Mi sono dapprima ispirata alla storia della mia famiglia: mio padre è toscano, mia mamma sarda, io sono cresciuta a Roma e mi è sempre mancata l’appartenenza ad una terra.

Sono partita dalle persone a me più vicine e poi ho allargato il raggio di osservazione a più ampio spettro. 

 E’ la storia di una famiglia che si muove sul filo dei ricordi. Il mio personaggio fa un excursus della propria storia familiare evocandone i vari protagonisti.

Protagonista è la famiglia Mezzalira (il nome già dice molto), persone umili che cercano un riscatto alle difficoltà della propria esistenza e il riscatto sociale può arrivare solo con lo studio e avendo il coraggio di cambiare.

C’è un primo evento scatenante da cui deriva un’ulteriore propagazione di eventi, come quando getti il sasso nello stagno e da esso si propagano onde concentriche. 

 Nella famiglia Mezzalira esistono segreti e tabù che mettono in circolo una serie di eventi che, come diceva Adriano, si allargano mano a mano come le onde provocate dal sasso nello stagno. L’unica risposta è fermare la valanga di quegli eventi che dilagano e portano una famiglia molto unita a deflagrare. Ci vuole coraggio; cambiare, a volte, è un atto eroico.

Ognuno è figlio di qualcuno; non si può scegliere dove nascere e da chi nascere: da qui si dipana una matassa che non si può svelare, il nodo che deve essere sciolto. 

 C’è una migrazione fisica, reale, effettiva perché la famiglia Mezzalira si trasferisce dal sud, e una migrazione metaforica, ossia un percorso di ricerca di soluzioni che non siano valide solo per se stessi, ma per tutti.

Inoltre, migrazione è anche quel processo necessario attraverso il quale i membri della famiglia si affrancano necessariamente gli uni dagli altri. 

 Le cose possono cambiare solo se ognuno fa un piccolo cambiamento verso gli altri, non solo verso se stesso. Il cambiamento è possibile solo con l’apertura verso l’altro. 

 No, infatti. La storia avviene in un luogo/non luogo e in un tempo/non tempo.

Lo scopo è quello di parlare del presente partendo dal passato. Inoltre, in questo modo, vogliamo sottolineare l’universalità della storia. Costringerla in un luogo e in un tempo significherebbe dare un’identità di tempo e spazio, mentre l’idea è proprio quella di renderla universale. 

 Questo sarà un lavoro diverso dagli altri anche dal punto di vista del linguaggio.

Mentre prima avevamo circoscritto lo spazio con l’uso dei dialetti e un certo tipo di musica che permettesse di riconoscerne il luogo di origine, ora la sfida è quella di inventare un linguaggio popolare, ma universale, così come vorremmo che fosse la storia.

Non un dialetto specifico, ma un dialetto inventato dal sapore nostrano che possa coinvolgere tutti, in cui ognuno possa riscoprire un suono familiare.

Sono partita dal presupposto che noi siamo sempre al sud di di qualcun altro. 

 Possiamo dire che si tratta di un racconto “in assenza”: l’intera vicenda familiare si articolerà sulla scia di ricordi rivissuti dal protagonista.

Immaginiamo di creare in scena uno stacco tra il narratore e i personaggi.

Il passato rievocato dal narratore verrà incarnato nel presente non necessariamente seguendo una coerenza spazio-temporale. 

 Certo, anzi la musica in questo spettacolo ancora più che negli altri  inglobata all’interno del dialetto e nel ritmo della narrazione.

Non ci sarà uno strumento a guidarci, ma saremo noi continuamente attori, strumento, suono, voce, rumore e movimento.

Questo spettacolo, sia dal punto di vista drammaturgico che musicale, è un po’ un ritorno alle origini: ho pensato all’aria dello spettacolo come alla matrice di tutti i suoni, un canto che richiama le origini, l’amore per la terra lontana, pensando ai canti di chi lavorava nei campi o sulle navi e ai rumori della natura.

Tutto questo inserito in quel lavoro di creazione di un nuovo dialetto universale. Dovranno essere una timbrica, una ritmica e una sonorità di un dialetto universale di un qualsiasi sud del mondo.

La volontà è quella di proporre qualcosa di diverso: il ritmo e la sonorità saranno dati dalla voce come strumento. 

 Essendo un testo inedito, si è trattato di un lavoro enorme: si scrive, si pensa, si cambia, si cancella in continuazione.

Adriano, poi, è una persona molto generosa. Si è messo completamente a disposizione dando consigli. 

 Uno dei pregi di Agnese è l’ascolto. Agnese ascolta molto, si confronta; è umile e disponibile a mettere in discussione il proprio lavoro.

Inoltre, nella sua scrittura, è molto più generosa verso degli altri che verso se stessa. Non mette mai avanti il proprio personaggio a quello degli altri. 

 Agnese lavora con la consapevolezza che il fine di tutto è lo spettacolo, non l’individuo. 

 Questo ci riguarda tutti, siamo tutti così.

Ci deve essere sempre apertura verso gli altri, siamo un gruppo di lavoro creativo e il lavoro deve essere un comune e continuo confronto. 

 Le interpretazioni non vengono fuori da uno solo, ma dal confronto delle idee.

Il nostro lavoro di gruppo è come il rapporto tra Geppetto e Pinocchio: Agnese sa come modellarmi addosso un personaggio, io so farlo con lei e Adriano e Raffaele (Latagliata, il regista)  sanno farlo con noi. 

 Avevo collaborato col teatro in occasione di una produzione con Micha Van Hoecke che ha ricostruito qui una versione di Pierino e il lupo e con l’occasione ho conosciuto l’ex direttore artistico del teatro e la Società che lo gestisce e abbiamo avviato un rapporto di collaborazione.

Successivamente dal nuovo assetto societario mi è stato proposto di assumerne la direzione artistica.

Io sarò il direttore artistico, ma il teatro è gestito da una società composta da tre soci di cui socio di maggioranza è un giovane ragazzo, Riccardo Casertano, che poi si occuperà di una stagione parallela dal nome Spazio Giovani. 

 Si ricomincia dalla disciplina, dal sacrificio e dalle cadute che si fanno spesso nella danza e che ti insegnano a rialzarti come nulla fosse. 

 Tutto è morto sul nascere perché c’è stata questa tragedia che conosciamo del Coronavirus. Dopo un momento di scoramento totale, piano piano, stiamo cercando di capire come si può ripartire, anche se, con le condizioni attuali, mi sembra molto complicato. 

 Il Teatro Lo Spazio è uno dei primi teatri a riaprire. Noi riapriremo con una forma particolare.

Lo spettacolo che hai citato, Fase Show, sarà una sorta di maratona teatrale che avrà luogo per tre giorni consecutivi con tre spettacoli al giorno (ore 18.00; ore 20.00 e ore 21.00).

Un happening teatrale un po’ a significare che riapre la bottega. I piccoli teatri off sono tutti un po’ delle botteghe artigianali. Cerchiamo di riabituare il pubblico al teatro, aspettando che torni con serenità, fiducia e passione ad occupare la platea.

Il teatro rimane aperto ad un prezzo simbolico con una produzione di altissimo livello nella speranza che il pubblico torni a riappropriarsi del teatro.

A luglio il teatro riparte con una nuova edizione di un concorso di corsi teatrali che si chiama Idee nello Spazio, in cui chi vincerà avrà la possibilità di vedere il proprio lavoro all’interno della stagione prossima.

Il concorso si basa sulla presentazione di un estratto di 15 minuti di un lavoro inedito o l’embrione di un lavoro che dovrà essere sviluppato. Ci sarà una formula che prevede il voto di una commissione tecnica, del pubblico e altri particolari che stiamo definendo in questo giorni. 

 Per quanto riguarda gli attori è quasi impossibile perché viene a mancare il principio base della condivisione. Il teatro è fatto di contatto, abbracci, interazione fisica.

Sono state fornite tutta una serie di prescrizioni che adotteremo, quali il distanziamento di un metro tra un artista e l’altro; l’uso dei guanti se si devono maneggiare oggetti di scena da parte di più artisti.

Certo questo in questo primo momento si può anche fare, trovando magari una formula divertente per esorcizzare il tutto, ma ipotizzare una stagione intera con questi vincoli è pressoché impossibile, andremo incontro ad una stagione di soli monologhi che sarebbe un fallimento totale per il teatro.

Per quanto riguarda il pubblico ci sono delle regole che prevedono il distanziamento di un metro quadrato tra gli spettatori, tranne che per congiunti o familiari, ma capisci bene che si presenta il problema di dover chiedere a tutti se si tratta di familiari e congiunti o meno.

L’uso delle mascherine è previsto negli spazi comuni, ma una volta seduti possono essere tolte. Si predilige a spingere il pubblico all’uso della biglietteria elettronica, ma non tutti sono ben disposti a farlo.

Poi tutte le indicazioni su igienizzazione e sanificazione, ingressi separati in entrata e in uscita…

Se dobbiamo adottare tutte queste misure per un periodo molto breve si può anche fare, ma pensare che si possa fare una stagione teatrale completa in queste condizioni è pressoché assurdo, perché pensare di poter occupare un quarto dei posti disponibili in una sala porterebbe al fallimento.

I teatri privati, soprattutto quelli che non hanno il FUS, vivono di sbigliettamento e di affitto legati alla capienza. Adesso questo è un tentativo anche per smuovere un po’ le acque, ma pensare di andare avanti così è impossibile.  

 Innanzitutto Il Governo dovrebbe fare chiarezza su una serie di cose, perché se per un settore valgono determinate regole allora dovrebbero essere valide anche per gli altri: il calcio ha delle regole, i viaggi un altro tipo di regole, il teatro altre ancora.

Quello che dovrebbe fare principalmente è sostenere i teatri fino a che non possano tornare ad una quotidianità normale.

Fino a che i teatri non possono tornare a fare ciò che facevano prima, e già facevano fatica, non possono sostenersi da soli e quindi lo Stato dovrebbe in qualche modo sostenerli.

Si tratta di una riapertura parziale, con tutti i limiti suddetti, e a metà giugno, quando i teatri hanno già concluso la stagione, e si sono persi tutti gli affitti per i saggi delle scuole di danza, di musica o di recitazione.

Alla fine, in queste condizioni, la ripartenza concessa dallo Stato è una falsa ripartenza, è un bluff. 

 Io vorrei far riacquistare al teatro off una propria identità teatrale e professionale in linea con quello che può essere uno spazio alternativo off.

Vorrei che tornasse ad essere uno spazio dove si fa principalmente teatro, dove si sperimenta anche, dove si può fare anche buon teatro musicale, anche perché la location si presta benissimo avendo due palcoscenici collegati.

L’orientamento è anche quello di far tornare molti degli addetti ai lavori ad appassionassi a questo spazio che ha molte possibilità, ma devono essere valorizzate e pubblicizzate. 

 Sicuramente sono stati gli anni più pazzi e più belli della mia giovinezza. Si respirava un’aria elettrica di creatività, di possibilità, con la sensazione che tutto stava cominciando allora e che tutto fosse possibile: il nuovo teatro, la nuova musica, la nuova pittura. Ci si incontrava tutti, non c’erano barriere sociali, si andava alle feste e in mezzo a Principi e Principesse  si incontravano  intellettuali, scrittori tipo Moravia, Arbasino, Pasolini, Laura Betti, ma anche pittori belli e dannati e squattrinati, Pascali, Festa, Schifano e potevi incontrare, come mi è successo,Nureyev e Laurence Olivier, Fellini. Era una divertentissima, fantastica e accogliente Roma!

Il periodo  del teatro La Fede a Porta Portese è stato un miracolo voluto e realizzato grazie alla caparbietà di Giancarlo Nanni, un buco di Teatro scomodo e umido, che era diventato un luogo In di Roma , dove tutti erano curiosi di andare, da Valentina Cortese, alla Borboni, Gassman, il grande Olivetti, Valentino (arrivò in Rolls Royce) etc. e dove si esibirono grandi artisti venuti dall’estero.

Poi dopo il grande successo del Risveglio di Primavera di Wedekind Nanni fu chiamato in America per condurre degli stage nelle Università della California e stemmo in America per tre mesi. Poi  tornammo  altre volte a NY con gli spettacoli. E poi… 

 Noi facevamo teatro come sentivamo di dover fare, l’etichetta di avanguardia e di scuola romana poi la diede Giuseppe Bartolucci. Non avevamo la piena consapevolezza di star rivoluzionando il modo di fare il teatro, almeno io. Giancarlo Nanni era sicuramente più conscio di quello che rappresentava in quel momento storico così importante, lui è sempre stato un grande precursore e un creatore di sogni  che poi è riuscito a realizzare. 

 Ha sempre senso parlare di avanguardia e sperimentazione, ma io oggi la chiamerei ricerca. 

 Dopo Il Teatro La Fede a Porta Portese, da dove ci sfrattarono, Nanni ha sempre cercato di avere un’altra Casa e il suo coraggio e la sua bella incoscienza si manifesterano nell’acquisto del cinema Vascello. Per 20 anni l’incubo è stato come pagare il mutuo, ma ne è valsa la pena.

Il Teatro Vascello è uno dei teatri più belli di Roma e d’Italia, il primo ad essere costruito con la platea ad anfiteatro, con un palcoscenico grandissimo e ormai un importante punto di riferimento per la sua programmazione di qualità aperta anche alla danza e alla musica.

Io cerco di continuare con umiltà e coraggio la poetica di Nanni, di far sì che il Vascello sia un luogo di accoglienza e di possibilità e visibilità per i giovani talenti  e che sia un luogo aperto dove il pubblico si possa sentire come a casa e tutto questo è possibile anche grazie ad un meraviglioso staff che lavora con passione e abnegazione.  

 Penso di sì, c’è ancora una forte remora a pensare ad una donna come direttore artistico di un grande Teatro Nazionale, anche se abbiamo esempi che ci dicono il contrario, ma Roma, Torino, Milano, Genova sono ancora roccaforti maschili.

Per quanto riguarda la regia teatrale c’è una forte e indiscussa predominanza maschile, anche se figure come Emma Dante o Lisa Ferlazzo Natoli o Fabiana Jacozzilli fanno sperare in un cambiamento.

Io ho molta fiducia che le donne artiste conquisteranno finalmente i posti più in alto delle gerarchie teatrali, d’altra parte si può onestamente pensare cosa sarebbe stato il Piccolo Teatro  Di Milano senza La Vinchi? 

 Più che rabbia, una dolorosa immobilità, un’incertezza sul futuro della stagione prossima, una preoccupazione per tutti gli artisti e per il personale del Teatro Vascello che vive di questo lavoro.

Aspettiamo che ci dicano dei dati certi per la riapertura per poterci organizzare e riformulare  la stagione teatrale. 

 Dovrebbe fare cose concrete, come abolire l’Imu per i teatri, abbattere al 4% l’iva sui biglietti Siae, snellire e ridurre la burocrazia, fare in modo che il teatro abbia uno spazio uguale al cinema in televisione e sui giornali.

Restituire una dignità in forma giuridica a tutto il settore dello spettacolo dal vivo.  

 Quello che facciamo, produrre cultura, che non è  poco. L’Italia, grazie agli  artisti, è culturalmente al primo posto e in primo piano in tutto il mondo. 

 Può essere un escamotage in un momento così difficile, ma certo non potrà mai sostituire il teatro dal vivo che è condivisione di idee, di emozioni, di stupore e meraviglie. 

 Aspettiamo nuove regole e poi valuteremo se economicamente si potrà affrontare una stagione in tal senso.

Il Vascello ha una capienza di 360 posti, con il distanziamento potremo far entrare 75 spettatori.

È difficile pensare che economicamente un teatro che ha dei costi molto alti possa affrontare una situazione del genere, a meno che non ci siano degli aiuti concreti da parte del Ministero dei Beni Culturali.