L’uomo e il suo doppio. Un’immagine e il suo riflesso allo specchio.

Quando Dario viene lasciato da Angela dopo anni di relazione qualcosa nella sua mente si spezza, gli ingranaggi subiscono un cambio di direzione e la percezione di se stesso muta inesorabilmente.

Dario si chiude in casa: non riuscendo a metabolizzare il trauma lo nasconde dai procedimenti lucidi del suo cervello, lo esterna nella cura dell’altro. Non essendo in grado di prendersi cura di se stesso Dario si proietta fuori di sé concentrando le proprie attenzioni sul suo doppio.

Comincia così una convivenza con Il Giovane che altro non è che un feticcio nel quale Dario vive il proprio trauma come se fosse di un altro, con cui conversa incessantemente e a cui dà consigli.

Dario non riconosce più se stesso nel proprio riflesso e lo vive come fosse un altro soggetto a cui dedicare le proprie cure. Non riconosce i propri occhi in quell’uomo, non ne distingue l’identità dei gesti coi propri, né la sincronia delle espressioni. E’ una convivenza ossessiva quella di Dario e del suo doppio, una relazione che diventa competizione e poi rabbia quando Angela riappare prepotentemente dall’altra parte dello specchio, nella vita del Giovane.

Al fianco di Dario arriva Silvia, sua amica da lungo tempo e da sempre innamorata di lui. Lo accoglie tra le sue braccia accettando di compiacerlo in questo meccanismo contorto di se stesso in relazione al proprio doppio. Anche lei si riflette nello specchio, anche lei dà vita ad un altro personaggio: La Giovane. E’ così che Dario e Silvia si avvicinano intimamente, nella cura che riversano non verso se stessi, ma verso i propri doppi.

Il limite tra finzione e realtà è talmente sottile che si potrebbe dubitare di tutto, anche che Silvia sia realmente lì e non sia, invece, un tentativo della mente di Dario di riportarlo alla ragione, un lume di lucidità nascosto che cerca di farsi strada nell’oblio del suo cervello.

Dario parla e il suo riflesso muove le labbra come lui, ma non proferisce parola: eppure egli lo interpreta attraverso le espressioni a cui, non riconoscendole come proprie, dà un suo significato.
Allo stesso tempo Silvia fa lo stesso con la giovane, nel tentativo di accondiscendere Dario e tentare, chissà, di salvarlo piano piano, o forse accettando di mantenere quella situazione assurda pur di tenerlo vicino a sé.

Sembrano esserci dei momenti in cui Dario e Silvia sono soli, sono solo loro e nessun altro: si tratta di quei momenti in cui Dario le chiede un incontro privato, un tet a tet appunto, che avviene fuori dalla cornice dello specchio. Eppure anche lì la scena è rappresentata anche dai loro doppi, che sembrano avere vita propria anche al di fuori di quel mondo riflesso.

TetATet è uno spettacolo molto interessante di Jacopo Neri con la regia di Giorgia Mazzucato che esplora il mistero del doppio, sondando la psiche umana e le conseguenze sull’azione reale. Jacopo e Giorgia, in sinergia, riescono a creare una drammaturgia che porta a supporre che qualcosa stia per accadere, ma sorprende per le soluzioni che adotta.

Una prova attoriale complessa nella quale la sincronia tra i protagonisti deve essere perfetta in ogni gesto, movimento ed espressione anche solo accennati. E’ per questo che sembra più compiuta e soddisfacente l’interpretazione di Giacomo De Rose nel ruolo del Giovane, proprio perché, confinato dall’altra parte dello specchio, reciterà senza mai parlare, rimanendo sempre aderente al modello originale e riuscendo a far passare emozioni e pensieri attraverso la mimica facciale e la gestualità.

Molto buona anche l’interpretazione di Francesco Guglielmi, Dario, preciso, attento e con la giusta disposizione.

Meno soddisfacente la prova per le due donne, Noemi Pallotto e Ludovica Bove, troppo spesso scollate tra di loro.

TetATet

Scritto da Jacopo Neri

Regia di Giorgia Mazzucato

Con Francesco Guglielmi, Giacomo De Rose, Noemi Pallotto, Ludovica Bove e Laura Rotalinti.

Una produzione Teatro Stabile di Roma® e Eat The Catfish

Arriva al Teatro Brancaccio Il Circo degli Orrori lo spettacolo nato in Inghilterra nel 1995 grazie a una fortunata idea di “Doctor John Haze“ e che dal 2000 è stato esportato in diversi paesi europei.

Il titolo non deve spaventare (non troppo almeno) perché Il Circo degli Orrori riesce a miscelare numeri acrobatici più prettamente circensi a numeri di danza e intermezzi grotteschi in un’atmosfera che ricorda molto il genere horror, ma sempre divertente, leggera e beffarda.

Lo spettacolo, quindi, è un circo in senso generale, proprio perché comprende una tipologia di esibizioni diverse: contorsionismo, equilibristi, saltatori e saltimbanchi, lanciatori di coltelli, evoluzioni al cerchio oppure agganciati ad un cavo solo per i capelli. Non mancano i clown e i numeri comici che giocano su figure e immagini horror, ma tingendole di ironia.

Lo sfondo sul quale ci si muove è quello dell’immaginario oscuro dei film “di paura”: tutto il foyer del Teatro Brancaccio è allestito come una notte di Halloween: gabbie, teschi, ragnatele, mostri appesi e la nebbia a celare le forme.

Tra il pubblico che si appresta ad entrare in sala e quello già seduto si aggirano personaggi inquietanti: la suora posseduta, un’infermiera zombie, un uomo con la motosega, il Minotauro, un vampiro, un  clown dall’aspetto inquietante.

A fare gli onori di casa è un becchino, l’Amministratore Delegato del cimitero, un personaggio che richiama nell’aspetto Nosferatu, ma che per il suo humour nero assomiglia più allo zio Fester della Famiglia Addams.

In effetti la parte narrativa dello spettacolo ricorda il telefilm della Famiglia Addams degli anni ’60 con quel suo utilizzare le paure e presentare personaggi “strani”, freak, esorcizzando però la parte cupa e tetra con un umorismo semplice e diretto.

Anche il killer clown dall’aspetto tanto inquietante è in realtà un personaggio dispettoso.

Punti di forza dello spettacolo sono i numeri acrobatici (forse la cosa che realmente fa più paura è la straordinaria elasticità del contorsionista) e il saper coinvolgere il pubblico. Dalla platea è stato scelto uno spettatore a caso che è stato ripetutamente chiamato sul palco e fatto oggetto di divertenti scherzi a cui si è prestato con grande simpatia. Alla fine era il pubblico stesso a chiamarlo a gran voce affinché si lasciasse coinvolgere ancora.

Cercatelo e chiedeteglielo: il suo nome è Vincenzo.

Il Circo degli Orrori è uno spettacolo che affascina e cattura anche i bambini, per nulla spaventati dall’ambientazione cupa e dai personaggi che sembrano usciti da un fumetto horror, ma piuttosto molto incuriositi e divertiti.

Il Circo degli Orrori

Ideato da Doctor John Haze

Teatro Brancaccio

Si ringrazia l’ufficio stampa di Silvia Signorelli.

https://www.youtube.com/watch?v=kKayIa3Q5NQ

Un dramma esistenziale a più voci. Quando il passato non dà scampo.

Tornato in scena al teatro Altro Spazio, il 27 e 28 settembre 2018, Amor Mio ha coinvolto e commosso una platea molto partecipativa.

Lo spettacolo, bellissimo, è scritto, diretto da Simone Sibillano e interpretato dallo stesso Sibillano insieme a Brunella Platania e Chiara Di Bari.

Amor mio è una toccante storia di esclusione e abbandono e un disperato tentativo di riconciliazione con se stessi e il proprio doloroso passato.

Siamo alla fine degli anni ’70 e Giulio è un uomo che si veste da donna interpretando grandi personaggi musicali femminili durante i suoi spettacoli acclamati, ma anche derisi. Nonostante il clima di quegli anni segni un cambiamento rivoluzionario nel pensiero e nel modo di vivere della gente, nonostante il senso di ribellione e trasgressione nell’aria, nonostante la presenza attiva di movimenti a favore dell’emancipazione sessuale femminile, la paura del diverso, la repulsione verso ciò che è ambiguo e non definito, la feroce derisione verso chi non è conforme a certi canoni, sono ancora molto forti ed esercitano una pressione schiacciante sui più deboli o su chi è in difficoltà e in cammino verso una consapevolezza altra di se stesso.

Giulio non è solo un uomo che si traveste da donna. Giulio è un’anima in perenne sofferenza che non si riconosce nel suo corpo maschile e che cerca la propria realizzazione in Eva, che non è solo il personaggio che interpreta, ma la donna che vorrebbe essere. Giulio rinnega il suo nome e si rifugia in Eva, ma Eva deve fare i conti con il passato di Giulio: un passato di dolore e abbandono, un passato privo di affetto, di attenzioni e di amore. Giulio, infatti, ha subito e patito l’abbandono della madre, evento a cui mai ha saputo dare una motivazione e di cui non ha mai trovato una giustificazione, quindi impossibile da metabolizzare.

Al fianco di Eva c’è Jaq, sua moglie, sostegno insostituibile che ogni volta cerca di riportare in superficie Eva e di accompagnarla verso la vita che vorrebbe vivere. Eppure la presenza della madre di Giulio  incombe minacciosa al suo fianco, rinnovando ogni volta il ricordo di quell’abbandono e trascinandolo verso la disperazione.

Così, mentre Eva va in scena davanti a un pubblico di appassionati, ma anche di curiosi che la squadrano e di bigotti che la deridono, nei passaggi dal palco al camerino il suo mondo interiore esplode mandandola in tilt.

Questo feroce dissidio è ottimamente interpretato, sia dal punto di vista recitativo che vocale, da Simone Sibillano che ogni volta entra ed esce dai due personaggi caratterizzandoli con registri di voce diversi. Anche i movimenti sono decisamente pertinenti ed espressivi.

Nello stesso modo viene presentato il personaggio della madre, interpretato dalla sempre meravigliosa Brunella Platania, che nei ricordi di Giulio si esprime con cadenza dialettale, mentre quando interagisce con lui in camerino in un italiano pulito. Anche qui è da ammirare l’abilità con cui Brunella riesce ad attraversare i contrasti del proprio personaggio.

L’unico personaggio a rimanere saldo, ancorato alla realtà, è quello di Jaq, ottimamente interpretato dalla bravissima Chiara Di Bari, che ha il compito di riportare ogni volta protagonista e pubblico alla dimensione reale e contingente.

Il testo di Simone Sibillano è davvero ben scritto: nonostante la struttura complessa e articolata, nella quale i personaggi e le voci si sdoppiano e si avvicendano, la drammaturgia è precisa, chiara, coinvolgente e commovente e rivela con graduale disvelamento la drammaticità degli eventi.

Fondamentale la partitura musicale che, anche se non originale, viene rimodulata in modo da farne contenuto espressivo in continuità con il recitato. Canzoni come Amor mio, I giardini di marzo, Gracias a la vida, Historia de un amor, Poesia, Per una bambola si fanno testo raccontando la storia di Eva.

In particolare è davvero coinvolgente ed emozionante la scena de I giardini di marzo in cui i tre protagonisti riversano una carica emotiva molto forte e un’eccezionale interpretazione.

Le voci dei tre protagonisti, bellissime e diverse tra loro, naturali, falsate, rimodulate, da sole o in accordo, creano un tappeto di sfumature e accenti affascinanti e coinvolgenti di fronte a cui si può solo ascoltare commossi.

Amor mio

Altro Spazio

Scritto e diretto da Simone Sibillano

Con Simone Sibillano, Brunella Platania e Chiara Di Bari

Con la partecipazione straordinaria della voce di Teo Achille Caprio

Costumi, make up e consulenza drag a cura di K.B. Project