Interviste Archivi - Flaminio Boni

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Teatro e Coronavirus: parlano gli Uffici Stampa

Diamo la parola agli operatori teatrali liberi professionisti il cui ruolo è forse poco conosciuto, ma tanto impegnativo quanto determinante

Questa sarebbe dovuta essere un’intervista ad alcuni Uffici Stampa teatrali in seguito al decreto della Presidenza del Consiglio dei Ministri del 4 marzo che decideva la sospensione degli eventi teatrali salvo che non si fossero rispettate determinate regole, tra cui la distanza di sicurezza interpersonale di almeno 1 metro (che a teatro va intesa come metro quadro, un metro per ogni lato), misura drastica che si era resa necessaria per l’evolversi della situazione epidemiologica legata al Coronavirus che sta mettendo in ginocchio il mondo intero.

L’intervista a più voci era pronta e sarebbe dovuta uscire oggi, 8 marzo 2020, ma il recentissimo nuovo decreto del Presidente del Consiglio dei Ministri firmato proprio oggi e in cui si decide la sospensione degli “spettacoli di qualsiasi natura, ivi inclusi quelli cinematografici e teatrali (…)” (art. 2, lettera b) mi ha costretto a rimetterci mano per rimodulare il discorso in base alla nuova situazione venutasi a creare con il sopra citato ultimo decreto emesso.

L’intenzione, però, è rimasta la stessa: dare voce ad una categoria di lavoratori del comparto degli spettacoli dal vivo che lavora per lo più in ombra, ma la cui alacre e continua attività è preziosa, determinante e fondamentale per teatri e compagnie.

Esce comunque oggi, 8 marzo 2020, senza farlo apposta nel giorno della Festa della donna, coincidenza appropriata visto che la grandissima maggioranza delle persone che svolgono questo lavoro sono donne. Mi sembra anche un bell’omaggio e un giusto riconoscimento a delle donne forte e indipendenti.

Hanno immediatamente risposto al mio invito Silvia Signorelli (C&S Comunicazione e Servizi, Ufficio Stampa Teatro Brancaccio, Brancaccino e Sala Umberto), Maya Amenduni (@AgenziaDiComunicazione, Giornalista e Ufficio Stampa), Mary Ferrara (Vice Presidente e Ufficio Stampa TeatroSenzaTempo), Fabiana Manuelli (Ufficio Stampa per numerosi teatri e spettacoli) e Cristina D’Aquanno (Ufficio Stampa e promozione e comunicazione del Teatro Vascello Di Roma).

Già il precedente decreto del 4 marzo aveva provocato profonda prostrazione trovando d’accordo le colleghe sulla misura adottata, ma non sulla modalità.

Quattro su cinque (Signorelli, Amenduni, Ferrara e Manuelli) hanno espresso preoccupazione per le ripercussioni pesantissime su un settore già molto provato; Maya Amenduni e Fabiana Manuelli condividono il pensiero che fosse un decreto alla Ponzio Pilato che scarica la responsabilità e gli oneri sui lavoratori del settore.

Mary Ferrara aggiunge che non estendere il decreto ad altri ambiti, limitandolo a quello artistico, sembra ridicolo. Dello stesso avviso Cristina D’Aquanno che ha definito la limitazione al settore artistico un attacco alla cultura.

L’emanazione del decreto del 4 marzo, e sono certo ora anche quest’ultimo, ha creato un enorme caos nel lavoro di queste professioniste.

Sempre per quattro su cinque (Signorelli, Amenduni, Ferrara e Manuelli) la situazione di emergenza ha portato “un sovraccarico di informazioni immediate che sono chiaramente non considerate come un “lavoro” ed uno stress ulteriore (Silvia Signorelli)”; “a gestire una situazione di emergenza in cui ogni informazione deve essere ben calibrata e gestita con la massima accortezza, ogni parola pesata, ogni azione ben ponderata (Maya Amenduni); il lavoro di mesi vanificato e senza più certezze lavorative (Fabiana Manuelli)

Ancora diverso il punto di vista di Cristina D’Aquanno: “Nessun caos, uso i miei mezzi ora per avvertire più persone possibile della vera minaccia: la solitudine. Restando soli e chiusi in casa il cervello non si connette più e non riceve più stimoli e informazioni e piano piano si spegne (…)”

A questo punto, credo davvero che le risposte fornite alle successive domande, valgano ancora, e forse di più, in seguito al nuovissimo decreto di oggi.

Alla domanda Ora chi penserà al sostentamento di tutti i lavoratori del Teatro? le colleghe sono tutte d’accordo nell’affermare che non ci sarà da parte dello Stato alcun tipo di sostegno per la categoria dei lavoratori dello spettacolo (ricordo che lavorano tutti a partita Iva), riscontrando in questo, evidentemente, un’enorme ingiustizia.

Cristina D’Aquanno ravvisa addirittura “l’inizio di una destabilizzazione che parte dalla cultura per disperdere i popoli e il potere che genera l’unità delle menti”

Cosa sarebbe auspicabile che il Governo facesse?

Anche a questa domanda la risposta è unanime: si dovrebbe sostenere ed aiutare innanzitutto i produttori ed i gestori dei teatri senza i quali nessuno può lavorare: attori, registi, personale di scena, botteghino, tecnici, mascherine ed anche uffici stampa che sono sempre i fanalini di coda.

Servono interventi, fondi straordinari, ammortizzatori sociali, credito d’imposta per gli investimenti; forme di tutela per i lavoratori che si sono visti saltare spettacoli, tournèe. Si dovrebbe pensare a un fondo straordinario per tutto il settore dello spettacolo, ma soprattutto per quei musicisti, attori, danzatori che non hanno i contributi di disoccupazione assicurati.

“Un governo con la G maiuscola dovrebbe pensare e sapere che la cultura è alla base della civiltà” – Silvia Signorelli

“La cultura paga sempre, in un paese come il nostro dovrebbe essere tenuta sotto stretta considerazione e non come ultima ruota del carro.” Mary Ferrara

Per Cristina D’Aquanno lo Stato dovrebbe solo “Dire la Verità”

Alla domanda su cosa pensano di fare ora con questa battuta di arresto forzata, se recuperare progetti accantonati o porre le basi per nuovi progetti le risposte sono tutte all’insegna della propositività, senza lasciarsi andare o arrendersi (gli uffici stampa sono abituati a fare, disfare, ricominciare, mettere in discussione, recuperare, ripartire, ricostruire).

Sicuramente si perderanno moltissimi lavori e moltissimi soldi

“(…) ma sono da sempre abituata a reinventarmi e andrò avanti, sempre a testa alta, senza compromessi e senza aiutini…” – Silvia Signorelli

“Alcuni progetti saranno recuperati, altri purtroppo no. Ai nuovi progetti non bisogna rinunciare e forse in un momento così difficile, al netto di questo decreto all’italiana e dell’assenza del teatro dal discorso pubblico (…) l’unica cosa da fare è quella di utilizzare questa sospensione obbligata per studiare, leggere e pianificare i nostri progetti.” – Maya Amenduni

“C’è intenzione di prendere spunto da questa inattività per creare rete. Ora più che mai, l’unione fa la forza.” – Mary Ferrara

“Per quel che mi riguarda, mi voglio concentrare sui prossimi eventi già fissati – che sono tanti – nella speranza che tutto ciò passi presto. Voglio essere fiduciosa.” – Fabiana Manuelli

“Porrò le basi per nuovi progetti, ora più che mai si conferma l’evidenza che vogliono sconnettere i popoli tra loro, le famiglie tra loro, i singoli individui tra loro. (…)” – Cristina D’Aquanno

Pur non essendo in grado di fare previsioni, ho chiesto loro quali pensano saranno le conseguenze a breve termine e quali quelle a lungo termine.

Di nuovo quattro voci concordi nell’affermare che le perdite economiche saranno pesantissime e non si limiteranno al mese di fermo, ma faranno sentire i loro effetti per moltissimi mesi. Fermare la stagione ora, significa che la stessa è terminata. Le ricadute economiche saranno drammatiche. Solo alcuni, pochi, spettacoli, potranno essere riprogrammati e sarà anche necessario convincere il pubblico a tornare a teatro.

“Sto già pensando a modelli di comunicazione che portino a stimolare un pubblico che sarà in parte difficile da far riavvicinare al teatro. Perché anche quando questo incubo finirà, ci porteremo dietro qualche trauma” – Mary Ferrara

Diverso il messaggio di Cristina D’Aquanno che invita “(…) tutti a fare un lavoro di introspezione e di preparazione spirituale (…) purificare l’anima e prepararsi a difendersi culturalmente documentandosi e potenziare il senso critico.”

Quindi, ho chiesto, quando tutto questo sarà finito, cosa aspetterà a tutti i lavoratori del settore?

Oltre al coraggio e al rimboccarsi le maniche è bello che ci sia la consapevolezza, da me sempre sostenuta e difesa, di fare finalmente rete.

“Sarà un periodo durissimo sicuramente ma possiamo e dobbiamo recuperare forze e volontà, serietà e professionalità”. Mi piacerebbe che per una volta si pensasse tutti insieme, si agisca e si reagisca in modo unitario senza pensare al proprio orticello ma guardando al futuro del teatro italiano che ci coinvolge tutti e non cercando di trovare le sovvenzioni e gli aiuti solo per la propria categoria o per il proprio teatro. Altrimenti saremo ancora e sempre una categoria di opportunisti e di presuntuosi che barcolla e annaspa perché incapace di una costruttiva e seria rinascita” – Silvia Signorelli

“Tanto coraggio e voglia di non farsi sopraffare” – Maya Amenduni

“Di rimboccarsi le maniche, ma siamo abituati. Di reinventarci forse e di fare ammenda su una cosa: è ora di dare una dignità professionale a questo settore. Un messaggio che una volta per tutte deve arrivare chiaro a istituzioni e pubblico (…). – Mary Ferrara

“Noi siamo abituati a non fermarci mai: siamo già pronti a ripartire, rimboccandoci le maniche e facendo meglio di prima.” – Fabiana Manuelli

“Un rinnovamento come la Fenice, abbiamo nuovi e multipli orizzonti da raggiungere attraverso l’immaginazione e l’esperienza acquisita a teatro, per ricostruire, conservare e proteggere il gioco dell’arte teatrale ovunque saremo.” – Cristina D’Aquanno

Ringrazio queste professioniste del settore spettacolo per la cura e la dedizione che mi hanno fornito nell’approfondire le conseguenze sociali ed economiche di questa nuova situazione di emergenza.

Silvia Signorelli

Maya Amenduni

Mary Ferrara

Fabiana Manuelli

Crisitina D’Aquanno

Chi volesse rispondere o aggiungere qualcosa potrà farlo contattandomi direttamente.

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Intervista ad Alessandro Longobardi – Teatro e Coronavirus

Le domande e le risposte presenti in questa intervista sono immediatamente successive alla firma del decreto della Presidenza del Consiglio dei Ministri del 4 marzo. La presente intervista è stata completata il 7 marzo 2020. Ha subito un aggiornamento in corsa a seguito del nuovo decreto dell’8 marzo 2020 in cui si decide la sospensione degli “spettacoli di qualsiasi natura, ivi inclusi quelli cinematografici e teatrali (…)” (art. 2, lettera b).

Aveva già provocato una stato di prostrazione il nuovo decreto governativo del 4 marzo 2020, a firma del Presidente del Consiglio dei Ministri e del Ministro della Salute, che imponeva la sospensione degli eventi teatrali salvo che non si rispettassero determinate regole, tra cui la distanza di sicurezza interpersonale di almeno 1 metro (che a teatro va intesa come metro quadro, un metro per ogni lato). Questa misura drastica si era resa necessaria per l’evolversi della situazione epidemiologica legata al Coronavirus che sta mettendo in ginocchio il mondo intero. Una misura pesantissima per il mondo del teatro se consideriamo che il decreto era valido fino al 3 aprile 2020.

Ho intervistato a tal proposito Alessandro Longobardi, Direttore artistico del Teatro Brancaccio, Teatro Brancaccino, Sala Umberto e Spazio Diamante (tutte prestigiose sale di Roma) e Presidente di OTI – officine del teatro italiano, un centro di produzione e organizzazione teatrale.

Alessandro, la situazione che sta attraversando tutto il teatro italiano è drammatica se non tragica. Con quale animo hai appreso la decisione del Governo?

La decisione era nell’aria. Ho intuito la gravità del fenomeno quando il 23 febbraio a Bergamo prima del debutto domenicale di “Aggiungi un posto a tavola” è intervenuta l’ordinanza di chiusura del teatro e la Compagnia ha voluto immediatamente tornare a Roma con una corriera. Razionalmente si parlava di virus influenzale e come tale è stato logico aspettarselo.

Da cittadino e da professionista del settore artistico, come avevi giudicato la decisione di sospendere tutte le attività teatrali fino al 3 aprile 2020?

Assolutamente corretta e altrettanto dolorosa. In Cina hanno chiuso tutto per un mese ed hanno contenuto la velocità di trasmissione del virus. Tutti i luoghi di assembramento sono un rischio potenziale e delimitare il rischio è un atto doveroso per non mettere in ginocchio nell’immediato il SSN, sistema sanitario nazionale. Mi spiace che il DPCM sia stato poco chiaro nei confronti del teatro inserendo il concetto di moderato affollamento non applicabile di fatto.

Alla luce del nuovo decreto che da oggi impone la sospensione degli “spettacoli di qualsiasi natura, ivi inclusi quelli cinematografici e teatrali (…)” (art. 2, lettera b)., perché non era attuabile nei teatri l’indicazione del Governo di mantenere la distanza di sicurezza interpersonale di almeno un metro?

Semplice, basta sapere che per garantire ad uno spettatore la distanza di sicurezza si perdono tra i 4 / 7 posti adiacenti ad esso; ciò significa una capienza massima consentita in sicurezza tra il 5/20% che sale un poco in caso di presenza di palchetti. Altra considerazione importante, il DPCM è arrivato il 5 mattina con effetto immediato fino al 3 aprile, i teatri con abbonati e prevendita in genere lavorano con una occupazione media più alta di quella di sicurezza pertanto con i teatri pieni non si può discriminare consentendo l’entrata solo ad una minoranza; ultimo ma non meno importante la copertura dei costi di compagnia e teatro non è possibile con il 20% di venduto. Credo che il legislatore abbia pensato a luoghi diversi come i musei e non a quelli con i posti a sedere come i teatri.

Già prima che tutto questo accadesse il Teatro non godeva certo di buona salute. Le tue Sale, che da anni offrono al pubblico romano spettacoli di qualità e sono gestite con competenza, professionalità, garbo ed eleganza, non hanno mai ricevuto alcun fondo pubblico. Vogliamo far luce sulla situazione come era prima di questo decreto?

Qui bisogna distinguere:

1) esiste il teatro pubblico il cui costo è interamente a carico del soggetto pubblico; 2) il teatro privato sostenuto in varie forme da norme che regolano l’erogazione di fondi pubblici al teatro; 3) il teatro Privato…di tutto. Tutti svolgono attività culturale di interesse pubblico, ma il trattamento è disomogeneo.

Noi ahimè, apparteniamo al terzo gruppo e sono 20 anni che combattiamo per non affondare. Il botteghino è il nostro riferimento oltre alla vendita delle recite in tournée. Ci reggiamo sul cash-flow e un fermo di questo genere mette seriamente a rischio la continuità dell’attività. Ho sempre amato e rispettato tutti coloro che lavorano in teatro perché sono realmente appassionati e nessuno pensa prima al denaro, anzi spesso si opera con corrispettivi minimi. Considerato che il teatro è anche un lavoro stagionale e quando perdi marzo e aprile di certo non si recupera, siamo nei guai seri. È urgentissimo avere un provvedimento che garantisca accesso al credito per fronteggiare le esigenze di breve periodo e la sospensione di oneri come tasse comunali, oneri sociali, Siae, Iva, oltre agli ammortizzatori sociali per personale dipendente e non del settore, aggiungo tutti i fornitori di servizi ad esempio i trasportatori teatrali che sono paralizzati dal blocco delle tournée. Insomma oggi siamo sull’orlo del baratro o forse già con piede nella fossa, salvo immediato intervento di sostegno economico del Governo.

Ora chi penserà al sostentamento di tutti i lavoratori dello Spettacolo dal Vivo?

A tal proposito ieri (6 marzo 2020 n.d.r. ) in sede AGIS regionale Lazio alla presenza della UTR, Unione teatri romani, e altri teatri come i nostri, abbiamo incontrato i Sindacati e convenuto un accordo per accedere ad una serie di tutele per i lavoratori. Attendiamo con trepidazione l’esito di queste richieste.

(Oggi, 8 marzo 2020, alle ore 14.00 ci sarà un nuovo incontro con AGIS -n.d.r.)

Cosa sarebbe auspicabile che il Governo facesse?

Il Governo si sta adoperando e vedremo il contenuto delle misure previste. Riguardo i luoghi teatrali almeno a Roma e Milano lancio una proposta : la Rai potrebbe trasmettere le sue trasmissioni dai teatri chiusi riducendo così anche il pericolo di eccesso di affollamento nelle loro sedi, così facendo il Governo tramite la Rai potrebbe dare sia un sostegno immediato che avere la presenza di attori e tecnici oggi senza lavoro. Potremmo fare anche spettacoli ripresi e trasmessi dalla Rai e perché no da Mediaset o Sky o Netflix insomma tutti i grandi gruppi che si uniscono per sostenere lo spettacolo dal vivo.

Sarà sufficiente riprogrammare gli spettacoli?

No impossibile. Se anche riproteggessimo tutti gli spettacoli saltati non si recupererebbe. Anche il Mibac dovrà prendere atto e rivedere i criteri di valutazione sulla quantità. Servirà una forte campagna di comunicazione quando si tornerà alla normalità.

Non siamo in grado di fare previsioni, ma quali pensi saranno le conseguenze a breve termine e quali quelle a lungo termine?

Tutto dipende dalla durata dello stop. Il vaccino si troverà tra un anno o due ed essendo un virus influenzale immagino che ci accompagnerà per molti anni come gli altri suoi colleghi.

Quando tutto questo sarà finito, cosa aspetterà a tutti i lavoratori del settore?

Chi potrà continuerà, la vita non si ferma. Mio nonno diceva sempre “tutto passa siamo noi che rischiamo di non farcela”, ma la vita continua e c’è sempre un futuro radioso davanti a noi se sappiamo leggere come adattarci.

Ringrazio infinitamente Alessandro Longobardi per il tempo e l’attenzione dedicati a questa intervista in un momento di agitazione, confusione e continuo mutamento come quello che sta vivendo tutta l’Italia.

Interviste, Teatro

Umberto Bianchi presenta Sweet Home

“Dall’incontro con l’altro si possono generare dialoghi e confronti oppure scontri e conflitti” è questa la riflessione che ha dato origine alla stesura del testo di Sweet Home ad opera di Luca Di Pierno con la collaborazione di Vasco Meddi.

Parliamo dello spettacolo con il regista, Umberto Bianchi.

Umberto, parlaci di Sweet Home introducendoci alla storia.

Quella di Sweet Home è una storia che si svolge in un nontempo/nonluogo, dove il Più Alto, leader supremo a capo di ciò che viene definita la “rivoluzione di quelli che strisciano”, ha pieno potere decisionale su tutto e in particolare su tutti coloro che sono accusati di sessualità non conforme alla norma. L’assurdità e la pesantezza della vita di confino condurrà i protagonisti della vicenda a scoprire l’essenza più profonda dell’animo umano, fatta di contraddizione e ambiguità. Un racconto senza precedenti che pone le basi nella realtà di tutti i giorni dove troppo spesso non ci accorgiamo di essere noi stessi i nostri carnefici.

La storia di Sweet Home è una storia senza tempo, indefinita, persa in un passato nascosto che tuttavia ci parla di tematiche attuali troppo spesso non superate.

La storia racconta l’evoluzione di quattro personaggi, due deportati accusati di omosessualità e due carcerieri. Ognuno di loro, chi per un motivo chi per un altro, è obbligato a non poter uscire dalle isole tale costrizione li porterà a condividere la loro natura più profonda, fatta di contraddizione e ambiguità; si troveranno così costretti a mettere in luce la loro indole, i loro pensieri e la loro storia fino al punto di rendere “casa” un luogo che casa purtroppo non è.

La storia è ovviamente un pretesto per raccontare molto di più, come si evince dalla frase che ho usato in apertura: “Dall’incontro con l’altro si possono generare dialoghi e confronti oppure scontri e conflitti”

Esatto! Questa storia non solo ci ha permesso di riportare alla luce una realtà che sembrava ormai scomparsa nel nulla, fatta di repressione e segregazione e che fa appello alla nostra memoria civile, ma ci ha dato anche l’opportunità di analizzare tematiche sempre vive e aspetti antropologici e riflessioni sull’identità del singolo individuo. Una testimonianza di relazioni umane che prende vita grazie all’arte della rappresentazione teatrale.

La convivenza, intesa in termini di relazioni umane e scambio, anche tra individui con le stesse attitudini, ci porta inevitabilmente a creare meccanismi di attacco e difesa verso l’altro. Conoscersi e farsi conoscere è una delle attività umane più complesse e nasce proprio dal dialogo. Dietro ad un conflitto si nascondono spesso verità ben più profonde.

Cosa sono le “isole sataniche” del testo?

Le isole Tremiti, dove, durante la seconda guerra mondiale, venne creato un vero e proprio campo di detenzione per omosessuali. Una realtà tutta italiana di cui si è sempre parlato poco e che è stata messa in secondo piano dai fatti ben più gravi che conosciamo tutti.

Nella nostra storia le isole sataniche vengono definite tali poiché luogo di peccato (Secondo i detentori e la legge), ma, in realtà, luogo dove i carcerati sono paradossalmente liberi. Un posto dove si può essere sé stessi smascherandosi da ciò che si deve sembrare.

Sweet Home parla di empatia, pregiudizio, accettazione, resilienza, tematiche che sembrano non essere mai approfondite abbastanza. Come mai c’è ancora bisogno di affermare questi valori?

Perché mai come oggi ci vantiamo di un mondo dove la distanza non è più un ostacolo. Parliamo di un mondo privo di barriere, dove tutti sono collegati con tutto e tutti, dove la comunicazione non è mai stata così semplice. Ma in realtà ci siamo sempre più allontanati dagli altri e non abbiamo più chiaro il concetto di umanità, un concetto che appunto racchiude tematiche quali empatia, accettazione, comprensione, amore e molte altre. È l’umanità, questo meraviglioso insieme di tutte le caratteristiche della specie umana, che ci permette di essere solidali verso l’altro, di accettare ogni qualità e di abbandonare ogni pregiudizio.

Come raccontare al meglio tutto ciò? Quale la scelta registica?

Volevo allontanarmi dai clichè mediatici e politici delle tematiche gay e andare oltre l’esposizione “iconica” della tragedia per non banalizzare il testo. Ho scelto così di affidarmi ai personaggi stessi. Ho attinto dalla loro vita e dalle loro vicende, drammatiche certamente, ma proiettate su dinamiche semplici e quotidiane. Rimanendo costantemente nel “qui ed ora”, dentro ogni passaggio, o battuta, o gesto.

Pensando all’essere umano e al suo modo di essere, generalizzato ovviamente, si delineano due tratti distintivi abbastanza comuni: il fuori e il dentro, il detto e il non detto, il pubblico e il privato… questo il punto di partenza; “Un sottosopra” da ricollocare e ristabilizzare nella quotidianità e nella semplicità dei rapporti.

In un mondo in cui troppo spesso non ci accorgiamo di essere noi stessi i nostri carcerieri, come si può raggiungere la forza di scegliere la libertà? Poi, cosa è questa libertà e quale è il suo costo?

Spesso ci concentriamo a tenere sotto controllo una parte di noi, quella più vera, privando l’altro di conoscerci in una meravigliosa completezza che solo l’essere umano ha (Da qui la volontà di racchiudere questo lato di noi, privato e soggettivo, in una sedia). La vera libertà che potremmo concederci è quella di mostrarci per come siamo senza filtri e senza tabù.

Questa è una questione che in molti definiscono follia, ma da quello che so io, un folle è realmente libero dalle costrizioni mentali e ogni forma di giudizio la allontana per sua natura.

É un caso che i nostri personaggi trovino la loro libertà in un luogo che nasce dalla follia?

Nello spettacolo è centrale un oggetto di scena, una sedia. Cosa simboleggia questo strumento?

I personaggi iniziano dalle sedie, nascono quasi da esse e vivono grazie ad una sedia. Ogni sedia è diversa così come lo sono i quattro protagonisti. Inoltre, la sedia è ora parte del personaggio stesso, ora oggetto di scena. Ma tra personaggio e sedia si alternano due nature opposte: il binomio di cui ti parlavo prima.

La sedia racchiude quello che non mostriamo, ed è al tempo stesso il fulcro delle nostre azioni. Ed è solo rendendola “oggetto di scena” che possiamo essere conduttori della nostra verità e vivere il presente nella nostra totalità.

Come è nato l’incontro con questi ragazzi e da dove è venuta l’idea di mettere in scena questo spettacolo?

Luca di Pierno, autore del testo, in collaborazione con Vasco Meddi, è uno dei miei allievi più promettenti presso Istituto Teatrale Europeo dove ha intrapreso il suo percorso per diventare insegnante. Durante i suoi studi ha scelto me come suo tutor per i vari tirocini che doveva affrontare e vedendomi lavorare ha pensato che potessi essere il regista adatto a far vivere i personaggi di questa storia. Ha costituito la sua compagnia, Afeghesis, e, in modo molto semplice, mi ha chiesto se volevo farlo e io ho detto sì.

Su cosa avete lavorato maggiormente: testo, sensazioni, emozioni, tecnica?

Difficile risponderti. È stato un insieme di tutto. Quando faccio regia cerco di bilanciare tutto quanto lasciando all’attore la possibilità di muoversi in un percorso che ho creato per lui. Abbiamo parlato tanto, questo sì, abbiamo delineato i tratti di questi quattro personaggi e abbiamo lasciato che le loro anime prendessero corpo. Mai come in questo spettacolo posso dire di essermi lasciato guidare dai personaggi stessi.

Cosa vorresti che rimanesse al pubblico una volta uscito dalla sala?

La sensazione di aver ascoltato la storia di quattro anime costrette a raccontarla ancora e ancora e ancora come quando da piccoli chiedevamo alla nonna: “me la racconti di nuovo?”