La foto di copertina è di Marta Coco.

E Prima fu.

Il 7 giugno si è svolta, tra le molte polemiche di cui ampiamente altri hanno già parlato, la Prima dell’attesissimo Musical Divo Nerone – Opera Rock sul Colle Palatino di Roma.

Quattordici bravissimi professionisti hanno fatto rivivere la storia di Lucio Domizio Enobarbo meglio conosciuto come il leggendario Imperatore Nerone, partendo dalla sua adolescenza spensierata e arrivando fino alla sua  morte, non solo rievocando gli eventi che hanno caratterizzato il suo Impero, ma anche attraversando tutte le fasi e i mutamenti psicologici dell’uomo e del “divo”.

L’idea di fondo, infatti, di questa mastodontica, costosissima, criticatissima e criticabile Produzione (che non si scompone affatto al grido del “purché se ne parli”), è quella di raccontare la figura di Nerone attraverso la riabilitazione che ne ha fatto la storiografia anglossassone di fine ‘800 prima e italiana dopo, che ha presentato una figura diversa di Nerone: un giovane frustrato nelle sue ambizioni artistiche da una madre delittuosamente ambiziosa, un uomo innamorato confuso e indeciso, un comandante pressato dall’elite politica, un grandissimo uomo di Stato che amò il popolo prodigandosi per migliorarne le condizioni di vita e cercando di portare la Cultura nell’Impero romano. Un artista esaltato ed esibizionista che, se non completamente pazzo, fu certamente un megalomane.

Tutto questo arriva dallo spettacolo grazie all’enorme sforzo interpretativo dei protagonisti. Un cast artistico di interpreti di alto livello, tutti conosciuti e molto apprezzati in Italia, alcuni anche con importanti esperienze all’estero.

Giorgio Adamo è un eccentrico Nerone, continuamente in conflitto con la madre Agrippina e con se stesso, alla ricerca di un equilibrio, che gli viene negato da lei e dal precettore Seneca, tra la sua ambizione per l’Arte e l’esercizio del Potere. Giorgio riesce con grandissima padronanza a rappresentare tutti i forti turbamenti emotivi e fisici del suo personaggio prodigandosi in uno sforzo fisico notevole.

Rosalia Misseri è un’Agrippina splendida, nell’aspetto, nel portamento e nella sua completa aderenza all’idea che la storia ci ha lasciato di lei, restituendo un personaggio affascinante e tagliente nei modi e nella voce.

La meravigliosa Simona Patitucci è Locusta, l’avvelenatrice. In alcuni punti di questa storia riveste anche il ruolo di guida e voce narrante. Locusta è un personaggio perfetto per lei e Simona è perfetta per Locusta, in cui riesce a far confluire le sue grandissime doti di attrice e cantante insieme a quel suo modo ironico e sopra le righe che la contraddistingue nella vita e nell’arte, quel suo saper giocare su se stessa e sul personaggio, divenendone una cosa sola.

Giosuè Tortorelli è Seneca, precettore di Nerone, il migliore del tempo, severo e furbo. Un ruolo perfettamente calzante per lui a cui dona la sua calda voce blues e soul.

Ilaria De Rosa è una straordinaria Atte. La sua interpretazione è tra le più belle cose di questo spettacolo, con la sua delicata, ma incisiva presenza e quella voce pulita e cristallina che ti avvolge trascinandoti con sé.

Rita Pilato è Poppea, un ruolo complesso per come si inserisce nella storia dovendo conquistarsi il favore di Nerone e quello del pubblico che fino a quel momento parteggiava per Atte. Bella e sensuale, in contrasto con la delicatezza della sua “avversaria”, Rita è costretta in un ruolo scritto male.

Riccardo Maccaferri è Tullio, tra gli amici più cari di Nerone insieme a Petronio, Lucano e Otone. Un’ottima prova di cantante e attore caratterizzata da una buona presenza scenica in un ruolo che prevede  una radicale trasformazione spirituale.

Elia Lo Tauro è un Petronio sardonico, eccentrico, raffinato, ma dedito al piacere. Elia, con la sua brillante interpretazione e voce piena, lo rappresenta in pieno con grande energia.

Alex Ceccotti è Lucano di cui interpreta lo spirito goliardico e l’estro artistico con la sua voce potente.

Alessio Ventura è Otone, l’intimo amico e complice di scorribande di Nerone, anche se ciò non impedirà all’Imperatore di portargli via la moglie Poppea. Alessio dà fascino al suo personaggio riuscendo a dipingerlo come quello più scaltro, muovendosi agile nelle questioni politiche così come lui fa sul palco. Gran voce!

Completano il cast: Giancarlo Teodori, nel doppio ruolo di senatore e di Tigellino, rude prefetto del pretorio; Francesco Caramia, Britannico; Francesca Ingravalle, Zia Lepida/Ostessa Drusilla; Jessica Scorpio, Ottavia.

Su questo grande cast, che tanto impegno, anche  fisico, e dedizione ha profuso per la preparazione di uno spettacolo che vale per due, essendo previsto principalmente per un pubblico di turisti e, quindi, in lingua inglese, grava tutto il peso delle enormi debolezze della sua composizione e realizzazione.

Eccezion fatta per le bellissime scenografie di Dante Ferretti e gli arredi e decori di Francesca Lo Schiavo che rendono l’impianto scenico colossale e di grandissimo impatto, le imponenti videoproiezioni in 3D, e i meravigliosi e ricchi costumi di Gabriella Pescucci, il resto non è assolutamente all’altezza delle aspettative che sono state alimentate nel tempo.

Partiamo dal titolo: Divo Nerone – Opera Rock. Innanzitutto non può definirsi Opera se con questo termine lo si vuole avvicinare ad Opere moderne come Notre Dame de Paris o Romeo e Giulietta Ama e Cambia il mondo, da cui è distante anni luce.

Non è nemmeno in alcun modo rock. Potrebbe piuttosto definirsi pop/dance: ci si aspetterebbe di veder comparire Lady Gaga da un momento all’altro… ma lei ha più gusto. In alcuni momenti è più vicino alla ballata popolare.

I testi dei dialoghi sono basici, senza alcun tentativo di ricerca lessicale; le liriche, imbarazzanti, presentano una serie di banalità tra cui spiccano locuzioni e rime che si considererebbero improbabili se non fosse che qualcuno ha  avuto il coraggio di scriverci delle canzoni. Cose come: Palatino/pecorino; cupido/libido; Nerone caprone che diventa capronerone (!!!); togliamo via gli scudi, siamo tutti nudi.

Le tonalità delle canzoni spesso non rispettano le caratteristiche vocali dei cantanti, che ne restano penalizzati loro malgrado.

La metrica, poi, è stata uccisa. Solo i cantanti potranno spiegare il mistero di riuscire a cantare certi fraseggi. Anche questo è un talento.

Le musiche non posseggono uno spessore strutturale, né una continuità di genere o un motivo conduttore o ricorrente. Negli incipit assomigliano a vecchie canzoni nazional popolari.

Lo spettacolo nel suo completo allestimento vira decisamente verso il kitsch e nemmeno con intelligenza: fosse stato strutturato come uno spettacolo che mirasse intenzionalmente al kitsch per la sua interezza, avrebbe rappresentato qualcosa di originale, magari innovativo, finanche rivoluzionario, essendo sostenuto da un eccellente cast, che invece si ritrova a dover proferire, con convinzione e partecipazione, testi ridicoli.

Le coreografie di Marco Sellati denotano povertà creativa a totale discapito di ballerini e acrobati.

Nel complesso manca una costruzione teatrale e drammaturgica, nella quale i signori Migliacci si sono evidentemente improvvisati: inutili gli sforzi registici del Maestro Gino Landi che può poco di fronte ad un’impostazione che sembra definita a priori di carattere televisivo, ma dal sapore di teatro di rivista.

Penso che Divo Nerone potrà avere un maggior riscontro di pubblico nella versione inglese. Non dico per gli appassionati di Musical del West End o di Broadway, ma per uno spettatore medio che comunque potrà vivere una parte della storia di Roma in un luogo immensamente suggestivo godendosi l’esibizione di un gran cast. Certa spettacolarità delle scene e dei quadri musicali agli stranieri potrà probabilmente piacere. Sarei curioso di vederlo in lingua inglese.

D’altro canto, temo che l’elevato costo dei biglietti possa frenare anche molti turisti stranieri.

Si deve constatare, purtroppo, che La Nero Divine Ventures ha perso una grandissima occasione per far conoscere l’Italia all’estero per qualcosa di grande legato alla sua cultura.

Avrebbe potuto produrre un kolossal della cui bellezza ed eccezionalità si sarebbe dovuto parlare in tutto il mondo. Ha lasciato, invece, che si costruisse uno spettacolo debole scaricando una enorme responsabilità sui professionisti in scena, come se da soli potessero colmare le lacune degli autori.

Divo Nerone – Opera Rock

testo e liriche Franco Migliacci

musiche Franco Migliacci, Ernesto Migliacci, Stefano Acqua, Massimo Cantini, Roberto Zappalorto,  Andrea Casamento, Giorgio Costantini

arrangiamenti Emiliano Torquati e Stefano Acqua

orchestrazione Antongiulio Frulio

con Giorgio Adamo, Rosalia Misseri, Simona Patitucci, Giosuè Tortorelli, Ilaria De Rosa, Rita Pilato, Riccardo Maccaferri, Elia Lo Tauro, Alex Ceccotti, Alessio Ventura, Giancarlo Teodori, Francesco Caramia, Francesca Ingravalle, Jessica Scorpio

Dato il gran numero di repliche, inoltre, sono previste delle sostituzioni che saranno effettuate da altri grandi talenti che hanno dovuto imparare anche due ruoli: Luca Gaudiano interpreterà Tullio e Lucano; Anna Vinci, sarà Agrippina e Locusta; Gloria Miele, Poppea e Atte.

Le foto sopra sono di Marta Coco

Daniele Derogatis debutta alla regia con Canto di Natale – La Favola Musicale, con musiche e testi di Simone Martino, adattamento degli stessi Derogatis e Martino e l’aiuto regia di Serena Allegrucci.

Canto di Natale – La Favola Musicale è tratto dal celebre romanzo breve di Charles Dickens del 1843 che ha ispirato tanti film e adattamenti teatrali.

La prima volta che Daniele, emozionantissimo per la sua prima regia, mi disse che aveva scelto Canto di Natale lo misi subito in guardia, dicendogli con ironia: “fai attenzione, perché Canto di Natale l’ho visto talmente tante volte in tante salse, che dovrai stupirmi”.

Così è stato: l’esordio da regista di Daniele Derogatis è un grandissimo successo!

Daniele ha saputo scendere nella storia, coglierne i molteplici e differenti aspetti mettendo in piedi una rappresentazione completa e godibilissima, riuscendo a rappresentare visivamente le sue brillanti idee.

Canto di Natale – La Favola Musicale è una storia che parla di povertà, indigenza, cupidigia e avarizia, ma anche esplora la bellezza dell’animo umano e la forza dell’individuo che non perde il sorriso e la speranza anche nei momenti più bui. Racconta del ricco e avaro finanziere Ebenezer Scrooge e di come il suo animo, divenuto freddo e insensibile nel tempo, mutò verso un atteggiamento caloroso e solidale grazie ad una presa di coscienza.

Ebenezer Scrooge è un uomo insensibile, interessato solo al guadagno. Con lui lavora il contabile Bob Cratchit, che fatica a mantenere la famiglia con lo stipendio irrisorio che il capo gli passa, pur pretendendo da lui un’abnegazione assoluta. Ebenezer odia il Natale che ritiene una perdita di tempo e di denaro, perché non si lavora e la gente spende soldi per cose per lui inutili. Rifiuta anche l’affetto del nipote Fred che insiste per averlo ospite a pranzo il giorno di Natale.

Tornato a casa per trascorrere il Natale come un’altra qualsiasi sera, seduto sulla sua vecchia poltrona, in camicia da notte, vestaglia, babbucce e cappello da notte, con la copertina sulle gambe, Ebenezer riceve la visita del fantasma del suo socio in affari, Marley, morto anni prima, che fu avaro quanto lui e ora vaga senza pace imprigionato da una pesante catena frutto della sua avidità in vita. Marley gli annuncia la visita imminente di tre spiriti: il Natale passato, il Natale presente e il Natale futuro.

I tre spiriti lo porteranno in un viaggio fantastico nel ricordo di ciò che fu e non è più, di ciò che è ora e prospettandogli un futuro minaccioso se non cambierà atteggiamento. A seguito di questo viaggio visionario, Ebenezer capirà che la vita è un dono meraviglioso e va condivisa con gli altri.

Canto di Natale – La Favola Musicale è un bellissimo spettacolo ricco di magia.

In scena, diciotto bravissimi artisti, più i piccoli allievi della Darec Academy danno vita ad una favola emozionante.

Uno dei punti di forza di questo spettacolo è la coralità: tutti individualmente dotati e preparati, questi artisti insieme danno vita a momenti di una forza prorompente sia per la carica che per la grande emotività che suscitano.

Il Sala Uno è uno spazio bello e suggestivo, ma allo stesso tempo pericoloso per la sua stessa particolarità e Daniele è stato abile nel creare scene sempre fluide e dinamiche, sapendo sfruttare anche molto bene la profondità, accentuata grazie all’uso dei lampioni posti nei punti in cui la prospettiva stringe verso il fondo, come bravi sono stati questi artisti nel riuscire a muoversi ogni volta creando figure agili senza mai coprirsi l’uno con l’altro.

Vediamo allora chi sono questi artisti.

Paolo Gatti è un fantastico Ebenezer Scrooge: riesce a rappresentare con vividezza l’avidità e la cupidigia, lo scetticismo, l’incredulità e la paura dando ogni volta voce a queste emozioni con grande trasporto e con la sua intensa e calda vocalità.

Michelangelo Nari è Bob Cratchit, l’umile e dimesso impiegato di Ebenezer, che fa tantissimi sacrifici per garantire un minimo di sussistenza alla propria famiglia e per comprare le medicine al piccolo Tim, il figlio malato. Michelangelo è bravissimo, straordinario. Tanto buffo e simpatico nei panni dell’impaurito impiegato, quanto credibile in quelli del padre premuroso e intenso e coinvolgente in quelli del padre disperato. Il suo assolo con il figlio tra le braccia è qualcosa di toccante.

Visto che del figlio si parla, cito subito il bravissimo Gabriele Trucchi, un ragazzino che probabilmente farà parlare di sé in futuro.

Lorenza Giacometti dà un’interpretazione appassionata di Emily Cratchit, moglie di Bob e madre di Tim e Marta, interpretata dalla brava Agense Buscema.

Giovanni De Filippi è Jacob Marley, ex socio di Scrooge, ma soprattutto inquietante fantasma a cui Giovanni dà la sua profonda e forte voce oltre alla presenza minacciosa e incombente.

La brava Albachiara Porcelli è lo Spirito del Natale Passato, figura nella quale Albachiara sa creare contrasto tra la sua candida bellezza e la fermezza del personaggio.

Luca Guadiano è un eccezionale Spirito del Natale Presente a cui conferisce possenza e presenza.

Antonio Melissa è un assai temibile Spirito del Natale Futuro, che interpreta con eleganza riuscendo a creare una figura distaccata dal piano terreno e realmente spiritica.

Giulia di Turi e Martina Cenere interpretano le belle e povere sorelle Elisa e Sara, accorate nella loro disperazione, tanto forti individualmente, quanto affiatate e delicate nei duetti.

Angela Pascucci è Isabelle, una figura legata al passato di Scrooge, quando ancora provava dei sentimenti e che, in qualche modo, fa percepire la propria presenza. Angela è presa e concentrata e il suo assolo incanta la platea trasmettendo una grande emozione.

Stefano di Lauro è un bellissimo Fred, nipote di Scrooge, ottimista per natura.

Il bravo Jacopo Siccardi interpreta con disinvoltura Scrooge giovane.

Federico Nelli e Matteo Volpe sono un po’ il gatto e la volpe di questa favola, simpaticissimi insieme, ma efficaci anche individualmente.

Completano il cast Gisella Coluzzi e Andrea Vinaccia facenti parte di un ensemble convincente.

Come recita anche il titolo, Canto di Natale è una favola musicale e la bellissima musica di Simone Martino permea di sé l’intero spettacolo. Attraverso un ventaglio di sonorità diverse, si passa da una musicalità cupa e fosca nelle scene più drammatiche ad una allegra e spumeggiante in quelle più solari.

L’impianto musicale è ben strutturato, giocato su più livelli melodici che si affiancano con potenza e grazia a seconda dell’esigenza e con naturalezza, senza passaggi forzati o arditi. La musica è tutta intorno e dentro ai personaggi: sottolinea passaggi e crea atmosfere accompagnando le emozioni rappresentate.

Le canzoni sono anche ben distribuite tra assoli e duetti per esplodere in grandissima energia nei momenti corali di grande impatto.

Piuttosto che preferire slanci vocali esagerati per solo per il gusto di stupire, Simone ha diretto la musica e, di conseguenza, le interpretazioni dei cantanti verso un controllo maggiore della voce in modo che la stessa venisse direttamente da dentro a rappresentare la drammaticità e la sofferenza di certi eventi. Trattenere l’esplosione vocale per dare spazio e risalto all’emozione. Allo stesso tempo, i momenti corali sono aperti, nitidi, cristallini e comunicano esuberanza ed allegria.

Molto curata la scenografia di Fabrizio Del Prete. Appena seduto ho colto la cura e il dettaglio della scenografia fissa: da una parte lo studio di Scrooge, con tanto di insegna “Scrooge e Marley”, la scrivania di Ebenezer, ricca di suppellettili, il tavolinetto di Crachit, la stufa e l’attacapanni; dall’altra parte il salone di Scrooge, con la poltrona, la vestaglia appesa a un gancio al muro, il camino, i quadri. Il resto della scenografia si è svelato passo passo durante lo spettacolo mentre prendevano vita le coreografie di Barbara Tripicchio che, insieme ai movimenti scenici, hanno dato ariosità alle scene dando preferenza a spostamenti ampi e circolari piuttosto che per linee rette che tagliassero la scena, conferendo sempre un senso di profondità utile anche a dividere gli spazi scenici.

Bellissimi i costumi di Rita Pagano: curati nei particolari, sottolineano le differenze sociali dei vari personaggi e rivelano grande fantasia negli abiti degli Spiriti del Natale.

Di forte impatto anche il bellissimo trucco di Jenny Tommassello e belle le acconciature di Gioia Onori.

Canto di Natale – La Favola Musicale è uno spettacolo intenso ed emozionante, che ha riscosso, meritatamente, un enorme successo, registrando su sette spettacoli sette sold-out!

Ecco perché, a grande richiesta, sono state aggiunte altre quattro date, dal 26 al 29 dicembre 2016.

Se lo avete perso, avete l’occasione per rifarvi!

Canto di Natale – La Favola Musicale

di Simone Martino

regia Daniele Derogatis

aiuto regia Serena Allegrucci

con Paolo Gatti, Michelangelo Nari, Gabriele Trucchi, Lorenza Giacometti, Agnese Buscema, Giovanni De Filippi, Albachiara Porcelli, Luca Gaudiano, Antonio Melissa, Giulia Di Turi, Angela Pascucci, Martina Cenere, Stefano Di Lauro, Jacopo Siccardi, Federico Nelli, Matteo Volpe, Gisella Coluzzi, Andrea Vinaccia e gli allievi della Darec Academy.

Il tempo è un dono preziosissimo di cui spesso non teniamo conto, rimandando sempre quello che sarebbe giusto fare, preferendo occuparci di quello che ci piace di più fare.

Nascondendoci dietro a scuse di cui alla fine ci convinciamo, non abbiamo il coraggio di prenderci le nostre responsabilità e affrontare gli impegni della vita, scegliendo di lasciarci vivere che vivere attivamente.

Cosa accadrebbe se all’improvviso scoprissimo di avere solo 24 ore di vita e solo cinque cose da poter fare?

E’ questa la storia di Stefano, un giovane ozioso, pigro e svogliato che è parcheggiato all’università e non cerca un lavoro con la scusa che lavorare toglierebbe tempo allo studio. Stefano rimanda in continuazione ogni impegno importante della sua vita: non solo lo studio e il lavoro, ma anche la vita sentimentale e gli incontri domenicali con i propri genitori che, tra l’altro, gli pagano l’affitto dell’appartamento che divide con degli amici.

La vita di Stefano ruota intorno alla sua stanza che è la sua zona franca, la tana nella quale si sente al sicuro.

Il suo divano letto è il luogo in cui riceve gli amici, Emiliano, Fabio e Gaia con cui condivide la passione per le serie televisive e su cui vive gli incontri pieni di imbarazzo con Miriam, l’amica di sempre di cui è innamorato e ricambiato, ma con la quale non riesce a dichiararsi.

Le giornate di Stefano passano nell’ozio più totale, condizionate dalla dipendenza dalle serie televisive, fino al momento in cui nella sua vita appare Coso Blu, uno spirito porta condanne che lo costringerà a fare i conti col tempo che passa e che non può essere fermato, né portato indietro.

In quel momento Stefano dovrà scegliere le priorità della sua vita  e comportarsi responsabilmente.

Me la prendo comoda è una divertente commedia di Emanuele Di Luca che fa riflettere con simpatia e ironia sulla necessità di agire dando un senso al tempo che scorre, imparando a vivere con responsabilità.

Il testo di Emanuele Di Luca, dalla scrittura agile e leggera, propone considerazioni interessanti calate in un’ambientazione divertente e a tratti onirica.

Se da un lato, infatti, per le tematiche affrontate e le modalità di azione, il testo è aderente alla realtà, dall’altro la rappresentazione della voce della nostra coscienza, incarnata nel personaggio Coso Blu, inserisce un aspetto fantasioso e surreale.

Attraverso le storie personali dei personaggi e il loro intrecciarsi, Me la prendo comoda racconta la necessità di assumersi i rischi della vita per poterla vivere al massimo.

Le vicende vengono rappresentate come se fossero episodi di una serie televisiva, in cui i personaggi sono allo stesso tempo attori e spettatori. Le relazioni e i momenti più importanti vengono vissuti attraverso il riferimento, sempre acuto e ilare, a personaggi o storie di film o telefilm, come a sottolineare un ulteriore filtraggio della propria vita attraverso quella inventata da altri.

Tra le tante risate e gli spunti di riflessione, arriverà il momento di prendere la decisione di vivere la propria vita in maniera attiva e totale. Avrà il nostro protagonista la forza e la costanza di mantenersi fermo nel proposito?

In scena bravi e giovani artisti che danno vita a personaggi diversi e ben delineati.

Emanuele Di Luca, oltre che autore, è qui Stefano, il protagonista, ruolo che svolge con capacità lasciando trasparire un pizzico di emozione.

Ilaria Nestovito è Miriam, la ragazza innamorata di Stefano che aspetta che egli si svegli e faccia il primo passo. Un personaggio timido e schivo che è tutto negli occhi di Ilaria: Miriam è una ragazza dai gesti ripetitivi e impacciati e Ilaria riesce a contenere l’azione concentrando l’espressività nello sguardo.

Giulia di Tommaso è Gaia, l’amica “contesa” tra Emiliano e Fabio. La sua difesa è un atteggiamento un po’ rude, cameratesco, che offusca la sua femminilità. Un impegno importante per Giulia, ragazza dal fisico mediterraneo che deve mettere da parte se stessa per dare spazio a Gaia.

Matteo Cecchi è Fabio, tra tutti quello più sveglio con le donne. Sul palco è quasi sempre in coppia con Martin Loberto, con cui crea una bella sinergia dando vita a begli scambi.

Martin Loberto esce fuori con prorompenza. Il suo personaggio è scritto davvero bene, approfondito nelle caratteristiche fisiche e psicologiche e Martin se ne appropria dandogli facce, espressioni, cadenze e movimenti caricaturali ed esilaranti senza mai apparire eccessivo o sopra le righe.

Irene Cedroni è Coso Blu, lo spirito porta condanne, il senso di responsabilità che fa sentire la propria voce nell’inconscio. Irene in questo ruolo può divertirsi e divertire in un’interpretazione puramente emotiva: ciò non significa che sia facile, trovandosi ad agire al di fuori delle dinamiche del gruppo. Irene riesce a mantenersi equidistante dai due punti estremi, realtà e fantasia.

La regia di Matteo Volpotti crea uno spettacolo dinamico e ben curato negli scambi e nell’uso degli oggetti di scena.

Completano l’allestimento le canzoni originali con gli arrangiamenti di Dino Scuderi e la voce fuori campo di Luca Gaudiano che è anche interprete della sigla.

Volendo fare un appunto, devo riconoscere che c’è in questo gradevole spettacolo ancora qualcosa di acerbo che deve maturare; si avverte la necessità di mettere a fuoco qualche elemento. Ho notato “umori” diversi: alcuni personaggi sono più definiti di altri e le dinamiche ne risentono un poco allentando in alcuni momenti il ritmo.

Me la prendo comoda è comunque uno spettacolo che incontra il gusto del pubblico, lo diverte e coinvolge, mettendo in gioco componenti diverse rispetto al primo lavoro de La Compagnia DiciannoveeVenti, che dimostra così la voglia di fare e di crescere di questi giovani artisti.

Compagnia DiciannoveeVenti

Me la prendo comoda

di Emanuele Di Luca
regia Matteo Volpotti

assistente alla regia Evelina Tudisco

con Ilaria Nestovito, Emanuele Di Luca, Giulia Di Tommaso, Martin Loberto, Irene Cedroni, Matteo Cecchi.