STAGIONE 2019 2020

MAI PIU’ SOLI

PROSA

dal 20 al 25 ottobre 2020

martedì, mercoledì, giovedì e venerdì ore 21 – sabato ore 19 – domenica ore 17

SCANNASURICE

di Enzo Moscato

regia Carlo Cerciello

con Imma Villa

scene Roberto Crea

costumi Daniela Ciancio

suono Hubert Westkemper

musiche originali Paolo Coletta

disegno luci Cesare Accetta

produzione Elledieffe, Teatro Elicantropo

Premio Mario Mieli 2018 ad Imma Villa come Miglior interprete

Premio Le Maschere del Teatro Italiano 2017 ad Imma Villa come Miglior interprete di monologo

Premio della Critica (A.N. C. T.) 2015 come Miglior spettacolo

Premio Annibale Ruccello 2015

Premio PulcinellaMente 2015

Scannasurice è il testo che nel 1982 segnò il debutto di Enzo Moscato come autore e interprete. Nel 2015 è stato messo in scena da Carlo Cerciello che ne ha affidato l’interpretazione a una straordinaria Imma Villa (Premio Le Maschere 2017 e Premio Mieli 2018 come Migliore Interprete) ed è diventato negli anni un apprezzato piccolo “cult”. Si è aggiudicato anche il Premio della Critica: Per essere sintesi preziosa ed evocativa tra un testo – quello potente di Enzo Moscato, immagine di una città terremotata e fragile nelle fondamenta della sua articolata struttura così come della sua identità –, un’interpretazione poeticamente superba nella sua drammaticità – quella di Imma Villa, la cui maestria d’attrice restituisce realismo e intensità al personaggio che interpreta con vibrante tensione –, e una regia complessa e accurata – firmata Carlo Cerciello – in grado di valorizzare ogni sua singola componente e, nella sua unitarietà, porsi quale virtuale luogo teatrale e reale, in cui l’estetica si fonde con la recente storia napoletana […].

Ambientato dopo il terremoto del 1980 a Napoli, Scannasurice è una sorta di discesa agli “inferi”, di un personaggio dall’identità androgina, nell’ipogeo napoletano dove abita, all’interno di una stamberga, tra gli elementi più arcani della napoletanità, in compagnia dei topi – metafora dei napoletani stessi – e dei fantasmi delle leggende metropolitane partenopee, dalla Bella ‘mbriana al Munaciello, tra spazzatura e oggetti simbolo della sua condizione, alla ricerca di un’identità smarrita dentro le macerie della storia e della sua quotidianità terremotata, fisicamente e metafisicamente.

Il personaggio fa la vita, “batte”. E’, originariamente, un “femminiello” dei Quartieri Spagnoli di Napoli, ma i femminielli di Enzo Moscato sono creature senza identità, quasi mitologiche. Oltre l’identità sessuale, sono quasi magiche. Per questo ne è interprete un’attrice che del personaggio esalta l’ambiguità e l’eccesso. In un dialetto lirico e suggestivo, la creatura a metà tra l’osceno e il sublime distilla imprecazioni esilaranti, filastrocche popolari e antiche memorie in un’alternanza di ritmi e di sonorità rendendo un testo ed uno spettacolo propriamente caratterizzato dalla parola profondamente affascinante.

Cerciello coniuga qui i due finali scritti da Moscato in due momenti successivi: il primo nel 1982, il secondo, su impulso di Annibale Ruccello che ne fece la regia due anni dopo. Di una morte simbolica comunque si tratta, nel segno di un pessimismo che lascia poche vie di fuga.

DALLA RASSEGNA STAMPA

[…] straordinaria Imma Villa. Grazie a lei il pubblico, emozionato, commosso, turbato, ferito, esaltato, scopre la gioia ed il dolore di condivisioni che a volte ci concede il teatro. Accade raramente ed è un prodigio ed un dono. E gli applausi sembra non debbano mai avere fine.

Giulio Baffi, la Repubblica

Uno spettacolo che onora la drammaturgia, e la sonorità fosca d’un dialetto lirico.

Rodolfo Di Giammarco, la Repubblica

[…] Una lingua aperta alla contaminazione, che danza in maniera vitale con le parole per ricomporre un universo suo proprio. E non a caso si esprime nella forma pre-drammatica del monologo che impegna l’interprete, una bravissima Imma Villa, a innescare un dialogo continuo con lo spettatore. 

Gianni Manzella, il Manifesto

Cerciello, ancora una volta con lucida intelligenza, punta sulla radicalizzazione del dettato moscatiano […] un’Imma Villa semplicemente strepitosa: carnale, ironica rabbiosa, sperduta e tenerissima, dona una sanguigna e appassionata verità sia ai tarocchi che Cerciello le fa appendere a una corda per richiamare con altrettanta ironia i proverbiali panni stesi ad asciugare sia alla Bella ‘Mbriana e al Munaciello evocati da Moscato come vie di fuga dalle macerie della realtà.

Enrico Fiore, Il Mattino

E’ invece già un piccolo classico Scannasurice di Enzo Moscato interpretato da una straordinaria Imma Villa […] Testo bellissimo e spettacolo fascinoso.

Gianfranco Capitta, il Manifesto

Scannasurice di Moscato si basa su un’efficace invenzione visiva (…) la bravissima Imma Villa striscia evocando una figura dall’incerta connotazione sessuale. Il virtuosismo verbale dell’attrice fa del napoletano stretto una musica incalzante, ma in gran parte insondabile.

Renato Palazzi, Sole 24 ore

Sono ticinese. Eppure ho assaporato ogni parola, ogni gesto E ho capito le parole, aiutate dal gesto scenico. Ho capito i pensieri, coinvolti dalla forza attoriale. Ho capito la tradizione, seppur lontana dalla mia.  Roberta Niccolò, Timmagazine Lugano

Prezzi intero € 26, ridotto over 65 €19, ridotto under 26 €16, info 065898031  promozioneteatrovascello@gmail.com – promozione@teatrovascello.it

Teatro Vascello via Giacinto Carini 78 Roma Monteverde

Acquista i biglietti on line https://www.vivaticket.com/it/biglietto/scannasurice/151812

Programma completo su: https://www.teatrovascello.it/

Come raggiungerci con mezzi privati: Parcheggio per automobili lungo Via delle Mura Gianicolensi, a circa 100 metri dal Teatro. Parcheggi a pagamento vicini al Teatro Vascello: Via Giacinto Carini, 43, Roma; Via Maurizio Quadrio, 22, 00152 Roma, Via R. Giovagnoli, 20,00152 Roma
Con mezzi pubblici: autobus 75 ferma davanti al teatro Vascello che si può prendere da stazione Termini, Colosseo, Piramide, oppure: 44, 710, 870, 871. Treno Metropolitano: da Ostiense fermata Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello. Oppure fermata della metro Cipro e Treno Metropolitano fino a Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello

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STAGIONE 2020

MAI PIU’ SOLI

PROSA

Dal 13 all’18 ottobre 2020

martedì, mercoledì, giovedì e venerdì ore 21 – sabato ore 19 – domenica ore 17

GLORY WALL

di Leonardo Manzan e Rocco Placidi

con Leonardo Manzan, Rocco Placidi e Paola Giannini

scenografie Giuseppe Stellato
luci Paride Donatelli
progetto sonoro Filippo Lilli

regia Leonardo Manzan

produzione Centro di Produzione Teatrale La Fabbrica dell’Attore -Teatro Vascello, Elledieffe

Miglior spettacolo de La Biennale Teatro 2020  

Leonardo Manzan, classe 1992, si diploma attore alla Civica Scuola di Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano. Esordisce alla regia con lo spettacolo It’s App to You (vincitore di numerosi premi tra cui InBox 2018). Vince il bando per registi Under 30 della Biennale di Venezia 2018/19 con lo spettacolo-concerto Cirano deve morire. Invitato alla Biennale Teatro 2020, presenta lo spettacolo Glory Wall che si aggiudica il premio come Miglior spettacolo, ed è la sua personale interpretazione del tema del Festival: la censura.

“l’arte vive di costrizioni e muore di libertà” Paul Valéry

Affiancato – sia nella scrittura che in scena – dalla preziosa collaborazione del suo coetaneo Rocco Placidi, Manzan si misura dunque con il tema che Antonio Latella ha scelto per la Biennale Teatro 2020: la censura. Un tema delicato, affascinante e attuale, soprattutto se lo si accosta al concetto di Teatro. L’arte vive di costrizioni e muore di libertà: la censura è quindi vitale per l’arte, l’arte è scandalo e lo scandalo a sua volta implica la censura.

Un vero e proprio corto circuito di idee e spunti di riflessione sui quali sta lavorando il giovane autore e regista.

Note di regia:

Cos’è la censura? Cosa si censura? Ci sono dei campi più soggetti alla censura? E se sì perché? Qual è il limite da superare oggi, in Italia, per essere censurati?

L’arte che disturba, scandalizza, crea disordine; la censura che si preoccupa dell’ordine sociale mantenendo l’ordine dell’immaginazione e di conseguenza l’ordinarietà dell’immaginazione. Il gioco è questo.
Eppure non è ridicolo scandalizzarsi, spaventarsi e infine censurare qualcosa che non è reale? Perché ci si indigna di più a teatro? Il palco sembra amplificare significati e effetti di cose che nel mondo ci lasciano indifferenti. In effetti la cosa non è per niente ridicola, perché è nell’immaginazione che siamo più vulnerabili e continuamente soggetti alla più sottile e perfetta forma di censura, che è quella che sembra venire da noi stessi.
De Sade dice che un limite c’è, tra ciò che è possibile immaginare e ciò che è possibile realizzare. Ma è un limite che alla censura non interessa. La censura colpisce la realtà ma il suo obiettivo è l’immaginazione.
Il suo occhio è rivolto alla cronaca, ma la sua vera ambizione sono le anime.

Leonardo Manzan

“Mettendo il pubblico di fronte a un muro bianco, che blocca la vista della scena, Manzan gioca in modo molto intelligente, ironico e divertente con l’idea del censurare sé stessi e gli altri – e con l’importanza diminuita del teatro. Il gioco che imposta con questo muro è radicale, coerente e molto immaginativo dal punto di vista formale, creando immagini e scene che riecheggeranno per molto tempo, interagendo con il pubblico attraverso minuscoli fori. Lo fa con un gioco nel quale è il regista di frammentarie parti del corpo, cioè mani, dita e polsi, che compiono micro-azioni attraverso questi fori. Lo spettacolo porta l’esperimento di Beckett con Not I a un livello superiore.”

Motivazioni della giuria internazionale

Maggie Rose, Susanne Burkhardt, Evelyn Coussens, Justo Barranco,

Dalla Rassegna stampa

È un grande conforto constatare che ci sono dei giovani teatranti che si rifiutano di praticare il teatro con lo spirito degli impiegati al catasto, quando non (ciò che, purtroppo, oggi capita spesso) dei servi sciocchi; e che, invece, analizzano il teatro in rapporto ai nostri tempi e ne mettono in discussione lo statuto corrente

Enrico Fiore – Corriere del Mezzogiorno

“Manzan ha interpretato la censura […] come una riflessione provocatoria sul potere o sulla sua mancanza nel nostro teatro”

Laura Zangarini – Corriere della Sera

Prezzi intero € 26, ridotto over 65 €19, ridotto under 26 €16, info 065898031  promozioneteatrovascello@gmail.com – promozione@teatrovascello.it

Teatro Vascello via Giacinto Carini 78 Roma Monteverde

Acquista i biglietti on line https://www.vivaticket.com/it/biglietto/glory-wall/151811

Programma completo su: https://www.teatrovascello.it/

Come raggiungerci con mezzi privati: Parcheggio per automobili lungo Via delle Mura Gianicolensi, a circa 100 metri dal Teatro. Parcheggi a pagamento vicini al Teatro Vascello: Via Giacinto Carini, 43, Roma; Via Maurizio Quadrio, 22, 00152 Roma, Via R. Giovagnoli, 20,00152 Roma
Con mezzi pubblici: autobus 75 ferma davanti al teatro Vascello che si può prendere da stazione Termini, Colosseo, Piramide, oppure: 44, 710, 870, 871. Treno Metropolitano: da Ostiense fermata Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello. Oppure fermata della metro Cipro e Treno Metropolitano fino a Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello

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Medea

Teatro Vascello

6 ottobre 2020

Un letto sfatto coperto di lenzuola e drappi rossi. Dentro una donna lacerata dal dolore. Dalla parte opposta, su una sedia rossa, un uomo in abito, la guarda con una certa insofferenza.

La donna è Medea, donna e moglie tradita. L’uomo è Giasone, il marito che l’ha tradita e ripudiata in favore della giovane e bella Glauce, figlia di Creonte, re di Corinto, in nome di una ricchezza che , dice, avrebbe poi spartito con la sua famiglia.

Federica di Martino è una Medea disperata, straziata dalla gelosia e dal dolore. E’ una donna ferita nella propria femminilità, nel proprio ruolo di moglie, amante e madre. In un attimo perde tutto, lei straniera in terra straniera, lei che ha abbandonato il padre per seguire il marito.

Gabriele Lavia, con il suo adattamento e la regia della tragedia di Euripide, porta in scena un dramma umano antico, ma moderno, fedele nel testo all’opera del grande drammaturgo greco, ma reazionario nelle intenzioni alla drammaturgia.

Nello scontro feroce tra Medea e Giasone si consuma il conflitto feroce, moderno e contemporaneo, dell’uomo contro la donna, del marito contro la moglie. Emergono, nelle parole sofferte e taglienti di Medea, elementi antichi oggi decaduti, ma non svaniti, bensì sostituiti da altri: la posizione di inferiorità della donna rispetto all’uomo e della moglie rispetto al marito; la paura della donna emancipata (Medea era una donna colta, istruita).

Eppure, Medea rivendica una propria autonomia, il riconoscimento di una individualità che è tale per se stessa e non in relazione all’altro, in questo caso l’uomo, il marito e promette vendetta. Con voce profonda e roca, come proveniente dall’inferno che sta vivendo, da quella bocca che Giasone vorrebbe far tacere, Medea scaglia maledizioni sulla casa reale e rinfaccia a lui la sua ipocrisia e codardia.

Lo scontro è accentuato dai movimenti scenici, laddove Medea si muove lenta, con le gambe pesanti, che trascina come se portasse addosso pesi insopportabili, lasciando nel terreno sabbioso profondi solchi, strade di dolore, mentre Giasone o è seduto, oppure cammina deciso a passi lunghi e svelti lasciando impronte decise.

Medea escogita ed applica, poi, implacabile, la propria vendetta. Nel momento in cui prepara i malefici sui doni che farà portare alla rivale, la donna, frustrata, lacerata, disperata e accecata dall’ira, si trasforma in una creatura, non più umana, ma animale. Una trasformazione resa con grande suggestione e impatto visivo dalla bravissima protagonista.

La scena è continuamente dominata dal rosso: un letto sfatto rosso in cui Medea si dispera e medita vendetta; le due sedie rosse contrapposte; i quattro pali che sorreggono le luci ai quattro angoli, così come i quattro fari bassi e centrali, due a sinistra e due a destra, sono rossi; rosso è il baule, rossa la veste maledetta, rosso il telo con cui Medea copre la scena nel momento in cui compie la propria vendetta e rossi i teli dei bambini cadaveri.

Il rosso, da sempre colore dell’amore e della passione, ma anche del sangue. Il rosso della vendetta, il rosso dell’orgoglio ferito che richiede un sacrificio, compiuto come in una corrida sanguinaria.

Medea di Lavia è un dramma a due voci: tutti gli elementi della tragedia greca vengono convogliati nei due personaggi. Eppure, non sempre l’effetto è felice: il dramma antico che si fa moderno, che corre tutto attraverso i dialoghi serrati e crudeli, rischia di spogliare in maniera eccessiva la tragedia classica di alcuni elementi fondanti, rendendola “troppo umana”.

Scelta registica, indubbiamente, che può piacere o meno: Lavia, e i due attori in scena, ci restituiscono un dramma umano.

Allo stesso modo, forse, è stata una scelta registica quella di presentare un Giasone, interpretato da Simone Toni, ingenuo, debole e dai colori spenti in contrapposizione ai toni di voce troppo accesi.

C’è un netto squilibrio tra i due: Giasone ha già compiuto la propria scelta ed ora sembra lì solo per subire le maledizioni di Medea e restare vittima della sua vendetta.

Forse per questo lo spettacolo si chiama Medea e non Medea e Giasone.

MEDEA

di Euripide

adattamento e regia Gabriele Lavia

con Federica Di Martino, Simone Toni

produzione Effimera srl