Narra degli incontri tra dieci personaggi di dieci differenti condizioni sociali e umane: la prostituta, , il soldato, la cameriera, il giovane signore, la giovane signora, il marito, la ragazzina, il poeta, l’attrice, il conte.

I personaggi dialogano due alla volta concludendo ogni dialogo con un atto sessuale. Passando da una coppia all’altra, dove uno dei due personaggi è poi protagonista anche del quadro successivo, si crea un girotondo umano che torna ai primi della catena.

Oserei dire che non sono stato io a scegliere il testo, ma il testo a scegliere me. Durante il percorso accademico presso la CTC Casa del Teatro e del Cinema di Claudio Insegno, di cui io sono uno dei docenti, i ragazzi dell’attuale compagnia, leggendo testi da portare in scena, si sono imbattuti nel Girotondo. Mi hanno chiesto consigli sulla strada più funzionale da seguire per un’eventuale messa in scena e, da subito, abbiamo capito tutti quanti che quello scritto ci stava aspettando…

È un testo molto complesso, a tratti ermetico, direi, ma al tempo stesso lascia una libertà di comprensione soggettiva. Questa è la sua forza. Ho provato a leggere dentro alle parole, cercando di ascoltare cosa avevano da dire quei personaggi, quali erano i loro pensieri più nascosti e sono stati proprio loro a indicarmi la strada per l’adattamento e la regia.

Ciò che ne è emerso è un panorama contemporaneo, dove ognuno di noi gira attorno a se stesso, attorno agli altri, attorno alla propria vita e al proprio destino nella continua ricerca di ciò “che move il sole e l’altre stelle” da che mondo è mondo. Cosa c’è di più attuale di un concetto che parte da lontano per ritornare da dove è cominciato?

Questo andrebbe chiesto a loro. Questi ragazzi sono davvero bravi, volenterosi, studiosi; hanno un’attitudine a questo mestiere che non vedo da tanto tempo negli occhi di giovani artisti.

Dirigerli è una delle più belle esperienze che ho fatto nei miei ormai, diciamolo, venti anni di carriera tra gavetta e professione. Mi approccio a loro un po’ come un papà dovrebbe approcciarsi ad un figlio che riconosce la strada, ma non è ancora capace totalmente di percorrerla da solo.

Sono molto prudente con loro, ma li osservo da lontano e ho piacere che ogni tanto comprendano da soli i meccanismi di questo “maledetto” mondo.

Non ho alcun occhio di riguardo però quando si tratta di lavoro registico. Hanno scelto di diventare professionisti? da professionisti li tratto.

Il sesso è vissuto, pensato e fatto in molti modi; dipende da chi sei, cosa vuoi, cosa scegli per te e per gli altri; dipende da come sei cresciuto, da quali esperienze hai fatto, da chi hai incontrato sul percorso; dipende sempre da qualcosa che vedi e senti o da qualcuno che incontri. Il sesso è un motore importante del girotondo della vita, ma che è comunque destinato ad esaurirsi prima o poi, inevitabilmente. E cosa rimane? E l’amore? Il nascere di queste domande mi fa pensare che, no, il ciclo non finisce.

Freud! Se non fosse mai esistito che tipo di forma mentis avremmo oggi? Non lo sapremo mai, e tant’è. Penso che la psicanalisi sia uno dei doni migliori che ci siano stati dati in eredità e certamente uno strumento per conoscersi, crescere e migliorare la qualità della nostra vita.

Amarsi per essere amati, ascoltarsi per essere ascoltati, relazionarsi per costruire e non per distruggere.

Questo non dovrebbe essere il risultato di un percorso di psicoanalisi, ma un memorandum di vita che ci dovrebbero insegnare a scuola. Anche il rapporto sessuale per molti è inteso come forma di conoscenza e sono anche d’accordo tutto sommato.

Ma no, non vorrei ridurre tutto questo ad una mera questione freudiana. C’è in ballo molto di più e non vorrei generalizzare. Lasciamo una speranza al genere umano di usare un meccanismo diverso: assunto che mi amo, assunto che mi rispetto e mi ascolto, intraprendo una relazione, mi innamoro e faccio sesso (o anche al contrario, perché no?), creo un rapporto umano. E se lo penso al contrario? Creo un rapporto umano basato sul sesso, potrei innamorarmi, potrei costruire una relazione e questo potrebbe farmi amare da me stesso un po’ di più. Eccolo qua, un altro girotondo!

Credo che ci sia molta quotidianità. Schnitzler toglie il velo del nascosto per rendere visibili i pensieri e le azioni di donne e uomini più o meno comuni, donne e uomini che possono essere ricondotti ad un unico clichè. E dove c’è quotidianità c’è cinismo. C’est la vie.

Può essere tutto questo e molto di più.

Credo che non sia cambiato nulla col tempo. C’è solo meno pudore forse, meno censura. I bambini sono meno tutelati e questo mi spaventa, ma mi rincuora il fatto che anche la società si sia evoluta in questo e spero che i genitori siano più attenti alle spiegazioni e più presenti nella vita dei loro figli di quanto lo sono stato io o i miei coetanei che, nella maggior parte dei casi, abbiamo scoperto tutto da soli.

Il sesso è comunicazione? Si, la più intima e vera direi. É conoscenza? Se nel sesso si mette l’ascolto fisico del partner siamo in grado di vedere un mondo. E’ una scoperta? Certo. La scoperta del tesoro dopo la caccia per dirla in termini ludici, e come in tutti i giochi c’è più gusto a partecipare insieme piuttosto che da soli. E’ un atto sfacciatamente fisico? In alcuni casi si, ma dove c’è sesso, c’è sempre una forma d’amore, anche se non lo si dice, non lo si sente o non lo si vuole.

La divisione in classi sociali è rimasta integra direi e anche abbastanza evidente. Non ho la presunzione di voler dare un nome a queste classi dato che le conosciamo tutti e ne sentiamo parlare ogni giorno. Sarebbe bello se invertissimo il denaro, ovvero ciò che dichiara il potere di una classe sociale, con le emozioni. Cosa accadrebbe?

Sarebbe un ottimo soggetto per una drammaturgia. Quasi quasi ci penso su!

Mi chiedo se sto scrivendo una tesi in sociologia o rispondendo ad un’intervista! Mamma mia che domandone! Cercherò di risponderti in modo semplice.

Quando inizio le prove di uno spettacolo o in aula insegno come approcciare ad un personaggio, una delle prime domande che faccio è: ”Qual’è il suo bisogno?”.  Chiaramente il bisogno del personaggio trova sempre un appiglio nel bisogno dell’allievo o dell’attore, non potrebbe essere altrimenti poiché non siamo macchine.

Ed incredibilmente il bisogno primario è quello di essere amati, o di continuare ad essere amati se già ci sentiamo in quella situazione. La fine di un amore è qualcosa che spaventa.

Ci siamo convinti che abbiamo bisogno di soldi, di salute, di amici. Vogliamo essere indipendenti, ci mascheriamo da lupi solitari realizzati ed autonomi perché la paura di soffrire ci porta lontano dagli altri, e forse è anche giusto così. Ma quando l’amore bussa alle porte dell’anima dovremmo aprire e renderci conto che quel bisogno, in fondo, c’è sempre stato e ci sarà sempre.

Perché l’amore è il centro del girotondo, almeno del mio!

SPERO di sì.

Non è stato per niente facile. Sono molto legato alla mia terra, ai suoi colori, al sole ed al mare e in particolar modo alla mia famiglia. Sapevo però che per realizzare i miei sogni avrei dovuto sacrificare qualcosa, ma mi è costato molto sacrificare ciò che ho di più importante. Ho dovuto  lasciare i miei cari e la mia casa, ho fatto le valigie e sono partito. Arrivato in Germania e poi in Inghilterra mi si è aperto un  mondo tutto nuovo. Ho cominciato a pensare e vedere le cose in maniera diversa, adattandomi ad una nuova cultura, e un nuovo  modo di vivere . Ho scoperto una nuova dimensione di me stesso, sono cresciuto e ho fatto esperienze a 360 gradi. Inizialmente con difficoltà, poiché non è sempre facile riuscire a cambiare se stessi, ma quando devi farlo velocemente il processo fa meno male.

Non c’è dubbio, non è un mestiere semplice, tutt’altro. E’necessario rimboccarsi le maniche, essere pronti a far fronte a tanti sacrifici e sopratutto a lavorare su se stessi e studiare tanto. Io ho iniziato a studiare alla tenera età di sei anni, prima danza, poi canto e solfeggio, pianoforte e recitazione e a tutt’oggi mi aggiorno, faccio nuovi corsi di studio per migliorare me stesso. Non bastano solo i 3 anni di corso  in una scuola di Musical, ma bisogna approfondire, specializzarsi, studiare diverse tecniche teatrali,  mantenere in costante allenamento  la mente e la parola. Ho investito un vero capitale per i miei studi durante la mia carriera e continuo a farlo e mia madre ne è stata il grande  sostegno economico e morale.

Ho fatto anche il cameriere per mantenermi certi corsi teatrali o lezioni private con  insegnanti altamente qualificati e competenti in Uk e non solo.  Non si  smette mai di crescere, conoscere, imparare sia come artista che come persona. Questo ovviamente  richiede una grande capacità e forza di volontà oltre che una grande sensibilità e spirito di sacrificio. Chi pensa di essere già arrivato o di non aver bisogno di imparare o di crescere, non è un vero artista, ma solo una versione mediocre di se stesso.

Ricordo che a volte  era tanta la nostalgia di casa, piangevo e mi sfogavo con mamma al telefono. Ma era proprio lei, mia madre, a darmi la forza. Mi ricordavo dei grandi e tanti sacrifici che ha sempre fatto per me, per il mio futuro e per la mia carriera. Non avrei mai potuto  deluderla. Ciò che sono adesso come artista e come uomo lo devo a lei.

In Italia purtroppo manca una vera e profonda conoscenza del  Musical o Teatro Musicale come  genere teatrale, poiché  nasce a Broadway e nel West End di Londra. Non è qualcosa  che ci appartiene o che fa parte della nostra cultura e tradizione italiana. Il Musical “made in  Italy”  è ben lontano sia per qualità che per contenuti dal vero Musical americano o inglese. Non ci si può improvvisare a creare  qualcosa che non si conosce perché non è credibile e non può funzionare. Grande errore della maggior parte di quei registi italiani (o di chi si considera tale) che pensano erroneamente di poter creare nuovi Musicals senza conoscerne a pieno  la struttura e le fondamenta. Basterebbe solo che si limitassero a rispettare  il format originale, tra l’altro già di comprovato  successo nel resto del mondo, dei Musicals sia americani che inglesi così come sono stati scritti dai loro grandi autori, come succede nel resto d’Europa. Chissà perché solo  in Italia ci si arroga il diritto di alterare sempre tutto a proprio piacimento e spesso  con scarsi risultati. Ci sono ovviamente pochissime eccezioni, basti pensare al successo ottenuto da Mary Poppins di F. Bellone che infatti rispecchia la versione originale West End. Se ne dovrebbe forse seguire l’esempio…

Altro tassello ahimè mancante nel Musical italiano è la drammaturgia, dovuta alla carenza di una attenta e competente  direzione registica ed artistica. Uno spettacolo senza drammaturgia è uno spettacolo senza anima, sconnesso. Oltre al fatto che mancano in Italia autori qualificati e specializzati nel genere Musical. Gli unici autori di Teatro Musicale in Italia  degni di nota  risalgono al periodo della commedia musicale di Garinei e Giovannini, proprio perché era un genere  teatrale tutto italiano che rispettava i canoni del vero teatro, legato alle nostre tradizioni e adatto ad un pubblico italiano, oltre al fatto che era creato e diretto da professionisti del mestiere e non da improvvisati tali. Un altro problema è la mancanza di richiesta di mercato  per i Musicals in Italia che durano solo pochi mesi per non dire settimane. Gli unici spettacoli che hanno avuto un successo duraturo in Italia sono spettacoli meramente cantati come NotreDame de Paris, che ahimè purtroppo  non è un prodotto   italiano, ma Francese. A questo proposito vorrei menzionare un grande produttore e professionista David Zard, che ha saputo introdurre in Italia una nuova maniera di fare spettacolo.

Perché in Italia purtroppo, e lo dico con estremo rammarico, non c’è  più rispetto per gli artisti, per la nostra  professione ed il nostro lavoro, ne’ tanto meno per il teatro in generale. Oltre al fatto che c’è molto poco lavoro e raramente quel poco lavoro che c’è in giro è di qualità o può garantire il sostentamento di un artista. Si viene sottopagati e molto spesso non pagati e nessuno dice o fa nulla perché altrimenti perdi anche quei pochi lavori che ci sono in giro. Chi decide di ribellarsi a tale sistema ingiusto e vizioso viene fatto automaticamente fuori.

Ci sono poche audizioni ed i pochi ruoli spesso vengono assegnati a chiamata diretta. E’ un sistema elitario ed esclusivo per i “fedelissimi”che non necessariamente sono sempre  i più meritevoli. Conosco colleghi molti bravi  che restano a casa e sono costretti a cambiare lavoro o a darsi all’insegnamento, poiché non viene data loro alcuna possibilità. Ho avuto  diretta esperienza in merito: due anni fa’ decisi di ritornare a lavorare in Italia, per la voglia di respirare “aria di casa” e stare un po’nel mio Paese, purtroppo è stata la delusione più grande della mia carriera! Ho incontrato produzioni che non mi hanno pagato, con cui sono ancora in causa da anni; altre invece che non mi hanno mai presentato un contratto al momento di inizio lavoro per cui ho dovuto abbandonare.

Altre ancora che mi hanno offerto il lavoro, ma quando si doveva parlare di paga si sono dileguate. Altre produzioni  invece in cui sono stato bullizzato e preso in giro poiché avevo un’etica professionale consolidata in Uk, ma “diversa” dalla loro: “… le cose qui vanno così” mi si diceva. Una realtà disastrata e senza regole. Basta pensare che in Italia non abbiamo  nemmeno un ente che, come accade invece in Uk con “Equity”, tuteli gli artisti italiani da tali abusi  e soprusi.

A volte penso con tanta nostalgia agli inizi della mia carriera  al Teatro Sistina di Roma quando 18enne lavoravo per Garinei e Giovannini, il Maestro Landi e Trovaioli, e venivo strapagato e rispettato.  Il dottor Garinei era un uomo immenso, il suo ricordo lo tengo gelosamente stretto al mio cuore. Penso a quanto sono stato fortunato a lavorare con questi grandi nomi del Teatro italiano di allora. Mi strugge solo il pensiero che la nuova generazione di performers italiani, ignara di tutto questo, sia costretta a sottostare a questo sistema ingiusto, poiché appunto non ne conosce uno migliore.

Non mi stupisco se i più meritevoli e talentuosi decidono di scappare all’estero (Germania, Francia, Spagna, Olanda, Svizzera) in cerca di un futuro ed una carriera migliore. Dal mio canto ho avuto la fortuna di lavorare da venti anni nei migliori teatri del West End ed internazionali  e con i migliori registi, e coreografi ed autori (ArleenPhilips, Karen Bruce, Elton Jhon, Julie Taymor, Nithin Sawhney, Jerry Mitchell, Sergio Trujillo, Lulu Aertgeerts, Thea Barnes, Jeff Clarke, Eleanor Bergstein, Martino Muller, Clay Ostwald ed adesso la mitica Gloria Estefan) e sono grato all’Inghilterra per avermi offerto una carriera così ricca  e piena di successi.

La Brexit sicuramente introdurrà delle restrizioni e nuove regole per coloro che decideranno di andare a lavorare in Inghilterra. Chi già lavora qui ed e’ inserito nel sistema inglese non ha nulla da temere. Gli altri dovranno essere meritevoli e professionisti per poter accedere al Regno Unito. Ci sarà più burocrazia e maggiori controlli, ma resterà inalterato il rispetto e la grande considerazione che le istituzioni e i grandi produttori inglesi hanno per il Teatro, per i  propri artisti, per il talento nazionale ed estero e per i lavoratori dello spettacolo che  sono parte integrante e fondamentale del così chiamato “showbiz” inglese. Qui esistono regole che vengono rispettate, esiste un contratto nazionale equo, esiste un sindacato efficiente, esiste la meritocrazia, esiste domanda e mercato che produce lavoro, ma  soprattutto c’è una grande cultura e rispetto per il Teatro e per coloro che fanno questo mestiere.

Mi affeziono molto  a tutti  i personaggi che interpreto, ognuno di loro possiede una grande parte di me e della mia sensibilità come attore e come uomo. Devo dire che però il ruolo di Cacambo in Candide di Bernstain, che ho interpretato la scorsa estate all’Iford Arts Theatre Festival, ha rubato un pezzetto più grande del mio cuore. L’ho sentito molto vicino al mio modo di essere e concepire la vita… Sempre cercando di vedere le cose con positività ed  “Ottimismo”. Chi ha letto e conosce il racconto filosofico di Voltaire puo’capire in pieno a cosa mi riferisco.

Mi diverto molto anche quando interpreto personaggi più leggeri ed eccentrici  come fu per Banzai in The Lion King  ed ultimamente Hook in Neverland.

Lo spettacolo viene direttamente da Broadway dove ha avuto 3 anni di grande successo. Abbiamo iniziato nel West End al Coliseum Theatre e lo porteremo nelle migliori città inglesi. Il nostro  regista è il grande Jerry Mitchell (Kinky Boots, Legally Blonde) ed il nostro  coreografo è Sergio Trujillo vincitore del Tony Award 2019 come migliori coreografie. Il libretto è scritto da Alex Dilenaris (The Bird, The Bodyguard) con la supervisione musicale di Clay Oswald, compositore  e pianista dei Miami Sound Machine.

Per me è un onore  poter ritrarre sulla scena  la storia della famiglia Fajardo e di Gloria  Estefan. La sua musica ha accompagnato la mia adolescenza fino ad oggi. Lavorare accanto ad un’artista del suo calibro è un’emozione indescrivibile. Ricordo quando sentivo  in discoteca “Conga” ed adesso la stessa canzone la canto ogni sera sul palco dei migliori teatri inglesi. Gloria Estefan ci è stata molto vicina durante tutto il periodo delle prove. Mi ha raccontano personalmente di suo padre e di quanto fossero uniti. Jose’Fajardo era un ufficiale di polizia del governo Battista a Cuba. Con l’arrivo di Fidel Castro dovettero scappare e rifugiarsi  a Miami. Dopo poco tempo José partì volontario per la guerra del Vietnam. Al suo ritorno si ammalò gravemente di sclerosi multipla e trascorse il resto della sua vita su una sedia a rotelle. Gloria con  sua madre lo accudirono fino a che non si spense alla giovane età di 47 anni.

Il racconto sulla scena della sua vita rispecchia la realtà dei fatti  senza invenzione alcuna. La loro vita a Miami come immigranti; la lontananza dal padre che combatte in Vietnam; il rapporto difficile con sua madre Gloria Fajardo; il suo grave incidente stradale; la scalata al successo fino alla sua premiazione agli American Music Awards.

Lo spettacolo è ricco di musica e canzoni (le più famose della Estefan), ma ci sono anche momenti molto delicati ed emozionanti, tanto che è difficile a volte riuscire a trattenere le lacrime. Il pubblico apprezza molto lo spettacolo e alla fine sono tutti in piedi, letteralmente come dice il titolo… On Your  Feet!

Desidero di continuare a lavorare e vivere la mia vita con onestà e dignità così come ho sempre fatto ed avere accanto le persone che amo e che mi vogliono bene.

Emilio è un tassista con l’hobby della battuta e aritmomaniaco. Per non farsi mancare nulla è anche accumulatore compulsivo. Immaginatelo avere a che fare con chi si scopra a non voler camminare sulle righe, con chi ripete le cose per essere sicuro di averle dette, con chi ogni tanto esagera col turpiloquio, con i maniaci della pulizia, o con chi torna sempre indietro per vedere se ha chiuso il gas…

Le commedie francesi importate in Italia devono, per forza di cose, rimodellare il proprio linguaggio per far fronte alla maggiore raffinatezza comica italiana. La nostra responsabilità è mantenerne inalterata la fluidità.

Avevo già lavorato con Andrea Beltramo e ne ho sempre apprezzato la precisione e lo spirito sardonico al servizio della scena: una sicurezza; ho sempre inseguito una esperienza lavorativa con Guido Ruffa, perché ero certo che sarebbe stato molto divertente oltre che professionale. Non conoscevo Alessandra Sarno e Nicoletta Nigro, che sono state delle scoperte incredibili, una potenza comica e una disponibilità che andrebbero insegnate. Arianna sapevo che sarebbe stato un ottimo incastro scenico e una compagna di lavoro ottimale, ma la curiosità maggiore (me lo consentiranno tutti gli altri)  é Sandra Milo: un paio di persone, tra cui Giorgia Wurth, me l’avevano descritta come “magica”: “vedrai” mi dicevano, “ti piacerà molto”. Avevano ragione. Sandra è attenta, empatica, pronta, estremamente divertente, ironica e soprattutto consapevole. Una forza della natura.
Chi rimane? ah già Claudio Insegno, il regista: era ora che tornassimo a lavorare insieme!

Dopo Ornella Muti, Juliette Binoche, Laura Lattuada, Paila Pavese e Stefania Sandrelli, mi mancava solo lei, con cui lavorare. I miti sono
imprescindibili.
L’avevo vista debuttare vent’anni fa, proprio sul palco del teatro Nuovo, con “Tragedia Reale”, uno degli ultimi spettacoli di Peppino Patroni Griffi; lo spettacolo non andò esattamene come si aspettava il regista e drammaturgo e seguirono discussioni e litigi. Chi conosce i protagonisti della vicenda sa di cosa fossero capaci. Con Sandra ci siamo molto divertiti a ricordare quell’episodio, non senza riderne…

Con Claudio avevo già fatto un film “Una notte agli studios”, film con un cast stellare ed estremamente divertente, ma non avevamo mai fatto teatro insieme. Quando mi è arrivata la sua proposta lavorativa non potevo dire di no.

Io, i tic (o toc) di cui parla lo spettacolo, anche se in versione molto leggera, li ho tutti: sono l’interprete perfetto!
L’unica mia particolarità, abbastanza rara nel mondo dello spettacolo, è che non ho scaramanzie e riti da riprodurre prima o durante uno spettacolo. Anzi, guardo con sospetto chiunque li reiteri.
Non sbatto il copione per terra tre volte se mi casca, non mi dà fastidio il viola in scena, non ho altarini in camerino, non entro mai con lo stesso piede in scena, non prego, non guardo in basso, non
urlo. Preferisco fare affidamento solo sul lavoro.

Guardo le persone per strada, le cose di cui parla il copione le ho viste tutte; a dire il vero ho incontrato anche di peggio: ed è una cosa bellissima.