A noi italiani piace polemizzare su tutto, anche quando non conosciamo le cose di cui parliamo, soprattutto quando non conosciamo le cose di cui ci parliamo. Non siamo abituati a documentarci prima di esprimere un’opinione, ci piace solo poter dire la nostra immediatamente su un qualsiasi concetto che venga esposto privatamente o pubblicamente da qualcun altro.

Se volessimo fare polemica così, a pacchetto chiuso, su Divo Nerone  – Opera Rock potremmo tranquillamente riprendere i già tanti discorsi fatti, e pensare che lo spettacolo non è nemmeno cominciato!

Io, però, non faccio cronaca, ma mi occupo di Teatro e Musical, e a me interessano gli spettacoli.

Certo potrei parlare di un’organizzazione piuttosto carente riguardo alla conferenza stampa, ma, considerando che questa sera ci sarà l’Anteprima è giustificabile il fatto che ci si arrivi un po’ in affanno.

Non è con animo polemico che ho deciso di presenziare alla conferenza stampa, a differenza, purtroppo, di molti colleghi, sicuramente più accreditati di me per studi  e per esperienza professionale, che si sono presentati impreparati all’evento e che hanno posto le solite domande provocatorie. Stampa non di settore, ma generalista che deve scrivere un pezzo e nulla più.

Nel mio caso, in cui a muovermi è la passione per il Teatro e per il Musical e a supportarmi è ormai una certa esperienza in questo settore, l’interesse predominante è quello per lo spettacolo e credo che debba esserlo per tutti.

Uno spettacolo che porta firme prestigiose.

A partire da Franco Migliacci, due volte Grammy Awards, autore di tantissimi grandi successi della musica italiana, qui autore della sceneggiatura e dei testi dell’opera (in cui è stato supportato da un importante gruppo di lavoro).

Racconta di essersi sempre sentito come Nerone, perché aveva un padre severo e prepotente come Agrippina, madre di Nerone. Il padre, infatti, non voleva che egli seguisse le proprie aspirazioni artistiche, ma avrebbe preferito che continuasse a studiare ragioneria e che entrasse in banca. Questo ostracismo da parte del padre lo fece soffrire tanto da sentirsi incompreso, così come incompreso è stato Nerone in duemila anni di storiografia.

Capiremo meglio questa ultima affermazione ascoltando le parole di Ernesto Migliacci, figlio di Franco, responsabile della direzione artistica e collaboratore ai testi, il quale nel parlare dell’idea che ha mosso la produzione di questo spettacolo rivela subito che troveremo una figura diversa di Nerone rispetto a quella che la storiografia ci ha trasmesso per tantissimi anni. Basandosi sulle ricerche storiografiche di fine Ottocento, anglosassoni prima e italiane poi, e anche sul saggio di Massimo Fini “Nerone duemila anni di calunnie”, la figura di Nerone subirà una riabilitazione e l’Imperatore verrà presentato in una maniera diversa da quella con cui lo conosciamo.

Aggiungo io che questo è un elemento che deve essere sottolineato e tenuto ben a mente, perché ci dice qualcosa di una storia che potrebbe farci scoprire elementi nuovi e stupirci già a livello drammaturgico.

A dar lustro a Divo Nerone – Opera Rock sono le prestigiose collaborazioni del tre volte premio Oscar Dante Ferretti, scenografo di grandi produzioni hollywoodiane, della tre volte premio Oscar per arredo e decoro Francesca Lo Schiavo, del premio Oscar Gabriella Pescucci per i costumi e del premio Oscar Luis Enriquez Bacalov che per quest’opera ha scritto il brano “Da grande sarò immenso”.

Infine, ma non ultimo, anzi primo nel cuore di chi scrive, il grandissimo e straordinario Maestro Gino Landi, regista e coreografo dei più acclamati musical  e varietà italiani, che firma la regia dello spettacolo e, con grandissima simpatia, tiene a precisare di non aver vinto alcun Oscar, ma di avere un Telegatto!

Il Maestro motiva la propria scelta di aderire a questo spettacolo sostenendo che gli piace tutto di questo Musical, di questa idea e che: “faccio tutto quando una cosa mi tocca il cuore anche solo per un attimo. Nerone è un personaggio e la gente ha bisogno di personaggi”.

Dopo questa doverosa presentazione è necessario occuparsi dello spettacolo e dei suoi protagonisti, cosa che è sfuggita a molti dei presenti.

Divo Nerone – Opera Rock si propone come un’opera mastodontica, incredibilmente grande che mette in scena 26 ballerini, 12 cantanti e attori e 100 professionisti operanti tra luci, macchine, effetti speciali da apparecchiature di scena.

A seguito di interviste private ho potuto scoprire che musicalmente ci sarà una grande contaminazione di generi con influenze world, musica d’orchestra, elettronica, rock sinfonico e momenti rock più spinti. In questo i produttori Cristian Casella e Jacopo Capanna puntano sulle qualità di Giorgio Adamo, cantante e attore con un passato in diverse cover band rock (una su tutte, quella dei Deep Purple).

Le coreografie sono affidate a Marco Sellati e promettono di essere dirompenti e coinvolgenti.

Le scenografie di Dante Ferretti già ad un primo impatto visivo sono qualcosa che potrebbe lasciare il segno e sicuramente nasconderanno grandi sorprese e saranno supportate da effetti e proiezioni.

Assistente alla regia è Cristina Arrò.

Arriviamo a chi lo spettacolo lo metterà in scena per sei sere a settimana, dal 6 giugno al 10 settembre per la stagione estiva, ma è già prevista una stagione invernale  e la creazione di una seconda compagnia che porterà lo spettacolo in giro per il mondo mentre sarà in scena a Roma.

Dicevo, il cast artistico.

Un cast di enorme valore umano e artistico che merita una citazione a parte e approfondita, composto da grandi professionisti del settore, interpreti e protagonisti che si sono fatti valere, conoscere e amare in Italia e, in alcuni casi, anche all’estero.

Dobbiamo essere fieri di avere in Italia artisti di siffatto talento e bravura, professionisti seri che da mesi lavorano e si impegnano con grandissima fatica e totale dedizione per far sì che questo possa essere uno spettacolo forte e valido.

Di loro si dovrà parlare, di loro che il Teatro lo vivono e lo fanno ogni giorno, con amore e abnegazione.

Di loro su cui enorme è il peso di questo debutto, non solo per una giusta e sana ansia da prestazione e da Prima, ma anche per le polemiche che già girano intorno a questo spettacolo, polemiche che fanno male prima di tutto a loro, ma anche al Teatro in generale.

Stiamo a vedere cosa sarà questo spettacolo, vediamo come crescerà nel tempo e poi trarremo le nostre conclusioni, ma non scordiamoci mai dell’enorme lavoro e fatica che c’è dietro e dei talenti che abbiamo nel nostro Paese.

Sicuramente un debutto non facile visti i pochi mesi di prove (credo tre) che li hanno visti quotidianamente impegnati per moltissime ore. Purtroppo in Italia il problema è sempre quello: non ci sono soldi e il tempo per provare è sempre meno.

Ad aggiungere valore all’impegno di questi artisti è un altro elemento importante: lo spettacolo andrà in scena per cinque giorni in inglese e solo un sesto giorno in italiano.

Ciò significa che questi straordinari artisti hanno dovuto preparare in questi mesi non uno, ma due spettacoli: non deve essere stato facile imparare due copioni, uno in inglese e uno in italiano e non credo possano essere rappresentati allo stesso modo, non fosse solo per l’inflessione e l’intonazione diversa delle due lingue.

A tal proposito va citata la grande Tia Architto come English Dialogue Coach.

Un elemento, questo del doppio spettacolo in inglese, tra l’altro prevalente rispetto alla versione italiana, che lo indirizza decisamente verso un pubblico straniero che potrà così conoscere e ammirare un prodotto completamente italiano portato in scena da artisti italiani (diciamo pure che visti i prezzi, sarà meno allettante per il pubblico italiano, salvo che poi dovessero uscire convenzioni o promozioni).

Nominiamo finalmente questi artisti.

Giorgio Adamo, è stato detto, sarà Nerone;

Rosalia Misseri,  Agrippina;

Giosuè Tortorelli, Seneca;

Ilaria De Rosa, Atte;

Rita Pilato, Poppea;

Riccardo Maccaferri, Tullio;

Elia Lo Tauro, Petroni;

Alex Ceccotti, Lucano;

Alessio Ventura, Otone;

Giancarlo Teodori, Tigellino;

Francesco Caramia, Britannico;

Francesca Ingravalle, Zia Lepida/Ostessa Drusilla

Jessica Scorpio, Ottavia;

La meravigliosa Simona Patitucci sarà Locusta.

Dato il gran numero di repliche, inoltre, sono previste delle sostituzioni che saranno effettuate da altri grandi talenti che hanno dovuto imparare anche due ruoli:

Luca Gaudiano interpreterà Tullio e Lucano;

Anna Vinci, sarà Agrippina e Locusta;

Gloria Miele, Poppea e Atte.

A questo punto non resta che vedere per decidere se Divo Nerone – Opera Rock sarà all’altezza delle nostre aspettative. Io sono pronto.

Teatro Vittoria

4 giugno 2017

Il 4 giugno 2017, è andato in scena al Teatro Vittoria, all’interno della rassegna Salviamo I Talenti, lo spettacolo Un uomo è un uomo, di Bertolt Brecht, con la regia di Lorenzo De Liberato e la traduzione di Giulia Veronesi.

Uno spettacolo che colpisce, attira e coinvolge per una serie di soluzioni rappresentative molto interessanti.

Siamo nel 1925. L’esercito inglese arriva a Kilkoa con centomila soldati per marciare verso le frontiere settentrionali per fare guerra contro il Tibet. Quattro commilitoni, durante una serata libera, danno fuoco ad una pagoda per rubare i soldi delle elemosine, lasciando evidenti tracce del proprio passaggio. Uria, Jesse e Polly si vedranno costretti ad abbandonare Jip e far ritorno al treno che li trasporterà al confine. Per evitare di essere fucilati dovranno trovare nell’immediato qualcuno che possa sostituirsi a Jip per l’appello della sera: si imbattono, così, in Galy Gay, un uomo semplice, uno scaricatore di porto, che non sa mai dire di no ad alcuno.

Con l’aiuto della vedova Begbick, che gestisce il vagone-birreria dell’esercito, i tre metteranno in atto un piano grottesco per convincere Galy Gay a sostituirsi a Jip. La situazione, però, si evolverà velocemente e Galy Gay si vedrà coinvolto in un processo di trasformazione totale destinato a farlo diventare un vero soldato per sostituire definitivamente Jip, che, intanto, sembra essersi perso.

A rendere la situazione più complessa e pericolosa si aggiunge il Sergente, detto Il Sanguinario 5, o La Tigre di Kilkoa, feroce militare che ha fiutato l’inganno e tiene sotto controllo i quattro commilitoni.

Un uomo è un uomo è una tra le opere meno conosciute, studiate e rappresentate di Bertolt Brecht; che restituisce un’immagine lucida e cinica dell’imperialismo coloniale e del capitalismo che manipola il proletariato.

Una storia drammatica e comica allo stesso tempo, terribile e pungente sulla capacità di certi individui di trasformare un uomo in un altro uomo.

Galy Gay viene preso, usato, manipolato, smontato nella propria individualità e ricostituito come altro da se stesso, tanto da non essere capace più egli stesso di riconoscersi in quello che era prima.

Mentre viene messo in atto questo processo di metamorfosi profonda, inarrestabile e senza ritorno, anche le persone intorno a lui cambiano, ma, mentre gli altri cambiano con consapevolezza nell’intento di manipolarlo, invece egli muta nome e carattere perché vittima del potere che gli altri esercitano su di lui.

Lo spettacolo restituisce in pieno non solo la storia, sebbene con alcuni (graditi) tagli ed un finale diverso, quanto, soprattutto, i meccanismi psicologici e le dinamiche relazionali tra i personaggi.

Attraverso un processo graduale si passa dalla narrazione e comicità del primo atto, alla più ampia esplicazione e rappresentazione del pensiero brecthiano, attraverso la trasformazione completa di un uomo in un altro uomo e la comicità si fa ironia tagliente e beffarda.

Ciò che il primo atto sottende, richiama e anticipa, nel secondo prende prepotentemente piede in una successione di eventi che distruggono il concetto di individuo, scomponendolo e ricomponendolo a piacimento e al servizio di una ristretta collettività. L’uno cede di fronte al gruppo, l’individuo viene riconosciuto solo in riferimento ad una collettività che gli conferisce senso ed esistenza.

D’altronde “un uomo vale un altro uomo”, “un uomo lo si può rifare a volontà” perché un “uomo è un uomo”.

Il processo di disgregazione dell’individualità e la sua ricostituzione in qualcosa di diverso, manipolato e programmato a piacimento da altri, è rappresentato nello spettacolo in maniera intelligente e acuta, in una narrazione che resta fluida, con una successione di eventi non forzati, ma consequenziali, nonostante  un progressivo approfondimento del carattere psicologico dell’opera e un’atmosfera che diventa sempre più surreale.

I giovani attori in scena sono all’altezza del difficile testo, facendosi allo stesso tempo agenti e strumenti al servizio della storia e del messaggio, merito anche della evidente coesione che caratterizza le dinamiche attoriali e che si riflette nell’interazione dei personaggi.

Bellissima prova personale e collettiva per i tre commilitoni Matteo Cirillo (Uria), Tiziano Caputo (Jesse) e Stefano Patti (Polly), sia a livello interpretativo che espressivo.

Gli fa contrasto Alessandro De Feo, nella doppia veste di Galy Gay e il nuovo Jip, in un processo metamorfico graduale e costante, che forse avrebbe richiesto maggior enfasi nei due antipodi, soprattutto nello smarrimento.

Lorenzo Garufo è il Sanguinario 5, anch’esso un personaggio che muta nel corso degli eventi e che Lorenzo ben riesce a sostenere nel cambiamento.

Arianna Pozzoli è la vedova Begbick, un personaggio centrale per il piano dei tre commilitoni, di cui Arianna fa sentire l’importanza e la presenza con leggerezza e bellezza.

Agnese Fallongo interpreta la moglie di Galy Gay e, nel secondo atto, un soldato.  Di lei ammiro quella sua capacità di contenere il teatro in un gesto o in un’espressione oltre che nella sola verbalità.

Completano il cast Bruno Ricci, nei panni del vero Jip, e Mario Russo, un soldato.

La regia di Lorenzo De Liberato riesce ad alleggerire la rappresentazione a favore del messaggio che, complesso, arriva con immediatezza e lucido cinismo.

La scenografia, nuda ed essenziale, gioca sugli stessi pochissimi elementi utilizzati ogni volta in maniera diversa.

Azzeccata la scelta di utilizzare inserti musicali che, oltre a mutare ritmo allo spettacolo e a mettere in luce alcuni stati d’animo, sono essi stessi narrativi. Già presenti in Brecht, qui, tranne che per due brani, sono stati scritti e composti da Tiziano Caputo a cui va  dato merito.

Un uomo è un uomo è il quarto spettacolo di Brecht che la compagnia mette in scena e con il quale dimostra di aver saputo raccogliere e rappresentare la provocazione intellettuale di Brecht stimolando la riflessione e destando nello spettatore la curiosità di conoscerne e approfondire il pensiero e la poetica.

Lo spettacolo, inoltre, affronta un tema quanto mai ancora attuale: l’annullamento dell’individualità a favore di una massificazione acritica affinché i gruppi di potere possano manipolare gusti e orientamenti degli uomini a proprio favore.

E’ un vero piacere vedere attori, anagraficamente giovani, professionalmente già avanzati, seppur a livelli diversi, affrontare a teatro un testo di tale valore e un autore così complesso come Brecht. Lo trovo un ottimo modo per avvicinare i giovani al teatro e alla conoscenza dei classici.

Un uomo è un uomo
di Bertolt Brecht
regia Lorenzo De Liberato
traduzione Giulia Veronesi

con Tiziano Caputo, Matteo Cirillo, Alessandro De Feo, Agnese Fallongo, Lorenzo Garufo, Stefano Patti, Arianna Pozzoli, Bruno Ricci, Mario Russo
disegno luci Matteo Ziglio
scene Laura Giusti
musiche eseguite dal vivo da Mario Russo e dal M° Valerio Mele.

 Recensione di Carlo Tomeo

“Moby Dick” è  uno dei romanzi più noti della letteratura americana dell’Ottocento perché, al di là della sua trama nuda e cruda, da tutti conosciuta (se non altro perché, a ciascuno di noi, pur non avendo letto il romanzo, sarà capitato di vedere almeno uno dei sette film più due miniserie americane) è anche uno dei romanzi più studiati per la sua particolarità di scrittura: il racconto del capitano Achab, cui una balena bianca (che il capitano chiama Moby Dick) aveva staccato una gamba mentre l’uomo cercava di catturarla, è così ricco di digressioni, simboli e considerazioni filosofiche, scientifiche e religiose da farlo diventare un nuovo modo narrativo della letteratura, un poco (al di là delle tematiche) come successe con L’Ulisse di Joyce o il noveau roman francese che nacque agli inizi degli anni 50 del secolo scorso.

Corrado d’Elia non si è voluto sottrarre a dare la sua versione del romanzo, ne ha voluto fare una sua sceneggiatura fatta a monologo  (che andrà ad arricchire la serie dei suoi album) e l’ha messa in scena per la prima volta il 5 giugno.

Come d’abitudine nella serie degli album egli è il mattatore unico della scena, ridotta all’essenziale ma ricca di simboli: la sabbia sul pavimento che richiama il mare, una serie di cannocchiali che si allungano per poter vedere meglio il lontano dove potrebbe trovarsi Moby Dick, una zattera che funge da nave, un sedile dove l’attore rimane seduto durante la recitazione: il suo navigare sulla baleniera Pequod non è più finalizzato a catturare balene e capodogli ma a cercare la sua nemica  che gli ha amputato la gamba. La sua è brama di vendetta, che diventa sempre più ossessiva, ma che invece non avrebbe ragione d’essere, perché l’animale che l’ha ferito lo ha fatto per difesa: è nella natura delle cose. Quindi ora la sua lotta è contro la natura e non potrà che essere quest’ultima la vincente.

Il monologo di d’Elia è la narrazione del romanzo, è diviso per capitoli di diversa lunghezza, alcuni si potrebbero definire paragrafi, data la loro brevità, e a fare da intermezzo tra un capitolo e l’altro, ci sono poche note della musica di una suite che si è ascoltata per intera prima dell’inizio del  monologo.

Il testo teatrale, come il libro, è pieno di simboli che vanno interpretati: il più immediato è costituito dal tema della lotta dell’uomo contro la natura e della sua smania di andare sempre più lontano per conoscere sempre di più deturpando però le dinamiche della natura stessa che alla fine le si rivolterà contro. L’uomo, che vuole essere padrone assoluto su tutto, non si accorge che in realtà riduce la sua statura mentale di essere umano. L’impoverimento dello spirito è ravvisabile proprio da quella che dovrebbe essere una nave (la Pequod) che è invece rappresentata da una zattera, dove si avverte il declassamento dell’animo umano.

Il titolo stesso è denso di significato e ciascun spettatore può farsi la propria idea. Perché “Moby Dick” diventa “Io, Moby Dick” se poi a raccontare è il capitano Achab?  È forse l’ammissione di aver capito di essere il meno forte e quindi quell’”io” iniziale sta a significare il desiderio di sostituirsi alla balena in quanto, più o meno inconsciamente, sa che è lei la più forte? Come dire che l’uomo non vuole più chiamarsi Achab ma vuole essere Moby Dick e la ricerca dell’annientamento dell’animale è il fine che  intende perseguire per la nuova affermazione del sé.

Bisogna dare a Cesare quel che è di Cesare: nella stagione artistica che sta terminando ho visto tre monologhi di Corrado d’Elia. “Io, Moby Dick” è il terzo e l’attore si è dimostrato ancora una volta il grande istrione che conosciamo,

infondendo nei suoi soliloqui passione e poesia senza risparmiarsi e calamitando l’attenzione del pubblico dall’inizio alla fine.

Bellissima la parte musicale che fa da prologo, quasi una ouverture d’opera lirica. Peccato solo che gli stacchi tra un capitolo e l’altro siano costituiti da una sola frase musicale, sempre la stessa, peraltro troppo breve da pensarla come un leitmotiv.

Teatro pieno e numerose chiamate alla prima nazionale.

Io, Moby Dick

progetto e regia di Corrado d’Elia

liberamente ispirato a Moby Dick di Hermann Melville

con Corrado d’Elia

assistente alla regia  Federica D’Angelo

ideazione scenica e grafica  Chiara Salvucci

luci  Marco Meola

audio  Gabriele Copes

foto di scena  Angelo Redaelli

collaborazione alle ricerche bibliografiche  Alessandro Sgamma

produzione Compagnia Corrado d’Elia

Nuova produzione

Spettacolo sostenuto da Regione Lombardia nell’ambito del

Progetto “Next – Laboratorio delle idee” Edizione 2016/2017

Si ringrazia Sara Bosco dell’ufficio stampa

in scena al Teatro Litta di Milano fino al 17 giugno.