La SITI® è la Scuola e Produzione Internazionale del Teatro Stabile di Roma®.

Giunta al suo secondo anno di attività, ha come obiettivo principale quello di formare degli attori non solo in grado di essere artisti consapevoli e capaci di gestire la messa in scena teatrale, ma anche di essere imprenditori di se stessi e protagonisti della propria carriera.

A capo di questa giovane realtà romana, ma dal respiro internazionale, sono Giorgia Mazzucato (Direttore Artistico del Teatro Stabile di Roma® e Direttore Didattico de La SITI®) e Maria Beatrice Alonzi (Direttore Esecutivo del Teatro Stabile di Roma® e de La SITI®).

Obiettivo primario della Scuola è quello non solo di insegnare a recitare, quanto insegnare ad essere un attore. Oltre alle qualità artistiche, la Scuola mira ad un percorso in cui l’allievo si metta in gioco totalmente e rischiando.

La SITI® ha per questo creato un metodo di insegnamento specifico, il METODO MIT®, il primo Metodo codificato e depositato, al mondo, basato sul concetto di empatia.

Attraverso l’applicazione di questo metodo sono stati preparati gli attori alla messa in scena de L’Albero, uno spettacolo che comprende i due format presentati al Teatro Stabile di Roma il fine settimana scorso: Godot e Inmates.

In Godot si cerca di rispondere alla domanda “come mai Godot non si è mai presentato all’appuntamento con Vladimir ed Estragon nella celebre opera di Beckett Aspettando Godot?”.

All’ingresso nel foyer vengono consegnati dei cartoncini su cui ogni spettatore è invitato a scrivere la propria risposta.

Una volta accomodati in sala, un eccentrico narratore, nei panni di un surreale conferenziere, introduce sommariamente, ma precisamente, alla poetica di Beckett, al suo mettere al centro l’uomo nel suo più misero e tragico realismo. Abbandonando e sovvertendo ogni precedente speculazione filosofica e sociale precedente, Beckett si concentra sulla realtà raccontandone l’assurdità e la mancanza di significato.

Alle spalle di questo narratore un albero, anzi L’Albero, sotto il quale Vladimir ed Estragon attendono l’arrivo di Godot, interrogandosi sul suo ritardo fino a pensare di “aver sbagliato posto”, volendo andare via senza avere il coraggio, però, di muovere quei passi, lasciandosi vivere nell’attesa, piuttosto che agendo consapevolmente per se stessi.

A quel punto, viene estratto uno dei cartoncini di cui sopra che darà il via alla storia. Gli attori saranno impegnati a rispondere alla domanda del perché Godot non si sia presentato all’appuntamento improvvisando e creando una storia che muova da quelle poche indicazioni.

Lo spettacolo è ideato e diretto da Giorgia Mazzucato, attrice, autrice e regista allieva, tra gli altri, di Dario Fo e Franca Rame, vincitrice con i suoi spettacoli originali di moltissimi premi nazionali e internazionali.

L’idea della regia dello spettacolo nasce dalla volontà di guardare dentro alla storia di Godot e immaginare nuove vie e nuove storie.

In Inmates ci sono cinque carcerati e una carceriera o direttrice del carcere. Ognuno viene sottoposto ad un interrogatorio da parte della direttrice del carcere nel quale viene chiesto quale sia il crimine  che ha commesso per finire lì.

Anche qui sarà il pubblico a suggerire la colpa dalla quale ogni attore e attrice dovrà sviluppare la storia del proprio personaggio. Alla fine delle storie sarà sempre il pubblico a decidere il solo o la sola che meriterà la scarcerazione.

Anche questo spettacolo è ideato e diretto da Giorgia Mazzucato.

Godot e Inmates sono due spettacoli diversi che, seppure uniti nella loro concezione e basati entrambi sull’improvvisazione, richiedono doti e caratteristiche diverse.

In Godot già si sa di vivere nel teatro dell’assurdo e si è chiamati ad attingere alle categorie del surreale attraverso un linguaggio nuovo che richiede grande attenzione alle parole usate, perché ogni vocabolo usato da un attore deve essere spunto e traccia per gli altri riuscendo però a mantenere una circolarità, una certa aderenza che non sia esattamente logica, ma si basi su riferimenti verbali o rappresentazioni di immagini. Qui più espressamente l’interazione è fondamentale e si basa sull’empatia oltre che sull’abilità di utilizzare le tecniche recitative.

In Inmates il discorso è un po’ diverso: in scena, ogni volta, sono solo due elementi, il carcerato di turno e la carceriera. L’attore si trova in una dimensione più isolata: come unici riferimenti ha la colpa decisa dal pubblico e una sola figura che lo incalza di domande. Qui sono necessarie una caratterizzazione emotiva e psicologiche più forti perché il personaggio ha bisogno di aderenza alla realtà per raccontare non un assurdo filosofico, ma l’assurdità della vita.

L’improvvisazione teatrale richiede una vasta conoscenza di testi e autori, grandissima ironia, spontaneità ed immediatezza. Fondamentale nei gruppi sono il saper lavorare insieme, la capacità  di comunicare e il sapersi affidare correndo anche dei rischi.

Sicuramente il doppio lavoro presentato da La Siti al Teatro Stabile di Roma è molto interessante e originale. Il pubblico è coinvolto e incuriosito dallo svolgimento degli eventi raccontati sul palco. Gli attori manifestano, in maniera e misura diversa, un’attitudine che tutti loro posseggono dimostrando il frutto di un percorso che è ancora in progressione.

Si nota che dietro a tutto questo lavoro ci sono una mano ferma e una direzione salda e precisa. Maria Beatrice Alonzi, in scena in Godot, e Giorgia Mazzucato in scena in Inmates, sono due solidi punti di riferimento, due figure che hanno ben chiaro dove andare a parare e dove condurre gli attori che lavorano con loro.  Si capisce che hanno gli strumenti e che sanno come usarli.

D’altro canto si nota ancora una certa incertezza generale: gli attori non sembrano ancora centrati e a volte capita che concentrandosi sull’improvvisazione venga un poco meno la tecnica recitativa.

Elementi che verranno messi a fuoco nel tempo: d’altronde ogni serata è uno spettacolo diverso, deciso dalle indicazioni del pubblico presente in sala e non c’è la possibilità di ripetere o riprovare quel determinato passaggio.

Sul palco, insieme a Maria Beatrice Alonzi e Giorgia Mazzucato, hanno dato vita ai personaggi dei due spettacoli: Francesco Guglielmi, Lorenzo Giovannetti, Paola Campagna, Simona Faustino Ventapane, Davide Guzzardi, Cristiano Marazzi, Francesca Mareggiato, Maria Teresa Robusto, Andrea Vannini, Marco Valeri.

Una realtà, quella de La Siti, che merita di essere tenuta sotto attenta osservazione perché potrebbe riservare interessanti sviluppi.

La Merda, “l’opera che ha scioccato e meravigliato il pubblico e la critica al Fringe Festival di Edimburgo nel 2012” ha registrato a Roma, all’Auditorium Parco della Musica, il 22 marzo 2018, la sua cinquecentesima replica.

Lo spettacolo di Cristian Ceresoli, interpretato da Silvia Gallerano è una produzione Frida Kalho Productions con Richard Jordan Productions in collaborazione con Summerhall (Edinburgh) e Teatro Valle Occupato (Roma) e ha vinto numerosi riconoscimenti: Edinburgh Fringe First Award 2012 for Writing Excellence (Cristian Ceresoli è stato il primo autore italiano a ricevere questo premio); The Stage Award 2012 for Acting Excellence (Silvia Galleranno è la prima attrice italiana a ottenere questo riconoscimento); Arches Brick Award 2012 for Emerging Art; Total Theatre Award 2012 for Innovation Nomination; Premio della Critica 2012 Miglior Spettacolo; Edinburgh Fringe Sell-out Show 2012 e 2013.

Un successo internazionale ha accompagnato questo spettacolo nei suoi sei anni di messa in scena, con continui “tutto esaurito”.

La Merda viene presentato come “un poetico flusso di coscienza nel quale si scatena la bulimica e rivoltante confidenza pubblica di una “giovane” donna “brutta” che tenta con ostinazione, resistenza e coraggio, di aprirsi un varco nella società delle Cosce e delle Libertà” ed è realmente così.

E’ realmente uno fragoroso movimento dal dentro al fuori in cui le parole escono potenti come zampilli di petrolio, perché “sporche” e pesanti, eppure preziose se le si sa lavorare attraverso un lavoro di raffinazione che può essere solo individuale.

Sul palco una donna accovacciata su un piedistallo, su una pedana come quelle su cui stanno i leoni nel circo: in vista, ma a distanza di sicurezza, senza gabbie, se non quelle mentali degli spettatori. Nuda, con le sue morbide forme in vista, due codini in testa e un rossetto rosso acceso. In mano tiene un microfono e all’ingresso del pubblico in sala mugugna e fa smorfie, come un animale che ha consapevolezza del suo essere in gabbia. Accenna con suoni a volte cupi, altre striduli, un inno nazionale distorto.

Poi comincia il proprio sfogo di donna bassa e morbida, non grassa, che cerca un posto nella società, che rivendica una posizione che vuole sua, che sente appartenerle. Dà voce al proprio flusso interiore tra racconti e ricordi, dando a volte voce ad altri personaggi, che si impossessano repentinamente e ferocemente del suo corpo e della sua voce, attraverso caratterizzazioni specifiche e modulazioni caratteristiche che vanno dal tono acuto al grave e che tratteggiano rapidamente questi personaggi.

Nella sua sequenza di parole e suoni, la donna manifesta tutta la propria insoddisfazione e la rabbia di essere inadeguata, rivendicando per sé un momento di affermazione, una posizione in cui possa sentirsi accettata e a cui possa sentire di appartenere tutta.

E’ decisa a farcela, ad agire per farsi la propria vita e a non rimanere spettatrice di un’esistenza che passa scolorita.

Anche se piccola e con le cosce grosse, sa che può farcela: lei vuole farcela, lei deve farcela. E’ convinta che con il sacrificio e l’impegno lei possa diventare finalmente libera.

In questo flusso, parole, smorfie, gemiti, mugugni e ricordi creano immagini di un mondo fatto di incomprensione e solitudine, isolamento e abbrutimento, sottomissione e infelicità a cui la donna cerca di sottrarsi e riabilitarsi attraverso un’affermazione della propria individualità e delle proprie capacità.

E’ un percorso, non facile e ricco di ostacoli: è necessario alimentarsi di tutto ciò che il mondo ci presenta come necessario per farlo proprio, trasformandolo dal di dentro, elaborandolo per poi defecarlo, ributtarlo fuori in tutta la sua deprecabilità, rifiutando tutto ciò che è ingiusto e crudele.

Ingoiare, elaborare, defecare: mangiare la “merda” che il mondo ti impone, con le sue immagini stereotipate di bellezza, per restituire la sua “merda” allo stesso mondo al quale è costretta ad omologarsi.

Il testo di Cristian Ceresoli è indubbiamente molto bello. Il linguaggio è crudo, fortemente realistico, senza vie di mezzo. E’ molto ben scritto, una partitura quasi melodica che crea immagini che passano con disinvoltura tra un quadro e l’altro.

Silvia Gallerano è certamente un’attrice eccezionale. Possiede una tecnica recitativa formidabile ed una carica emozionale potente e coinvolgente. Nei suoi passaggi dall’ingenuità quasi adolescenziale a quel suo vomitare al mondo la rabbia e la frustrazione di donna offesa, denigrata ed esclusa, fa utilizzo di diversi registri vocali, così come quando dà voce alle incursioni degli altri personaggi, suoni e voci escono da lei come provenissero da altrove. Una potenza verbale ed espressiva che fanno completamente dimenticare che lei sia lì nuda: le parole la vestono.

Eppure alla fine resta una sensazione di vago, di indefinito: è come se le parole partissero potenti dal palco per arrivare alla platea già più deboli e scolorirsi poco dopo. Non c’è liberazione, non si avverte quel processo di immedesimazione che porta alla catarsi. Sembra restare solo un grido di dolore, un’opposizione solo ideale non supportata dalla forza di agire e cambiare. Resta piuttosto la grande umanità di questa donna, sola e disperata, che lancia un grido che ascoltato, viene subito dimenticato. Esattamente come in questo nostro Paese in cui tutti si lamentano, ma nessuno agisce per cambiare le cose.

Anche il testo, per quanto ottimamente scritto e significativo, non costituisce un’ eccezionalità, ma si attesta tra i vari altri testi di opposizione civile.

Fanno pensare i tanti e fragorosi applausi finali, meritati sicuramente per l’ottima fattura del testo e la formidabile interpretazione, ma eccessivi. Forse la spinta mediatica che questo spettacolo ha avuto ha influenzato la reazione del pubblico o forse l’applauso serve a rafforzare una distanza tra lo spettatore e la situazione rappresentata, quasi  un gesto di pietà nei confronti di quella donna (il personaggio, non l’attrice sia chiaro) che alla fine sembra soccombere. Come se l’applauso, così forte e prolungato, sia una forma di estraniamento attraverso il quale lo spettatore, tributando onore a chi è dall’altra parte, voglia allo stesso tempo sottolineare di non essere egli stesso in quella merda fino al collo.

Silvia Gallerano in

La Merda

di Cristian Ceresoli

una produzione Frida Kalho Productions con Richard Jordan Productions in collaborazione con Summerhall (Edinburgh) e Teatro Valle Occupato (Roma)

Recensione di Carlo Tomeo

“Minchia Signor Tenente” è la parola più ricorrente in una caserma di carabinieri in un piccolo paese della Sicilia, dove sembra non accadere nulla di particolare, salvo le denunce continue e irrisorie di furti di oggetti di poco conto presentate quasi giornalmente dal Sig Pererella (l’attore Natale Russo).

La commedia è ambientata nel 1992 ed è composta da due atti che la dividono non solo formalmente ma anche per come viene raccontata la trama. Nel primo tempo assistiamo a una serie di episodi preparativi dell’azione che prenderà corpo sostanziale nel secondo atto: i dialoghi sono infarciti di battute comiche che si svolgono tra i carabinieri e arrivano a sfiorare una moderna pochade specialmente quando entra in campo il Signor Pererella con le sue denunce che sono difficili da comprendere, sia perché enunciate in dialetto siciliano molto stretto, sia per la pochezza delle stesse: un paio di calzini, un bastone, degli occhiali da sole. Si aggiunga che tra i carabinieri non tutti sono siciliani che possono comprendere il dialetto: ci sono un napoletano (interpretato dallo stesso Antonio Grosso) e un appuntato romano (interpretato da Gaspare di Stefano) che deve scrivere le denunce in italiano e, questa situazione che si ripete, rende ancora più comica la vicenda. Altro elemento vittima di malcelati sfottò è il maresciallo Antonio (l’attore Antonello Pascale) che annuncia il prossimo arrivo del tenente Prisco (l’attore Francesco Nannarelli) il quale, oltre a mettere ordine nella gerarchia scarsamente osservata nei modi comportamentali dei presenti in caserma, si appresta a risolvere un caso delicato previsto per il giorno dopo.

Il secondo atto si apre sulla stessa scena resa buia e due voci fuori campo che si parlano a telefono: uno è a Roma e l’altro è a Palermo. L’accento è siculo e parlano in codice. La scena si ripeterà verso la fine del secondo tempo. Quando le luci si accendono sul palcoscenico, si comprende subito che ci troviamo in una situazione meno comica che volge sempre di più al drammatico. Il tenente annuncia che due poliziotti dovranno il giorno dopo scortare un magistrato.

Lo spettacolo, che a questo punto è diventato un dramma, fa riferimento alle stragi compiute dalla mafia che colpisce, nonostante certi segnali facciano sembrare che i problemi più complessi e malavitosi della nostra società oggi siano in via di soluzione, mentre la mafia impera ancora nonostante le apparenze la diano per destabilizzata o per lo meno indebolita.

Antonio Grosso, figlio di un maresciallo dei carabinieri, ha dichiarato che, quando scrisse il testo nel 2004, si era ispirato, nel titolo, alla canzone che Giorgio Faletti portò con successo al Festival di Sanremo del 1994. La prima volta che il testo andò in scena fu nove anni fa e da allora ha avuto una serie di successi in tutt’Italia, ogni volta che stata riproposta. Ormai, come ha dichiarato lo stesso Antonio Grosso alla prima milanese cui ho assistito, ha superato le ottocento rappresentazioni e si sta avvicinando alla millesima replica.

Al di là di come si conclude la commedia, non temo di fare spoiler raccontando che, prima che gli attori si presentino sul proscenio per ringraziare il pubblico, un telo bianco scende dall’alto sul quale vengono proiettati i volti delle tante vittime della mafia, perché il pubblico li ricordi come nostri eroi.

Lo spettacolo è diretto con padronanza da Nicola Pistoia, anche se la differenza tra il primo e il secondo tempo mi è sembrata troppo stridente nello stile. E questo, a quanto mi è parso, l’abbia colto anche il pubblico che ha riso molto copiosamente e applaudito parecchie volte a scena aperta più nel primo atto, considerando il suo lato fortemente comico.

Il successo, a teatro pieno, è stato comunque garantito dai molti applausi finali. E il tema trattato è comunque encomiabile tanto da meritare ulteriori repliche e un “passa parola” è quanto mai opportuno.

Minchia Signor Tenente

di Antonio Grosso

con Gaspare Di Stefano, Alessandra Falanga, Antonio Grosso

Francesco Nannarelli, Antonello Pascale, Francesco Stella, Ariele Vincenti

e con Natale Russo

scene Fabiana Di Marco

costumi Maria Marinaro

luci Luigi Ascione

regia Nicola Pistoia

produzione La Bilancia

In scena al Teatro San Babila di Milano fino al 25 marzo

Si ringrazia la Sig.ra Roberta Cucchi dell’ufficio stampa