In scena nell’avvio di stagione del Piccolo Eliseo all’interno del Prologo di stagione  del Teatro Eliseo, N.E.R.D.s è una commedia nera e provocatoria che prende a bersaglio la famiglia intesa come isola felice e rassicurante per raccontarne i risvolti segreti che nessuno vorrebbe mai far emergere.

La famiglia è da sempre paradigma di felicità e tranquillità. E’ quasi un obbligo morale che essa proietti all’esterno un’idea di unità e sana felicità. Eppure spesso la famiglia è la prima prigione dell’individuo, laddove la libera espressione viene censurata e i bisogni del singolo sacrificati al bene comune.

E’ all’interno della famiglia che l’individuo si forma, matura le proprie inclinazioni e testa se stesso in relazione agli altri. Ma, sempre e più spesso, è proprio all’interno di questa isola felice che l’individuo vede frustrato ogni tentativo di emancipazione e di crescita personale.

N.E.R.D.s è la storia di una famiglia che si raduna in occasione del 50° anniversario di matrimonio dei genitori insieme a parenti e conoscenti.

La vicenda si svolge in un agriturismo addobbato per l’occasione e recintato affinché dall’esterno nessun intruso possa vedere o accedere. Tutt’intorno si distende un bellissimo prato, con in fondo un laghetto e delle papere curiose e intraprendenti. Un microcosmo protetto dall’esterno, ma al cui interno le relazioni si rivelano per quello che sono: fragili, complicate, pericolose.

Nell’ora che precede i festeggiamenti, pianificati alla perfezione, i sentimenti sommersi, i rancori, gli egoismi e i tanti silenzi innescheranno una serie di scontri esplosivi ed eclatanti. Così, a mano a mano, quella che dovrebbe essere una certezza, la famiglia, crolla sotto i colpi dell’insicurezza, della paura, dell’ansia e dell’intemperanza sessuale dei suoi membri, portandosi appresso tutti quei valori fondanti che si tramandano come fissi ed immutabili, ma che ne hanno costituito solo la corazza esterna, mentre dentro tutto vacilla e cede di fronte alla verità.

Questa è la famiglia di N.E.R.D.s: il titolo è l’acronimo dei quattro fratelli protagonisti, Nico, Enri, Robi e Dani, costretti a ricoprire vecchi ruoli ormai scaduti, affinché la famiglia appaia sempre perfetta agli occhi degli altri, ingannando anche se stessi. Dentro, però, bruciano sentimenti opposti che si fa fatica a trattenere.

Arriva un momento in cui si crea uno squarcio tra la finzione di una realtà e la realtà dell’immaginazione. In quel momento i pensieri, fino ad allora inespressi, prendono forma e parola, acquistando sostanza. E’ in quel momento che la facciata borghese crolla inesorabilmente.

Il titolo, N.E.R.D.s, inoltre, fa riferimento all’acronimo che in medicina indica il reflusso non erosivo (Non Erosive Reflux Desease), un classico bruciore di stomaco, fastidioso, ma apparentemente innocuo. Un fastidio fisso, persistente e pungente, fortemente disturbante, così come il malessere che attanaglia i protagonisti e gli altri personaggi.

N.E.R.D.s di Bruno Fornasari (autore e regista, vincitore quest’anno del Premio Nazionale per la Drammaturgia Franco Enriquez) è una bella commedia amara, cinica e divertente, dal ritmo crescente nonostante la continua suddivisione in quadri non sempre piacevole.

Racconta di un modello sociale ancorato ad un passato che non regge più, legato ad un presente instabile e in mutamento in prospettiva di un futuro che appare sfocato. In questo contesto di mutamento e confusione “non è il più forte a sopravvivere e neppure il più intelligente, ma sopravvive chi meglio si adatta al cambiamento” (Charles Darwin).

Lo spettacolo riserva una sorpresa finale divertente e gustosa, un po’ come le scene dopo i titoli di coda nei film.

In scena Tommaso Amadio, Riccardo Buffonini (vincitore del Premio Hystrio Mariangela Melato 2019), Michele Radice e Umberto Terruso, quattro attori forti e affiatatissimi che danno vita non solo ai quattro fratelli protagonisti, ma a tutti i personaggi evocati con simpatia e carica espressiva.

N.E.R.D.s sarà in scena a Milano dal 15 al 27 ottobre 2019 al Teatro Filodrammatici

Qui di seguito il link al trailer dello spettacolo:

https://www.youtube.com/watch?v=nUGqDU-tHwY&t=195s

N.E.R.D.s – sintomi

Scritto e diretto

da Bruno Fornasari

con Tommaso Amadio, Riccardo Buffonini, Michele Radice, Umberto Terruso

Scene e costumi Erika Carretta

Produzione Teatro Filodrammatici di Milano

Silvano Toti Globe Theatre

20 settembre 2019

Prima

Giulio Cesare di Daniele Salvo, in scena al Silvano Toti Globe Theatre di Roma, ci parla di un totalitarismo drammatico e prepotente, pericoloso sia per chi ne è esponente che per chi ne è sottoposto.

L’opera di Shakespeare muove dal momento in cui Giulio Cesare assume la dittatura a vita e dà inizio a un processo di radicale riforma della società e del governo riorganizzando e centralizzando la burocrazia repubblicana. Il suo operato provoca la reazione dei conservatori, finché un gruppo di senatori, capeggiati da Marco Giunio Bruto, Gaio Cassio Longino e Decimo Bruto, cospira contro di lui uccidendolo, alle Idi di marzo del 44 a.C. (15 marzo 44).

L’azione si svolge a Roma e nel finale in Grecia (Sardi e Filippi). Bruto, i cui antenati sono celebri per aver cacciato da Roma Tarquinio il Superbo, è il figlio adottivo di Cesare, ma nonostante tale legame si lascia convincere a prendere parte ad una cospirazione, ordita da alcuni senatori romani tra cui Cassio, per impedire a Cesare, uccidendolo, di trasformare la Repubblica romana in una monarchia.

Il primo atto racconta del regno di Cesare, del suo potere, della cospirazione ordita per ucciderlo, delle alleanze e degli inganni, dei pericoli dell’impresa, fino all’omicidio di Cesare, mentre il secondo prende il via dalla sua morte per raccontarne il dopo, i dissidi interni alla fazione dei cospiratori e gli scontri esterni con chi vuole vendicare la morte di Giulio Cesare o difendere un potere che crede spettargli.

Giulio Cesare è sempre lì. Vivo o morto egli è sempre presente; incombe fiero, sfrontato e temerario da vivo, e continua ad aleggiare minaccioso da morto.

Si potrebbe certo affermare che il protagonista della tragedia sia Giulio Cesare in quanto centro del potere e dell’azione, commessa e subita. Eppure l’opera di Shakespeare pone in risalto anche il dramma umano di Bruto, fondato sul conflitto interiore tra la dimensione privata e quella pubblica, tra l’onore e il patriottismo. Bruto ama Cesare, ma lo uccide per un bene superiore che è quello della res publica.

Bruto è anche amico fraterno di Cassio, il vero sobillatore, e anche quest’amicizia lo farà cadere spesso in enormi dissidi.

In un clima di sentimenti nobili, onore, amicizia, patriottismo, c’è quindi poi  l’elemento umano che riporta gli eventi al mondo terreno e contingente. C’è l’opportunismo, economico e politico, ci sono i giochi di potere, che contaminano tutto come un veleno che si irradia veloce dentro e intorno ai protagonisti.

Daniele Salvo riesce con abile maestria e con grande effetto a riproporre una storia politica strettamente interconnessa alle storie umane, avvalendosi di un cast formidabile e aggiungendo elementi visivi di grande impatto. L’allestimento, tradotto, adattato e diretto da Daniele Salvo, così viaggia su due grandi binari sempre connessi, l’aspetto politico e le emozioni umane.

La scena di apre su una Roma celata dalla notte e illuminata debolmente solo da fiaccole e bracieri. Su un lato, dietro, ma ben visibile, un lungo stendardo nero col simbolo dell’aquila e la scritta SPQR. E’ su questo scenario che fanno il loro ingresso i personaggi della Storia svelando i propri destini incrociati. Prendono corpo lentamente staccandosi dal testo per essere lì, vivi e reali, mentre sulle loro vite aleggia il canto minaccioso del destino negli splendidi e inquietanti gorgheggi di Melania Giglio.

Immediatamente poi prende corpo il primo elemento forte e concreto della storia: il potere e il regno di Giulio Cesare. La sua dittatura è lì, davanti agli occhi di tutti. Il suo nazionalismo è così vicino a noi, al nostro passato recente, eppure che pare già dimenticato, e al nostro presente così minaccioso. Già quel saluto romano crea un turbamento: cerchi di tenerlo contestualizzato alla storia, ma non può non far riflettere su un pericolo molto vicino.

Il riferimento al regime fascista è negli addestramenti militari, ma, soprattutto, nei costumi di scena, quelle divise fasciste su cui poggiano delle toghe romane, che rimandano ad un classicismo che continua e contamina il modernismo, ma che sembra poi così contemporaneo.

Tutto questo ci fa riflettere sulla domanda se il fascismo ci abbia  mai veramente abbandonato. Insieme ad esso, però, anche il pericolo, uguale e contrario, di una reazione avversa e cieca, motivata da un idealismo non corroborato da un’abilità politica né da uno spirito forte e che porterà solo ad un nuovo governo totalitario, stavolta rappresentato dalla figura di Ottaviano Augusto.

In mezzo c’è un popolo senza volto, senza dignità, che si lascia sballottare di qua e di là da frasi pompose o promesse aleatorie.

Su tutti spicca la figura di Giulio Cesare. Candido in una divisa completamente bianca, sovrastata da una toga altrettanto immacolata, indossa una maschera di silicone, in modo da rappresentare più il potere che l’uomo, celandone le emozioni, ma anche per necessità scenica, dal momento che lo stesso straordinario attore interpreta il ruolo di Ottaviano.

A far vibrare forte i fatti rappresentati, a farli vivere e sentire, c’è poi l’elemento emozionale. I sentimenti, forti, combattuti, contrastanti, altalenanti, ma sempre accesi, vivi, selvaggi. L’umanità dei personaggi, abbagliati dalla sete di potere, mossi da puro opportunismo, capaci di pensare prima una cosa e di abbracciare subito dopo l’esatto contrario.

Il tutto restituisce emozioni vive, forti sconvolgenti, regalando scene di grande enfasi e impatto emotivo.

Ne sono esempio la famosa orazione funebre di Marco Antonio, interpretato da un passionale e ineguagliabile Graziano Piazza, che incarna con grandezza l’abilità dell’oratore, il trasporto, l’intelligenza e la sagacia che si rivelano nei suoi occhi e nella sua voce.

Avvincente anche la scena dello scontro e della riconciliazione di Bruto e Cassio in cui Gianluigi Fogacci e Giacinto Palmarini si donano abbandonandosi completamente ai personaggi restituendo una verità emotiva pungente.

Daniele Salvo poi aggiunge tensione e accenti forti nell’inserimento di elementi esoterici nella visione di Cicerone, nel sogno profetico di Calpurnia (Flavia Mancinelli) e nella visione dello spettro di Cesare da parte di Bruto su cui incombono anche gli elementi della natura, con uno scrosciante temporale, tuoni fragorosi e lampi abbaglianti.

L’umanità è ancora rappresentata da Porzia, moglie di Bruto, dalla sua devozione al marito, attenta e premurosa fino all’esasperazione, l’esasperazione di una donna che sa di essere solo una donna (pensiamo all’ epoca romana e a quella elisabettiana), ma che ha lo spirito di un uomo. Un’altra interpretazione eccellente, passionale e carica di pathos della straordinaria Melania Giglio.

Massimo Nicolini è catalizzante e imponente tanto nei panni di Giulio Cesare, quanto in quelli di Ottaviano Augusto, e inquietante in quelli dello spettro di Cesare. Un attore magnifico dal grande piglio, capace di essere ogni volta diverso e unico.

L’intero cast è composto da attori e attrici formidabili. Dal particolare all’universale e viceversa ogni scena è un prezioso tassello di qualcosa di meraviglioso. Ognuno conferisce vita al proprio personaggio donandogli un’identità ben precisa, forza espressiva ed energia nell’azione.

La regia di Daniele Salvo riesce a veicolare ogni elemento con immediatezza e consequenzialità.

Le scene, i costumi, le musiche, le canzoni interpretate dal vivo da Melania Giglio, le luci e i suoni completano, arricchendolo, un allestimento che lascia grandi suggestioni.

GIULIO CESARE

regia di Daniele Salvo

traduzione e adattamento di Daniele Salvo

Produzione Politeama S.r.l.

Interpreti

(in ordine alfabetico)

  Decio Bruto,Lepido, Messala                                   FRANCESCO BISCIONE

Indovino, Cinna poeta, soldato                          SIMONE BOBINI

Metello Cimbro, Cicerone, soldato                    SIMONE CIAMPI

        Bruto                                                              GIANLUIGI FOGACCI

Portia, il Destino                                                   MELANIA GIGLIO

Lucio, Stratone,, plebeo                                     ALESSANDRO  GUERRA

     Calpurnia                                                            FLAVIA MANCINELLI

Trebonio,Lucilio, soldato                                       ALBERTO MARIOTTI

Giulio Cesare, Spettro di Cesare, Ottaviano    MASSIMO NICOLINI

Artemidoro, Pindaro, soldato                            GIUSEPPE NITTI

    Cassio                                                      GIACINTO PALMARINI

Marc’Antonio                                                GRAZIANO PIAZZA

Cinna, Titinio, soldato                                        ANDREA ROMERO

Casca                                                            CARLO VALLI

Plebei, soldati, messi, servi:

Massimiliano Auci, Antonio Bandiera,  Andrea  Carpiceci  ,  Micol  Damilano, Matteo Magazzù, Alessandro Marmorini, Dimitrios Ioannis  Papavasileiou,  Riccardo  Parravicini,  Daniele  Ronco,  Roberta  Russo,   Giorgia   Serrao, Giovanni Tacchella, Luca Viola, Francesca Visicaro

SCENE

Fabiana Di Marco

COSTUMI

Daniele Gelsi

MUSICHE

Marco Podda

CANTI DAL VIVO

Melania Giglio

ASSISTENTI REGIA

Alessandro Gorgoni, Alessandro Guerra

MASCHERE

Michele Guaschino e Makinarium di Leonardo Cruciano

COMBATTIMENTI SCENICI

Antonio Bertusi

DIREZIONE TECNICA

Stefano Cianfichi

LIGHT DESIGNER

Umile Vainieri

SOUND ENGINEER

Franco Patimo/Daniele Patriarca

Riflessioni e pensieri su Il deserto rosso di Michelangelo Antonioni

Carrozzerie n.o.t.

14 settembre 2019

[embedyt] http://www.youtube.com/watch?v=njc8kU51oa4[/embedyt]

“Il mio lavoro è uno scavo, una ricerca archeologica tra gli aridi materiali del nostro tempo.”

Michelangelo Antonioni.

Chissà, forse da questa affermazione Francesco Alberici, Daria Deflorian e Antonio Tagliarini hanno avuto ispirazione o sono partiti per affrontare un lavoro di analisi su Il deserto rosso, il film del 1964 che è valso a Michelangelo Antonioni il Leone d’Oro.

Nel film, nato da un breve racconto di Tonino Guerra, che poi ne ha curato la sceneggiatura con Antonioni, la straordinaria e bellissima Monica Vitti è Giuliana, una donna sola, affranta, sconfitta e disperata che non sa stare nelle realtà.

Scavi è un lavoro di approfondimento sul film, sulla realtà che rappresenta,  sui pensieri che esprime e le considerazioni che scatena. E’ un vero e proprio entrare dentro, scendere, inabissarsi nel significato delle figure e delle parole. E’ anche altro: un percorso che gli autori e attori introiettano e mettono in relazione con le proprie esperienze buttando fuori i pensieri e le sensazioni che il materiale ha loro ispirato.

Durante questo scavi, Alberici, Deflorian e Tagliarini sono entrati hanno visionato, letto e analizzato moltissimo materiale relativo alla preparazione del film, non solo tecnico, ma soprattutto creativo (lettere, appunti, immagini) e tutto questo ha innescato in loro riflessioni, considerazioni, interpretazioni che poi hanno filtrato attraverso anche il proprio vissuto.

Il risultato di questo lavoro archeologico viene presentato nella performance Scavi.

Lo spazio scenico messo a disposizione da Carrozzerie n.o.t. è ingombro di sedie, poltrone e divani orientati in diverse direzioni; su alcune delle sedute sono poggiati degli indumenti; intorno delle piantane illuminano questo salotto disomogeneo e irregolare ponendo il pubblico all’interno della scena a stretto contatto visivo con gli attori.

La performance è suddivisa in tre ciak, magari per delineare un percorso ideale, dare un orientamento, ma senza imporre una direzione ai pensieri.

Primo ciak: Mi fanno male i capelli.

Secondo ciak: Malinconia psicofarmaci e corpi separati.

Terzo ciac: Lea Massari e la neve.

Nel primo ciak, “Mi fanno male i capelli”, la Deflorian ragiona sulla potenza evocativa di questa frase e sul mistero che l’avvolge: pare fu la stessa Monica Vitti a dirla durante un incontro con la poetessa Amelia Rosselli, ma non voleva che si sapesse e chiese alla Rosselli di dire che fosse un suo verso. Così fu, anche se di quel verso non c’è traccia nella sua produzione.

Da questa frase, emblematica e rimasta famosa, si sprigionano una serie di considerazioni, pensieri e riflessioni, scavando, è il caso di dire, non solo nel testo anche in se stessi, affrontando manie, sogni e paure. Scendono in campo le fissazioni, le manie, le ossessioni legate ad oggetti, ma mosse da pensieri, pensieri di cui non si può ritrovare l’origine perché troppo nascosta nel fondo e di cui non si può sapere dove possano condurre.

E’ cosi che si passa al secondo ciak, “Malinconia, psicofarmaci e corpi separati”.

Giuliana, la protagonista del film Il deserto rosso, è una donna nevrotica, con tratti psicotici e allucinazione visive e uditive. Antonioni affronta il disagio nella vita di tutti i giorni di allora riversando nel film tutti i propri tic. 

Mentre la lavorazione del film va avanti, Antonioni e la Vitti, che all’inizio delle riprese erano una coppia, si stanno allontanando, fino a lasciarsi alla fine delle riprese.

Chissà, forse anche per questo nel film si cerca un modo per gestire il dolore, le ossessioni e i deliri.

C’è un’ossessione per la fine delle cose. I corpi sono separati, è la morte dell’empatia: “se io mi pungo, tu non senti niente”.

Il terzo ciak, “Lea Massari e la neve”, sembra staccato dal resto, invece prosegue quell’ossessione per la fine delle cose mettendola in relazione alla bellezza, alla paura della bellezza, alla paura che possa finire. E’ una riflessione sulla prigionia della bellezza, quando hai solo quella, quando non sei o non ti vedono come moglie o come madre, ma sei “soltanto” una bella donna; quando sei sempre figlia, ma il tempo passa e la bellezza sfiorisce e una resta imprigionata nel ricordo di ciò che fu. 

Allora ti senti vacillare, ti manca la terra sotto i piedi; ti sbilanci, ti squilibri una volta, poi un’altra e un’altra e alla fine una valanga sembra travolgerti.

Nell’immagine finale c’è forse la possibilità di un riscatto o, finalmente, del riposo. Un’apertura, figurata e reale, delle porte: mettono in comunicazione con l’esterno. Dopo esserci affacciati su noi stessi, possiamo uscire da noi: mentre gli attori contemplano la neve che scende e che ricopre tutto col suo bianco silenzio, noi che siamo ancora in sala rimaniamo a riflettere e a porci domande.

Si potrebbe passare il tempo a cercare un filo che colleghi tutte le parole e le storie raccontate. Sicuramente un orientamento generale c’è, ma tutto ciò che Alberici, Deflorian e Tagliarini propongono al pubblico è una riflessione personale; sono suggerimenti di analisi; ipotesi di vita.

E’ la condivisione di pensieri e riflessioni che suggeriranno allo spettatore nuove immagini e nuove riflessioni.

Sicuramente gli oggetti di riflessione, ispirati dal film, sono il male di vivere, il male psichico, la paura, il disagio e la depressione.

Scavi, però, è molto di più: non è un guardare dall’esterno, ma è immergersi in quel mondo, è sostituirsi ai personaggi e vederci te.

Allora sai che le immagini e le riflessioni potranno essere diverse e nuove per il vissuto che ognuno ha, unico e privato e che non sapremo mai tutto fino in fondo, perché come ha scritto Antonioni: “Noi sappiamo che sotto l’immagine rivelata ce n’è un’altra più fedele alla realtà, e sotto quest’altra un’altra ancora, e di nuovo un’altra sotto quest’ultima. Fino alla vera immagine di quella realtà, assoluta, misteriosa, che nessuno vedrà mai. O forse fino alla scomposizione di qualsiasi immagine, di qualsiasi realtà”.

Scavi è un lavoro analitico mirato e preciso, basato su documenti e testimonianze, ma poi rielaborato in base al vissuto e al modo di sentire degli autori che, attori in scena, si rivolgono tra loro e al pubblico con immediatezza, stabilendo mano a mano confidenza. 

E’ una performance che suscita pensieri da cui nascono domande, ma che non ha l’obiettivo di fornire risposte. E’ un processo creativo aperto che non termina con lo spettacolo, ma che accompagnerà la riflessione dello spettatore anche dopo.

Scavi

Un progetto di Daria Deflorian e Antonio Tagliarini

Scritto ed interpretato da Francesco Alberici, Daria Deflorian e Antonio Tagliarini

Consulenza letteraria di Morena Campani

Organizzazione di Anna Damiani

Foto di Elizabeth Carecchio

Una coproduzione A.D. e Festival di Santarcangelo

In collaborazione con l’Istituto Italiano di Cultura di Parigi residenza produttiva Carrozzerie | n.o.t Roma

Foto di copertina Elizabeth Carcchio