Santo piacere – Teatro Brancaccio, 10 aprile 2019

Se ne è parlato tanto, sembra il personaggio emergente del momento: Giovanni Scifoni, dopo aver sbancato in poche ore le settimane di tenitura del Teatro Brancaccino e del Sala Umberto, fa il pienone nell’unica data al Teatro Brancaccio con lo spettacolo Santo Piacere.

Tutto ciò ha creato grandi aspettative personali che sono rimaste, però, frustrate dal risultato finale.

Giovanni Scifoni con Santo Piacere si pone lo scopo di risolvere una volta per tutte l’eterno conflitto tra fede cristiana e piacere sessuale.

La scena si apre sul palco diviso immaginariamente in tre spazi: a sinistra una piramide di libri (la cultura, lo studio, la conoscenza, le informazioni che si raccolgono e stratificano); al centro un inginocchiatoio su cui pende una lampadina nuda; a destra un crocifisso bizantino ingombro di oggetti: una stola viola, una papalina, un fez, un retino, delle cesoie, una scopa…

Scifoni pone al centro del racconto se stesso e le proprie esperienze personali. All’interno del  conflitto tra sesso e amore, tra fede cristiana e istinto, egli si chiede: “ma io cosa voglio, a me cosa piace?”, rendendo partecipe il pubblico del proprio percorso umano e spirituale, condividendo le proprie considerazioni e il proprio atteggiamento nei confronti dell’argomento.

Passa da un discorso a un ricordo, da una storia personale a considerazioni generali, attraverso citazioni erudite in un flusso di coscienza a tratti divertente, ma scomposto e disorganico.

Il racconto attraversa diversi concetti senza approfondirne nessuno: si parla della sacralità della donna, dell’obbedienza alla natura, degli stimoli esterni che condizionano i comportamenti umani.

Piano piano lo spettacolo si rivela una lezione di catechismo a teatro: una lezione divertente, portata avanti con maestria e capacità dialettica, ma pur sempre un sermone, sullo stile di quelli americani che si vedevano una volta in televisione.

Molto lentamente si delinea un quadro che parte da spunti interessanti, ma vira verso conclusioni non necessariamente condivisibili.

Scifoni individua il discrimine di tutti i problemi dell’uomo in materia sessuale nella morale cattolica, che abbraccia totalmente, ma di cui non esplora gli aspetti scomodi: propone una propria visione ed una soluzione personale che cerca con sottigliezza di far passare come universale; mette in guardia dai condizionamenti esterni, ma sembra a sua volta voler condizionare chi lo ascolta.

La drammaturgia non è brillante: anche gli altri due personaggi che interpreta (l’ingenuo Don Mauro, rappresentante di un catechismo semplice e immediato e Rashid, pizzettaio musulmano modernista) e le incursioni in scena di una presenza femminile tentatrice che egli si impone di evitare, non hanno forza e non aggiungono nulla.

Lo spettacolo arriva ad essere addirittura irritante quando insinua che solo un uomo e una donna sposati possano essere capaci di amore e sacrificio quando, invece, possono esserne anche gli atei, gli agnostici, quelli che hanno creduto, quelli dubbiosi, quelli che vivono una propria spiritualità.

Il messaggio veicolato da Santo piacere ci riporta ad una considerazione del rapporto  tra fede e piacere di tipo medievale. E’ uno spettacolo che vuole fare la morale, che sembra voler catechizzare e dire cosa sia giusto e cosa sbagliato.

Giovanni Scifoni è un attore molto bravo, presente, coinvolto e ha una bella voce. Eppure, mentre scena dopo scena si spoglia dei propri abiti come a volersi liberare dai pregiudizi e dai luoghi comuni, invece finisce per imporre un enorme pregiudizio: che sia corretto, vero e giusto solo quello che egli sta rappresentando.

Se è vero, come egli stesso recita, che “l’amore di Dio ha riempito il mondo di piacere e Dio è contento quando godo” allora non bisognerebbe imprigionare il piacere e l’amore, ma si dovrebbe poterli lasciare andare per il mondo.

Santo Piacere

Dio è contento quando godo

Produzione Engage

di e con Giovanni Scifoni

regia Vincenzo Incenzo

balla Anissa Bertacchinini

Imparare a volare con Manuale di volo per un uomo di Simone Cristicchi.

Sala Umberto

9 aprile 2019. Prima

Simone Cristicchi arriva al Sala Umberto con lo spettacolo Manuale di volo per un uomo, scritto da lui e Gabriele Ortenzi con la collaborazione di Nicola Brunialti e la regia di Antonio Calenda.

Manuale di volo per un uomo è un flusso incontrastato e disordinato di ricordi e racconti che, attraverso un sofisticato gioco drammaturgico, sublima in un linguaggio poetico la vita del protagonista, fornendo ad ogni spettatore un punto di vista altro sulla propria condizione di essere umano, invitandolo ad abbracciare la propria sofferenza, attraversarla, viverla e rielaborarla per raggiungere una catarsi e poter spiccare il volo.

Raffaello, il protagonista di questo racconto surreale, è un uomo di quarant’anni, rimasto un po’ bambino: è una persona speciale, con un’intelligenza particolare e un dono per i numeri, che con il suo vecchio registratore cerca di “catturare il mondo”. Un uomo che ha difficoltà a pronunciare le parole bene, bello e bellezza, forse perché il bene, il bello e la bellezza sono le cose che maggiormente gli sono mancate nella vita.

La vicenda si svolge tutta dentro una camera di ospedale, che però ricorda anche la camera di un manicomio: nella stanza, a cui si accede da una porta bassa, ci sono solo una sedia, un comodino, una lampada a sospensione e un letto. Tutto è bianco. Nel letto si intuisce la presenza di una persona.

Raffaello si trova al capezzale della madre, una madre ritrovata che egli non ha mai vissuto, una madre che tanti anni prima lo aveva abbandonato presso un istituto di suore. Davanti al letto della donna Raffaello passa un tempo indeterminato che sembra lunghissimo e dalle sue parole si capisce che la donna è in un punto di morte.

Comincia un lungo dialogo con la donna, o meglio un monologo perché è sempre lui a parlare, durante il quale Raffaello prima l’accusa di averlo lasciato da solo tra i “da soli”, per poi scoprire che la donna non aveva mai perso le tracce del figlio e si era sempre preoccupata di lui da lontano.

Raffaello comincia poi a parlare di se stesso alla madre, narrando  gli episodi della propria vita, passando da un argomento all’altro in un flusso inarrestabile in cui l’anima si svuota del proprio peso e cerca un riscatto per poter volare. Volare come Raffaello voleva fare da bambino quando indossava ali di cartone per potersi librare nel cielo e raggiungere la mamma che credeva morta.

Ogni tanto delle voci sembrano chiamarlo dal passato: voci di bambino smarrito e in cerca di ascolto.

Nei suoi racconti poetici e surreali Raffaello parla delle proprie esperienze di vita che mano a mano, però, diventano vicende universali. L’apparente disordine dei suoi pensieri rappresenta la frammentazione della propria anima.

In questo procedere per ricordi e racconti Raffaello riuscirà ad elaborare il proprio passato, ad alleggerirsi l’anima e capirà che  ognuna delle persone che ha incontrato sul proprio cammino gli ha regalato qualcosa: le istruzioni per imparare a volare. Capirà di essere uscito dal circolo “dei soli” e che per volare è necessario relazionarsi con gli altri e avere il coraggio di affrontare la vita, mantenendo la purezza di un bambino.

Manuale di volo per uomo è uno spettacolo poetico e surreale, sofisticato e per questo impegnativo e non necessariamente accessibile a tutti.

Come svelerà alla fine lo stesso Cristicchi, contiene una componente autobiografica: egli stesso, perso il padre a dodici anni, si è ritrovato a vivere una vita interrotta fatta di esperienze interrotte, rinchiudendosi anch’egli in una camera bianca, fino a che l’arte, i disegni, gli scritti e la poesia lo hanno salvato concedendogli la possibilità di  imparare a volare.

Lo spettacolo parla della solitudine e del rischio dell’alienazione ed è un invito a comprendere la sofferenza, ad accettarla e a vedere la bellezza del mondo nelle piccole cose.

Si tratta di un testo ricco di simbologia e astrazione: la camera bianca può sembrare la stanza d’ospedale del racconto di Raffaello, ma ricorda anche quella di un manicomio, facendo riferimento allo stato mentale del personaggio, e, rimandando, per estensione, al disagio mentale (Simone Cristicchi ha prestato servizio prima come obiettore di coscienza poi come volontario in un centro di igiene mentale e ha vinto il 57° Festival di Sanremo con la canzone Ti regalerò una rosa che è una lettera che un uomo con problemi psichiatrici scrive alla propria donna).

La piccola porta che immette sulla scena sembra rappresentare un varco, un piccolo accesso alla mente del personaggio. Qualcosa che porta verso l’interno e lascia il mondo fuori. Il pavimento è scivoloso e inclinato, perché spesso è difficile tenere i piedi saldi nella vita.

Durante la narrazione si ha sempre l’impressione di trovarsi nella mente del personaggio e, al tempo stesso, in un luogo astratto, sospeso nel tempo e nello spazio. Anche la figura della mamma è un simbolo; un feticcio di ciò che si è perso, che si è cercato per tutta la vita, che svanisce nel momento in cui il percorso è completo e la catarsi attuata.

Raffaello indossa una maglietta e una salopette bianche, ma strada facendo si colorano sempre più di blu, colore della calma, della tranquillità e dell’equilibrio e qui simbolo dell’attività del protagonista, del suo diventare vitale e risvegliarsi alla vita, prendendo colore. Gli stati emotivi del personaggio vengono accompagnati e accentuati dal disegno luci di Cesare Agoni.

Manuale di volo per un uomo è un testo difficile e non immediato, di conseguenza anche lo spettacolo è impegnativo. Piace perché profondo ed emozionante, ma obiettivamente non è un testo brillante: nonostante la profondità dei concetti espressi e la chiave poetica richiederebbe una parziale riscrittura per alleggerire diversi passaggi e renderli più vicini al pubblico.

Simone Cristicchi dimostra di essere un bravissimo attore: molto preso, caratterizza il proprio personaggio con grande capacità, sensibilità, trasporto e immedesimazione. E’ palpabile il coinvolgimento per l’argomento trattato e inflessione, gesti ed espressività sono perfettamente coerenti al personaggio.

Manuale di volo per uomo

Scritto da Simone Cristicchi e Gabriele Ortenzi

Con la collaborazione di Nicola Brunialti

Con Simone Cristicchi

Regia Antonio Calenda

Aiuto regia Ariele Vincenti
Scene e costumi Domenico Franchi

Musiche originali Gabriele Ortenzi 

Voce fuori campo Maia Monzani

Una nuova produzione TSA Teatro Stabile d’Abruzzo / CTB Centro Teatrale Bresciano

La verità si svela da sola; affrontarla non è mai facile, spesso è doloroso e, a volte, letale

La fine della fiera

Teatro Cometa Off

5 aprile 2019

“Io so chi è stato, qualcuno disse un giorno (…) non mi devo muovere”

Pedane di legno grezzo riempiono il palco del Cometa Off delimitando quattro zone d’azione: quattro mondi da riempire con le immagini che le storie dei quattro personaggi susciteranno. Sopra a queste pedane solo alcune scatole a fare da sedili o tavolini.

Ogni spazio è occupato da uno dei quattro personaggi: chi in piedi, chi seduto, chi sdraiato, chi da una parte, cominceranno a raccontare e a raccontarsi. Quattro personaggi senza nome, tre uomini e una donna, che non si conoscono; quattro storie indipendenti di cui lo spettatore scoprirà i punti in comune solo nell’epilogo.

Il cinico e freddo tagliatore di teste, orgoglioso di come svolge il proprio lavoro; l’ex scrittore che perde ogni lavoro che trova, pur tentando mille strade e riscoprendosi ogni volta inadeguato; il disincantato che non crede nell’amore eterno e si trova ad amare una donna in maniera assoluta; una giovane archivista il cui amore per il padre l’ha resa schizofrenica.

Quattro esistenze che vivono nascoste nell’ombra; ognuno a proprio modo invisibile: non vengono visti o non si vogliono far vedere. Quattro storie, quattro confessioni non richieste, ma che i personaggi sentono l’urgenza di vomitare fuori da se stessi in un flusso di coscienza terribile, spietato e doloroso.

Storie disperate e ciniche eppure anche romantiche e a tratti ironiche e divertenti. Storie alle quali non siamo chiamati a partecipare, per le quali non è richiesto di provare empatia o dolore: siamo chiamati solo ad assistere, ad ascoltare. I personaggi non ci chiedono di giudicare o di perdonare, ma inevitabilmente si soffre un po’ per l’uno o per l’altro e quindi si parteggia: sarà pietà, forse commozione, magari anche una certa immedesimazione.

La fine della fiera è uno spettacolo tragicamente vero, forte della sua stessa immediatezza. Tragico e comico si alternano con folle lucidità così come spesso accade nella vita.

Il testo di Daniele Prato e Francesca Staasch è semplice nella sua struttura, privo di artifici letterari, gioca solo sulla parola: le quattro storie si incrociano nel loro dipanarsi svelando pian piano la vita e la disperazione dei quattro personaggi.

La regia di Riccardo Scarafoni rispetta questa semplicità che è logica e che si rispecchia nella scenografia di cui si è detto sopra. La linearità della regia e la neutralità della scena sono al servizio degli attori e della parola. E’ necessario ascoltare.

Sta agli attori, a questi quattro diversi e bravissimi attori, catturare l’attenzione e la curiosità dello spettatore e creare la tensione necessaria a far vivere le proprie storie su quel palco. Sono abili nel suscitare dapprima una sorta di resistenza per ciò che appaiono per poi coinvolgere nello svelamento della verità che si dipana lenta e feroce attraverso le loro parole e la loro recitazione intensa, tagliente, attraverso i mutamenti di accento ed espressione riuscendo ad agitare e ad agitarsi da fermi.

Conquistano le sfumature della voce, lo sguardo fiero e malizioso e il mutamento emotivo drammatico operato da Jesus Emiliano Coltorti; spiazza la capacità di Alice Bertini di dare continuità ad un personaggio che racchiude allo stesso tempo tante personalità che si esprimono in altrettanti modi diversi; emoziona “l’educazione sentimentale” del personaggio di Simone Crisari e suscita tenerezza l’inadeguato personaggio di Gianluca Machelli.

La fine della fiera è un testo che lavora sulle turbe e sui traumi dell’essere umano; sul modo in cui l’uomo cerca rifugio di fronte a certe verità scomode fino a riuscire a celarle a se stesso. La verità, però, si svela da sola, come fosse un’impellenza naturale e urgente: affrontarla non è mai facile, spesso è doloroso e, a volte, letale.

La fine della fiera

Di Daniele Prato e Francesca Staasch

Regia Riccardo Scarafoni

Con Alice Bertini, Jesus Emiliano Coltorti, Simone Crisari, Gianluca Machelli

Regista assistente Veruska Rossi

Scene Oliver Montesano

Costumi Lisa Sorone

Luci Giacomo Cursi

Collaborazione ai testi Corinna Lo Castro

Su Riccardo Scarafoni e Veruska Rossi leggi anche:

http://www.flaminioboni.it/la-guerra-non-e-un-gioco-war-game-la-prima-guerra-virtuale-teatro-ghione-11-aprile-2018/

http://www.flaminioboni.it/vita-morte-e-miracoli-teatro-della-cometa-14-gennaio-2016-prima/