La morte del Teatro profetizzata da Pirandello  in uno  spettacolo onirico di grande impatto

I giganti della montagna

Teatro Eliseo

14 marzo 2019

In scena al Teatro Eliseo I giganti della montagna, ultima opera incompiuta di Luigi Pirandello, divenuta una sorta di testamento estetico dell’autore e un grido di dolore nei confronti della perdita della “magia”, quella potenza immaginifica e creatrice che fa vivere il teatro.

La storia racconta la vicenda di una compagnia di teatranti sfaldata e disfatta, La compagnia della contessa, guidata dalla contessa Ilse, che, non riuscendo ad accedere ai comuni teatri, vaga nel tentativo di trovare un luogo dove mettere in scena La favola del figlio cambiato, opera dello stesso Pirandello e giunge alla Scalogna, una villa sperduta in un luogo senza tempo entrando in contatto con i suoi misteriosi e bizzarri abitanti guidati dal mago Cotrone.

Villa Scalogna è un luogo magico in cui tutto può accadere (Quando si è perso tutto, tutto è possibile): i suoi abitanti vivono sospesi nel tempo, come i fantasmi che dimorano le vecchie case diroccate, e hanno il potere di far accadere realmente ciò che di solito accade nei sogni (Avviene l’invisibile, vaporano i fantasmi)

Cotrone, a capo degli Scalognati, loro guida e regista, invita Ilse e la sua compagnia a rimanere in quella casa e a recitare per loro, ma Ilse ha altre necessità, lei vuole che l’opera “viva in mezzo agli uomini”. Cotrone propone allora ad Ilse di presentare l’opera ai giganti della montagna, uomini di immenso potere continuamente impegnati in grandi opere materiali.

La rappresentazione portata in scena all’Eliseo si ferma qui dove Pirandello era arrivato a scrivere senza procedere nella parte ricostruita dal fratello su indicazioni del padre.

Nella prosecuzione dell’opera, i giganti, che hanno perso completamente la dimensione magica, la fantasia e l’immaginazione, votandosi ad una vita completamente materialistica senza avere tempo per l’arte, decidono che l’opera venga rappresentata davanti al popolo. Il popolo, però, non è pronto a questo, non può capire e ucciderà Ilse e tutta la compagnia, uccidendo così il teatro e l’arte in generale.

Lo spettacolo è un’opera onirica di grandissimo pregio: la regia di Lavia tiene continuamente sospesi tra realtà e immaginazione, tra vita e sogno, con frequenti incursioni dei secondi nei primi. Anzi piano piano, quasi senza accorgersene, realtà e vita sfumano delicatamente, ma terribilmente, le une negli altri, fino ad un epilogo roboante e atterrente.

Sul palco è ricreato e vissuto un mondo invisibile, sognante, un “oltre” in cui tutto può accadere, in cui l’Arte può vivere con estrema naturalezza e spontaneità. Questo “oltre”, però, è anche una trappola: è qualcosa di intangibile, ma che ci tocca, che si allunga su di noi tentando di catturarci e imprigionarci. E’ allo stesso tempo qualcosa a cui volgiamo curiosi e speranzosi, ma che anche ci imbriglia in un mondo da cui non è possibile tornare indietro.

Tutta l’opera è pervasa da elementi irrazionali, onirici e spiritici volti al “divino”, ad una potenza o energia superiore che ci attira fino ad intrappolarci e la rappresentazione se ne fa carico e testimone con enorme vividezza. Tempo e luogo restano sospesi: è qui che vive il Teatro.

Lavia costruisce un luogo non luogo in un tempo fuori dal tempo allestendo un sogno animato da esseri misteriosi, fantocci accatastati in un angolo che si animano improvvisamente agitandosi.

In scena una coralità bellissima fatta di personaggi e voci contrastanti: la compagnia della contessa e gli Scalognati rappresentano in continuazione l’alternanza tra il razionale e l’irrazionale, tra la realtà e l’illusione, in un contrasto che resta armonico e che progredisce con grande effetto verso un finale di grande impatto che scuote, stupisce e intimorisce. La paura di Ilse ci invade e ci fa suoi: la bellezza è morta, ogni tentativo di recuperarla è perduto.

I giganti della montagna è considerato il testamento artistico di Pirandello e il punto più alto della sua poetica e, in effetti, a chi voglia guardare e ascoltare, apparirà chiaro.

In scena un gruppo di attori potente crea immagini e dinamiche affascinanti trasportando in quell’oltre da cui si viene fagocitati e dal quale ci si ridesta bruscamente nel finale roboante. Federica Di Martino è immensa, cattura e imprigiona con la sua presenza, la sua forza recitativa, incarnando la passione e il dolore della donna e dell’Attrice (io sono un’attrice). Il suo personaggio è davvero “consacrazione e martirio”.

Da citare, nella lunga lista degli interpreti, tutti ottimi, Nellina Laganà nel personaggio de La Sgricia, donna piccola, ma forte che alimenta la leggenda dell’angelo Centuno.

Le scene di Alessandro Camera dapprima incuriosiscono a sipario chiuso, un sipario “finto”, vecchio e polveroso, per poi esplodere in una potenza di immagine grandiosa: quelle che prima sembravano rovine di un tempio si scoprono essere i resti di un elegantissimo teatro (ma il Teatro è un tempio) abbandonato con le balconate rotte, i fregi danneggiati, i drappi strappati e le poltrone lise e impolverate. Sulla sinistra un vecchio pianoforte e delle sedie, alcune piccole e capovolte, sulla destra un vecchio baule e altre sedie. Una rampa scalcinata indica la salita alla Villa Scalogna e divide immaginariamente il fuori dal dentro, la realtà dall’illusione.

Pregevoli i costumi di Andrea Viotti, particolarmente colorati ed estrosi quelli degli Scalognati e dei fantocci; per le maschere il merito va dato ad Elena Bianchini; ottimo il disegno luci di Michelangelo Vitullo, perfettamente funzionale al sentimento dell’opera così come le musiche di Antonio Di Pofi.

I giganti della montagna

Di Luigi Pirandello

Regia Gabriele Lavia

Con

Gabriele Lavia: Cotrone detto il Mago

La Compagnia della Contessa:

Federica Di Martino, Clemente Pernarella, Giovanna Guida, Mauro Mandolini,Lorenzo Terenzi, Gianni De Lellis, Federico Le Pera, Luca Massaro

Gli Scalognati:

Nellina Laganà, Ludovica Apollonj Ghetti, Michele Demaria, Daniele Biagini

Marika Pugliatti, Beatrice Ceccherini – iNuovi

I Fantocci (personaggi della Favola del figlio cambiato):

Luca Pedron – iNuovi, Laura Pinato – iNuovi, Francesco Grossi – iNuovi

Davide Diamanti – iNuovi, Debora Iannotta, Sara Pallini, Roberta Catanese

Eleonora Tiberia

Scene Alessandro Camera

Costumi Andrea Viotti

Musiche Antonio Di Pofi

Luci Michelangelo Vitullo

Maschere Elena Bianchini

Coreografie Adriana Borriello

Produzione Fondazione Teatro della Toscana

in coproduzione con Teatro Stabile di Torino, Teatro Biondo di Palermo

con il contributo di Regione Sicilia e con il sostegno di ATCL – Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio, Comune di Montalto di Castro, Comune di Viterbo

Il Musical come metafora della vita

A Chorus Line – Il Musical

Recensione, curiosità, video e foto

Teatro Nazionale CheBanca! 

9 marzo 2019

E’in scena a Milano, al Teatro Nazionale CheBanca!, la nuovissima edizione di A Chorus Line, il musical dei record, titolo che può essere annoverato tra gli spettacoli d’eccellenza.

Lo spettacolo, originariamente ideato, diretto e coreografato da Michael Bennett, con testo di James Kirkwood e Nicholas Dant, musica di Marvin Hamlisch, liriche di Edward Kleban, co-coreografie di Bob Avian, torna, dopo tantissimi anni, in una nuovissima versione tradotta, adattata e diretta da Chiara Noschese, non nuova a queste mastodontiche operazioni.

A Chorus Line porta sul palco il mondo del musical visto da dietro le quinte, mettendo in luce i sogni, l’impegno, la fatica, il sacrificio, la voglia di ballare e fare teatro di tutti coloro che vogliono intraprendere questa strada.

Non si tratta certo di un musical facile o leggero; non è uno spettacolo tutto lustrini e piallettes, che compaiono solo nella scena finale, né uno spettacolo spensierato. A Chorus Line rappresenta la fatica, la precarietà, la delusione, l’amarezza e il sudore a cui inevitabilmente va incontro chi vuole fare questo lavoro (eh sì, fare musical e teatro è un lavoro) con la consapevolezza che potrebbe non durare per sempre.

In questo A Chorus Line incarna la metafora della vita: la vita è una continua audizione e a fronte di una vittoria ci sono mille sconfitte.

Lo spettacolo racconta la storia di un gruppo di ballerini che si presenta al provino per un grande spettacolo. A giudicarli e decidere chi di essi potrà entrare nella fila dello spettacolo sarà il severo regista Zach (Salvatore Palombi). Un’audizione lunga e impegnativa non solo dal punto di vista fisico, ma anche e soprattutto dal punto di vista emotivo. Zach, infatti, cerca persone strutturate e realmente motivate: per poter conoscere gli aspiranti ballerini egli li forzerà a raccontare le proprie storie, mettendosi totalmente a nudo. I giovani candidati dovranno dimostrare chi sono ed essere disposti a portare in scena se stessi.

A Chorus Line nella versione di Chiara Noschese rispetta lo spirito dello spettacolo. Già il colpo d’occhio dell’opening è decisamente d’impatto. Riempiono il palco venticinque elementi che provano una coreografia per l’audizione. Dopo una prima scrematura comincia la seconda parte delle audizioni. Zach lascia il gruppo e va a sedersi nella sua postazione in platea. Da qui parte un racconto fatto di racconti: i diciannove candidati rimasti si troveranno a dover svelare qualcosa di intimo di se stessi e delle loro storie personali.

La forza dello spettacolo sta nel carico emotivo dei personaggi, nelle bellissime coreografie e nella potenza della musica. Ciò che affascina e colpisce immediatamente sono le coreografie: chiunque faccia musical vorrebbe ballare in A Chrous Line almeno una volta. La riproduzione delle coreografie originali è curata nei minimi dettagli da Fabrizio Angelini, anche regista residente.

Fabrizio Angelini è garanzia di qualità, in particolare poi per questo spettacolo. Fabrizio ha partecipato a tutte le edizioni italiane di A Chorus Line fin dalla prima del 1990, facendo parte dell’ “Original Italian Cast”. Nel tour 1990-91, dopo tre mesi dal debutto, fu scelto da Baayork Lee e Saverio Marconi come Capo-balletto. Fabrizio Angelini può vantare un totale di 502 presenze senza saltare mai una replica e rivestendo 5 ruoli diversi (principalmente Paul, ma anche Larry, Greg, Mike e Al) nei Tour 1990-91, 1991-92, Inverno 1998 al Teatro Nazionale di Milano, Tour estivo 1998, Tour 1998-99

Nel tour 1991-92 divenne anche assistente alle coreografie e nel 1998 responsabile artistico della Compagnia in tour.  In pratica dal secondo anno ha affiancato attivamente la Baayork, con cui ha ancora un ottimo rapporto, e i suoi assistenti e aveva in mano lo spettacolo. Nell’edizione 2008-09, poiché era già impegnato in scena con Gigi Proietti,  è stato  collaboratore artistico partecipando alle audizioni e a parte delle prove.

Come potrete leggere nella sezione Curiosità in fondo all’articolo, si può affermare che CHORUS sia nel suo DNA e il fatto che sia stato scelto per riprodurre le coreografie originali e ora sia anche il regista residente, è “un tassello che va al posto giusto”.

Questa digressione è utile per capire la portata dell’evento Chorus e per rendere chiaro di che professionalità stiamo parlando. Infatti, dal punto di vista coreografico lo spettacolo è trascinante e impeccabile. La precisione e sincronia dei movimenti, la bellezza delle linee, l’energia e la potenza fanno vibrare quel palco.

A Chorus Line è uno spettacolo molto difficile. E’ una macchina che deve funzionare a perfezione. Non si può sbagliare e non ci si può nascondere dietro la scenografia di Gabriele Moreschi che è nuda: solo specchi, che, anzi, oltre a moltiplicare le immagini, possono anche riflettere eventuali errori.

Insieme alla danza, protagonista di A Chorus Line è la musica che anche in questo allestimento fa la parte del leone grazie alla presenza in buca di una strepitosa orchestra dal vivo diretta dal M°Andrea Calandrini.

La nuova regia di Chiara Noschese è nel complesso soddisfacente, anche se ci si sarebbe atteso qualcosa di più dall’adattamento del testo. La parte testuale, infatti, per quanto buona, non è sempre incisiva e anche il recitativo necessita a volte di maggiore partecipazione. Nonostante questo alcune interpretazioni spiccano per intensità o simpatia o per quel guizzo in più che può esserci in un gesto o in uno sguardo.

Una Floriana Monici in splendida in forma offre un’interpretazione brillante e vocalmente ineccepibile e affascinante di Sheila, un personaggio tagliente, ironico, forte e complesso.

Martina Lunghi (Val) è in un momento d’oro: giusta carica e atteggiamento, bellissima voce, riesce sempre a portare qualcosa di sé nei propri personaggi dando loro un’identità definita.

Giorgio Camandona è un performer completo e il ruolo di Bobby gli dà la possibilità di dimostrarlo.

Giuseppe Verzicco è sempre un eccellente ballerino e nel ruolo di Al può giocare con la propria mimica facciale.

Molto divertente e in ruolo Giulio Benvenuti nei panni di Greg; bene Federico Colonnelli (Larry) e da tenere sott’occhio Yuri Pascale Langer, giovanissimo già notato in Rugantino.

Il personaggio di Cassie interpretato da Roberta Miolla necessita di maggiore personalità. Roberta è una brava performer; l’assolo è tecnicamente molto bello e ben realizzato, ma ancora non sufficientemente emozionante.

Salvatore Palombi (Zach) non è sotto esame, nessuna audizione per lui. Egli l’ha già vinta la sua prova. Salvatore è un bravissimo attore che qui addolcisce un po’ il suo Zach rispetto alla versione cinematografica in cui era un cinico Michael Douglas, senza però fargli perdere di personalità. Una bellissima sorpresa vederlo ballare per chi lo aveva conosciuto solo come attore.

La prova corale è eccellente e di grande effetto sia dal punto di vista vocale che coreografico. La scena finale riempie gli occhi grazie alla potenza della musica, alla bellezza dei movimenti e alle luci, molto efficaci per tutto lo spettacolo e a cura di Francesco Vignati.

L’augurio è che questo musical possa girare l’Italia ed essere ammirato e applaudito da più pubblico possibile, non necessariamente solo dagli appassionati.

CURIOSITA’SULLO SPETTACOLO E FABRIZIO ANGELINI

A Chours Line è ispirato a Baayork Lee, Connie nello spettacolo, musa di Michael Bennet e una delle poche autorizzate a riprodurre lo spettacolo in giro per il mondo. Baayork ha montato una serie infinita di edizioni, recentemente anche in Cina e prossimamente in Spagna con Antonio Banderas.

Lo spettacolo si basa tutto su storie vere di danzatori di Broadway registrate una sera sera da Michael Bennet quando erano tutti riuniti.

L’amore di Fabrizio Angelini per A Chrous Line risale a tempi lontanissimi come egli stesso ha dichiarato:

Fabrizio Angelini possiede la cosiddetta “Bibbia” di A Chrous Line. Lo spettacolo, infatti, è codificato in un librone che egli possiede da 29 anni.  La “Bibbia” contiene la quasi totalità delle posizioni dello spettacolo, ma anche molte indicazioni coreografiche, procedure in caso di incidenti degli elementi del cast, indicazioni relative a luci e costumi, note di regia, e così via, tutte note che Fabrizio ha appuntato negli anni tra prove e repliche alle quali ha assistito in platea quelle volte che interpretava uno dei ballerini eliminati nell’opening.

Fabrizio Angelini ha anche assistito a molte prime dello spettacolo in giro per il mondo, tra cui lo spettacolo a Broadway nel 2008, la prima del revival di Londra nel 2013 e la prima a Klagenfurt nel 2016.

A Chorus Line è un musical originariamente concepito dal regista e coreografo Michael Bennett, che lo mise in scena per la prima volta allo Shubert Theatre di Broadway il 25 luglio 1975 e dove rimase in cartellone 15 anni per un totale di 6.137 repliche. Lo show fece così tanto scalpore da essere rinominato come il “Re dei Musical”: vinse 9 Tony Award (tra cui miglior musical, miglior regista, miglior libretto, miglior attrice, migliori musiche, miglior coreografo etc..), un premio Olivier Award per il miglior musical e un Premio Pulitzer per la drammaturgia. Successivamente, nel 1985, la Columbia Pictures ne distribuì la versione cinematografica, con adattamento di Arnold Schulman e regia di Richard Attenborough e con Michael Douglas nel ruolo del regista Zach.

A CHORUS LINE, an Original Broadway production produced by the New York Shakespeare Festival, Joseph Papp, Producer, in association with Plum Productions Inc., is presented by arrangement with TAMS-WITMARK MUSIC LIBRARY, INC. 560 Lexington Avenue, New York, New York 10022.

A Chorus Line

Originariamente Ideato, Diretto e Coreografato da Michael Bennett

Testo James Kirkwood e Nicholas Dante

Musica Marvin Hamlisch

Liriche Edward Kleban

Co-coreografie Bob Avian 

Regia Chiara Noschese

CREATIVI

Regia – traduzione e adattamento Chiara Noschese

Riproduzione coreografie originali Fabrizio Angelini

Direzione musicale Andrea Calandrini

Assistenza alla regia Nadia Scherani

Scene Lele Moreschi

Disegno fonico Armando Vertullo

Disegno luci Francesco Vignati

Direzione tecnica Lorenzo Telò

CAST

ZACH – SALVATORE PALOMBI / LARRY – FEDERICO COLONNELLI / AL – GIUSEPPE VERZICCO / BOBBY – GIORGIO CAMANDONA / DON – SAMUELE CAVALLO / GREG – GIULIO BENVENUTI / MARK – YURI PASCALE LANGER / MIKE – ANDREA SPATA / PAUL – RICCARDO SINISI / RICHIE – PIERLUIGI LIMA / BEBE – GIULIA GEROLA / CASSIE– ROBERTA MIOLLA / CONNIE – CLAUDIA MANGINI / DIANA – CHIARA DI LORETO / JUDY– MARGHERITA TOSO / KRISTINE – SERENA OLMI / MAGGIE – GEA ANDREOTTI / SHEILA – FLORIANA MONICI / VAL – MARTINA LUNGHI / VICKI – FEDERICA BASSO / TRICIA – IVANA MANNONE / LOIS – NOEMI MARTA NAZZECONE /FRANK – ANGELO DI FIGLIA / ROY– ILARIO CASTAGNOLA / BUTCH – GIUSEPPE GALIZIA

LE FOTO SONO DI LUCA VANTUSSO

Nuove forme di convivenza sono necessarie

Il principio di Archimede

Spazio Diamante, 8 marzo 2019

Siamo tutti spaventati.

Siamo tutti spaventati da ciò che non conosciamo anche quando si tratta di noi stessi. Quante persone possiamo dire di conoscere veramente? Di quante persone possiamo dire che ci conoscono veramente?

Esistono delle zone d’ombra, delle pieghe misteriose che teniamo celate agli altri e magari per molto tempo anche a noi stessi? Quando una crepa si apre su ciò che pensiamo di sapere degli altri si insinua il dubbio e dal dubbio la diffidenza e poi la paura e la paura trasforma l’essere umano.

È questo ciò che viene rappresentato nel bellissimo testo fortemente attuale del drammaturgo catalano Josep Maria Mirò, tra i maggiori autori contemporanei, la cui messa in scena è diretta da Angelo Savelli, reduce dal successo de La bastarda di Istanbul, che qui ha curato anche la traduzione con la collaborazione di Josep Anton Codina.

La storia si svolge nello spogliatoio di una piscina. Jordi (Giulio Maria Corso) è un giovane istruttore di nuoto estroverso e sfrontato amato dai bambini che allena. Hector (Samuele Picchi) è il suo giovane collega, più introverso e conformista. Anna (Monica Bauco) è la direttrice della piscina, una donna precisa e rigida, ma resa fragile dalla prematura morte del figlio. David (Riccardo Naldini) è il padre di uno dei bambini allenati da Jordi ed è un uomo autoritario e impulsivo.

Jordi, durante una lezione, dà un bacio a un bambino che si era messo a piangere per paura dell’acqua. La notizia arriverà alle orecchie di tutti i genitori innescando un meccanismo inarrestabile che, partendo dalla diffidenza e dal sospetto, alimentato da pregiudizi e paure, porterà ad una inquisizione e alla psicosi collettiva.

Il principio di Archimede è un testo bellissimo e asciutto, per certi versi fastidioso e scomodo perché porta inevitabilmente lo spettatore ad uscire dalla propria comfort zone e porsi delle domande importanti stimolando un processo di immedesimazione nel quale inevitabilmente si troverà a chiedersi come si sarebbe comportato nella stessa situazione.

Lo spettacolo procede come un thriller psicologico ad alta tensione. In un vortice di confusione e paura ogni cosa assume nuove connotazioni, a torto o a ragione è ininfluente: ogni particolare diventa un indizio, un indizio viene assunto come prova e la prova è già di per sé una condanna. I quattro personaggi alimenteranno un processo inquisitorio nel quale si troveranno loro malgrado e in forme diverse tutti coinvolti. Attraverso le loro azioni e seguendo i loro pensieri, lo spettatore avrà modo di seguire lo spettacolo contemporaneamente da quattro prospettive diverse, aderendo al punto di vista che sente più vicino.

Il principio di Archimede pone l’attenzione sulle dinamiche interpersonali e le relazioni sociali e sulle paure che la società contemporanea ci infonde. Una paura che può diventare ossessiva, annebbiare la mente portando alla calunnia con conseguenze drammatiche oggi ancora più pericolose perché amplificate dal massiccio uso dei media e dei social network.

Il titolo è, in questo, esemplificativo. Parafrasando il principio di Archimede potremmo dire che ogni soggetto, immerso in un determinato contesto sociale, riceve sollecitazioni alle quali cerca di rispondere con la stessa potenza. Sta al buon senso valutare il modo e la misura.

Il principio di Archimede è un thriller senza soluzione. Nel finale, forte, significativo e di grande effetto, nulla viene risolto. Non c’è una risposta oggettiva: resta solo una grande paura e una profonda riflessione. Siamo tutti spaventati da ciò che potremmo fare e da ciò che gli altri, anche sconosciuti, potrebbero farci.

In scena quattro bravissimi attori, completamente diversi tra loro, recitano con grande naturalezza e profonda immediatezza. L’argomento trattato e le emozioni rappresentate e suscitate non consentono giochi teatrali, ma richiedono una completa compenetrazione tra attore e personaggio.

Giulio Maria Corso rappresenta con tratti decisi la sfrontatezza di Jordi, il suo essere equivoco, per poi  passare con toccante sensibilità a mostrarne la fragilità.

Monica Bauco, eccezionale interprete, restituisce con grande partecipazione un personaggio complesso, all’apparenza forte, ma pervaso da una dolorosa confusione.

Samuele Picchi riesce nel compito di tenere un personaggio che faccia da contrasto alla personalità di Jordi, accentuandone le differenze tra i due, senza far perdere al proprio un briciolo di identità. Un personaggio non necessariamente positivo o neutro, perché Hector è un ragazzo buono più per paura di trasgredire e per mancanza di intraprendenza che per disposizione.

Riccardo Naldini ha il difficile ruolo, ottimamente sostenuto, non solo di rappresentare un padre arrabbiato per paura, ma  anche di dover portare in scena la condanna sociale, la caccia alle streghe. Il suo David è il cacciatore che cerca la Bestia, ma la bestia è spesso dentro di noi e siamo noi a proiettarla all’esterno (infatti non si saprà mai se questo atto di pedofilia che incombe pesante per tutto il tempo sia mai avvenuto o nemmeno stato pensato).

La regia di Angelo Savelli è diretta e cruda. La suddivisione delle scene in quadri temporali che cambiano in un susseguirsi di rewind e forward cinematografici, già presente nel testo, ma efficacemente rappresentata dallo scorrere del nastro, restituisce la disomogeneità con cui oggi ricaviamo le informazioni dall’esterno, dai media e dai social.

Anche in questo si manifesta la bravura degli attori: in questo entrare e uscire ogni volta in un percorso emotivo che non è progressivo, ma discontinuo, lasciato e ripreso ogni volta, fondamentali sono l’intonazione, l’inflessione della voce e gli sguardi, elementi tutti che in un attimo devono tornare su registri abbandonati.

Entrando in sala colpisce subito la scenografia di Federico Biancalani: lo spogliatoio di una piscina completo di armadietti, panche e i vari accessori di ausilio per i corsi. La scena è posta in maniera longitudinale con le sedute del pubblico ai due lati come gli spalti della piscina: scelta che ha il doppio effetto di rappresentare sia le vetrate da cui di solito i genitori vedono i loro figli in acqua, sia quello di chiamare in causa tutti gli spettatori, rendendoli parte della scena che può essere osservata anche fisicamente da diversi punti di vista, potendosi a loro volta vedere in faccia gli uni con gli altri, quasi a cercare una reazione o un’emozione. Anche per questo le luci sono quasi sempre a “mezza sala”.

In questo modo la messa in scena va di pari passo con la struttura drammaturgica: la rappresentazione, oltre a poter essere seguita fisicamente da punti di osservazione diversi, anche dal punto di vista narrativo può essere seguita da quattro angolazioni diverse, prendendo a riferimento ogni volta uno dei personaggi.

Il principio di Archimede è un testo che mette a fuoco il malessere delle persone, la crisi di alcuni valori sociali che si davano per assodati (l’amore, il lavoro, la convivenza sociale, la conoscenza e l’accettazione di sé e dell’altro) reclamando la necessità di creare nuove forme di convivenza che si richiamino a quei valori, ma anche contemplino una considerazione sociologica più ampia dell’essere altro, includendo nuove pressanti necessità come il diritto alla privacy e quello alla difesa privata, un nuovo modo di regolare il rapporto genitori figli in un’’epoca in cui ormai, per una serie di motivi, manca un controllo attento, cercare di far incontrare su un terreno comune la morale privata con quella pubblica.

Il passato era diverso. La domanda che spesso tutti ci facciamo è: una volta certe cose non c’erano o se ne parlava di meno? Non c’erano perché si era più sereni con poco e i casi eclatanti erano di meno, oppure c’erano, ma si aveva più timore, pudore e vergogna a farle emergere, mentre oggi lo sviluppo incontrastato di mezzi mediatici e social ne ha amplificato la risonanza consentendo a ognuno di sputare sentenze e lapidare anche senza avere le prove di alcuna colpa? Ancora: a causa di tutto il male che vediamo o ci fanno vedere intorno e lontano da noi, quanta paura ci fa il mondo?

Siamo tutti spaventati. Nuove forme di convivenza sono necessarie.

Il principio di Archimede

di Josep Maria Mirò

traduzione di Angelo Savelli con la collaborazione di Josep Anton Codina

regia Angelo Savelli

con Giulio Maria Corso, Monica Bauco, Riccardo Naldini e Samuele Picchi

scene Federico Biancalani

luci Alfredo Piras

Pupi e Fresedde – Teatro di Rifredi

Centro di Produzione Teatrale di Firenze