ai tempi di cui si narra, non esistevano i concetti di coscienza e responsabilità.

Sicuramente il gioco teatrale portato in scena è ben riuscito  ed efficace e il senso dello spettacolo arriva forte e chiaro: togliere gli dei dal piedistallo e portarli al livello del genere umano significa desautorare un potere assoluto cieco e inoppugnabile, ma anche, da parte del genere umano, riconoscere le proprie debolezze e le proprie colpe assumendosi le proprie responsabilità, concetti oggi più che mai attuali.

L’elemento ludico, però, è spesso troppo calcato e cavalcato e lo spettacolo rischia di scivolare, a volte, nella parodia, con interpretazioni a volte un po’ troppo forzate.

Allo stesso tempo, per il suo linguaggio contemporaneo e il tono disimpegnato, lo spettacolo si presta benissimo ad essere fruibile dai giovani studenti perché racconta in estrema sintesi le vicende principali del poema e con il suo codice verbale e visivo può facilmente catturare l’attenzione dei giovani e coinvolgerli nel racconto, lasciando anche un importante messaggio.

La messa in scena di Iliade – Il Gioco delle parti ha, però, va detto, elementi scenici e drammaturgici molto interessanti ed efficaci.

Primo fra tutti l’uso di “mascheroni”, una sorta di grandi burattini creati da Alberto Favretto, Marta Montevecchi, Raquel Silva che raffigurano i soldati e gli altri personaggi coinvolti nel racconto della guerra di Troia eche sono sorretti  in scena dagli attori e dalle attrici.

Armature e maschere di grande qualità ed effetto, ben definiti nei dettagli e nei caratteri distintivi e ben visibili anche dalle ultime fila della platea.

Più grandi delle dimensioni umane, sono proiezione dei capricci degli dei sugli uomini, mossi nelle azioni a piacimento dei primi, ma, allo stesso tempo, rappresentano anche la proiezione degli uomini verso il divino, l’anelito alla grandezza e all’eternità.

Altri punti di forza dello spettacolo che completano efficacemente l’allestimento generale, sono le scene di Massimo Troncanetti, anche se sarebbe stato apprezzabile uno sforzo in più, i costumi di Francesco Esposito, le musiche di Francesco Forni e l’ottimo disegno luci di Davide Scognamiglio che con maestria disegna luci e ombre definendo nettamente i confini tra commedia e dramma.

ILIADE IL GIOCO DEGLI DEI

ALESSIO BONI – IAIA FORTE

testo di Francesco Niccolini ispirato all’Iliade di Omero
drammaturgia di Roberto Aldorasi, Alessio Boni, Francesco Niccolini e Marcello Prayer
con (in o.a.)  Haroun Fall, Jun Ichikawa, Francesco Meoni, Elena Nico, Marcello Prayer, Elena Vanni
scene Massimo Troncanetti
costumi Francesco Esposito
disegno luci Davide Scognamiglio
musiche Francesco Forni
creature e oggetti di scena Alberto Favretto, Marta Montevecchi, Raquel Silva
regia Roberto Aldorasi – Alessio Boni – Marcello Prayer
produzione Nuovo Teatro diretta da Marco Balsamo in coproduzione con Fondazione Teatro Donizetti di Bergamo, Fondazione Teatro della Toscana, Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia