Sono una ragazza molto curiosa e solare, aperta a tutte le esperienze che possano arricchirmi il più possibile e aiutare a diventare un’artista completa, infatti sto studiando tutto ciò che riguarda l’arte, dagli strumenti al canto, dalla recitazione alla danza. 

 Il mio modello è Barbra Streisand che, oltre ad essere una grandissima attrice, è cantante, cantautrice e musicista, un’artista completa che ha portato avanti tutte le sue passioni artistiche. 

 In realtà non è una canzone che racconta qualcosa che ho vissuto in prima persona, ma è semplicemente una storia che ho immaginato prendendo  spunto dalle molte cose raccontate dalle amiche riguardo alle loro prime esperienze in amore. La canzone, infatti, parla di un amore lasciato in sospeso, un amore giovanile, fatto di tira e molla, con una parte divertente.

Però l’ho dedicata ad un ragazzo. 

 Cd o album sono una parola grossa per me, ma ho scritto altri due singoli che mi piacciono particolarmente e appena possibile cercherò di inciderli e pubblicarli. 

 A breve tornerò in televisione in prima serata nella fiction “Luce dei tuoi occhi” di Fabrizio Costa (produzione Banijai per Mediaset), dove interpreterò una delle protagoniste, un’allieva dell’accademia di danza in cui insegna Anna Valle. 

 BrancaccioDanza nasce dalla volontà di Alessandro Longobardi di aprirsi alla formazione e alla ricerca della danza, in uno spazio, al centro di Roma e immerso nel verde, che sappia valorizzare il benessere dei giovani, aspiranti danzatori e danzatrici, e la loro formazione. Su questo presupposto si fonda la doppia direzione artistica affidata ad Alessandro Rende, docente di danza classica e danzatore del Teatro dell’Opera di Roma e a me, coreografa della [RITMI SOTTERRANEI] contemporary dance company e docente internazionale.

L’incontro con Longobardi è avvenuto nel 2017 grazie al Premio InDivenire, Festival di Teatro e Danza curato da Giampiero Cicciò e voluto fortemente dallo stesso Longobardi. In quell’anno, mi fu assegnato il premio come miglior progetto danza per la mia creazione 8×8=64 e Longobardi mi propose di occuparmi del coordinamento della stagione danza di Spazio Diamante e di avviare una collaborazione per una serie di progetti futuri dedicati alla danza, come BrancaccioDanza.  

 Tecnica, versatilità, nuovi linguaggi, socializzazione, benessere psico/fisico e sensibilizzazione alla cultura sono gli obiettivi principali per le nuove generazioni del BrancaccioDanza. La formazione, l’innovazione, la ricerca e la produzione sono il focus da cui siamo partiti per questo grande contenitore. 

 La formazione è articolata su più livelli e diversificata nei programmi e negli intenti. La scuola, fino ai 18 anni, offre programmi e corsi differenti per disciplina e intensità: danza baby, propedeutica, modern e break dance per adolescenti seguiti dai docenti Laura Rea, Marta Zampetti e Alessandro Plos, fino ad arrivare a un ciclo di studi di otto anni, indirizzo classico e contemporaneo, che offra ai giovani una formazione adeguata per inserirsi in ambito lavorativo o per proseguire gli studi nel triennio professionale, tutto ciò è affidato ai docenti Alessia Barberini, Paola Scelzo, Vanessa Guidolin, Dana Lozada Cortez e Greta Martucci. Dai 18 ai 24 anni la scuola offre il percorso professionale W.O.M. ( where opposites meet) che ha come interesse quello della ricerca e della sperimentazione, oltre che la volontà di avere uno sguardo verso l’intersezione e lo scambio di differenti linguaggi. I docenti del triennio professionale sono Alessandro Rende, Stefania Di Cosmo, Clarissa Mucci, Alessia Barberini, Augusto Paganini, Ludovic Party, Alessia Gatta, Marco Angelilli, Silvia Marti, Gianni Eligiano, Daniele Toti, Dino Scuderi.

Il corpo docenti del BrancaccioDanza si caratterizza per una predisposizione allo scambio reciproco e al dialogo tra i linguaggi. I differenti background di provenienza, dal balletto classico alla danza contemporanea, al teatro danza, alla house dance, alla break dance, sono il punto di forza del nostro progetto che non vede nelle differenze di stili e di tecniche un limite ma certamente un valore aggiunto da restituire allo studente, attraverso un percorso ricco di esperienza, tecnica e senso artistico. 

 Il Brancaccio Danza vuole immergere lo studente all’interno di un incubatore di stimoli che contribuisca sia allo sviluppo di un proprio processo creativo, attraverso l’individuazione di materiali individuali, sia alla capacità di relazione con altri danzatori. Incoraggiare gli studenti a pensare, ricercare, comunicare e confrontarsi, sviluppando una mente aperta e un atteggiamento positive, sono i punti chiave intorno a cui ruotano le diverse offerte formative. 

 Prerogative necessarie per sposare la filosofia del BrancaccioDanza sono senz’altro la volontà di mettersi in gioco, la capacità di confrontarsi con gli altri studenti e il corpo docenti, essere versatili e disposti a vivere la danza in maniera trasversale. Essere interessati all’arte, alla musica, alla moda, all’architettura, allo spazio urbano, all’illuminotecnica, alla scenografia, alla tecnologia, al cinema, al teatro e quindi a tutto ciò che inevitabilmente fa parte della danza in senso esperienziale. Comprendere che la danza è composta da queste molteplici sfaccettature e non dal solo movimento. 

 Gli sbocchi futuri possono essere differenti. I danzatori formati nel BrancaccioDanza avranno la possibilità, grazie ai programmi diversificati, di intraprendere carriere sia in compagnie professionali di danza sia di teatro danza. Potranno avere spazio in ambiti di video danza, video clip musicali, arti performative e trasmissioni televisive nonché intraprendere un percorso autoriale.

Siamo una nuovissima scuola per cui ci prenderemo il nostro tempo per creare situazioni e far maturare possibilità, ma abbiamo già stabilito che gli allievi più meritevoli saranno da subito presi in considerazione per produzioni del Teatro Brancaccio e per i progetti speciali con docenti residenti. Verrà data, inoltre, agli allievi la possibilità di stare a stretto contatto con coreografi internazionali ospiti; i quali potranno offrire allo studente eventuali borse di studio e contratti di lavoro.

L’obiettivo della BrancaccioDanza è creare possibilità e lasciare libero lo studente di prendere la propria strada il prima possibile.

I progetti in cantiere, quindi, per i nostri studenti sono molti, un altro tra questi la formazione di una compagnia professionale del BrancaccioDanza con produzioni che abbiano un taglio conforme ai programmi della scuola. La volontà preponderante risiede nel creare nuove visioni, stimolare linguaggi inediti attraverso l’inconsueta esplorazione di molteplici nozioni, approfondire la ricerca con consapevolezza e conoscenza per creare un’identità nuova e fortemente riconoscibile in Italia e all’estero. 

 Ho abbondantemente illustrato programmi, corpo docenti, intenti e sbocchi del Brancaccio Danza. Mi concentrerei piuttosto sul concetto di “luogo” e su quanto, la maniera di “abitarlo”, ci renda migliori, al fine di migliorare l’universo.

BrancaccioDanza significa entrare in un ambiente sano, respirare il profumo del teatro, incontrare tutti i giorni persone che animano il mondo dello spettacolo, dagli artisti, ai tecnici della luce e del suono, dai macchinisti ai costumisti e scenografi, dai musicisti ai produttori, da chi lavora negli uffici amministrativi alla ditta per le pulizie, dal giardiniere al barista. Al BrancaccioDanza, gli studenti condivideranno spazi e pensieri con coloro che hanno l’obiettivo di vivere di e per il teatro. Studiare danza e continuare a vivere tra le persone che la abitano è un aspetto fondamentale. Il Teatro Brancaccio vanta una storia antichissima ed è a mio avviso uno dei teatri più belli e ben curati del panorama romano. I luoghi che ospitano le attività sono uno dei fiori all’occhiello del progetto. Vivere la danza in uno spazio sano, dove la natura incontra l’architettura significa vivere la danza diversamente. Credo che gli allievi che sceglieranno BrancaccioDanza saranno allievi fortunati anche per questo motivo. In Italia sono pochi i centri di formazione che nascono nei teatri. Ringrazio Alessandro Longobardi per averci dato questa preziosa possibilità e per la sua innata attitudine a restituire alla città alcune delle tante bellezze che essa nasconde. 

 Praticare la danza in questo momento storico non è di certo semplice ma neanche impossibile. Bisogna cambiare abitudini e perlustrare un’alterazione della nostra traiettoria. Bisogna rispettare più regole ed essere più responsabili per il prossimo e per sé stessi. La danza è fatta di socializzazione, di contatto, di abbracci, la danza è prendersi per mano, è davvero tutto il contrario di quello che oggi ci viene suggerito di fare ma questa pratica, necessaria, può anche suggerire altri impulsi in grado di ampliare le nostre visioni o semplicemente evolverle. Ciò nonostante sono fiduciosa che presto, i nostri corpi, torneranno a interagire con la libertà di sempre.

Come difendere il valore dell’Arte in questo momento in cui la cultura e l’arte per chi ci governa non sembrano essere delle priorità?

 L’italia detiene il prestigio di aver creato nei secoli almeno il 50% dell’arte esistente in tutto il mondo. L’Arte è un tratto genetico della Cultura Italiana. È uno sguardo filtrato da una continua ricerca della bellezza eppure spesso – come ora -, la cultura, viene trascurata. Senza aprire polemiche profonde mi sento di dire che la più grande arma che abbiamo è la conoscenza, la consapevolezza e la possibilità di formare giovani consapevoli e colti in grado di ritrovare la giusta strada e dare valore a qualcosa che è già insito nel nostro DNA. 

 L’italia pullula di piccole, piccolissime, medie e grandi scuole. Purtroppo, però, parlando del nostro bel Paese, è ovvio che la proporzione tra la quantità di danzatori e l’offerta di lavoro non sia equilibrata. Credo fortemente che ci sia la necessità di una maggiore onestà intellettuale da parte di chi insegna ma, ancor più importante, da parte dello Stato urge la necessità a mio avviso di “regolamentare” la crescita di un docente di un coreografo e di un danzatore come avviene in grandi centri di produzione e formazione europei.

Purtroppo ci sono molti luoghi comuni che circondano la figura dell’artista. Il fatto che il bene che produce non sia vitale o comunque indispensabile per i fruitori, ma sia invece legato ai loro momenti di svago, non significa che si tratti di un lavoro più facile e meno dignitoso di altri. Per un un danzatore… ma in generale, per tutti coloro che operano nello spettacolo dal vivo, quello che svolgono è un LAVORO per il quale hanno sacrificato anni di studio, per il quale continuano a tenersi aggiornati, ad allenarsi e sul quale hanno costruito -con inesorabile precarietà- il futuro loro e delle loro famiglie. Dunque credo che le scuole come le Accademie necessitino di regole, di sostegni per un continuo rinnovamento -per rimanere al passo con i tempi e difendere la propria identità culturale- e di avere accesso ad una rete “reale” che dia la possibilità ai danzatori di restare in Italia con dignità, perché è innegabile che molti dei nostri migliori interpreti -danzatori, performer, attori- si trovano all’estero perché il loro lavoro è altamente rispettato e perché possono vivere una vita dignitosa con stipendi adeguati. 

 Credo sia comprensibile la preoccupazione dei genitori ma credo anche sia necessaria una ripartenza del nostro settore. Sono sicura che tutte le scuole di danza e accademie private -e non- stiano facendo il possibile per garantire lo svolgimento delle lezioni in sicurezza facendo anche dei grandi sforzi economici. Ci sono strutture chiuse dal mese di Marzo che probabilmente neanche riusciranno ad aprire, molte che lo faranno ma con affanno e incertezza. Le scuole di danza non sono luoghi meno sicuri di bar, ristoranti, spiagge o scuole dell’istruzione. La danza è disciplina, è rigore prima di essere un’arte e per questo motivo sia gli allievi, che i docenti, ma anche gli stessi danzatori professionisti con responsabilità saranno in grado di affrontare questa emergenza sanitaria come ci viene chiesto di fare.  

 “Confrontarsi con l’immaginario di Alessia Gatta significa avvertire una relazione completamente nuova tra spazio e corpo.” Cosa significa?

In questo periodo ancor più ho riflettuto sulla relazione tra spazio e corpo. Il lockdown, il distanziamento sociale, il concetto di limite fisico sono stati inevitabilmente temi affrontati da chiunque nel quotidiano. E ci si rende conto di quanto la danza, tutti i giorni, sia influenzata dallo spazio che la ospita e dai corpi che la nutrono. Sono sempre stata affascinata dalla danza fatta in funzione del suo spazio -che sia uno spazio teatrale o museale e urbano. Ho realizzato molti lavori outdoor di danza urbana, performance e creazioni in ambientazioni naturali piuttosto che in ambiti della moda o in musei. I miei studi di Architettura e la grande passione che ho per questa disciplina non mi permettono di prescindere una danza dal suo spazio. L’architettura è la disciplina che ha come scopo l’organizzazione dello spazio a qualsiasi scala, ma principalmente quella in cui vive l’essere umano. La mia danza è l’indagine costante tra l’architettura e l’essere umano in movimento; la disciplina che ha come scopo l’organizzazione dello spazio in cui vive l’essere umano in movimento, danzante. 

 Mi sono dapprima ispirata alla storia della mia famiglia: mio padre è toscano, mia mamma sarda, io sono cresciuta a Roma e mi è sempre mancata l’appartenenza ad una terra.

Sono partita dalle persone a me più vicine e poi ho allargato il raggio di osservazione a più ampio spettro. 

 E’ la storia di una famiglia che si muove sul filo dei ricordi. Il mio personaggio fa un excursus della propria storia familiare evocandone i vari protagonisti.

Protagonista è la famiglia Mezzalira (il nome già dice molto), persone umili che cercano un riscatto alle difficoltà della propria esistenza e il riscatto sociale può arrivare solo con lo studio e avendo il coraggio di cambiare.

C’è un primo evento scatenante da cui deriva un’ulteriore propagazione di eventi, come quando getti il sasso nello stagno e da esso si propagano onde concentriche. 

 Nella famiglia Mezzalira esistono segreti e tabù che mettono in circolo una serie di eventi che, come diceva Adriano, si allargano mano a mano come le onde provocate dal sasso nello stagno. L’unica risposta è fermare la valanga di quegli eventi che dilagano e portano una famiglia molto unita a deflagrare. Ci vuole coraggio; cambiare, a volte, è un atto eroico.

Ognuno è figlio di qualcuno; non si può scegliere dove nascere e da chi nascere: da qui si dipana una matassa che non si può svelare, il nodo che deve essere sciolto. 

 C’è una migrazione fisica, reale, effettiva perché la famiglia Mezzalira si trasferisce dal sud, e una migrazione metaforica, ossia un percorso di ricerca di soluzioni che non siano valide solo per se stessi, ma per tutti.

Inoltre, migrazione è anche quel processo necessario attraverso il quale i membri della famiglia si affrancano necessariamente gli uni dagli altri. 

 Le cose possono cambiare solo se ognuno fa un piccolo cambiamento verso gli altri, non solo verso se stesso. Il cambiamento è possibile solo con l’apertura verso l’altro. 

 No, infatti. La storia avviene in un luogo/non luogo e in un tempo/non tempo.

Lo scopo è quello di parlare del presente partendo dal passato. Inoltre, in questo modo, vogliamo sottolineare l’universalità della storia. Costringerla in un luogo e in un tempo significherebbe dare un’identità di tempo e spazio, mentre l’idea è proprio quella di renderla universale. 

 Questo sarà un lavoro diverso dagli altri anche dal punto di vista del linguaggio.

Mentre prima avevamo circoscritto lo spazio con l’uso dei dialetti e un certo tipo di musica che permettesse di riconoscerne il luogo di origine, ora la sfida è quella di inventare un linguaggio popolare, ma universale, così come vorremmo che fosse la storia.

Non un dialetto specifico, ma un dialetto inventato dal sapore nostrano che possa coinvolgere tutti, in cui ognuno possa riscoprire un suono familiare.

Sono partita dal presupposto che noi siamo sempre al sud di di qualcun altro. 

 Possiamo dire che si tratta di un racconto “in assenza”: l’intera vicenda familiare si articolerà sulla scia di ricordi rivissuti dal protagonista.

Immaginiamo di creare in scena uno stacco tra il narratore e i personaggi.

Il passato rievocato dal narratore verrà incarnato nel presente non necessariamente seguendo una coerenza spazio-temporale. 

 Certo, anzi la musica in questo spettacolo ancora più che negli altri  inglobata all’interno del dialetto e nel ritmo della narrazione.

Non ci sarà uno strumento a guidarci, ma saremo noi continuamente attori, strumento, suono, voce, rumore e movimento.

Questo spettacolo, sia dal punto di vista drammaturgico che musicale, è un po’ un ritorno alle origini: ho pensato all’aria dello spettacolo come alla matrice di tutti i suoni, un canto che richiama le origini, l’amore per la terra lontana, pensando ai canti di chi lavorava nei campi o sulle navi e ai rumori della natura.

Tutto questo inserito in quel lavoro di creazione di un nuovo dialetto universale. Dovranno essere una timbrica, una ritmica e una sonorità di un dialetto universale di un qualsiasi sud del mondo.

La volontà è quella di proporre qualcosa di diverso: il ritmo e la sonorità saranno dati dalla voce come strumento. 

 Essendo un testo inedito, si è trattato di un lavoro enorme: si scrive, si pensa, si cambia, si cancella in continuazione.

Adriano, poi, è una persona molto generosa. Si è messo completamente a disposizione dando consigli. 

 Uno dei pregi di Agnese è l’ascolto. Agnese ascolta molto, si confronta; è umile e disponibile a mettere in discussione il proprio lavoro.

Inoltre, nella sua scrittura, è molto più generosa verso degli altri che verso se stessa. Non mette mai avanti il proprio personaggio a quello degli altri. 

 Agnese lavora con la consapevolezza che il fine di tutto è lo spettacolo, non l’individuo. 

 Questo ci riguarda tutti, siamo tutti così.

Ci deve essere sempre apertura verso gli altri, siamo un gruppo di lavoro creativo e il lavoro deve essere un comune e continuo confronto. 

 Le interpretazioni non vengono fuori da uno solo, ma dal confronto delle idee.

Il nostro lavoro di gruppo è come il rapporto tra Geppetto e Pinocchio: Agnese sa come modellarmi addosso un personaggio, io so farlo con lei e Adriano e Raffaele (Latagliata, il regista)  sanno farlo con noi.