Teatro Brancaccio

30 marzo 2017.

Era da tanto che desideravo assistere ad uno spettacolo della Parsons Dance, la compagnia americana celebre per la sua danza atletica e vitale che trasmette gioia di vivere.

Finalmente, dopo un grande successo di pubblico, la Parsons Dance è tornata a Roma, al Teatro Brancaccio, per regalare altre emozionanti serate di pura bellezza.

Parsons Dance, nata dal genio creativo del geniale coreografo David Parsons e del light designer Howell Binkley, è una compagnia che è riuscita ad affermarsi sulla scena internazionale con successo sempre rinnovato, lasciando un segno nell’immaginario teatrale collettivo grazie a coreografie divenute veri e propri cult della danza mondiale.

La danza della Parsons Dance, basata su una tecnica perfetta e su un grandissimo impegno fisico, è una carica di energia pura e di positività. E’ passi, figure, linee, ma è anche acrobatica; è danza, ma è anche teatro. La danza della Parsons Dance è una potente forma espressiva e di comunicazione. E’ linguaggio, muto, fatto del ticchettio dei piedi dei danzatori che è leggero anche quando creano le figure più dinamiche, vorticose e potenti delle loro coreografie; un linguaggio fatto di musica, luci ed una potente carica espressiva.

Nel suo miscelare tecniche e stili diversi, ottenendo sempre risultati magici e creativi, è una danza elegante e virtuosistica che è rappresentazione, Teatro.

Quello proposto dalla Parsons Dance è uno spettacolo sensazionale, ricco di emozioni, colori e calore, energia, positività, grinta, carattere, forza fisica, ma anche delicatezza.

Ogni quadro è di grande impatto e ha risvegliato in me uno scenario immaginifico molto forte.

Così, pur non conoscendo le musiche e i brani sui quali danzavano, né le storie che andavano a raccontare, mi sono lasciato trasportare dalle coreografie sorprendenti, energiche e forti che questi ragazzi interpretavano e che hanno destato in me un’incredibile suggestione onirica, tanto da farmi immaginare delle storie.

Così nel primo quadro, Finding Center, ho immaginato di essere in una foresta, con la pioggia che ticchetta sulle foglie degli alberi, piccole gocce che scendono cadenzate mentre animali e piante si risvegliano. A questa immagine, poi, se ne è sostituita un’altra, in cui uomini e donne si corteggiano, ponendosi l’uno di fronte all’altra, scrutandosi, “annusandosi” per sentire le affinità. Non solo. Ho lavorato davvero di fantasia trasportato da quei meravigliosi passi eseguiti con tale precisione, ma anche freschezza e naturalezza. Il corteggiamento porta poi alla formazione delle coppie e, quindi, all’amore: sembrava una celebrazione dell’amore questa danza, come quelle belle feste di matrimonio dove tutti ballano intorno alla coppia di sposi felici.

Nel secondo quadro ho visto l’abbandono completo alla danza caratterizzato da una continua tensione verso l’altro, quasi un’aspirazione al divino. Ho trovato il terzo quadro, invece, molto più urban e mi ha fatto pensare alle amiche di quartiere che si incontrano e girano per le strade incrociando gli altri ragazzi creando una sorta di crew che si fronteggiano con passione.

Hand Dance, il quadro in cui dal buio spuntano solo le mani, è molto poetico e suggestivo. Mani e braccia si muovevano con una grandissima precisione in tutte le sequenze e mi ha fatto pensare a alle coreografie naturali che creano nell’oceano i grandi banchi di pesci.

Il successivo quadro aveva una musica piuttosto metallica che sembrava riprodurre un rumore che proviene dallo spazio. A un certo punto è arrivato il momento più sorprendente di tutto lo spettacolo: Caught, la celebre coreografia ( a me sconosciuta fino a ieri) che David Parsons creò per se stesso nel 1982 è che è costituita da un incredibile assolo su musiche di Robert Fripp nel quale il danzatore sembra sospeso in aria grazie ad un gioco di luci stroboscopie e definita dalla critica “una delle più grandi coreografie degli ultimi tempi”. In effetti è una coreografia strabiliante: il ballerino sembra essere sospeso, quasi volare, per tutto il tempo della coreografia. E’ un pezzo che richiede sicuramente una grandissima resistenza fisica, tantissimo fiato e un’enorme contrazione dei muscoli. Fondamentale è la perfetta sincronia del gioco luci coi salti del danzatore.

Il quadro successivo mi ha dato l’idea di una festa da ballo di quelle tradizionali e folcloristiche che si fanno ancora in molte città di provincia.

Quello dopo ancora mi ha trasmesso la tenacia di una donna nell’affrontare la solitudine attraverso un grande desiderio di libertà. L’ultimo quadro, In The End, è un quadro corale dove spicca il sentimento di amicizia, l’euforia, la gioia di vivere, di stare insieme e condividere.

Parsons Dance è uno spettacolo eccezionale e dal grandissimo impatto visivo ed emozionale che sorprende, cattura, attira, coinvolge e lascia a bocca aperta.

I ballerini sono dei professionisti eccezionali dalla grandissima preparazione atletica e di cui si possono solo ammirare i corpi, le figure e le linee che disegnano con i loro muscoli asciutti e tesi e il sorriso sempre stampato in viso.

E’ stato sorprendente vedere come ogni passo e figura che realizzavano sembrasse fatta con una leggerezza incredibile, senza che mai trasparisse la fatica del movimento che era sempre molto chiaro e pulito.

Fondamentale, per tutto lo spettacolo, è il ruolo del light designer Howell Binkley (vincitore di un Tony Award per lo spettacolo di Broadway “Hamilton”) che esalta con fantasia e immaginazione le performance della compagnia.

Mi sembra doveroso e giusto citare questi magnifici danzatori, tra i quali spicca un’italiana di grandissimo talento, la straordinaria Elena D’Amario che, dopo aver vinto una borsa di studio per la Parsons Dance per l’anno 2010/2011 non l’ha più lasciata (o forse è meglio dire che loro non se la sono fatta sfuggire).

Insieme a lei hanno ballato Sarah Braverman, Ian Spring, Geena Pacareu, Omar Romàn De Jesùs, Eoghan Dillon, Zoey Anderson e Justus Whitfield.

Teatro Tirso de Molina

29 marzo 2017

Al Teatro Tirso de Molina è di scena il revival con 90’s Night – I favolosi anni novanta!

Protagonisti di questo spettacolo, infatti, sono gli anni della fine del secolo scorso (fa strano dirlo), quel decennio che ci ha condotto nel nuovo millennio: i mitici anni ’90!

90’s Night è uno spettacolo di musica e cabaret in cui, giocando, cantando e ridendo, si ricordano gli eventi, le canzoni, il film e le trasmissioni che hanno caratterizzato gli anni ’90.

A condurre gli spettatori in questo travolgente viaggio musicale, due bravi attori e cantanti, Federico Perrotta e Valentina Olla accompagnati dal vivo dalla Red’s Band composta da Alessio Renzopaoli, Stefano Napoli, Daniele Trissati, Mauro Scardini, Vincenzo Meloccaro.

90’ s Night è un gioco della musica e della memoria per ricordare un decennio che ci ha visto abbandonare oggetti che allora sembravano insostituibili per rimpiazzarli con altri più avanzati tecnologicamente e di cui, anche oggi, pensiamo di non potere fare a meno.

All’interno di questo spettacolo effervescente all’insegna del revival è inserito un gioco che desta la curiosità del pubblico andando a ripescare ricordi ormai dimenticati nel tempo.

Così, tra canzoni e divertenti siparietti comici, prende vita una notte degli Oscar, con tanto di nomination, per celebrare e premiare gli anni ’90.

Vengono così ricordati gli oggetti smarriti, quegli oggetti di cui oggi si è persa traccia, come le musicassette, i rullini fotografici, le videocassette e le mitiche schede telefoniche che vincono nella categoria.

Vengono poi ricordati gli oggetti nati in quegli anni e che vengono usati ancora oggi, come a playstation, i cd e il cellulare, ovviamente vincitore della categoria.

Tra una nomination e una canzone scorrono le immagini degli eventi sociali e politici italiani e mondiali che hanno contrassegnato quegli anni: la caduta del muro di Berlino, la Guerra del Golfo, l’incontro tra Papa Wojtyla e Fidel Castro, l’era Clinton, Bettino Craxi, l’entrata in politica di Silvio Berlusconi.

Poi gli eventi di costume più eclatanti e che hanno lasciato un segno nella moda e nei tempi, come l’ascesa delle top model, la musica di Madonna e il wrestling.

In chiusura un bellissimo ricordo dei grandissimi personaggi che ci hanno lasciato in quegli anni: Madre Teresa, Mia Martini, Fabrizio De Andrè, Kurt Kobain, Freddie Mercury.

In mezzo tantissima musica da cantare e ricordare, tra brani incancellabili ed altri che avevamo scordato, ma che tutti abbiamo cantato e ascoltato per radio chissà quante volte.

Incasellati in un percorso narrativo buffo e divertente, tra gag e battute, abbiamo riascoltato i brani italiani che hanno avuto successo in quegli anni come quelli di Jovanotti, Mietta e Minghi, Aleandro Baldi e Francesca Alotta, Mia martini, Giorgia, Masini, Laura Pausini, gli 883, i Neri per caso, e tantissimi altri, tra cui non poteva mancare T’appartengo di Ambra Angiolini.

Sono stati poi ricordati i grandissimi successi stranieri di gruppi come i Backstreet Boys, le Spice Girls e i Take That, gruppi in gara nelle nomination come “miglior gruppo straniero” (per la cronaca, hanno vinto i Take That).

Ancora: sempre attraverso divertenti momenti di cabaret, sono stati ricordati i film e i telefilm cult come X Files e Beverly Hills e alcune pubblicità/tormentoni di quegli anni.

90’s Night è stata una serata divertente e spensierata, dove, attraverso la musica e le canzoni abbiamo fatto un tuffo in un passato mitico in cui affondano tantissimi ricordi. Attraverso il potere evocativo della musiche riarrangiate ed interpretate dal vivo dalla Red’s Band e cantate dai due protagonisti, il pubblico si è ritrovato a perdersi nei propri ricordi, a stupirsi per tante cose dimenticate e ad esclamare, sorridendo: “è vero!”.

90’s Night – I favolosi anni novanta

Live revival ’90 & Cabaret

di Angelo Di Palma, Bruno Stanzione, Federico Perrotta, Valentina Olla, Giovannetti, Stefano Volpes

con Federico Perrotta e Valentina Olla

musica dal vivo della Red’s Band: Alessio Renzopaoli, Stefano Napoli, Daniele Trissati, Mauro Scardini, Vincenzo Meloccaro

regia Morgana Giovannetti

Light My Fire – (la Nascita della Tragedia). Spazio Avirex Tertulliano, 29 marzo 2017.

Recensione di Carlo Tomeo

“Light my fire” cantava Jim Morrison con il suo gruppo: le stesse parole che avrebbe potuto pronunciare il dio Dioniso, non creduto tale dai greci e che scese sulla terra per dimostrare che era veramente figlio di Zeus.

Troviamo il suo discorso nel prologo de “Le Baccanti” di Euripide, donne che si chiamavano in questo modo assumendolo dal secondo nome di Dioniso che era Bacco. Donne che ne celebravano i riti che erano momenti di piacere. Balli, canti, bevute e insomma gioia di vivere. Che erano viste rivoluzionarie rispetto al vivere tranquillo e trasgressive perché portatrici di un messaggio considerato riprovevole.

Il rock di Jim Morrison non era soltanto un nuovo genere musicale, ma era anche espressione di una rivoluzione culturale: veniva paragonato a Dioniso, infatti, perché, come il dio greco, era il poeta della liberazione dei sensi.

Lo spettacolo di Giuseppe Scordio utilizza una scena vuota e la musica dell’Adagio di Albinoni a significare, una melodia classica e quindi vicina agli dei. In tale situazione inizia, con le parole fuori campo, il discorso di Dioniso che ha deciso di scendere sulla terra per unirsi alle sue seguaci e compiere i suoi riti. Poi, a luci accese, vediamo due donne accovacciate che hanno il capo, completamente coperto, tanto che è impossibile vederne il viso. Possiamo interpretare queste “mise” come un voler nascondere le proprie identità per mostrarle poi in un’occasione in cui si trovino più a loro agio. E lo faranno quando apparirà Dioniso/Jim e da baccanti diventeranno groupies, insieme  a una terza compagna, che nel frattempo è entrata in scena con i capelli sciolti. Nel frattempo due chitarristi suonano e cantano le canzoni dei Doors, nome del gruppo di Morrison, denso di significati: “porte” verso la conoscenza, “porte” che aprano la vista sulla vera identità dell’uomo e che gli faccia vivere una vita lontana dai falsi pudori e che permetta finalmente di dare un significato positivo all’ebbrezza e al vivere, seguendo il piacere, e non mostrarle come cose riprovevoli ma come un’adeguazione alla natura.

A un certo punto un musicista dice che la vita umana è attraversata da una linea che separa due blocchi: è corrente comune che un uomo sia educato fin da bambino a scegliere uno dei due blocchi che conterrà i suoi ideali e la sua morale che lo formeranno. Speso succede che si passi da un blocco all’altro, ma sostanzialmente il modo di pensare sulle questioni fondamentali della vita rimane quello che si è formato all’inizio.

Ma in realtà bisogna dare luminosità al fuoco naturale che è dentro di noi: è sempre il musicista a invitare l’interlocutore ad allargare la mente perché quella luce che gli appare davanti in realtà è solo la fiammella di un lume e lo splendore del sole è soltanto il riflesso della luna.

Scordio ha sottotitolato “Light My Fire” come “la nascita della tragedia greca”. Io direi piuttosto la “continuazione” o, meglio, la nuova interpretazione della tragedia greca che contiene miti eterni raccontati in una forma e in una lingua che cambiano modalità nei secoli dei secoli.

Il soggetto è stato bene scelto e scritto, per le persone che hanno conosciuto da giovani l’epoca dei Doors. Adesso il Gruppo viene  ascoltato ancora, anche dai nuovi giovani, ma quanti di questi ultimi comprendono il significato più profondo che spesso si nasconde dietro i versi delle canzoni? E perché uno dei maggiori successi di Morrison e company è stato “Moon of Alabama” di Brecht/Weill che non rientrava certo nel genere rock?

Lo spettacolo risponde a queste domande se vi si presta attenzione ed è costruito in maniera tale, da non generare alcun attimo di distrazione. Grazie sicuramente al grande talento affabulatorio e recitativo dimostrati da Giuseppe Scordio.

Ma anche le tre figure femminili Michelangiola Barbieri Torriani, Annalisa Asha Esposito e Alessia Semprebuono hanno saputo gestire ottimamente le parti loro affidate, per non parlare “at last but not at least” dei due bravissimi chitarristi Enrico Ballarcini e Stefano Capra che hanno eseguito momenti delle musiche dei Doors con il pathos giusto che creava nostalgia/saudade al pubblico più in âgé.

Ora tocca far venire a teatro il maggior numero di giovani possibile.

Light My Fire (La Nascita della Tragedia)

Uno spettacolo di Giuseppe Scordio

Testo Gianfilippo Maria Falsina

con Giuseppe Scordio, Enrico Bellardini, Stefano Capra, Michelangiola Barbieri Torriani, Annalisa Asha Esposito, Alessia Semprebuono

Produzione Spazio Avirex Tertulliano

Si ringrazia la Sig.ra  Marta Lenco dell’ufficio stampa

in scena allo Spazio Avirex Tertulliano di Milano fino al 9 aprile 2017.

Giovedì 6 aprile non è prevista replica