“Il mio lavoro è uno scavo, una ricerca archeologica tra gli aridi materiali del nostro tempo.”

Michelangelo Antonioni.

Chissà, forse da questa affermazione Francesco Alberici, Daria Deflorian e Antonio Tagliarini hanno avuto ispirazione o sono partiti per affrontare un lavoro di analisi su Il deserto rosso, il film del 1964 che è valso a Michelangelo Antonioni il Leone d’Oro.

Nel film, nato da un breve racconto di Tonino Guerra, che poi ne ha curato la sceneggiatura con Antonioni, la straordinaria e bellissima Monica Vitti è Giuliana, una donna sola, affranta, sconfitta e disperata che non sa stare nelle realtà.

Scavi è un lavoro di approfondimento sul film, sulla realtà che rappresenta,  sui pensieri che esprime e le considerazioni che scatena. E’ un vero e proprio entrare dentro, scendere, inabissarsi nel significato delle figure e delle parole. E’ anche altro: un percorso che gli autori e attori introiettano e mettono in relazione con le proprie esperienze buttando fuori i pensieri e le sensazioni che il materiale ha loro ispirato.

Durante questo scavi, Alberici, Deflorian e Tagliarini sono entrati hanno visionato, letto e analizzato moltissimo materiale relativo alla preparazione del film, non solo tecnico, ma soprattutto creativo (lettere, appunti, immagini) e tutto questo ha innescato in loro riflessioni, considerazioni, interpretazioni che poi hanno filtrato attraverso anche il proprio vissuto.

Il risultato di questo lavoro archeologico viene presentato nella performance Scavi.

Lo spazio scenico messo a disposizione da Carrozzerie n.o.t. è ingombro di sedie, poltrone e divani orientati in diverse direzioni; su alcune delle sedute sono poggiati degli indumenti; intorno delle piantane illuminano questo salotto disomogeneo e irregolare ponendo il pubblico all’interno della scena a stretto contatto visivo con gli attori.

La performance è suddivisa in tre ciak, magari per delineare un percorso ideale, dare un orientamento, ma senza imporre una direzione ai pensieri.

Primo ciak: Mi fanno male i capelli.

Secondo ciak: Malinconia psicofarmaci e corpi separati.

Terzo ciac: Lea Massari e la neve.

Nel primo ciak, “Mi fanno male i capelli”, la Deflorian ragiona sulla potenza evocativa di questa frase e sul mistero che l’avvolge: pare fu la stessa Monica Vitti a dirla durante un incontro con la poetessa Amelia Rosselli, ma non voleva che si sapesse e chiese alla Rosselli di dire che fosse un suo verso. Così fu, anche se di quel verso non c’è traccia nella sua produzione.

Da questa frase, emblematica e rimasta famosa, si sprigionano una serie di considerazioni, pensieri e riflessioni, scavando, è il caso di dire, non solo nel testo anche in se stessi, affrontando manie, sogni e paure. Scendono in campo le fissazioni, le manie, le ossessioni legate ad oggetti, ma mosse da pensieri, pensieri di cui non si può ritrovare l’origine perché troppo nascosta nel fondo e di cui non si può sapere dove possano condurre.

E’ cosi che si passa al secondo ciak, “Malinconia, psicofarmaci e corpi separati”.

Giuliana, la protagonista del film Il deserto rosso, è una donna nevrotica, con tratti psicotici e allucinazione visive e uditive. Antonioni affronta il disagio nella vita di tutti i giorni di allora riversando nel film tutti i propri tic. 

Mentre la lavorazione del film va avanti, Antonioni e la Vitti, che all’inizio delle riprese erano una coppia, si stanno allontanando, fino a lasciarsi alla fine delle riprese.

Chissà, forse anche per questo nel film si cerca un modo per gestire il dolore, le ossessioni e i deliri.

C’è un’ossessione per la fine delle cose. I corpi sono separati, è la morte dell’empatia: “se io mi pungo, tu non senti niente”.

Il terzo ciak, “Lea Massari e la neve”, sembra staccato dal resto, invece prosegue quell’ossessione per la fine delle cose mettendola in relazione alla bellezza, alla paura della bellezza, alla paura che possa finire. E’ una riflessione sulla prigionia della bellezza, quando hai solo quella, quando non sei o non ti vedono come moglie o come madre, ma sei “soltanto” una bella donna; quando sei sempre figlia, ma il tempo passa e la bellezza sfiorisce e una resta imprigionata nel ricordo di ciò che fu. 

Allora ti senti vacillare, ti manca la terra sotto i piedi; ti sbilanci, ti squilibri una volta, poi un’altra e un’altra e alla fine una valanga sembra travolgerti.

Nell’immagine finale c’è forse la possibilità di un riscatto o, finalmente, del riposo. Un’apertura, figurata e reale, delle porte: mettono in comunicazione con l’esterno. Dopo esserci affacciati su noi stessi, possiamo uscire da noi: mentre gli attori contemplano la neve che scende e che ricopre tutto col suo bianco silenzio, noi che siamo ancora in sala rimaniamo a riflettere e a porci domande.

Si potrebbe passare il tempo a cercare un filo che colleghi tutte le parole e le storie raccontate. Sicuramente un orientamento generale c’è, ma tutto ciò che Alberici, Deflorian e Tagliarini propongono al pubblico è una riflessione personale; sono suggerimenti di analisi; ipotesi di vita.

E’ la condivisione di pensieri e riflessioni che suggeriranno allo spettatore nuove immagini e nuove riflessioni.

Sicuramente gli oggetti di riflessione, ispirati dal film, sono il male di vivere, il male psichico, la paura, il disagio e la depressione.

Scavi, però, è molto di più: non è un guardare dall’esterno, ma è immergersi in quel mondo, è sostituirsi ai personaggi e vederci te.

Allora sai che le immagini e le riflessioni potranno essere diverse e nuove per il vissuto che ognuno ha, unico e privato e che non sapremo mai tutto fino in fondo, perché come ha scritto Antonioni: “Noi sappiamo che sotto l’immagine rivelata ce n’è un’altra più fedele alla realtà, e sotto quest’altra un’altra ancora, e di nuovo un’altra sotto quest’ultima. Fino alla vera immagine di quella realtà, assoluta, misteriosa, che nessuno vedrà mai. O forse fino alla scomposizione di qualsiasi immagine, di qualsiasi realtà”.

Scavi è un lavoro analitico mirato e preciso, basato su documenti e testimonianze, ma poi rielaborato in base al vissuto e al modo di sentire degli autori che, attori in scena, si rivolgono tra loro e al pubblico con immediatezza, stabilendo mano a mano confidenza. 

E’ una performance che suscita pensieri da cui nascono domande, ma che non ha l’obiettivo di fornire risposte. E’ un processo creativo aperto che non termina con lo spettacolo, ma che accompagnerà la riflessione dello spettatore anche dopo.

Scavi

Un progetto di Daria Deflorian e Antonio Tagliarini

Scritto ed interpretato da Francesco Alberici, Daria Deflorian e Antonio Tagliarini

Consulenza letteraria di Morena Campani

Organizzazione di Anna Damiani

Foto di Elizabeth Carecchio

Una coproduzione A.D. e Festival di Santarcangelo

In collaborazione con l’Istituto Italiano di Cultura di Parigi residenza produttiva Carrozzerie | n.o.t Roma

Foto di copertina Elizabeth Carcchio

Sabato 3 agosto al Teatro di Ostia Antica, per la IV edizione di Ostia Antica Festival 2019 – Il Mito e il Sogno, Lino Guanciale ha ripercorso il suo viaggio verso Itaca sotto un cielo puntellato da milioni di stelle luminose che sembravano indicare la rotta.

In Itaca…il viaggio Lino Guanciale, accompagnato dalle musiche e dalla regia di Davide Cavuti, raccorda monologhi, brani musicali, poesie e parti cantate per parlare di sé, del proprio percorso di crescita e conoscenza, raccontando alcune delle sue “prime volte”.

Uno spettacolo bellissimo e suggestivo assolutamente non autoreferenziale, piuttosto la testimonianza di come certi incontri artistici (letterari, poetici, musicali) possano suscitare la curiosità e la voglia di conoscenza di un giovane alla scoperta del mondo e del proprio posto in esso.

Con spontaneità, ironia e, soprattutto, con grande entusiasmo, l’artista racconta come la scoperta durante l’infanzia e l’adolescenza di certi testi ne abbia influenzato il vissuto personale accompagnandolo con naturalezza in un processo di conoscenza e apprendimento, un viaggio di formazione che ne ha costituito progressivamente l’identità umana e artistica.

I libri, infatti, per Lino Guanciale, sono stati come le isole per Ulisse.

Da qui la voglia di raccontare le “sue prime volte”. Partendo da una dichiarazione di intenti con la poesia di Kavafis, Itaca, appunto, Lino racconta di quando, ancora bambino, lesse per la prima volta la Divina Commedia e di quanto lo avesse rapito, in particolare, l’incontro di Dante con Ulisse nel XXVI canto dell’Inferno.

Passando poi a raccontare dei testi che trovava nella biblioteca di casa e che si appassionava a recitare per la prima volta e ripetutamente, Guanciale propone un’interpretazione molto partecipata de ‘A livella di Totò.

Momenti di grande divertimento e curiosità desta il bellissimo omaggio a Ennio Flaiano, prima con gli aforismi, poi con il catalogo degli strafalcioni di Peppino Amato e, infine, col racconto breve Cristo torna sulla Terra.

In questo percorso di condivisione personale, Guanciale ammette di aver avuto, anch’egli come Ulisse, il proprio Polifemo, incarnato dall’insegnante di storia dell’arte (materia per la quale l’artista era decisamente negato) che nei suoi confronti non nutriva alcuna speranza di successo in quella materia.

Fortunatamente sono esistite nella sua vita anche Nausica e Calipso, ovvero le insegnanti grazie alle quali Lino ha conosciuto autori come Carlo Emilio Gadda e Pier Paolo Pasolini.

Del primo recita un pezzo tratto da Quel pasticciaccio brutto di Via Merulana; del secondo racconta quanto da ragazzo lo temesse per la sua carica eversiva ed anticonformista e di quanto invece poi imparò ad amarne la bellezza e la sincerità (fino a interpretare nelle stagioni scorse Ragazzi di vita) e ne recita Il pianto della scavatrice.

Parlando delle poesie più conosciute, quelle imparate a memoria a scuola, Guanciale mette in evidenza come spesso la recitazione, ma anche l’insegnamento delle stesse, avvenga in maniera neutra, senza passione, senza capire cosa si stia realmente dicendo. A questo proposito, magistrale (personalmente il momento più emozionante dello spettacolo, che ha realmente trasmesso i brividi) è stata la declamazione intima e appassionata, calda e fortemente partecipata, di A Zacinto di Ugo Foscolo e de L’infinito di Leopardi.

Infine, da artista intelligente e intellettualmente onesto, Lino affronta il viaggio di Ulisse da un punto di vista completamente diverso (un’altra prima volta) rispetto a quello dell’amato Dante, opposto potremmo dire. Non il punto di vista dell’esploratore o del viaggiatore, ma quello del marinaio, costretto ad andare dove il suo capitano gli ordina.

Lo fa attraverso una versione cantata e recitata della canzone di Lucio Dalla, anch’essa dal titolo Itaca. Attraverso le sue parole, Guanciale porta lo spettatore ad interrogarsi sulla vita del marinaio e su ciò che egli vuole, concentrandosi non sull’emozione del viaggio, ma sul sacrificio che esso comporta. Nonostante tutto, pur esprimendo la propria malinconia per la lontananza da casa e dalla patria, il marinaio non può fare a meno di seguire non solo il proprio capitano, ma il richiamo del viaggio, il richiamo del mare.

Infine il ritorno a Itaca, quel luogo mentale che è partenza, ma anche destinazione, si ha con un brano apparentemente leggero, ma che in realtà appartiene al repertorio delle canzoni sociali o civili, Ho visto un re. Frutto di una ricerca sui canti popolari italiani, qui rappresenta, per estensione, i paesi visitati da Ulisse e le persone incontrate, come quelle che Lino incontra a teatro, con le quali condivide il proprio percorso di formazione e che ogni volta partecipano in coro a questo momento finale.

Ogni viaggio, poi, ha la propria colonna sonora, sia essa costituita da musica o dai suoni e dalle voci circostanti.

In questo fondamentale è la preziosa collaborazione del regista e compositore Davide Cavuti, che con maestria, leggerezza e sonorità raffinate accompagna con la fisarmonica Lino nelle tappe del suo viaggio che diventa un po’ anche il nostro.

Itaca è, in conclusione, realmente un viaggio fantastico: un viaggio personale, ma condiviso, che attraverso il racconto, i brani e le canzoni porta lo spettatore  a immergersi nelle storie raccontate e a incontrare i personaggi evocati, a comprendere la bellezza e il valore delle parole recitate e scritte.

Ha, inoltre, il grande pregio di instillare la curiosità di andare a ricercare i testi citati e magari perdersi in nuovi personali viaggi che quelle pagine potranno regalare ad ognuno.

Lino Guanciale è un eccellente Virgilio, una guida ferma e solida nel cammino, eppure è anche qualcosa di più. A dispetto della razionalità di Virgilio, Lino è un artista appassionato che riesce a trasmettere al pubblico le proprie emozioni, ma si fa anche mezzo, strumento attraverso il quale la poesia scorre verso l’altro suscitando innumerevoli suggestioni a cui ognuno può rispondere in maniera diversa.

Il senso dello spettacolo può essere trovato in questo: il viaggio è la via, il modo di fare esperienza del mondo e degli altri.

Le tappe sono poi qualcosa di personale, lasciato al gusto e un po’ al caso, a quegli incontri casuali che avvengono nella vita sia con le persone che con certi libri, così come i venti a volte sospingono la barca, altre volte sembrano ostacolarne il percorso, mentre semplicemente danno un’altra direzione che può nascondere grandi sorprese.

Itaca…il viaggio   

Con Lino Guanciale

Regia Davide Cavuti

Foto di Danilo D’Auria e Roberto Panucci.

Si torna a casa sempre arricchiti umanamente e artisticamente quando si partecipa a Dignità Autonome di Prostituzione, lo spettacolo di Luciano Melchionna, tratto dal format dello stesso Luciano e Betta Cianchini.

Partecipazione è una tra le parole adatte per qualificare questo meraviglioso circo di arti varie, sempre nuovo e sempre diverso. Il teatro non è, o almeno non dovrebbe mai essere, mera passività, un  semplice assistere all’agire di qualcun altro. Questo principio vale ancora di più per Dignità, perché chi partecipa a questo spettacolo, che è ogni volta un evento, vive un’esperienza globale, immersiva, alla quale non può e non deve sottrarsi e dalla quale viene inevitabilmente coinvolto e assorbito.

Non potrebbe essere diversamente: Dignità è un crogiolo di prosa, poesia, musica, canzoni e balli. Stuzzica, stimola, sprona, incita, a volte costringe giocoforza, la riflessione più intima e delicata; fa emergere la parte più nascosta dell’anima, riportando alla luce della mente quei dolori, quei rimorsi oppure quei rimpianti che ognuno ha relegato in un angolo buio del proprio sentire, pensando di essere riuscito a far tacere il senso di colpa o la voglia di rivalsa, o che magari ardono ancora sotto la brace del non detto e del non fatto.

Ogni emozione viene scossa e risvegliata e trova un riscatto attraverso i bellissimi monologhi e le appassionate interpretazioni. E’ una catarsi: lo spettatore può finalmente versare quelle lacrime che ha da chissà quanto soffocato o esplodere in quella risata che da tanto mancava e che è liberatoria. Si ritrova nelle meravigliose parole scritte, non solo recitate, ma vissute appassionatamente dagli attori e dalle attrici in quella pillola teatrale.

Non si fraintenda: non c’è cupezza né tristezza, solo emozione e l’emozione ha infinite declinazioni diverse per ognuno.

Dignità Autonome di Prostituzione è una festa della vita: attraverso un processo di specchiamento e immedesimazione capiterà ad ognuno di ascoltare nei vari monologhi qualcosa che lo coinvolga, che faccia parte della sua vita e lo faccia annuire come a dire “sì, lo so, è capitato anche a me”. In questo ritrovare se stesso nell’altro, condividendo con persone che non conosce emozioni comuni, ritrova la forza e la voglia di reagire per essere felice.

Perché il dolore ha bisogno della gioia come termine di paragone per essere capito e la sofferenza ha bisogno della felicità per essere lenita. Una cosa non ha senso senza l’altra: l’importante è sempre saper affrontare la vita con il sorriso e un atteggiamento propositivo, mettendosi in gioco.

Non per niente lo spettacolo termina con una grande festa fatta di musica, canzoni e balli. Un concerto liberatorio in cui poter manifestare la propria gioia di esserci ancora, sempre e nonostante tutto, ballando abbracciati a sconosciuti che in quel momento stanno vivendo il tuo stesso percorso emozionale.

I monologhi di Luciano Melchionna (sono praticamente quasi tutti suoi) hanno una potenza emotiva fortissima: toccano l’anima, si insinuano nella mente, abbattono muri di protezione. Li caratterizza, inoltre, una spiccata diversificazione per temi, argomenti e linguaggio: da quelli più prettamente intimisti, che toccano la sfera privata, a quelli a carattere sociale, relativi alla sfera pubblica, ma anche monologhi apparentemente più leggeri che suscitano però sempre una riflessione,

Poi ci sono loro, i meravigliosi artisti di papi Luciano, i prostituti e le prostitute del bordello più famoso d’Italia, abbigliati nei più svariati, eccentrici e pittoreschi modi grazie agli splendi costumi di Milla.

Attori e attrici capaci di calarsi ogni volta nel proprio personaggio e nel suo mondo a ripetizione, prestazione dopo prestazione, lasciando fuori ogni altra cosa; capaci di creare empatia  con un pubblico ogni volta diverso che cambia ogni quindici minuti/mezz’ora.

Sono là, sempre pronti ad accogliere il pubblico, precisi, puntuali, disponibili; sempre pronti a vivere a ogni cambio la storia che raccontano nelle loro parole, nei loro gesti, nei loro occhi e a farla vivere a chi li ascolta rapito.

Nella nuova location scelta per questo evento, il Parco Milvio a Roma, lungo un bel tragitto di una banchina del fiume Tevere, ognuno/a aveva il proprio spazio, la propria ricostruzione scenica. Tra presenze fisse, nuovi ingressi e graditi ritorni è stato possibile assistere a diverse emozionanti interpretazioni.

H.E.R., eccezionale violinista, si è esibita nel monologo delirante dal titolo La dama del fiume.

Spettacolare, emozionante, catalizzante Luciano Giugliano in Tutta la vita in gabbia, un monologo crudo e disarmante per la sua aderenza alla realtà sulla duplicità con cui spesso si vivono amore e sesso.

Sempre splendida, appassionante e ficcante Adelaide di Bitonto si esibisce in Ma come si fa, Romeo?, un monologo in cui è una Giulietta sempre in cerca del proprio Romeo, ossia dell’amore vero, un amore travolgente, ma reale, fatto di sentimento, ma anche di carnalità e passione. Una paladina dell’amore emancipato che passa con disinvoltura dalla poesia d’amore a uno sfogo esilarante in dialetto pugliese.

Veronica D’Elia, L’Anarchica, decisa e sfrontata, alla faccia della sua piccola statura si erge magnifica su tutti con un potente monologo, datato 1 giugno 1914, di Giovanni Papini, dal titolo Chiudiamo le scuole contro la massimificazione e l’omologazione dell’insegnamento nelle scuole che castrano la genialità naturale dell’individuo.

Come sempre poi, lo spettacolo termina con un momento di festa in cui ci si raccoglie tutti insieme a cantare e ballare per condividere l’energia di cui ci si è caricati lungo il percorso.

Tra le bellissime esibizioni sono da segnalare la poesia in omaggio a Pasolini, recitata dallo stesso Luciano; una splendida canzone dedicata a Roma interpretata da H.E.R.; Lucilla Galeazzi canta la sua accorata e appassionata canzone Quelle parole; infine da segnalare la bellissima e profonda voce di Salvatore Lampitelli, in arte Sabba, dai colori del blues e del soul in Human – Rag’n Bone Man.

Germogli  di Dignità Autonome di Prostituzione è stato l’evento speciale che papi Luciano Melchionna voleva e che tutti aspettavano di nuovo a Roma: una giostra di colori ed emozioni a cui ha partecipato un foltissimo pubblico di veterani, appassionati e nuovi dignitosi e dignitose, accorsi tutti per entrare nella Casa Chiusa dell’Arte più famosa d’Italia che per l’occorrenza è stata trasformata in un grande e accogliente bordello all’aperto e che sicuramente rimarranno legati a Dignità per tanto tempo.

Germogli  di Dignità Autonome di Prostituzione

Evento speciale di Luciano Melchionna

Dal format di Betta Cianchini e Luciano Melchionna

Regia Luciano Melchionna

Costumi Milla

Disegno luci Gianni Caccia

Assistente alla regia Sara Esposito e Raffaele Fracchiolla

Produzione Ente Teatro Cronaca

Organizzazione Vesuvioteatro.org

con Betta Cianchini, Federica Carruba Toscano, Cinzia Cordella, Veronica D’Elia, Marika De Chiara, Adelaide Di Bitonto, Ebbanesis, Adriano Falivene, Emanuela Gabrieli, Raffaele Giglio, Luciano Giugliano, Gabriele Guerra, Her, Alessandro Lui, Dolores Melodia,  Momo, Alessandra Muccioli, Sabba, Chiara Spoletini, Sandro Stefanini, Dario Eros Tacconelli

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Carlo Maria Forte (maitresse)

Le foto sono prese dall’evento Facebook di Germogli di Dignità Autonome di Prostituzione