Giancarlo Fares, oltre che essere da tutti apprezzato sia come regista che come attore, è da anni considerato uno dei migliori docenti di recitazione, attività che svolge da anni presso le più rinomate scuole per attori presenti in Italia.

Giancarlo comincia gli studi presso l’Accademia Sharoff sotto la guida di Aldo Rendine e Luigi Durassi specializzandosi nel metodo Stanislavskij; in seguito studia, prima come allievo e poi come assistente, nel “Progetto Biomeccanica” presso il Teatro dell’Orologio di Roma lavorando con Eugenj Fatiushenko del Teatro D’arte di Mosca, Riccardo Vannuccini, Guido Aristarco, Caterina Merlino e realizzando due spettacoli come attore ( Enrico IV di Pirandello e La cimice di Majakovskij ) e uno come regista ( Vladimir Majakovskij ).

Segue per alcuni anni i seminari di Eugenio Barba, Torger Wethal, Julia Warley, Roberta Carreri e Tage Larsen dell’Odin Teatret, Mamadou Douane (attore di Peter Brook) e ultimamente il maestro russo Anatolij Vassiliev .

Per diversi anni è attore e aiuto regista del grandissimo Giancarlo Sepe, collaborando nella ricerca su musica, gesto e parola e lavorando in spettacoli come Ballando Ballando di J.P. Panchenant; Marathon: la città della musica di G.Sepe; Madame Bovary di G. Flaubert; Cine H di G.Sepe; Carmen di P. Merimée e, ultimo, Le favole di Oscar Wilde .

Ha studiato canto con il maestro Sergej Romanoff e con il tenore Roberto Bencivenga.

In seguito ha dedicato la sua ricerca personale al teatro di narrazione.

Come attore ha lavorato con Giancarlo Sepe, Mario Scaccia, Antonio Salines, Federica Tatulli, Francesco Silvestri, Mario Moretti, Gigi Palla, Caterina Merlino, Roberto Bencivenga, svolgendo tournee in Italia e all’estero.

Ha partecipato a numerose produzioni televisive e cinematografiche.

Dal 1995 ha firmato la regia di importanti spettacoli teatrali affrontando autori come Pirandello, Beckett, Brecht, Shakespeare, Sofocle, Moliere, Sartre, Ionesco, Albee, Mrozek, Pinter, Lorca, Majakovskij, Queneau, Bogosian, De Benedetti.

Ha scritto e diretto inoltre numerosi spettacoli di Teatro di narrazione con tournée in Italia e all’estero.

Dal 2006 al 2009 ha insegnato Tecnica Teatrale e Tecniche di Narrazione alla Link Academy di Roma.

L’occasione di intervistare Giancarlo Fares mi viene data in occasione della imminente presentazione (28 e 29 agosto) al Festival di Todi dello spettacolo Emigranti di cui è regista e anche protagonista insieme a Marco Blanchi.

Emigranti è un testo di Slawomir Mrozek (uno dei suoi maggiori successi a livello mondiale), drammaturgo e scrittore polacco, intellettuale che ha vissuto in prima persona il disfacimento culturale del proprio paese e aperto contestatore del regime comunista polacco.

E’ la storia di due uomini “senza nome”, due emigrati diversi per ceto e mentalità (un operaio e un intellettuale) che vivono in una cantina di una città straniera e si raccontano e scontrano la notte dell’ultimo dell’anno nel loro piccolo rifugio quando fuori, sopra di loro, la città festeggia.

Giancarlo, leggendo in maniera superficiale la traccia del racconto, verrebbe subito da pensare che sia la storia di due estranei in terra straniera che, venendo in contatto, potrebbero sodalizzare per far fronte insieme alle difficoltà di essere sconosciuti in un paese che non li conosce.

Invece, ad una lettura più approfondita, non sembra essere così.

Presentaci questi personaggi senza nome, che sembrano essere due mondi diversi, anche opposti, rappresentanti, ognuno a modo suo, di una condizione umana fatta di miseria (reale e spirituale).

Emigranti è il racconto di una condizione: l’essere migranti in una terra straniera, spesso completamente sconosciuta, di cui, magari, non si conoscono la lingua, gli usi e nemmeno le leggi. Vengono date risposte durante questo percorso? Quali?

Emigranti è un testo del 1974 che raccoglie il vissuto personale dell’autore, Slawomir Mrozek, esule volontario in giro per l’Europa dopo la rottura con il proprio paese di origine, la Polonia, a causa dell’aperta contestazione del regime comunista polacco (preceduta dalla crisi di fiducia e dalla critica del socialismo reale).

Oggi, a distanza di 40 anni e vista l’enorme attualità del problema, enorme in termini di urgenza e in termini di numeri, cosa è cambiato e come è cambiato il punto di vista sull’emigrazione?

Cosa e quanto ancora oggi un simile testo può dare e suscitare?

Slawomir Mrozek è famoso per il suo stile ironico e tagliente e la capacità di affrontare anche il tema più ingombrante con leggerezza e un umorismo graffiante e surreale. Giancarlo, che tipo di narrazione sottende Emigranti?

Quali scelte registiche sono state fatte per rappresentare al meglio l’ironia del testo, mantenendo la drammaticità della situazione? Oltre che nelle parole e nei racconti, come vengono rappresentate le differenze? Con quali gesti, quali abitudini? Quale scelta registica e stilistica lega la parola al gesto?

Come può essere mantenuta e preservata la universalità del messaggio in un testo che nasce in una situazione politica e sociale così diversa da oggi? Come può ancora oggi il microcosmo dei due protagonisti essere rappresentazione di un macrocosmo? Come può il dentro (la cantina, il vissuto, il modo di essere, pensare, vivere, il mondo del singolo…) diventare fuori e il fuori (evoluzione, contestazione, rivoluzione, progresso, diffidenza, il mondo sociale) entrare dentro?

Abbiamo parlato delle scelte registiche e delle soluzioni stilistiche, ma tu sei anche uno dei due protagonisti.

Come è stato il tuo approccio al testo come attore? Sei un esponente di spicco del Teatro di narrazione: come ti sei avvicinato a questo testo e attraverso quali canali lo hai fatto entrare dentro di te?

Emigranti è un testo che è stato rappresentato più volte in più paesi. Qual è stata l’esigenza che ti ha avvicinato a questo testo e cosa pensi di aver apportato o aggiunto col tuo allestimento?

Ringrazio moltissimo Giancarlo Fares per essere stato così disponibile e ricordo a tutti che Emigranti sarà al Festival di Todi il 28 e 29 agost

Vi invito, inoltre, a seguirmi per scoprire la programmazione di Emigranti nelle altre città, perché è sicuramente uno spettacolo da non perdere.

Avamposto Teatro

presenta

Piccolo e squallido Carillon metropolitano

Sabato 29 Agosto ore 21:00

Fontanone del Gianicolo
Via Garibaldi, 30
00153 ROMA

Testo e Regia: Davide Sacco
Con:
Orazio Cerino
Giovanni Merano
Eva Sabelli

Organizzazione: Ilaria Ceci
Scene: Luigi Sacco
Costumi: Silvia Tagliaferri
Luci: Francesco Barbera

PREMIO MIGLIOR ATTORE a ORAZIO CERINO

La corte della formica, Teatro Bellini – 2013

PREMIO SPECIALE MIGLIOR SCENOGRAFIA a LUIGI SACCO

La corte della formica, Teatro Bellini – 2013

Sinossi: Un nucleo familiare lesionato nel suo nocciolo e in cui il disagio, la solitudine quanto l’affetto sono protagonisti della scena.

Tre fratelli abbandonati a se stessi, ma che contemporaneamente, per alcuni versi, sentono il peso del dovere, della responsabilità.

Soli, senza un genitore che possa supportarli, soli a fare i conti con i problemi di un’esistenza e di una società per le quali il ritardato o l’omosessuale sono ai margini.

“Ci si abitua ai dolori che la vita ti costringe a buttare giù, ci si abitua a tutto: alla fame, alla miseria, alla solitudine; ci si abitua a tutto”.

Sono queste le parole pronunciate da uno degli attori.

Ci si abitua al degrado, a vivere in uno spazio claustrofobico, alla sporcizia, a dover dormire due ore a notte per portare i soldi a casa.

Simbolo del loro isolamento è, senza ombra di dubbio, un pesce rosso in un’ampolla che da anni dorme; ovvero è morto.

Metafora del bisogno di racchiudersi in un luogo ovattato e protetto, come quelle quattro mura di un monolocale, perché, come sottolinea sul finale uno degli attori, “Siamo soli, questa è la verità. Tutti quanti, soli.(…) Siamo lontani, soli nelle nostre ampolle di vetro. “.

Note di regia:

Siamo nel mondo dei fragili, degli inadatti, degli sconfitti. Siamo in una periferia, una delle troppe delle tante fabbriche di cemento e vomito, di ignoranza e paura. Si vive nel degrado dei sogni, nella paura di se stessi; vivere è una faticoso atto di coraggio. In uno scenario lunare da catastrofe dei sentimenti una bambina troppo vecchia si crea un suo mondo, un specchio opposto votato al bello, come un pesce in un acquario lontano da tutto e tutti, ma abbastanza vicino da capire l’orrore dell’isolamento, dello squallore, della violenza. Una storia d’amore tra fratelli, nel senso più ampio del termine, una storia d’amore sul limite del giudizio e del perdono, sul limite della ghettizzazione e della accettazione. Un piccolo carillon metropolitano.

(Davide Sacco)

Il 4 agosto 2015, a Villa Pamphili, è andato in scena Il Conte di Montecristo – Il Musical: un imponente spettacolo di Robert Steiner, autore del libretto e dei testi, con musiche e orchestrazioni del Maestro Francesco Marchetti e la preziosa regia del grandissimo Gino Landi, e della sua assistente Cristina Arrò.

Il Conte di Montecristo è una grandiosa storia di torti e di giustizia, di vendetta e di perdono, che si dipana in un arco temporale di più di vent’anni. Questo suo svolgersi in un così lungo periodo, ne fa un racconto pieno di eventi e di intrecci molto complicati in virtù della stessa trama e mette a rischio una sua corretta rappresentazione e la fruizione da parte del pubblico. E’ sicuramente una storia molto impegnativa sia per chi la interpreta che per chi vi assiste e lo spettacolo di cui vi sto raccontando ha il grande pregio di aver affrontato molto bene questa enorme difficoltà vincendo un’enorme sfida.

Il presente allestimento ci restituisce in maniera cruda e brutale gli aspetti tragici e drammatici della storia, presentandoci un’umanità corrotta che tradisce se stessa.

Anche là dove si parla di giustizia lo si fa sempre presentandola nel suo contrario, ossia come mancanza di giustizia, o nella sua mancanza, come assenza di giustizia, o, ancora, come regolamento dei conti ad opera dell’uomo stesso, mai nella sua concezione di legalità.

Ancora: il perdono, che anche è uno dei temi del grandissimo romanzo di Dumas, è più indifferenza per il destino altrui che compassione, come nel caso dei figli a cui viene risparmiata la vita, senza considerare il fatto che ad essi verranno uccisi i padri.

Questo adattamento trabocca di tragicità, mantenendo sempre una dimensione cupa e piena di tensione e tutto ciò è meraviglioso.

Il Conte di Montecristo – Il Musical non è un musical in stile Broadway, ma un racconto epico rappresentato sotto forma di opera semi concertistica (Operatic Musical).

E’ quindi un ambizioso progetto di fare spettacolo in una forma meno commerciale, adottando uno stile in un certo senso più alto e per questo più complicato nella rappresentazione e nella fruizione e nello stesso tempo pericoloso per i risultati, con l’intenzione di mantenere l’epicità stessa del racconto.

A questo proposito si devono immediatamente citare le straordinarie musiche di Francesco Marchetti: coinvolgenti e dotate di un enorme potere evocativo, sostengono l’intero spettacolo essendone parte fondante e imprescindibile e mantenendo sempre alto il livello della partizione lirica.

Come nell’Opera, si fa uso del recitativo (una sorta di dialogo cantato per spiegarlo in parole semplici) che poi si apre nell’aria vera o fluisce nei pezzi chiusi.

I testi, ben lavorati strutturalmente e linguisticamente variegati e validi, ogni tanto, però, perdono di fluidità e immediatezza proprio nel recitativo.

La scenografia è molto semplice ed essenziale, costituita solo da cubi che vengo di volta in volta spostati per creare l’idea della scena, ma è sostenuta da proiezioni video che ricostruiscono gli ambienti interni ed esterni sullo sfondo.

Un elemento, questo, che lascia spazio alla possibilità di creare nuove scenografie a seconda dello spazio teatrale dove lo spettacolo potrà essere messo in scena.

In questo caso, trattandosi di un’unica data in un ambiente all’aperto, probabilmente si è preferito limitare la scenografia per motivi pratici; la scelta dei cubi è comunque funzionale al passaggio da una scena all’altra e consente di concentrare l’attenzione sui personaggi stimolando anche lo spettatore a immaginare l’ambiente circostante, aiutato, come detto, dalla videoproiezioni.

Veniamo ai grandi interpreti di questo enorme spettacolo.

Manuel Bianco è il protagonista Edmond Dantès. Strepitoso in questo ruolo così complesso sia artisticamente, per interpretazione e vocalità, che per la natura così molteplice dell’animo del personaggio stesso. Manuel ha una predisposizione per questi ruoli così intensi e drammatici e ha dimostrato una vocalità eccezionale segno di una continua crescita.

Valentina De Paolis è Mercedes. Valentina è un soprano di coloratura con un’incredibile estensione; meravigliosi sono i duetti di cui è protagonista, soprattutto quelli in cui vengono cantate da ognuno strofe diverse, al fine di esprimere pensieri diversi e diversi moti d’animo. Il rischio, a volte, è che, il ripetersi troppo frequente di ornamenti virtuosistici su una parola o su una sillaba renda un po’ pesante uno spettacolo che già per trama e rappresentazione è altamente drammatico. Inoltre, la importante vocalità di Valentina non sempre è accompagnata da un’altrettanto energica interpretazione recitativa.

Luca Notari è Fernando, un personaggio astuto e falso interpretato con grande trasporto da Luca. Di Luca ho già parlato molto bene in altre recensioni e posso solo confermare l’enorme considerazione e apprezzamento che ho di lui come artista. Luca è diventato in breve tempo per me un artista la cui presenza in uno spettacolo mi dà garanzia che lo stesso sarà di grande valore.

Paolo Gatti è Danglars; ecco un altro valido artista che ho già apprezzato in altri spettacoli e di cui mi piace molto la voce baritonale calda e profonda.

Daniele De Rogatis è un incredibile e divertentissimo Caderousse; Daniele mi sorprende e conquista sempre di più. Ogni volta è un ruolo nuovo, ogni volta qualcosa di diverso. Non l’ho mai visto affrontare due ruoli nello stesso modo, ma è sempre un personaggio nuovo e un Daniele diverso. Possiede una bella voce e la capacità di modularla a seconda dell’occorrenza, riesce ad occupare il palco con padronanza senza mai imporsi e ha una mimica facciale incredibile.

Robert Steiner è Villefort; anche di lui non posso che avere parole di grande apprezzamento. Robert è colui che ha voluto tutto questo, colui che ha ideato e lavorato per un grandissimo progetto che vedrà la luce nella prossima stagione. Inoltre è un grandissimo attore e un cantante sublime.

Annalisa Cucchiara è Madame Villefort: falsa, astuta, crudele è un personaggio molto importante e forte nella storia e Annalisa è stata stupenda. Conferma il mio grandissimo gradimento già manifestato per la sua interpretazione in Canterville con un personaggio completamente diverso.

Mariano Riccio è Morrel. Questo ragazzo che non conoscevo mi è davvero piaciuto: bellissima voce e ottima interpretazione.

Carlo Alberto Gioja è l’Abate Faria. Un ruolo breve, ma importante e intenso per questo bravissimo basso baritono.

Myriam Mirso Somma è Valentine. Quanto mi è piaciuta! Così carina, presa dalla parte, voce cristallina, forma una bellissima coppia col suo partner in scena Davide Fienauri che interpreta Maximilien ed è, così giovane, già un bravissimo ballerino e valido attore e cantante. Questo ragazzo è una rivelazione: a sedici anni già balla (benissimo), canta e recita. Davvero bravo nella drammatica scena in cui crede la sua amata morta. Non credo sia facile per un ragazzo così giovane trovare dentro di sé il modo di interpretare una tale disperazione.

Infine c’è l’energico ensemble formato da bravissimi artisti: Viviana Tupputi, Andrea Venditti, Daniele Venturini, Michele Ferlito, Valentina Garavini, Elisa Franchi.

Il Conte di Montecristo – Il Musical è un enorme spettacolo, suggestivo e sicuramente molto impegnativo e ritengo che gli sforzi di tutti quanti siano da elogiare e premiare.

Le bellissime musiche di Francesco Marchetti hanno un grande potere evocativo creando un’atmosfera affascinante e misteriosa per tutta la durata dello spettacolo.

Nelle stesse intenzioni dell’ideatore e autore Robert Steiner c’era la voglia di fare qualcosa di memorabile creando il trittico epico composto da Canterville, Il Conte di Montecristo e Maria Antonietta, l’ultimo lavoro in fase di completamento composto da Roberto Gori e coi testi sempre di Robert e Valentina De Paolis, affascinanti spettacoli che saranno in scena nella prossima stagione al Teatro Greco grazie alla collaborazione di Renato Greco.

Un progetto impegnativo, titanico che è ormai un’affascinante realtà.

Aspettiamo di vedere allora come verranno allestiti questi spettacoli epici prossimamente a teatro!