Arriva a Roma, al Teatro Sistina, Grease che festeggia i vent’anni dalla sua prima messa in scena con un allestimento rinnovato sempre ad opera della Compagnia della Rancia.

Di questo rinnovamento è ancora regista Saverio Marconi, questa volta affiancato dalla regia associata di Mauro Simone che riesce a restituire freschezza ad un musical che ha superato la maggiore età.

Si può parlare, a buon diritto, di revival, ovvero di riproposizione in chiave un po’ più moderna di una storia che appartiene al passato.

Nuove coreografie di Gillian Bruce, nuove scenografie luminosissime di Gabriele Moreschi, costumi ridisegnati da Carla Accoramboni, la supervisione musicale di Marco Iacomelli e nuovi arrangiamenti e orchestrazioni di Riccardo Di Paola eseguiti da una band dal vivo.

Danny non è più il sex simbol, arrogante e bamboccio, a cui eravamo stati abituati, ma un ragazzo come tanti, leader dei T birds più per caso che per carisma, più per la sua simpatia e quella faccia che atteggia da duro, ma nasconde insicurezza. Il suo rapporto con Sandy e con gli altri ragazzi di Rydell viene tutto giocato sui toni della simpatia e dell’approccio impacciato.

Forse per questo è stato scelto per il ruolo Guglielmo Scilla, simpaticissimo youtuber, che non è ancora né attore, né cantante, né ballerino, ma che riesce comunque a divertire in questa nuova veste del personaggio Danny.

Il rischio, però, è quello di venire schiacciato da colleghi che lo superano per talento e preparazione, eppure forse è proprio questo a dare al suo personaggio un’immagine più naturale e meno strutturata.

Sandy è Lucia Blanco, bravissima nel dare risalto alla doppia sfaccettatura del proprio personaggio, quasi fosse un po’ stretta nel ruolo della ragazza pulita e ingenua stile Sandra Dee per poi far esplodere la sua carica vitale e la propria bravura nel momento della svolta.

Il personaggio predominante, proprio per scrittura e per il suo essere “cattivo ragazzo”, è quello di Kenickie, davvero ben rappresentato grazie alla grande bravura e alla preparazione completa di Riccardo Sinisi, a cui d’altronde spettano anche i brani musicali più trascinanti.

Con lui fa coppia Eleonora Lombardo nei panni della ribelle Rizzo, che se a livello interpretativo è vicina al proprio personaggio, a livello vocale non la rappresenta adeguatamente.

Il pezzo forte di questo nuovo Grease è l’impatto globale sia a livello visivo che musicale. Grease è solo una semplice storia d’amore che ha conquistato il mondo per l’energia che trasmette e per la colonna sonora trascinante, piena d ritmo e carica, che è diventata un fenomeno pop facendo ballare molte generazioni, oltre che per gli indimenticabili protagonisti della  pellicola cinematografica che sono diventati icone generazionali.

Oggi Grease è diventata una festa da condividere e da ballare. Sta qui il grande potere di questo allestimento che vede protagonista il gruppo nonostante alcune singole performance siano davvero belle e di livello, senza per questo oscurare gli altri o il risultato finale. Nick Casciaro nel doppio ruolo di Vince Fontaine e di Teen Angel mantiene forza espressiva sia nel recitato che nel cantato; Giorgio Camandona e Gioacchino Inzirillo conquistano il pubblico nei loro assoli; Luca Peluso diverte sempre nei panni di Eugene. Leggermente più debole il gruppo delle Pink Ladies, nonostante la bellezza di alcune singole performance come quella di Roberta Miolla, brava e divertente nei panni di Marty, e la trascinante simpatia e presenza di Federica Vitiello nel ruolo di Jan. Inoltre l’interpretazione di Giulia Bellanzoni nei panni di Patty è diventata più incisiva rispetto l’inizio delle repliche milanesi. Bene anche Giulia Maffei nei panni di Cha Cha.

Da citare a parte la bellissima interpretazione di Ilaria Amaldi (che fu Marty nell’edizione del ’97), che, con poche battute, riesce a conquistare l’attenzione e la simpatia del pubblico.

Da sottolineare, infine, la presenza e il valore della band dal vivo a vista a mezz’aria sul palco  e incastonata in una cornice.

Insomma con Grease è comunque e sempre festa!

Grease

di Jim Jacobs e Warren Casey

canzoni aggiunte B. Gibb, J. Farrar, L. St. Luis, S. Simon, S. Bradford, A. Lewis

adattamento e regia Saverio Marconi

traduzione e liriche italiane Franco Travaglio e Michele Renzullo

regia associata Mauro Simone

Con:

Danny Zuko Guglielmo Scilla

Sandy Lucia Blanco

Kenickie Riccardo Sinisi

Rizzo Eleonora Lombardo

Vince Fontaine e Teen Angel Nick Casciaro

Roger Giorgio Camandona

Doody Gioacchino Inzirillo

Sonny Luca de Gregorio

Marty Roberta Miolla

Frenchy Giulia Fabbri

Jan Federica Vitiello

Eugene Luca Peluso

Patty Giulia Bellanzoni

Tom Simone Sassudelli

Cha Cha Giulia Maffei

Miss Linch Ilaria Amaldi

studenti di Rydell Andrea Spata e Alessandro Ripamonti

studentesse di Rydell Laura Fiorini e Chiara Di Loreto

A poca distanza dall’ultima (la sesta) edizione italiana, proposta dalla Compagnia dell’Alba con la regia e le coreografie riprodotte da Fabrizio Angelini, torna a teatro Aggiungi un posto a tavola.

Lo ha voluto fortemente Alessandro Longobardi per celebrare gli ottant’anni del Teatro Brancaccio prodigandosi, senza esitazioni e senza risparmiarsi, per riportare sulle scene una delle più amate commedie musicali italiane.

All’annuncio della settima edizione dello spettacolo mille voci contrastanti si sono rincorse.

Molti si aspettavano, probabilmente, un rinnovamento totale della commedia, forse anche un suo stravolgimento, ma Aggiungi un posto a tavola non è un revival e basterebbe un semplice motivo per spiegarlo: l’essere vincolato dai diritti.

Per fare un esempio, revival è l’ultima edizione di Grease, che, dopo vent’anni, rivede nuova vita in un allestimento più fresco.

Aggiungi un posto a tavola gioca più su un effetto di dolce nostalgia, sul desiderio di rivivere qualcosa di trascorso che ci ha fatto emozionare.

Allora, cosa  fare, di fronte ad Aggiungi un posto a tavola? Guardare lo spettacolo e giudicare in base a ciò che si vede, valutando se il lavoro svolto sia stato eseguito bene, oppure no.

Lo spettacolo, dal punto di vista creativo, è quello di sempre: è la stessa commedia musicale di Pietro Garinei e Sandro Giovannini, scritta con Jaja Fiastri; le musiche sono quelle composte dal grande Armando Trovajoli e realizzate da un’orchestra dal vivo di sedici elementi diretta dal M° Maurizio Albeni, già assistente di Armando Trovajoli, mentre le parti corali sono dirette dal M°Marco Bosco; la regia è quella originale di Garinei e Giovannini, qui con la ripresa teatrale di Gianluca Guidi; le coreografie sono quelle di Gino Landi, assistito da Cristina Arrò;  le scene di Giulio Coltellacci sono state ricreate e ricostruite in modo eccellente da Gabriele Moreschi, mentre  la bravissima Francesca Grossi ha adattato con freschezza i costumi originali di Coltellacci.

Dal punto di vista della realizzazione cosa cambia? Molto, non fosse altro per la presenza di un gran bel cast inevitabilmente diverso. Perfettamente in linea con la migliore tradizione di questo spettacolo, ognuno porta una cifra stilistica personale nel proprio personaggio, restituendolo nella sua immagina originale, ma con nuova espressività ed energia.

Dal punto di vista del risultato, Aggiungi un posto a tavola è un bello spettacolo che continua a funzionare, come, con buona pace di molti, dimostrano i continui tutti esaurito di questi giorni e i tanti applausi durante lo spettacolo e alla fine.

Qual è uno dei grandi rischi a cui può andare incontro uno spettacolo del genere? Quello di far rimpiangere i grandi del passato che hanno contribuito a renderlo celebre. Il rimpianto, però, è legato alla delusione del presente nei confronti di un passato che si vive con nostalgia e che si vorrebbe che tornasse.

Qui, alla dolce nostalgia di cui sopra, non fa riscontro alcun rimpianto, ma, anzi, la piacevolissima effervescente presenza di grandi protagonisti.

Gianluca Guidi dà vita e carattere, nonostante qualche difficoltà, a Don Silvestro, colorandolo nelle sue convinzioni e nei suoi dubbi, nella sua forza e nelle sue debolezze. E’inevitabilmente, per genetica, erede di suo padre, il grandissimo Johnny Dorelli, e ha la fortuna/sfortuna, croce e delizia, di assomigliargli sotto diversi punti di vista.

Emy Bergamo si riscatta di un’interpretazione, soprattutto vocale, non troppo convincente in …e se il tempo fosse un gambero, interpretando il personaggio “controverso” della storia, Consolazione, con grandissima efficacia, simpatia e bravura.

Marco Simeoli è un simpaticissimo, eccentrico e divertentissimo Sindaco Crispino, un personaggio che gli calza perfettamente e a cui dona tutta la sua verve comica così caratteristica e mai eccessiva.

La giovane Beatrice Arnera colpisce per freschezza, carica e incisività, anche se non sempre convince a livello vocale.

Piero Di Blasio è divertentissimo e brillante nella sua interpretazione di Toto con la quale conquista il pubblico.

Francesca Nunzi è un’Ortensia che fa sentire la propria presenza con misura.

Il grande Enzo Garinei presta la voce  a Dio.

Insieme a loro un importante ensemble di diciassette cantanti e ballerini (Greta Arditi, Antonio Balsamo, Beatrice Eugenia Berdini, Vincenza Brini, Francesco Caramia, Silvia Contenti, Nicolas Esposto, Marta Giampaolino, Giampiero Giarri, Simone Giovannini, Matteo Guma, Francesca Iannì, Franscesco Lappano, Gianluca Pilla, Arianna Proietti, Annamaria Russo, Alessandro Schiesaro) la cui presenza e il cui apporto sono decisamente incisivi. Le scene corali, infatti, sono bellissime e di grandissimo impatto,  creano immagini potenti e sono cariche di forti messaggi.

La regia di Gianluca Guidi non tradisce quella originale di Garinei e Giovannini, alla quale è conforme non solo per necessità, ma anche per capacità.

La scenografia è imponente: la chiesa, il campanile, la piazza, la statua, la casa di don  Silvestro, il salotto di Crispino, la camera di Clementina, la camera di Consolazione ruotano con ammirevole fluidità su un doppio girevole. Senza dimenticare anche la presenza della grande arca.

Grande valore aggiunto poi lo dà la presenza dell’Orchestra.

Il disegno luci è quello sempre preciso, giusto e accurato di Umile Vainieri.

In molti ci chiediamo se abbia ancora senso portare in scena uno spettacolo come Aggiungi un posto a tavola. La società è cambiata e con essa i gusti e le cose in cui si crede. Allora, è ancora attuale il suo messaggio? Sicuramente sì, se si pensa che Aggiungi un posto a tavola è una favola che parla di amore e accoglienza, che invita le persone a riscoprire la propria umanità. In fondo, lo stesso titolo e il tema portante dello spettacolo invitano all’apertura e all’accoglienza verso l’altro, lo straniero, il diverso da sé. Allo stesso tempo la fede è la fiducia che l’uomo deve riporre in se stesso e negli altri per creare un futuro che possa appartenere a tutti.

Con delicatezza la regia di Gianluca Guidi pone l’accento sulla contraddizione di un dio creatore che vuole la distruzione dell’uomo, rinforzando la posizione di quest’ultimo nella sua dimensione sociale. L’uomo, da solo, è poca cosa, è individuo che può esistere solo in relazione agli altri uomini. Sconvolto dalle onde degli eventi dimentica che si è forti se si è uniti, ma se una formica è solo una formica e da sola non esiste, cento formiche, schierate in lunga fila insieme esistono e smuovono le montagne.

Aggiungi un posto a tavola

una produzione Alessandro Longobardi per Viola Produzioni – Teatro Brancaccio

commedia musicale di Garinei e Giovannini

scritta con Jaja Fiastri

regia originale di Pietro Garinei e Sandro Giovannini

ripresa teatrale di Gianluca Guidi

musiche di Armando Troavajoli

con Gianluca Guidi, Emy Bergamo, Marco Simeoli, Beatrice Arnera, Piero Di Blasio, Francesca Nunzi

la voce di Gesù è di Enzo Garinei

cover e alternate Matteo Cuma e Stefano Dilauro

ensemble Greta Arditi, Antonio Balsamo, Beatrice Eugenia Berdini, Vincenza Brini, Francesco Caramia, Silvia Contenti, Nicolas Esposto, Marta Giampaolino, Giampiero Giarri, Simone Giovannini, Matteo Guma, Francesca Iannì, Franscesco Lappano, Gianluca Pilla, Arianna Proietti, Annamaria Russo, Alessandro Schiesaro

con Orchestra dal vivo

Foto di copertina di Marina Alessi

Semplicemente pazzesco! Una bomba di energia ed emozione!

Musica ribelle – Opera Rock è uno spettacolo che entra dentro e coinvolge.

La nuova produzione di Todomodo e Bags Entertainment è nata con lo specifico intento di scrivere e realizzare uno spettacolo sulla musica, la testimonianza artistica e umana di Eugenio Finardi: intento decisamente raggiunto e con successo.

I brani del primo decennio della carriera del più “ribelle” cantautore italiano, fanno da tessuto narrativo a tutto lo spettacolo. Interamente riarrangiati da Emiliano Cecere e Alberto Carbone, sotto la supervisione dello stesso Finardi, diventano drammaturgia che si aggiunge e integra al testo e alla drammaturgia di Francesco Niccolini. Un’operazione sicuramente complessa, ma davvero ottimamente riuscita.

Musica ribelle è uno spettacolo teatrale decisamente rock, sia nelle musiche che nell’anima e nel concetto che vi è alla base e che viene ampiamente rappresentato.

I brani vengono eseguiti dal vivo, in scena, con sonorità che vanno da quelle rock-prog originarie degli anni ’70 fino ad arrivare al d’n’b e alla techno, ma senza tralasciare le ballate. Tra versioni estese e medley si ritrovano i grandi versi del cantautore e poeta Eugenio Finardi: Dolce Italia, Patrizia, Un uomo, La radio, Amami Lara, Extraterrestre, Voglio, Non è nel cuore, Scimmia, Come in uno specchio, I fiori del maggio, Cuba e le immancabili La Forza dell’Amore e Musica Ribelle.

Il tutto è inserito in un contesto narrativo unico, in cui musica, liriche, dialoghi e drammaturgia sono una cosa sola grazie anche alla splendida e attenta regia di Emanuele Gamba.

La storia si svolge a Milano e si snoda su due archi temporali differenti.

Oggi: una street gang di giovani rapper, graffitari e dj affitta uno scantinato per organizzare un rave notturno. Servirà loro solo per una settimana, il tempo necessario per recuperare la “roba” utile al rave. Capogruppo è Lara93, leader carismatico che si troverà a confrontarsi con Hugo (altro nick di circostanza), proprietario dello scantinato col quale nascerà un confronto dialettico che cela la reciproca curiosità di conoscersi.

Anni ’70, precisamente 1973. Lo stesso scantinato è il rifugio di un collettivo politico, sala prove per la loro musica, ma anche sede della stamperia e della radio libera. Vento, un ragazzo impegnato politicamente, ma anche un po’ sognatore, è il leader di questo gruppo che vivrà lo scontro tra i propri sogni e ideali contro le utopie e le contraddizioni degli anni ’70.

Le due storie corrono parallele. Sette anni per Vento e il suo collettivo, sette giorni per Lara93 e il suo gruppo.

Musica ribelle è uno spettacolo bellissimo che racconta una storia di ragazzi pronti, oggi come ieri, a ribellarsi per difendere i propri diritti; una storia di giovani e di adulti, di uomini e di donne, di impegno civile e sociale, di passione, forza, poesia, amore, vita e musica.

Uno spettacolo che ha molto da dire e lo fa riuscendo a coinvolgere  più generazioni. Si parla di politica, di sesso, di droga, ma soprattutto si parla di sogni e di ideali per i quali si deve combattere.

Musica ribelle non fa propaganda politica, non è un incitamento alla droga o un inno al sesso libero. Racconta due periodi storici, due generazioni a confronto con il proprio presente, le proprie battaglie e il proprio modo di combattere queste battaglie e fare contestazione. Non dà giudizi di valore; offre, propone e rappresenta due contesti in cui, come in ogni tempo, convivono politica, impegno sociale e contestazione.

Piuttosto, il messaggio che Musica ribelle rappresenta è il risveglio delle coscienze, la necessità urgente di ricordare che se vogliamo ottenere qualcosa da noi stessi, dalla nostra vita e dagli altri ci dobbiamo impegnare attivamente. C’è un richiamo alla necessità impellente di prendere coscienza del tempo in cui viviamo e del modo migliore per attraversarlo costruendo qualcosa di buono, positivo e propositivo per noi e per chi verrà dopo. Dobbiamo essere consapevoli di ciò che ci accade intorno e del fatto che siamo e dobbiamo essere i motori del cambiamento.

Musica ribelle non indica il modo o la direzione, ma lo stato dell’essere. Solleva il problema, scuote le coscienze, senza offrire soluzioni né politiche né sociali e anche ponendo di fronte alla delusione della sconfitta.

E’ un’opera che per il suo tessuto musicale e drammaturgico, per i suoi contenuti, per le immagini evocative e per la poesia che contiene e sprigiona, parla un linguaggio vero e universale. Uno spettacolo emozionante e sincero che parla a tutti, raccontando ciò che siamo stati ieri e ciò che siamo oggi, lasciando allo spettatore la facoltà di scegliere cosa diventare.

In scena un cast di enorme talento e un gruppo di musicisti/attori che suonano del vivo. Dodici giovani attori e attrici, quasi tutti impegnati in doppi ruoli (i ragazzi degli anni ’70 e quelli di oggi), che vincono una prova difficile e impegnativa non solo con energia e grinta, ma, soprattutto, con talento. Un gruppo di cantanti e attori in cui ognuno davvero porta qualcosa di forte e bello ad ogni personaggio.

Così non ci solo solo gli straordinari protagonisti Federico Marignetti, sublime e perfetto in tutto (recitazione, canto, interpretazione); Massimo Olcese, straordinario; Arianna Battilana, piacevolissima scoperta, intensa e sorprendente; Mimosa Campironi, sempre meravigliosa e giusta, ma tutto un cast di bravi professionisti altamente preparati: Alessandro Baldi, Gabriel Glorioso, David Marzi, Marta Paganelli, Filippo Paglino, Albachiara Porcelli, Benedetta Rustici, Luca Viola.

Bella e carica la band costituita da Filippo Bertipaglia, Andrea Mandelli e Francesco Inverno.

Infine nelle scene corali la presenza dello swing con gli allievi del Teatro Nazionale della Toscana e della Fondazione Teatro Goldoni di Livorno coordinati da MTS – Musical the School di Simone Nardini.

La regia di Emanuele Gamba riesce a rappresentare con agilità e precisione due epoche che continuamente si accavallano, facendole piano piano avvicinare, fluendo l’una nell’altra fino ad abbracciarsi.

Sicuramente un’operazione complessa raccontare due periodi storici, sette anni e sette giorni, in un unico spazio scenico, ottimamente suddiviso e utilizzato, un cast impegnato in doppi ruoli e tutto il resto. Complessa, ma perfettamente riuscita e anche con grande effetto.

La scenografia è parte integrante dello spettacolo e non poteva non esserlo visto l’intrecciarsi di storie e di vite. Lo scantinato, con le sue saracinesche e i suoi oggetti d’epoca, è cuore dell’intera scena, ma anche ponte: ponte tra le epoche, ma anche materialmente, grazie alle due scale laterali, quasi come due portali, consentendo di poter essere sfruttato anche nella parte superiore dove ogni volta si svolge un secondo livello dell’opera.

Il tutto completato da proiezioni video che commentano la drammaturgia, come i bellissimi graffiti di Chiara Zanna e le parole che cadono dall’alto e si incastrano, come nel tetris, quando Lara93 legge i diari di Hugo (ricordi, elegante, petto nudo, amore, Hugo, potere…)

Bellissimi anche i costumi che riproducono fedelmente i due mondi raccontati.

Ci sarebbero ancora mille cose da dire e raccontare, mille elementi che rendono questo spettacolo qualcosa di davvero bello che varrebbe la pena far girare per l’Italia.

Musica ribelle – La forza dell’amore è un invito a non smettere mai di sognare e di crederci: “La musica e l’amore salvano il mondo (…) I sogni non muoiono mai, covano sotto le ceneri”.

Hanno solo bisogno di qualcuno che soffi ancora sulla brace per far riaccendere la fiamma.

Musica ribelle – Opera rock

musiche di Eugenio Finardi

soggetto di Pietro Contorno

testo e drammaturgia Francesco Niccolini

regia Emanuele Gamba

direzione musicale Stefano Brondi

con Federico Marignetti, Massimo Olcese, Arianna Battilana, Mimosa Camiproni

e con Alessandro Baldi, Gabriel Glorioso, David Marzi, Marta Paganelli, Filippo Paglino, Albachiara Porcelli, Benedetta Rustici, Luca Viola

band Filippo Bertipaglia, Andrea Mandelli (studenti del CPM Music Institute), Francesco Inverno