Arsenale della Repubblica di Amalfi

25 giugno 2016

Dall’ 11 maggio è in scena ad Amalfi, presso l’Arsenale della Repubblica, lo splendido spettacolo Amalfi Musical, che racconta la nascita della prima repubblica marinara.

La storia si svolge nell’anno 829 d.C., in pieno Medioevo: la penisola è suddivisa in tanti piccoli territori che si riuniscono tra loro diventando piccole realtà. La città di Amalfi è stata conquistata dai feroci Longobardi, originari del Nord Europa, guidati dal perfido Principe Sicardo. Due giovani innamorati, Antonio e Giovanna, devono separarsi a causa della drammatica guerra. Dopo dieci lunghi anni di esilio, Antonio torna nella propria città natale, divenuto ormai un esperto guerriero. Il giovane ritrova Amalfi in preda alle scorribande dei Saraceni, spietati pirati mediorientali, e sotto il consolidato dominio del sanguinario Sicardo. Dopo aver ritrovato gli amici d’infanzia Ottavio e Carlo, Antonio scopre che Giovanna, di cui è ancora innamorato, è stata promessa in sposa proprio a Sicardo. Tra mille peripezie e intrighi, Antonio proverà a liberare il popolo di Amalfi dalla tirannia e a ritrovare l’amore di Giovanna.

Lo spettacolo è un musical immersivo: entrare in Amalfi Musical è come entrare in un tunnel del tempo, dove è possibile vivere le emozioni dei protagonisti. L’Arsenale è una meravigliosa struttura architettonica che funge da scenografia naturale; si sviluppa in lunghezza e tutto intorno alle pareti sono disposte le sedie su cui il pubblico prende posto a pochi centimetri dagli attori. Lo spettatore è dentro la scena, avverte il respiro e vede da vicino la tensione fisica degli attori. Grazie al disegno luci, poi, le pietre sembrano vivere e trasformarsi nelle varie scene dello spettacolo.

In scena, un cast di professionisti provenienti da esperienze diverse e selezionati durante lunghe audizioni che hanno visto la partecipazione di aspiranti provenienti da tutta Italia. Questo dato testimonia la crescita che lo spettacolo, giunto al suo quarto anno di vita e quinta stagione di rappresentazione, ha subito in questi anni: nato con un cast locale, l’interesse e la partecipazione suscitata a livello nazionale sono segno della forza e validità di questo prodotto che, a sua volta, si trasforma e cresce grazie all’apporto di artisti provenienti da realtà diverse e con grandi capacità.

Quest’anno fra i nuovi interpreti che affiancano il rodato cast artistico spicca il nome di Antonio Melissa (già inteprete di importanti musical nazionali) che si alternerà con Ario Avecone, autore e regista dello spettacolo, nel ruolo del protagonista maschile. Altre novità sono il salentino Giovanni De Filippi, nel ruolo del cattivissimo Principe Sicardo, già nel cast del pluridecorato musical scritto dal Maestro Frisina “La Divina Commedia”, Martina Cenere (interprete recentemente del musical della Disney “Newsies”), e Myriam Somma (già protagonista nella versione italiana de “I Miserabili” e de “Il Conte di Montecristo”) che interpretano sia l’eroina Giovanna che la dolce e protettiva Livia, alternandosi con l’amalfitana Nuccia Paolillo. Nel ruolo di Ottavio è di scena il piemontese Jacopo Siccardi, maestro di combattimento con spada medievale e recentemente protagonista del musical Excalibur. Nel ruolo di Carlo entrano nel cast Michelangelo Nari (fra i protagonisti del musical internazionale Siddharta) e Pasquale Raia, giovanissimo talento campano. A completare il prestigioso cast artistico Vincenzo Oddo e tanti altri giovani attori della Costiera che si alternano nei ruoli di ensemble.

Lo spettacolo, che vive della suggestione della storia e del luogo della rappresentazione, prende vita ogni sera grazie al contributo di questo energico e affiatato cast. Antonio Melissa interpreta Antonio, l’eroe della storia, un cavaliere amalfitano dai nobili valori, uno spirito audace, esperto del combattimento a corpo e con le armi: Melissa attinge a piene mani alla sua professionalità nel campo della biomeccanica e dinamica teatrale, mettendo a disposizione del personaggio tutta la propria fisicità. Vocalmente, Antonio Melissa è un grande interprete capace di modulare il suo registro vocale da baritenore alla tensione scenica del momento, offrendo ampiezza negli acuti e profondità nei momenti più drammatici.

Jacopo Siccardi è Ottavio, amico fraterno di  Antonio. Jacopo può fare affidamento per la sua sorprendente interpretazione su una fisicità atletica e fluida e sulla pregressa e lunga esperienza da schermidore professionista, caratteristiche che lo facilitano nei combattimenti a corpo e a spada rendendoli altamente realistici.

La conoscenza delle dinamiche corporee di Antonio, anch’egli non nuovo agli scontri di spada, e la preparazione atletica e nella scherma di Jacopo, consentono ai due di creare combattimenti realistici e di grande effetto, potendo, a volte, inserire delle varianti a seconda del contesto (vedremo dopo perché). Vocalmente Jacopo è stata una piacevolissima sorpresa: tenore leggero, riesce a dare pieno fiato al suo personaggio. Rappresentando un uomo onesto, sincero e temerario, il suo registro vocale si attiene benissimo a queste corde perché nella purezza del suono si ritrova la purezza d’animo del personaggio.

Michelangelo Nari è Carlo, altro amico fraterno di Antonio e Ottavio. A differenza di quest’ultimo, però, Carlo cede, per necessità, al ricatto del perfido Sicardo tradendo l’amico Antonio. Michelangelo ha qui la possibilità di sfoderare tutta la sua potenza e bellezza vocale, colorando il personaggio a seconda delle circostanze. Anch’egli baritenore, riesce a modulare il proprio registro vocale su una gamma di suoni che incarnano gli stati d’animo del personaggio. Entusiasmo, paura, tradimento, rimorso, voglia di rivalsa, ogni volta Michelangelo offre un’interpretazione emotiva diversa caratterizzata da una sfumatura vocale più o meno profonda. L’apice lo raggiunge nell’incontro perfetto tra interpretazione emotiva e vocale nel brano Il Monaco Nero.

Myriam Somma è la forte e risoluta Giovanna, un po’ l’eroina della storia. Innamorata da sempre di Antonio e ricambiata, succube delle attenzioni morbose di Sicardo, non esiterà a prendere in mano la situazione nel momento più drammatico. Myriam restituisce al personaggio la delicatezza della fanciulla innamorata, ma anche la determinazione della donna consapevole di se stessa. Soprano leggero, Myriam nutre di limpidezza e freschezza il proprio personaggio senza mancare di drammaticità. Emozionante la sua interpretazione insieme ad Antonio nel duetto Sei tu.

Giovanni De Filippi è il perfido Sicardo in una caratterizzazione piena di potenza ed enfasi. Giovanni riesce, con la sua voce tenorile, a rappresentare la lussuria e la cattiveria di Sicardo, attingendo a note profonde, ma aperte e di forte impatto sul pubblico. Straordinario nell’assolo Io,  Sicardo.

Vincenzo Oddo interpreta il Cardinale, interessato vilmente a mantenere il proprio potere assecondando le volontà del principe longobardo. Un’interpretazione intensa e calzante per un ruolo importante nel tessuto narrativo.

Nuccia Paolillo (presenza storica nel cast) è Livia, una sorta di dama di compagnia di Giovanna, protettiva e affettuosa. Voce bellissima, lei e Jacopo si esibiscono in un meraviglioso duetto nel brano La vita che vorrei.

Ognuno di questi artisti porta qualcosa di sé nel proprio personaggio rendendolo vivo e vero. Tutti sono protagonisti, c’è un ottimo equilibrio tra tutti i ruoli.

Lo spettacolo colpisce per la grande veridicità dei combattimenti che impegnano molto anche fisicamente gli artisti, che spesso si ritrovano qualche livido, sbucciatura o bernoccolo qua e là. Il pubblico resta affascinato da tali coreografie realizzate a distanza così ravvicinata.

Il testo e il libretto sono di Ario Avecone, a sua volta cantante, che, a volte, si alterna nel ruolo di protagonista con Antonio Melissa. Musiche e liriche, in particolare, sono affascinanti e sottolineano il carattere epico dell’opera. C’è una grande ampiezza nei suoni e un’ottima musicalità nelle parole; orchestrazione, arrangiamenti e effetti surround completano la fascinazione .

Bellissimi e realistici i costumi anch’essi di Ario Avecone, come gli effetti e le luci curate da Ario e dal grande Alessandro Caso.

Amalfi Musical è un bellissimo spettacolo originale, coinvolgente e innovativo, cantato completamente dal vivo, che affascina anche gli spettatori stranieri agevolati nella fruizione dalla presenza di diversi monitor che riportano i sopratitoli. Uno spettacolo che ha nell’Arsenale della Repubblica la sua location d’eccellenza, ma che anche gira per la Costiera Amalfitana in altre magiche situazioni diverse per spazio, mettendo ogni volta gli artisti nella condizione di dover rivedere movimenti, entrate e uscite, dimostrando in questo una grande sinergia e un alto grado di improvvisazione.

Amalfi Musical è un’opera che lascia la voglia di essere rivista, per assaporare le scene e rivivere le emozioni che trasmette. La stessa possibilità che alcuni elementi del cast possano alternarsi nei ruoli fa sì che lo spettacolo sia sempre diverso regalando ogni volta nuove sfaccettature dei personaggi. Personalmente sono curioso di rivederlo per poter apprezzare anche Ario Avecone e Martina Cenere nei loro personaggi.

Amalfi Musical è uno spettacolo pronto, con piccoli adattamenti che non ne snaturerebbero il senso, ad essere portato in giro per l’Italia e, visto il successo tra il pubblico straniero, anche all’estero, divenendo un altro esempio dell’eccellenza italiana nel campo artistico su scala mondiale.

Silvano Toti Globe Theater

23 giugno 2016. Prima

Lear il Re tracotante e superbo che domina gli uomini e sfida gli dèi. Lear; il Re che divide il proprio Regno tra le due figlie che lo adulano falsamente escludendo dal patrimonio quella che lo ama il giusto, con rispetto e devozione.

Lear, il Re che diventa folle per il dolore straziante nel prendere consapevolezza della propria umanità e quindi finitezza e suscettibilità all’errore; il Re che impazzisce nel rendersi conto che tutto quello che aveva costruito e creato era frutto di un’inesauribile desiderio di accumulare e di potere e che si sforza di mantenere tale potere e la deferenza che ne dovrebbe derivare anche nei momenti più cupi. Lear, il Re visionario che si affida ad un inconscio matto, a un nobile servitore camuffato e a un finto mendicante fintamente folle.

Vera follia che annienta, finta pazzia che aiuta.

Lear. La Storia è una tragedia, per la struttura narrativa e compositiva e per la vicenda stessa che racconta; forse la tragedia più drammatica di Shakespeare e che più rispetta la matrice di quella greca in cui destino, fato fortuna, come li si voglia chiamare, intervento degli dèi, quindi una volontà fuori dell’uomo e di lui più forte, inganno, complotto, follia, malattia, disobbedienza e ingratitudine trovano la loro più completa espressione, in cui la catarsi si compie senza distinzione tra bene e male, facendo vittime da ambe le parti. Il bene non vince sul male, ma solo alla fine lo sostituisce: affinché l’ordine naturale e supremo venga ripristinato, sono necessarie delle vittime, si richiedono sacrifici enormi e mortali.

La tragedia presentata ieri al Silvano Toti Globe Theatre di Roma e in scena fino al 3 luglio, vede uno splendido Mariano Rigillo nei panni di Re Lear.

L’adattamento (con la traduzione di Masolino d’Amico) e la regia di Giuseppe Dipasquale sono complessi e articolati, faticosi in alcuni punti del primo atto, ma, allo stesso tempo, hanno il grandissimo pregio di rispettare e mettere in evidenza il valore altamente simbolico e allegorico dell’opera del Bardo.

Lo si vede da subito: la scena iniziale è meravigliosamente suggestiva. Lear stanco e vecchio, sdraiato in un letto, viene accolto dalle figlie che lo vestono degli abiti gloriosi del suo potere mentre in sottofondo un lento stillicidio crea una melodia suadente. La divisione del regno tra le due figlie è materialmente rappresentata dalla veste e dalla corona che si frammentano in due parti uguali.

Il simbolismo si muove oltre, portando in scena le due figlie crudeli, ingrate e ingannatrici, interpretate da due uomini a rappresentare la concezione maschilista del potere e a porre  maggiore distanza tra loro e Crudelia, figlia devota e rispettosa, che ama nella giusta misura.

Il primo atto, però, è faticoso; dopo un inizio suggestivo si avvertono delle difficoltà drammaturgiche e mancanza di ritmo. Nel secondo atto c’è una stupefacente ripresa: la narrazione stessa e i dialoghi si fanno più serrati e la drammaticità, prima veicolata attraverso dialoghi asciutti, esplode ora nei sentimenti e, soprattutto, nella follia di Lear.

Rigillo interpreta una follia realistica, tirandone fuori una tenerezza e arrendevolezza incredibili. Lear diventa un vecchio bambino, come un uomo qualunque, un uomo semplice in bilico tra lucidità e pazzia. Egli sveste Lear della sua prepotenza e protervia per ricoprirlo di umanità, dolore, disperazione e consapevolezza.

Un altro padre, ingannato e disperato, è Gloucester, interpretato con padronanza e sensibilità da un grande Sebastiano Tringali.

Meravigliosa l’interpretazione di Luigi Tabita nei panni di Regana, una delle figlie di Lear: ha dato un piglio forte e crudele, mettendone in mostra astuzia e una vena di sadismo. Postura e sguardo erano strettamente connessi all’interpretazione, ma, soprattutto all’intenzione.

Brava Silvia Siravo nei panni di Crudelia: nonostante stia poco in scena, riesce a far avvertire la presenza e l’importanza del proprio personaggio.

Buona prova anche per David Coco, Edmund, il figlio infedele di Gloucester, che trama contro tutti per raggiungere il potere. Grande presenza e carattere forte, anche se a volte, troppo caricato.

Bene Giorgio Musumeci nei panni di Edgar, il figlio ingiustamente esiliato, il finto matto, che resta fedele al padre sempre senza mai offenderne il nome. Una prova interessante, anche fisica, in un’interpretazione che richiede la capacità di mantenere i cambi di registro.

Bene, a seguire, Filippo Brazzaventre (Kent), Enzo Gambino (Duca di Borgogna), Roberto Pappalardo (Goneril).

Meno calzante e coinvolgente Anna Teresa Rossini nei panni del Matto, inconscio e alter ego di Lear. Direi un personaggio al quale non viene dato tutto il respiro che potrebbe avere privandolo di colore.

Ho trovato scarso l’uso della partitura musicale: efficace laddove presente, se ne sente la mancanza come un vuoto.

Se, come riportato nelle note di regia, “il momento alchemico è dato dalla tempesta, nella quale il disordine degli elementi prova a trovare la sua ricomposizione”, dov’era questa tempesta? Non c’era suono che ricordasse pioggia, tuono e vento. Forse l’intenzione era quella di lasciare l’opera ad un livello più intimistico e personale, rappresentando più la tempesta che si scatena dentro l’uomo che quella degli elementi naturali, ma un collegamento, un richiamo tra l’uno e l’altro mondo avrebbe reso un maggior impatto emotivo.

Infine, bellissimi i costumi di Angela Gallaro e il trucco, in particolare per Tabita/Regana.

17 giugno 2016

Notre Dame de Paris torna in Italia e lo fa, sicuramente, alla grande, con un enorme successo di pubblico.

Lo spettacolo di Riccardo Cocciante e Luc Plamondon, con la regia di Gilles Maheu e le coreografie di Martino Muller debuttò a Parigi nel 1998 per poi girare praticamente in tutto il mondo.In Italia arrivò nel 2002 grazie al grandissimo produttore David Zard. La versione italiana fu affidata a Pasquale Panella ed è così che è tornata ad essere rappresentata in Italia dopo dieci anni di repliche quasi ininterrotte e quattro anni di pausa.

Faccio subito una precisazione che lascerà “sconvolti” molti di voi: pur riconoscendone i grandissimi meriti e soprattutto l’altissimo valore e la immensa novità che apportò nel panorama del “musical”, Notre Dame de Paris non mi appartiene, non rientra nelle mie corde.

Ho molto amato il cantautore Riccardo Cocciante per alcune delle sue storiche canzoni, ma non ho mai retto più di due o tre canzoni consecutivamente per quel suo stile, inconfondibile, ma troppo grave. Per questo motivo non mi sono mai voluto avvicinare a Notre Dame de Paris, nonostante fossi già appassionato di “musical”.

Col tempo questa passione è cresciuta e con essa la curiosità di vedere questo spettacolo a cui così tanta gente è affezionata in maniera totale ed esclusiva. Non posso certo dire di non conoscerlo; nel tempo tra dvd e contributi su youtube mi sono informato.

Anche oggi che finalmente ho potuto vederlo dal vivo, posso tranquillamente dire che Notre Dame de Paris non è il mio genere di spettacolo. Non perché non sia un musical, ecco perché sopra ho scritto la parola sempre tra virgolette, bensì un’Opera moderna, anzi la prima Opera moderna, ma perché, pur amando l’Opera, non mi ritrovo nello stile di questo spettacolo, così simile alle litanie della veglia pasquale!

Mi sono avvicinato alla mia prima esperienza dal vivo di Notre Dame de Paris con grande entusiasmo e curiosità e ho riconosciuto l’enorme spettacolo che è, ma, semplicemente, non fa per me.

Tra le altre cose, l’ho trovato uno spettacolo vecchio: sicuramente magnifico ed imponente (che poi anche lì è da vedere), ma datato, rimasto congelato a quindici anni fa.

Amo i classici, davvero, anzi sono uno di quelli che difende la tradizione, ma quello che sicuramente manca a questo spettacolo è qualcosa che gli dia una luce nuova. Capisco il format, capisco gli obblighi da rispettare, ma trovo che (e qui scatterà l’anatema) riproporre il cast originale, nonostante l’eccellenza di alcuni elementi, sia stata una mera operazione commerciale per andare incontro ad un pubblico di super affezionati che, però, spesso e per la maggior parte, non hanno spirito critico.

Ritengo che dare la possibilità a più o meno nuovi e giovani talenti di farsi conoscere attraverso questo immenso spettacolo sarebbe stata una grande opportunità per loro e un valore aggiunto che avrebbe potuto portare una ventata di aria fresca in un’opera che, nonostante gli anni di fermo, è comunque statica.

Inoltre, avevo sentito molto parlare dell’ampio uso che si fa nello spettacolo del playback ed ero rimasto piuttosto deluso e sconcertato dalla cosa. Intendiamoci, ci possono essere momenti di particolare affaticamento o improvvisi malanni che costringono ad utilizzare il playback, ma qui si parla di prassi consolidata. Fermo restando che esistono cover per i protagonisti, tra l’altro tutti attori e attrici validissimi e conosciuti nel mondo del musical, ero piuttosto deluso di dover spendere tutti quei soldi per il biglietto, per ascoltare alcune voci come in un  disco.

Poi, appena è cominciato lo spettacolo, ho ringraziato che alcuni brani fossero in playback!

Lola Ponce è entrata in scena già con l’affanno, completamente senza voce, steccando più volte e con un atteggiamento di totale disinteresse nei confronti di quello che stava facendo; Matteo Setti sembrava più interessato a farsi contemplare che ad interpretare il proprio personaggio e Leonardo di Minno era decisamente fuori fase tanto, a volte, da diventare invisibile sulla scena.

Fortuna, però, che c’erano grandi professionisti a compensare questi pesanti difetti. Primo fra tutti l’insuperabile Vittorio Matteucci, intramontabile con la sua grinta, la sua energia e quella sua voce così potente e calda e la sua capacità di trasmettere emozioni che attraversano lo spazio tra palco e platea irradiandosi tutto intorno e colpendo lo spettatore; Graziano Galatone, un gigante su quel palco, dotato di grande presenza e forte personalità e con una voce incredibilmente forte e coinvolgente; Giò di Tonno, straordinario nella sua interpretazione così carica di drammaticità; Tania Tuccinardi, novità in questo cast, decisamente all’altezza dello spettacolo e dei suoi colleghi.

Fiore all’occhiello di questo spettacolo sono comunque gli eccezionali ballerini e acrobati, raggi di luce immensa in una narrazione cupa e pesante, professionisti di grande talento che si donano fisicamente completamente alla scena.

Corpi in continuo movimento, sempre presenti, che passano da una parte all’altra del palco danzando e volando a corpo libero o appesi alle campane di Notre Dame (coreografia magnifica e difficilissima), arrampicandosi con leggerezza sulla parete di fondo tra bastioni e gargoyle, improvvisando meravigliose coreografie nel brano Cuore in Me.

Ragazzi e ragazze che non si risparmiano e che rendono questo spettacolo sorprendente.

Ho apprezzato molto la scenografia in movimento di Christian Ratz, comunque semplice, ma efficace e il perfetto disegno luci di Alain Lortie; bellissimi i costumi di Fred Sathal.

Notre Dame de Paris è sicuramente uno spettacolo straordinario, va riconosciuto; ma il pubblico va rispettato ed educato.

So che la stragrande maggioranza degli spettatori è innamorata del cast originale e che non vedeva l’ora di rivederlo in scena e so che non si accorge del playback, ma, visto anche l’alto costo dei biglietti, ritengo doveroso e giusto dare sempre uno spettacolo basato sulla più alta professionalità visto che attori e cantanti di alto livello non mancano.

Per tutti questi motivi, nonostante alcuni aspetti di eccezionalità, Notre Dame de Paris non è il mio spettacolo.