È andato in scena al Teatro Vittoria di Roma Giulietta e Romeo della compagnia Balletto di Roma con le coreografie di Fabrizio Monteverde.
Il coreografo sposta l’azione da Verona in un sud “buio e polveroso” che forse richiama più un luogo dal sapore orientale, privato dei colori mediterranei in una scenografia volutamente tendente al dark che conferma, come già in altre messe in scena del coreografo, il suo tratto distintivo, il suo “lato oscuro”. Un muro “decrepito“ evoca il conflitto mondiale appena trascorso, muro che aprendosi e lasciando passare spiragli di luce/colore prelude ad una rinascita/ricostruzione.
È certamente questo un Giulietta e Romeo dove la donna ha il potere assoluto in una società apparentemente maschilista: Monteverde infatti inverte i due nomi dell’opera così da far primeggiare Giulietta, paladina di tutte le donne della tragedia.
Interessante l’interpretazione di Monica Lepisto nel ruolo della madre di Romeo: il coreografo la pone su di una sedia a rotelle che per nulla impedisce al personaggio di essere energico ed avere il controllo delle vicende con tratti e gestualità quasi militareschi.
Donne personaggio tutte forti e con pieno potere decisionale sugli uomini, prima tra tutte Giulietta, interpretata dall’immensa Azzurra Schena, capace di portare in scena tanto la delicatezza dell’adolescente, quanto la forza e la sensualità della donna innamorata e decisa a conquistare Romeo. Eccellenti nella Schena la tecnica e l’uso sapiente della mimica facciale, caratteristica questa che attribuisce a pieno titolo all’artista la qualifica di “danzattrice”; nella scena del balcone è lei che scende, quasi acrobaticamente, per raggiungere un timido e forse poco intraprendente Romeo.
In netto contrasto con i costumi scuri di quasi tutti gli altri personaggi, Giulietta è l’unica a indossare un costume candido, una luminosità epidermica quella di Giulietta, a volte quasi distraente.
Buona anche la performance dell’ensemble, più vigorosa rispetto ad altre produzioni che hanno coinvolto questa nuova formazione della compagnia.
Paolo Barbonaglia, Romeo certamente più virtuoso in questa esecuzione ma, purtroppo, ancora carente dal punto di vista espressivo. Degni di nota invece Vincenzo Carpino nel ruolo di Paride, Riccardo Ciarpella nel ruolo di Mercuzio e Kinui Oiwa, danzatori questi certamente meritevoli di ruoli più di rilievo.
Per concludere, in un panorama in cui le messe in scena coreografiche sono spesso naftaliniche, tutto il mio plauso va a Fabrizio Monteverde, uno dei migliori coreografi nel panorama nazionale, per il coraggio dell’innovazione, per la scelta giusta delle drammaturgie che manipola audacemente senza sconvolgere troppo le scritture originali, per l’abilità di far danzare/recitare anche braccia, mani e dita, per la capacità di regalarci con le sue personali mise en scène, momenti di grande suggestione.
E’in scena a Milano, al Teatro Nazionale CheBanca!, la nuovissima edizione di A Chorus Line, il musical dei record, titolo che può essere annoverato tra gli spettacoli d’eccellenza.
Lo spettacolo, originariamente ideato, diretto e coreografato da Michael Bennett, con testo di James Kirkwood e Nicholas Dant, musica di Marvin Hamlisch, liriche di Edward Kleban, co-coreografie di Bob Avian, torna, dopo tantissimi anni, in una nuovissima versione tradotta, adattata e diretta da Chiara Noschese, non nuova a queste mastodontiche operazioni.
A Chorus Line porta sul palco il mondo del musical visto da dietro le quinte, mettendo in luce i sogni, l’impegno, la fatica, il sacrificio, la voglia di ballare e fare teatro di tutti coloro che vogliono intraprendere questa strada.
Non si tratta certo di un musical facile o leggero; non è uno spettacolo tutto lustrini e piallettes, che compaiono solo nella scena finale, né uno spettacolo spensierato. A Chorus Line rappresenta la fatica, la precarietà, la delusione, l’amarezza e il sudore a cui inevitabilmente va incontro chi vuole fare questo lavoro (eh sì, fare musical e teatro è un lavoro) con la consapevolezza che potrebbe non durare per sempre.
In questo A Chorus Line incarna la metafora della vita: la vita è una continua audizione e a fronte di una vittoria ci sono mille sconfitte.
Lo spettacolo racconta la storia di un gruppo di ballerini che si presenta al provino per un grande spettacolo. A giudicarli e decidere chi di essi potrà entrare nella fila dello spettacolo sarà il severo regista Zach (Salvatore Palombi). Un’audizione lunga e impegnativa non solo dal punto di vista fisico, ma anche e soprattutto dal punto di vista emotivo. Zach, infatti, cerca persone strutturate e realmente motivate: per poter conoscere gli aspiranti ballerini egli li forzerà a raccontare le proprie storie, mettendosi totalmente a nudo. I giovani candidati dovranno dimostrare chi sono ed essere disposti a portare in scena se stessi.
A Chorus Line nella versione di Chiara Noschese rispetta lo spirito dello spettacolo. Già il colpo d’occhio dell’opening è decisamente d’impatto. Riempiono il palco venticinque elementi che provano una coreografia per l’audizione. Dopo una prima scrematura comincia la seconda parte delle audizioni. Zach lascia il gruppo e va a sedersi nella sua postazione in platea. Da qui parte un racconto fatto di racconti: i diciannove candidati rimasti si troveranno a dover svelare qualcosa di intimo di se stessi e delle loro storie personali.
La forza dello spettacolo sta nel carico emotivo dei personaggi, nelle bellissime coreografie e nella potenza della musica. Ciò che affascina e colpisce immediatamente sono le coreografie: chiunque faccia musical vorrebbe ballare in A Chrous Line almeno una volta. La riproduzione delle coreografie originali è curata nei minimi dettagli da Fabrizio Angelini, anche regista residente.
Fabrizio Angelini è garanzia di qualità, in particolare poi per questo spettacolo. Fabrizio ha partecipato a tutte le edizioni italiane di A Chorus Line fin dalla prima del 1990, facendo parte dell’ “Original Italian Cast”. Nel tour 1990-91, dopo tre mesi dal debutto, fu scelto da Baayork Lee e Saverio Marconi come Capo-balletto. Fabrizio Angelini può vantare un totale di 502 presenze senza saltare mai una replica e rivestendo 5 ruoli diversi (principalmente Paul, ma anche Larry, Greg, Mike e Al) nei Tour 1990-91, 1991-92, Inverno 1998 al Teatro Nazionale di Milano, Tour estivo 1998, Tour 1998-99
Nel tour 1991-92 divenne anche assistente alle coreografie e nel 1998 responsabile artistico della Compagnia in tour. In pratica dal secondo anno ha affiancato attivamente la Baayork, con cui ha ancora un ottimo rapporto, e i suoi assistenti e aveva in mano lo spettacolo. Nell’edizione 2008-09, poiché era già impegnato in scena con Gigi Proietti, è stato collaboratore artistico partecipando alle audizioni e a parte delle prove.
Come potrete leggere nella sezione Curiosità in fondo all’articolo, si può affermare che CHORUS sia nel suo DNA e il fatto che sia stato scelto per riprodurre le coreografie originali e ora sia anche il regista residente, è “un tassello che va al posto giusto”.
Questa digressione è utile per capire la portata dell’evento Chorus e per rendere chiaro di che professionalità stiamo parlando. Infatti, dal punto di vista coreografico lo spettacolo è trascinante e impeccabile. La precisione e sincronia dei movimenti, la bellezza delle linee, l’energia e la potenza fanno vibrare quel palco.
A Chorus Line è uno spettacolo molto difficile. E’ una macchina che deve funzionare a perfezione. Non si può sbagliare e non ci si può nascondere dietro la scenografia di Gabriele Moreschi che è nuda: solo specchi, che, anzi, oltre a moltiplicare le immagini, possono anche riflettere eventuali errori.
Insieme alla danza, protagonista di A Chorus Line è la musica che anche in questo allestimento fa la parte del leone grazie alla presenza in buca di una strepitosa orchestra dal vivo diretta dal M°Andrea Calandrini.
La nuova regia di Chiara Noschese è nel complesso soddisfacente, anche se ci si sarebbe atteso qualcosa di più dall’adattamento del testo. La parte testuale, infatti, per quanto buona, non è sempre incisiva e anche il recitativo necessita a volte di maggiore partecipazione. Nonostante questo alcune interpretazioni spiccano per intensità o simpatia o per quel guizzo in più che può esserci in un gesto o in uno sguardo.
Una Floriana Monici in splendida in forma offre un’interpretazione brillante e vocalmente ineccepibile e affascinante di Sheila, un personaggio tagliente, ironico, forte e complesso.
Martina Lunghi (Val) è in un momento d’oro: giusta carica e atteggiamento, bellissima voce, riesce sempre a portare qualcosa di sé nei propri personaggi dando loro un’identità definita.
Giorgio Camandona è un performer completo e il ruolo di Bobby gli dà la possibilità di dimostrarlo.
Giuseppe Verzicco è sempre un eccellente ballerino e nel ruolo di Al può giocare con la propria mimica facciale.
Molto divertente e in ruolo Giulio Benvenuti nei panni di Greg; bene Federico Colonnelli (Larry) e da tenere sott’occhio Yuri Pascale Langer, giovanissimo già notato in Rugantino.
Il personaggio di Cassie interpretato da Roberta Miolla necessita di maggiore personalità. Roberta è una brava performer; l’assolo è tecnicamente molto bello e ben realizzato, ma ancora non sufficientemente emozionante.
Salvatore Palombi (Zach) non è sotto esame, nessuna audizione per lui. Egli l’ha già vinta la sua prova. Salvatore è un bravissimo attore che qui addolcisce un po’ il suo Zach rispetto alla versione cinematografica in cui era un cinico Michael Douglas, senza però fargli perdere di personalità. Una bellissima sorpresa vederlo ballare per chi lo aveva conosciuto solo come attore.
La prova corale è eccellente e di grande effetto sia dal punto di vista vocale che coreografico. La scena finale riempie gli occhi grazie alla potenza della musica, alla bellezza dei movimenti e alle luci, molto efficaci per tutto lo spettacolo e a cura di Francesco Vignati.
L’augurio è che questo musical possa girare l’Italia ed essere ammirato e applaudito da più pubblico possibile, non necessariamente solo dagli appassionati.
CURIOSITA’SULLO SPETTACOLO E FABRIZIO ANGELINI
A Chours Line è ispirato a Baayork Lee, Connie nello spettacolo, musa di Michael Bennet e una delle poche autorizzate a riprodurre lo spettacolo in giro per il mondo. Baayork ha montato una serie infinita di edizioni, recentemente anche in Cina e prossimamente in Spagna con Antonio Banderas.
Lo spettacolo si basa tutto su storie vere di danzatori di Broadway registrate una sera sera da Michael Bennet quando erano tutti riuniti.
L’amore di Fabrizio Angelini per A Chrous Line risale a tempi lontanissimi come egli stesso ha dichiarato:
“il mio primo contatto con CHORUS è stato con il film nel 1985. Ho invece visto lo spettacolo per la prima volta in un’edizione americana in tour a Milano (in estiva al Castello Sforzesco) rimontata proprio da Baayork nel 1986, mi sembra. L’ho poi visto a Broadway nel 1988, e ricordo di aver pensato fin dalla visione del film: “Io voglio fare questo”.
Certo, mai avrei pensato che avrebbe poi segnato la mia vita in questo modo (non esisteva ancora la Rancia, non esisteva il musical in Italia!). Pur non avendo fatto parte del cast originale come Baayork, per me come per lei è una sorta di “missione” portare avanti lo spettacolo, mantenerlo, spiegarlo agli interpreti con tutti i suoi significati, i rapporti tra i personaggi e tra loro e il regista Zach, e le storie che il pubblico non saprà mai, ma che loro devono sapere. In questo senso devo ringraziare la regista Chiara Noschese, che non solo mi ha voluto al suo fianco, ma mi ha permesso di sconfinare dalla coreografia alla regia per mettere al servizio dello spettacolo la mia esperienza di tante repliche e tanti allestimenti ai quali ho partecipato. E come dico sempre, io ho fatto moltissimi spettacoli, la maggior parte molto belli e sono stato molto fortunato… Ma CHORUS è un’altra cosa: è diverso da tutti gli altri lavori. E dico anche, forse con un po’ di esagerazione, che il mondo si divide tra chi ha fatto A CHORUS LINE e chi non lo ha fatto. E devo dire che tutti gli interpreti, vecchi e nuovi, sono d’accordo con me…”
Fabrizio Angelini possiede la cosiddetta “Bibbia” di A Chrous Line. Lo spettacolo, infatti, è codificato in un librone che egli possiede da 29 anni. La “Bibbia” contiene la quasi totalità delle posizioni dello spettacolo, ma anche molte indicazioni coreografiche, procedure in caso di incidenti degli elementi del cast, indicazioni relative a luci e costumi, note di regia, e così via, tutte note che Fabrizio ha appuntato negli anni tra prove e repliche alle quali ha assistito in platea quelle volte che interpretava uno dei ballerini eliminati nell’opening.
Fabrizio Angelini ha anche assistito a molte prime dello spettacolo in giro per il mondo, tra cui lo spettacolo a Broadway nel 2008, la prima del revival di Londra nel 2013 e la prima a Klagenfurt nel 2016.
A Chorus Line è un musical originariamente concepito dal regista e coreografo Michael Bennett, che lo mise in scena per la prima volta allo Shubert Theatre di Broadway il 25 luglio 1975 e dove rimase in cartellone 15 anni per un totale di 6.137 repliche. Lo show fece così tanto scalpore da essere rinominato come il “Re dei Musical”: vinse 9 Tony Award (tra cui miglior musical, miglior regista, miglior libretto, miglior attrice, migliori musiche, miglior coreografo etc..), un premio Olivier Award per il miglior musical e un Premio Pulitzer per la drammaturgia. Successivamente, nel 1985, la Columbia Pictures ne distribuì la versione cinematografica, con adattamento di Arnold Schulman e regia di Richard Attenborough e con Michael Douglas nel ruolo del regista Zach.
A CHORUS LINE, an Original Broadway production produced by the New York Shakespeare Festival, Joseph Papp, Producer, in association with Plum Productions Inc., is presented by arrangement with TAMS-WITMARK MUSIC LIBRARY, INC. 560 Lexington Avenue, New York, New York 10022.
A Chorus Line
Originariamente Ideato, Diretto e Coreografato da Michael Bennett
PIN-occhio di Paola Scoppettuolo “nasce burattino, vive burattino e muore burattino”.
La bugia e la sua incapacità di riconoscerla, questo il tema centrale della nuova produzione di Paola Scoppettuolo, affermata e pluripremiata coreografa di teatro-danza (2010 “premio Sos creatività” miglior coreografa italiana nell’ambito della ricerca nel teatro danza; “premio Aurel Millos 2016” come migliore coreografa italiana per la Danza Contemporanea) che con la sua compagnia Aleph vanta esibizioni e collaborazioni sia in Italia che all’estero con all’attivo oltre 300 spettacoli.
Anche questa nuova produzione nasce da una personale esigenza della coreografa di mettersi a nudo, di raccontarsi, di offrire al suo pubblico una parte di sé, una debolezza, in questo caso l’incapacità di riconoscere la menzogna cadendone più volte vittima.
Paola Scoppettuolo a tal proposito ci aveva dato un piccolo preludio creando la coreografia “Il volto della menzogna” dove le performers agivano sempre di spalle al pubblico, quasi a voler sottolineare che chi mente non mostra mai la propria faccia o almeno non quella reale.
La scena di PIN-occhio si apre su un palco vuoto, scarno, pochi ed essenziali gli elementi presenti in scena. Il palco si riempie piano piano, le ragazze di Aleph attraversano la platea silenziose per guadagnare lo spazio scenico dando al pubblico le spalle (quasi un richiamo alla coreografia precedente). Paola Scoppettuolo mette in scena dei corpi che scelgono i loro gesti sapientemente, gesti che mirano ad un racconto, corpi non necessariamente filiformi, ma per questo non meno armoniosi. All’uso sapiente dei gesti Paola Scoppettuolo unisce la voce, optando per frasi ripetute più volte; ogni elemento della compagnia le ripete con il suo personale uso degli accenti, delle pause e dei respiri, rendendo però queste diverse sonorità un linguaggio comune.
La produzione nasce da una personale esperienza/necessità di Paola, necessità di raccontare il suo vissuto, facendo sì che diventi di identificazione per ognuno, perché in fondo tutti siamo stati vittime di menzogne. In questa versione della favola, il naso non si allunga a ogni bugia, ma diventa elemento a se stante, avulso dal viso, con diverse forme e colori nei quali il richiamo a simbologie falliche è chiaro ma mai fuori luogo.
La parte centrale dello spettacolo è caratterizzata da una danza frenetica, con movimenti ripetuti quasi in maniera compulsiva: la donna danza per liberarsi, sfogarsi, uscire dallo stereotipo che un certo tipo di società vorrebbe attribuirle (una burattina manovrabile appunto), ma Paola Scoppettuolo non ci sta ed urla attraverso i suoi movimenti il suo dissenso.
La compagnia Aleph è coesa, il denominatore comune è l’interpretazione e in questo le danzatrici sono abilissime a restituire in scena ciò che l’autrice/ coreografa ha richiesto; elemento di particolare rilievo è Marianna Volpe, magnetica, intensa, vigorosa ma anche eterea nella sua delicata nudità di alcune scene; una menzione speciale anche a Sofia Secchi e Valentina Puccini che, insieme agli altri elementi della compagnia, in questa favola post-moderna hanno reso eccellentemente la drammaturgia raccontata da Paola Scoppettuolo.
PIN-occhio
Concept \ Regia e Coreografia : Paola Scoppettuolo
Danzatori \ Performes : Compagnia Aleph
Ideazione Scene : Paola Scoppettuolo
Realizzazione Oggetti Scenici : Marianna Volpe
Ideazione e Realizzazione Costumi : Alice Sinnl
Citazioni : C. Collodi , S. Plath , A. Shopenauer , Terenzio
