Andrea Palotto torna alla regia con uno spettacolo che già tre anni fa ottenne un grande successo e che è tanto atteso dal pubblico che è desideroso di rivederlo: L’Ultima Strega, che torna in scena, con un cast in parte rinnovato, al Teatro Brancaccio di Roma.

L’Ultima Strega è il racconto romanzato della vera storia di Anna Goeldi, personaggio realmente esistito che fu l’ultima donna ad essere bruciata perché ritenuta una strega.

E’ un musical particolare nella sua struttura, potremmo dire anomalo, sicuramente moderno e che spezza gli schemi a cui lo spettatore è anche troppo abituato, intessendo tra loro una serie di storie dai molteplici risvolti.

E’ stato definito un musical drama, ovvero un racconto drammatico in musica. E’ vero, infatti, che, come per tutte le altre opere di Andrea Palotto (autore e regista) qui la musica è parte stessa della narrazione: non serve a spezzare, ma, anzi, è integrazione e prosecuzione del recitativo.

Data la struttura inusuale e moderna delle opere di Palotto (Lady Oscar, Non abbiate paura, Processo a Pinocchio…) sempre fortemente caratterizzata da un impianto musicale originale e di alto livello, ho voluto incontrare gli autori del testo e delle musiche, Andrea Palotto e Marco Spatuzzi, per conoscere meglio le origini di questo spettacolo.

Ho avuto il piacere di incontrare e intervistare Andrea Palotto e Marco Spatuzzi in occasione dell’allestimento dello spettacolo a Roma al Teatro Brancaccio.

Ecco qui il resoconto della nostra chiacchierata.

La tessitura musicale e le liriche de L’Ultima Strega sono esse stesse narrativa, come sempre negli spettacoli di Palotto.

Da dove nasce l’idea di questo spettacolo? Perché avete scelto questo soggetto?

Andrea:

Marco, come sei arrivato a voler scrivere musica intorno a un personaggio come Anna Goeldi?

Marco:

Andrea:

Marco:

Però L’Ultima Strega non è un Musical convenzionale. Come nasce la matrice musicale?

Marco:

Voi parlate di storia cupa e drammatica, ma in realtà la musica non è così cupa: si ritrovano diversi stili e una partitura ricca, variegata, che prevede anche parti concertistiche e polifoniche e che nel complesso può essere definita epica.

Andrea:

Guardando lo spettacolo e parlando con i protagonisti è venuto fuori un elemento molto interessante, ossia il fatto che la storia raccontata è suscettibile di diverse interpretazioni o punti di vista da cui può essere analizzata. E’ un intreccio di storie che raccontano modi diversi di vivere la stessa realtà.

Andrea:

Un modo sicuramente originale, inusuale e molto moderno che stimola la curiosità e l’interesse dello spettatore. Le storie di Palotto, infatti, sono sempre suscettibili di interpretazioni diverse.

Andrea:

Marco:

Quindi, Andrea, anche nella scrittura tu non hai acquisito un tuo punto di vista?

Andrea:

Aallora nella tua testa non c’è l’idea di raccontare un’unica storia.

Andrea:

Marco:

Andrea:

Se non avete mai assistito ad uno spettacolo di Andrea Palotto, spero che queste parole vi abbiano messo curiosità.

Se, invece, già avete avuto modo di apprezzare il suo lavoro, con questa intervista avete avuto modo di approfondire un po’ la genesi drammaturgica e musicale di questo bellissimo spettacolo. A qualunque delle due categorie apparteniate, L’Ultima Strega vi aspetta al Teatro Brancaccio dal 27 ottobre al 6 novembre 2016 per affascinarvi con la sua storia e le sue melodie.

   Andrea Palotto                                                  Marco Spatuzzi

Teatro Porta Portese

29 settembre 2016

I ragazzi della Casa del Teatro e del Cinema hanno presentato al Teatro Porta Portese lo spettacolo Tutti insieme inevitabilmente.

Nato come esibizione di fine corso degli allievi del primo anno, in realtà Tutti Insieme Inevitabilmente unisce tre spettacoli eseguiti dai ragazzi della scuola a maggio 2016 e li raccoglie in un’unica rappresentazione per il pubblico: uno con la regia di Claudio Insegno e Rossana Casale come vocal coach (con pezzi di Walter Chiari, Cochi e Renato, Enzo Jannacci), uno con la regia di Marco Simeoli, le coreografie di Andreea Alina Persone e Silvia Gavarotti come vocal coach (la Vedova allegra in 10 minuti), uno con la regia di Sabrina Pellegrino  e Andrea e Simone (pezzi scritti dai ragazzi stessi durante l’anno).

Lo spettacolo si presenta come un percorso itinerante che parte dall’esterno del teatro e prosegue all’interno delle varie sale dello stesso. Durante questo itinerario, attori e attrici accolgono gli spettatori e li accompagnano nei vari ambienti dove altri li aspettano per esibirsi nel proprio pezzo.

In questa formula confluiscono intrattenimento e interpretazione, in un rapporto diretto col pubblico. Una formula già altrove collaudata, ma non per questo facile né di sicuro successo. In questo caso, però, bisogna ammettere che gli allievi della C.T.C. sono stati bravi ad abbattere la quarta parete mantenendo un costante equilibrio tra realtà e finzione, spontaneità ed interpretazione.

Tra i vari ambienti del teatro, i ragazzi si sono esibiti recitando, cantando e ballando, in monologhi, pezzi a due e momenti corali.

Non solo: alcuni pezzi presentati sono stati scritti o adattati direttamente dagli attori, coinvolti, così, anche in un processo creativo e di arrangiamento.

Sono pezzi originali scritti dagli allievi l’introduzione, divertente e pungente, con cui  Lorenza Giacometti e Gisella Coluzzi, per l’appunto qui anche autrici, accolgono il pubblico fuori dal teatro; il pezzo nonsense, che mi è piaciuto molto, ben scritto e calibrato nella sua doppia struttura fatta di correttezza formale e caos semantico, di Stefano Dattrino; le caratterizzazioni originali e divertenti di Claudio Di Paola, Nicola Curti, e Federico Nelli.

Tra i pezzi d’autore, due bellissimi momenti corali: Ho visto un re, composta da Dario Fo e incisa da Enzo Jannacci (con un coro composto, tra gli altri, da Cochi e Renato e Giorgio Gaber), cantata qui da Stefano Di Lauro dotato di buona presenza scenica, nonostante fosse infortunato e bella voce  e l’adattamento della Vedova Allegra in dieci minuti di Eduardo De Filippo, in cui i ragazzi, oltre ad “esibire” le singole doti, danno dimostrazione di saper lavorare in gruppo con sinergia e rispettando dei buoni tempi teatrali.

Un intenso momento di prosa si è vissuto con un monologo sulle donne di Franca Valeri portato in scena dalla brava Lorenza Giacometti, qui particolarmente presa e presente.

I ragazzi si sono cimentati anche con l’interpretazione in dialetti diversi, dimostrando una buona versatilità. Belle le vocalità scese in campo per questo spettacolo che si sono affiancate e avvicendate con piacevole sintonia.

A seguire la lista completa di attori e attrici che si sono esibiti con successo sul palco: Gisella Coluzzi, Nicola Curti, Stefano Dattrino, Chiara David, Stefano Di Lauro, Claudio Di Paola, Lorenza Giacometti, Lorenzo Li Vigni , Matteo Magazzù, Lele Nardozi, Federico Nelli, Beniamino Presutti.

Tutti Insieme Inevitabilmente è uno spettacolo ben confezionato, leggero, divertente e spensierato, ma non per questo banale o superficiale, nel quale gli allievi del C.T.C. hanno convogliato un anno di intenso studio, rielaborando e adattando a se stessi nozioni e tecniche, trovando ognuno il proprio modo di esserci.

Lo spettacolo è stato diretto da Claudio Insegno e Marco Simeoli, che ha anche curato l’allestimento di queste due date romane. Vocal coach sono state Rossana Casale e Silvia Gavarotti. Le frizzanti coreografie sono state curate da Alina Person. Le musiche sono state eseguite dal vivo dal Maestro Jacopo Fiastri. I costumi, belli soprattutto quelli de La Vedova Allegra, sono di Susi Sergiacomo.

C.T.C.

Casa del Teatro e del Cinema

La C.T.C. nasce da un’idea di Simone Gallo e Claudio Insegno con l’intento di formare nuovi professionisti dello spettacolo sotto ogni punto di vista:

Recitazione Canto

Danza

Doppiaggio

Creatività

La direzione artistica è affidata a un regista, attore, doppiatore e autore di rilievo nel mondo teatrale e cinematografico italiano: Claudio Insegno

Oltre a Claudio Insegno, gli alunni si avvarranno degli insegnamenti dei seguenti professionisti del settore artistico:

Recitazione: Marco Simeoli – Carlo Ragone – Sabrina Pellegrino – Michela Andreozzi

Direzione della fotografia: Ugo Menegatti

Canto: Silvia Gavarotti – Marco Stabile – Giada Nobile

Danza: Andreea Alina Person – Marco Rea (tip tap)

Laboratorio creativo: Simone Gallo e Andrea D’Andreagiovanni (in arte Andrea e Simone)

Dizione: Rosario Altavilla – Giulio Pangi

Corpo e voce nello spazio e movimento e danza per attori: Umberto Bianchi

Doppiaggio: Roberta De Roberto

Storia della musica: Jacopo Fiastri

Storia del teatro: Nicola Fano – Susi Sergiacomo

Gli alunni lavoreranno su testi teatrali e cinematografici, per poter affrontare l’esperienza del palco e quella del set.

Infatti C.T.C. si pone come obiettivo quello di formare attori, che una volta finita la scuola, siano in grado di affrontare qualsiasi prova, dal musical alla serie tv, dalla commedia teatrale al film più impegnato.

Regia

Claudio Insegno sarà docente di regia. Grazie alla sue innumerevoli regie per spettacoli e colleghi del mondo del teatro, potrà trasferire agli alunni tutto il suo sapere insegnandogli come si dirige una scena, come si dirigono gli attori, quali sono i tempi comici e drammatici messi a servizio di una regia.

Da anni insegna ai più giovani, formando attori di tutto rispetto che calcano palchi importanti e lavorano con le produzioni, alcuni dei quali prendono parte ai suoi spettacoli e ai suoi film.

La sua sarà una lezione a 360 gradi.

Recitazione

La recitazione sarà curata da Marco Simeoli, Francesca Nunzi e Sabrina Pellegrino. Tre attori di esperienza, nonché registi, colleghi che hanno condiviso più volte lo stesso palco e quindi molti momenti della loro carriera. Ognuno porterà nella scuola qualcosa di se che gli appartiene.

La recitazione cinematografica sarà invece seguita dalla nota attrice Michela Andreozzi

Canto

Nel teatro ha preso piede e si è stabilito ormai da anni, riempiendo i teatri di tutta Italia, il MUSICAL!

Molti sono i cantanti/attori che lavorano nelle diverse produzioni italiane (e molti anche all’estero)

Noi abbiamo una delle più grandi performer di musica leggera e di musical in Italia: Rossana Casale, che con la sua bravura, professionalità ma anche con la sua simpatia preparerà gli artisti affinchè possano inseguire il loro sogno di poter recitare e cantare in un musical. Oltre a lei anche Silvia Gavarotti, altra grande interprete che si distingue anche per le sue capacità di formazione, molto richiesta e ricercata nel campo. Il canto è anche molto importante per imparare a respirare in scena, a usare il diaframma nel modo giusto. Molte caratteristiche del canto sono simili e riconducibili alla recitazione

Danza

Il musical e la tv hanno bisogno di attori che sappiano cantare è vero, ma anche ballare, o comunque sappiano muoversi a tempo di musica.

La danza è sì una disciplina a se stante, ma anche un aiuto in più se aggiunto al proprio sapere. Un attore può avvalersi della danza in scena, impiegata in un’altra forma, infatti molti ruoli richiedono anche un certo tipo di camminata, un andatura che si può mettere in pratica solo conoscendo un minimo la danza. La docente Andreea Alina Person, attrice – ballerina.

Storia della musica

La musica non va solo suonata o cantata, va anche conosciuta. Jacopo Fiastri questo lo sa e toccherà a lui l’arduo compito di teorizzarla per insegnare ai giovani dove stiamo andando, verso quali stili, ma anche da dove veniamo. Il passato ci riserva sempre novità. E oltre che toglierci qualche curiosità, la storia è utile anche per un bagaglio di esperienza personale.

Dizione

Importantissimi sono i dialetti che caratterizzano le varie provenienze di ognuno di noi, ma altrettanto importante è la dizione. Il dialetto è patrimonio di ognuno di noi e non va dimenticato, ma molte fiction italiane richiedono la dizione “perfetta”. Pure per recitare in uno spot bisogna non essere affetti da localismi verbali (salvo alcuni casi).

Rosario Altavilla, attore, sarà il docente di dizione, per ripulire le inflessioni dialettali e la fonetica dei nuovi artisti.

Lab creativo

La “materia” in più che è presente in questa scuola è il Laboratorio Creativo tenuto dal duo di attori e comici Andrea e Simone coadiuvati da Federico Perrotta.

L’idea nasce dopo aver preso parte a laboratori come quello di Zelig e Colorado (laboratori dei due programmi comici di punta di mediaset). Durante i laboratori i comici lavorano su un testo o su uno sketch per affinarlo, renderlo il più televisivo possibile ma anche il più divertente possibile.

Noi abbiamo pensato che un laboratorio può essere sia comico che non, allora perché non introdurlo all’interno di una scuola per attori? E così abbiamo fatto

Con questo laboratorio (che lo è a tutti gli effetti) si vuole creare uno spazio dove i ragazzi potranno inventare, creando da zero, quello che può essere uno sketch comico, una scena drammatica, un monologo, una serie di gag… da poter poi usare in un loro futuro show piuttosto che ad un provino.

Il laboratorio serve a stimolare la loro creatività anche per far lavorare insieme ragazzi che fino a quel momento neanche si conoscevano.

Doppiaggio

Un attore può prediligere pure la carriera del doppiatore, categoria tra le più ambite e difficili in italia, per l’ottima qualità dei nostri doppiatori.

E uno di questi è proprio Roberta De Roberta, tra le migliori doppiatrici italiane.

I ragazzi saranno seguiti accuratamente dai docenti che cercheranno di migliorare le loro lacune e di perfezionarli là dove già abbiano delle nozioni

Inoltre gli verrà insegnato anche come si affronta un provino.

Dal provino per il musical a quello per un ruolo in un film, da quello per un programma comico a quello di soubrette tv.

In più sarà possibile prendere parte a stage intensivi tenuti da altri professionisti dello show business

C.T.C. a Teatro e al Cinema come a Casa

Teatro Nazionale Che Banca!

24 settembre 2016. Prima

Ha debuttato, finalmente, a Milano, al Teatro Nazionale Che Banca! Footloose, il nuovo Musical con cui la Stage Entertainment torna alla produzione in Italia.

Un bellissimo spettacolo, ricco di energia e portato in scena da un cast eterogeneo composto da giovani talenti e affermati artisti con consolidata esperienza, tutto all’insegna di una grande professionalità.

Tratto dal film degli anni ’80, divenuto un cult per moltissime generazioni, Footloose fa il suo debutto a Milano colpendo per l’energia rinnovata e per la sua continua attualità.

La storia racconta di Ren, un giovane che si trasferisce con la madre dalla grande e caotica Chicago a Boomont, un paesino di provincia. Appassionato di musica e ballo, Ren dovrà scontrarsi con un clima di grande ostilità, non solo perché è uno “straniero” con la fama di essere un impertinente e ribelle, ma anche perché a Boomont sono vietate la musica rock, i balli e anche determinati tipi di letture perché considerati corruttori della moralità.

Soprattutto, Ren dovrà scontrarsi con il pastore protestante del paese, che ne è una guida morale, spirituale e politica, il quale ha bandito la musica e il ballo a seguito di un incidente che causò la morte di quattro giovani di ritorno da un concerto, tra cui il figlio del pastore.

Ren incontrerà anche Ariel, la figlia del pastore e tra i due nascerà un sentimento. Insieme riusciranno a riportare la musica e i balli a Boomont scontrandosi contro il Consiglio comunale e moltissimi cittadini conformi alle regole imposte.

Footloose, oltre ad essere un film/spettacolo musicale dal ritmo irrefrenabile, racconta anche della presa di coscienza da parte dei giovani della propria individualità e di quel percorso che li porta, generazione dopo generazione, a scontrarsi inevitabilmente con l’autorità genitoriale per affermare qualcosa di se stessi. Racconta della ricerca da parte degli adolescenti del proprio posto nel mondo, ma anche della difficoltà di essere genitori.

Footloose – il Musical mantiene tutto sotto questo aspetto e, anzi, ho apprezzato molto l’adattamento del testo perché ha approfondito le dinamiche familiari (padre/figlia, madre/figlio, marito/moglie) con linearità e una dinamicità naturale, mantenendo sempre alto il tono e incalzante il ritmo.

Sul palco e sotto al palco, un cast molto affiatato e ben amalgamato che vince sotto ogni punto di vista.

Riccardo Sinisi vince una sfida impegnativa: il suo Ren è un giovane pieno di ideali e molto combattivo che coinvolge nella causa che sta perorando e Riccardo convince nei suoi atteggiamenti e movimenti spavaldi e trascina nel ballo, dimostrando di essere completamente in parte anche nel recitativo, che richiede solo una diversa modulazione in alcuni punti che sono sicuro arriverà nelle prossime repliche.

Beatrice Baldaccini è Ariel. Sono felicissimo per Beatrice che continua un percorso di crescita costante sotto ogni punto di vista dandone dimostrazione viva sul palco.

I due ragazzi formano sulla scena una coppia artisticamente davvero ben assortita.

Antonello Angiolillo e Brunella Platania interpretano i coniugi Moore, con grande affiatamento. Forte intensità ed emozione nelle loro scene soliste. Ho apprezzato molto l’approfondimento psicologico del personaggio di Brunella, Vi Moore, moglie del reverendo e madre di Ariel, sia a livello narrativo sia perché consente di godere della grandissima esibizione di Brunella, sempre dentro al personaggio, perfetta a livello interpretativo e dotata di una voce calda e potente che controlla con grande padronanza.

Sempre meravigliosa anche Floriana Monici, qui in due ruoli diversi ed entrambi divertenti, che impreziosisce con la sua interpretazione ironica che conquista il pubblico.

Altra bella interpretazione quella di Loredana Fadda nei panni di Ethel McCormack, madre di Ren, un’altra voce molto bella.

Grandissima e divertentissima interpretazione quella di Giulio Benvenuti nei panni dell’ingenuo e insicuro Willard.

Ottima prova quella di Renato Tognocchi nei panni di Chuck Cranston, il bullo fidanzato di Ariel. Grande presenza scenica e bella voce.

Molto ben assortiti i gruppetti che fanno capo ai due protagonisti, in particolare, devo dire, le tre brave interpreti delle amiche di Ariel: Giulia Fabbri, Martina Lunghi ed Elisa Musso, tre vocalità diverse e molto belle che ben si uniscono tra loro.

A seguire i complimenti vanno estesi all’intero cast: Alessandro Parise, Roberto Colombo, Manuel Mercuri, Angelo Di Figlia, Davide Fienauri, Andrea Spata, Roberto Tarsi, Federica Buda, Lucia Blanco, Gioacchino Inzirillo, Eleonora Lombardo, Andrea Spina.

Bellissime le liriche italiane di Franco Travaglio (autore alche della traduzione e dell’adattamento), anche se devo dire che il brano da solista affidato ad Antonello Angiolillo nel momento più intimo del suo personaggio non lo trovo musicalmente adatto, mentre ho apprezzato tantissimo che un paio di mitici brani siano stati lasciati in inglese.

Pulita, scorrevole e dinamica la regia di Martin Michel che ha curato anche le coinvolgenti coreografie, per le quali, però, mi sarei aspettato un tocco di innovazione.

Ad arricchire lo spettacolo la musica eseguita dal vivo dalla impeccabile e straordinaria orchestra diretta dal Maestro Andrea Calandrini composta da Vanni Antonicelli (Tastiere), Luca Bettolini (Chitarra), Giuseppe Lapiscopia (Fiati), Marco Parenti (Batteria), Paolo Petrini (Chitarra), Salvatore Scucces(Percussioni) e Massimiliano Serafini (Basso).

Bellissime e curate le scenografie, opera di Eric Van der Palen, che ben rappresentano paesaggi e interni, in un gioco fluido di elementi che si incrociano da tutte le direzioni.
Molto belli e coloratissimi i costumi di Arno Bremers esattamente rappresentativi del periodo storico e del contesto urbano.

Infine, va reso onore e merito a Chiara Noschese, direttore artistico e casting director.
Adesso non vi resta che farvi prendere dal flusso di emozioni di Footloose e muovere i vostri piedi a tempo di danza!