Spazio 18b

10 novembre 2017

Sarà ancora in scena fino al 19 novembre, presso Spazio18B*, Il Caso Braibanti, un testo di Massimiliano Palmese, interessantissimo e importante non solo per la drammaturgia, ma anche per il suo valore documentale e di testimonianza storica, sociale e politica.

Come recita il titolo, lo spettacolo racconta e rappresenta uno dei più clamorosi casi giudiziari del ‘900, il processo per plagio ad Aldo Braibanti, ex-partigiano torturato dai nazifascisti, artista, filosofo e naturalista.

Attraverso lo studio e la ricostruzione non solo dei fatti, ma dei documenti storici e processuali, Massimiliano Palmese crea un testo avvincente ed emozionante che racconta la più grave discriminazione che l’Italia ricordi, o, piuttosto dovremmo dire, che l’Italia abbia voluto dimenticare.

Aldo Braibanti intellettuale di spicco del ‘900, scrittore, sceneggiatore, drammaturgo, poeta che si occupò di arte, cinema, teatro, politica e letteratura ed esperto mirmecologo (studioso delle formiche), nel 1964 fu denunciato, processato  e condannato con l’accusa di aver plagiato il giovane Giovanni Sanfratello.

In pieno periodo di contestazione sociale e politica, Giovanni Sanfratello, proveniente da una famiglia borghese, benestante, ultra cattolica e fascista, decise di abbandonare la casa paterna per poter vivere le proprie aspirazioni artistiche e seguire i propri ideali politici svincolandosi dall’oppressione di una famiglia chiusa e bigotta.

La frequentazione col Braibanti, che aveva già conosciuto, divenne una convivenza e una relazione globale basata sul reciproco scambio di idee, su una crescita intellettuale e affettiva  a doppio senso, basata, come ebbero a dire entrambi in sede processuale, su un’emozione condivisa.

La famiglia Sanfratello, non accettando le idee di opposto indirizzo politico del figlio, ma, soprattutto, la sua omosessualità, riuscirono a strapparlo alla “influenza”del Braibanti per farlo seguire da medici e psichiatri che lo sottoposero a moltissimi elettroshock e denunciarono Braibanti per plagio.

Ebbe così inizio un processo farsa, l’unico processo per plagio che ci fu per la durata delle legge, costruito ad hoc con false testimonianze, perizie psichiatriche forzate e giudizi professionali di parte.

Un processo della destra alla sinistra, un processo alla omosessualità, un processo che metteva in discussione e minacciava la stessa libertà di pensiero.

L’intervento di moltissimi intellettuali del tempo (Pasolini, Morante, Moravia, Eco, Pannella, Musatti, Maraini) attraverso articoli di giornale accorati in favore del Braibanti, non bastarono a sensibilizzare l’opinione pubblica e la politica contro un evento unico, eccezionale e basato su elementi completamente infondati.

Attraverso la ricostruzione di documenti, lettere e atti processuali, Il caso Braibanti ricostruisce un processo ingiusto, iniquo e completamente politicizzato e manipolato a unico beneficio della destra imperante.

Il testo viaggia con equilibrio tra denuncia sociale, dramma psicologico, poesia ed espressioni di sentimenti, con accenti anche ironici.

All’interno troviamo anche la passione di Braibanti per le formiche e per la loro struttura sociale. Non si tratta di semplice interesse naturalistico: il Braibanti, infatti, con intelligenza e sensibilità riusciva a trarre dal comportamento sociale delle formiche deduzioni perfettamente applicabili alla nostra società.

Questo parallelismo trova espressione emblematica nella poesia finale, La Formica Azzurra, che, già citata a inizio spettacolo, rappresenta la singola individualità che viene calpestata e derisa perché fragile, ma senza la quale il ciclo vitale e, quindi, l’evoluzione, verrebbe arrestato.

In scena due bravissimi attori, Fabio Bussotti e Mauro Conte, che, oltre ad interpretare i protagonisti, Braibanti e Sanfratello, recitano la parte di tutti gli altri personaggi (i genitori di Giovanni, gli avvocati, il prete, il giudice) caratterizzandoli nei vari dialetti italiani a simboleggiare l’universalità del dramma, che non resta limitato ad una ristretta realtà cittadina, ma ne travalica i confini per farsi caso emblematico di un’Italia provinciale, dipendente dalla Chiesa e omofoba.

Fabio Bussotti e Mauro Conte riescono con credibilità e realismo a rappresentare in maniera diversa ogni personaggio, dando vita, cuore, passione, dolore e lacrime ai protagonisti e delineando con pochi tratti, ma precisi e d’effetto, gli altri personaggi.

Ne risulta un dramma personale e umano di forte impatto, grazie anche alla regia diretta e pulita di Giuseppe Marini che non ha bisogno di aggiungere elementi, ma, anzi, punta sull’essenzialità, sulla parola più che sul movimento.

I due attori, infatti, sono sempre abbastanza statici, in piedi o seduti, a distanza davvero ravvicinata col pubblico, elemento che se da un lato aumenta la difficoltà per loro di rapportarsi con esso, praticamente dentro la scena, difficoltà molto ben affrontata e gestita, dall’altro accresce il coinvolgimento e l’emozione dello spettatore.

Con loro sul palco il compositore e musicista Mauro Veronne che con sax e clarinetto accompagna e sottolinea battute e accenti.

Il Caso Braibanti è uno spettacolo di teatro civile e sociale di grande impatto e di grande valore perché riporta alla mente degli italiani, che con troppa facilità dimenticano, un evento storico che fu drammatico e unico. Soprattutto, un testo ancora oggi tristemente attuale e che, anzi, oggi, che tanto si parla di diritti civili e di unioni civili, risulta ancora più vicino a noi. Viene da chiedersi quanto l’Italia di oggi sia così lontana da quella del ’68…per certi versi davvero poco lontana. Le idee e la libertà di pensiero sono ancora manipolate, spesso contrastate e ancora tanto si deve fare affinché veramente certi diritti, alcuni ora sanciti da leggi, altri ancora no, siano riconosciuti nella pratica di tutti i giorni e accettati socialmente senza discriminazione e violenza.

Il caso Braibanti

di Massimiliano Palmese

con Fabio Bussotti e Mauro Conte

musiche composte ed eseguite dal vivo da Mauro Verrone

regia Giuseppe Marini

produzione Diaghilev

Recensione di Carlo Tomeo

Pensare a “La guerra dei Roses” come a una messa in scena teatrale tratta da un fortunato film è sbagliato, in quanto essa è nata prima di tutto come romanzo dalla penna di Warren Adler, che poi ne scrisse anche la sceneggiatura quando gli chiesero i diritti per farne un film. Successivamente l’autore decise di adattarne la vicenda anche per il teatro e ne scrisse un terzo testo, mantenendo naturalmente trama e personaggi del romanzo inalterati e creando, quasi senza volerlo, un’opera forse più adatta a una stesura teatrale che non a un film, dove dramma e comicità si compenetrano in ogni momento più di quanto possa avvenire in un pur pregevole film.

La trama che la commedia racconta è riconoscibilissima anche da parte di chi non ha letto il romanzo o non ha visto il film: si parla della storia di un rapporto d’amore tra due persone che sfocia, dopo diciotto anni di matrimonio, nell’odio più profondo: Barbara e Jonathan Roses (interpretati da Ambra Angiolini e Matteo Cremon). Non ci sono due personaggi che possono essere considerati come un colpevole e un innocente, interpretando alternativamente sia l’uno che l’altro i due ruoli ed è ben difficile “parteggiare” per uno dei due. Come dice il titolo i due partecipano a una guerra a due, senza esimersi dall’avere, sia l’uno che l’altra, un proprio complice e consigliere che sono poi i due avvocati nella causa di divorzio che i protagonisti vogliono portare avanti. L’incaglio a una civile separazione è il possesso della casa cui nessuno dei due vuole rinunciare.

Per diciotto anni lui ha sostenuto il ruolo del capofamiglia tradizionale, lavorando come avvocato che acquista sempre più successo e mantenendo la famiglia, composta, oltre da che da lui e da sua moglie, da due figli adolescenti. con un’ottima posizione sociale ed economica. Lei ha sostenuto il ruolo della moglie “perfettina”, come la buona società si aspetta e che, rispetto al marito, sarà complice e “ruffiana”, come si autodefinirà lei stessa più avanti nel momento in cui avvertirà il primo malessere esistenziale e inizierà finalmente “a mettere giù le carte”. Finora è vissuta all’ombra del marito, ora reclama la sua identità e autonomia e non vuole più essere “la fiamma del focolare domestico”. Siamo di fronte a una storia come tante che nasce da un amore non completamente esaminato a fondo fin dall’inizio perché travolto dalla passione, dove due esseri umani sembrano fatti l’uno per l’altro e non vedono da subito che la loro diversità caratteriale potrebbe a un certo punto mettere in crisi il rapporto tanto che, se qualcosa di sgradevole traspare, viene immediatamente “nascosto sotto il tappeto”. Due persone innamorate dove uno dei due, in questo caso, come spesso purtroppo avviene è lei, deve sottomettersi bonariamente a qualche capriccio del coniuge e credendo di vivere una vita felice e fortunata. Fino a quando, come suole dirsi, “prende coscienza” e scopre che raggiungere la propria autoaffermazione diventa il vero scopo della sua vita. Decide, grazie alla sua abile arte culinaria, di diventare una grande chef, cercando di allontanare da quella casa, di cui rivendica l’eleganza creata da lei stessa, sia pure a spese del marito. Ma costui non vuole perdere quello che invece ha pagato di tasca propria, anche se lei gli rinfaccia i sacrifici che lei ha fatto da giovane per fargli ultimare gli studi e iniziare una buona carriera.

Costretti a convivere sotto lo stesso tetto, perché nessuno dei due vuole intende cedere, cominciano con il farsi i primi dispetti, che poi diventano sempre più cattivi fino a raggiungere la crudeltà più abietta e entrambi riusciranno a tirar fuori il peggio di loro stessi, fomentati dai due avvocati-complici dell’uno e dell’altra, che rappresentano quasi degli alter ego: un altro esempio di odio reciproco fra i due sessi. Perché qui si sposta l’asse che diventa il vero motivo del contendere: l’asservimento della donna all’uomo che vuole mantenere il predominio anche dopo che ha scoperto che la donna non è quell’essere umano inferiore che lui ha sempre creduto di poter dominare.

Manca nella commedia una frase illuminante che è presente nel film (non so se c’è anche nel romanzo, non avendolo letto): quella che è pronunciata da Danny De Vito quando vuole mettere in guardia il suo cliente e il cui senso è pressappoco di questo tenore: “ Non sottovalutare mai le forze di una donna, e quindi non pensare che, se il tuo nemico appartenga al sesso femminile, possa essere vinto più facilmente “

La rappresentazione della commedia servita dall’ottima, direi magica, regia di Filippo Dini, è veramente eccellente e tutta la storia non perde mai, come suole dirsi, un colpo, mantenendo lo spettatore un attento osservatore di quello che accade sul palcoscenico senza farlo distrarre un attimo. Molto in carattere la splendida scenografia di Laura Benzi, dove sia il pavimento, che l’entrata principale e la gradinata che porta al primo piano sono volutamente distorte, cosa che costringe gli attori a muoversi con enorme attenzione, anche se questo non traspare: è il simbolo degli alti e bassi che costellano la vita umana e il grande lampadario, oggetto importante di tutta la vicenda, campeggia ricco e lucente a dimostrare una vita che è tale solo in apparenza, ma che riesce anche a procurare la morte.

Ambra Angiolini è un’attrice che non avrebbe potuto recitare meglio: è questa la terza volta che l’ammiro a teatro e in parti sempre più impegnative (lo scorso anno, per esempio, la vidi in “Tradimenti” di Pinter che non è un autore facile da rendere) e questa volta l’ho vista crescere professionalmente ancora di più: il suo personaggio sa essere dolce e cattivo, struggente e crudele, ma sempre credibile in ogni momento della commedia.

Ugualmente si può dire di Matteo Cremon, che riesce a recitare la parte del simpaticone mentre invece lo spettatore non sa ancora del suo malfatto e che appare persino ingenuo, tanto da essere guidato dal proprio avvocato Goldstein, interpretato da un ottimo Massimo Cagnina, il quale recita anche in una piccola irresistibile scena in abiti femminili.

Altrettanto da lodare è Emanuela Guaiana che nella commedia sostiene il ruolo dell’avvocatessa di Barbara, l’odiata Thurmont, vista dal collega Goldstein come perfida e arrivista rappresentante della categoria forense.

Moltissimi gli applausi anche a scena aperta, con numerose chiamate alla fine, da un pubblico entusiasta in un teatro esaurito in ogni ordine di posti.

La Guerra dei Roses

Di Warren Adler

traduzione di Antonia Brancati Enrico Luttmann

con Ambra Angiolini e Matteo Cremon

e con Massimo Cagnina e Emanuela Guaiana

regia Filippo Dini

scenografie Laura Benzi

costumi Alessandro Lai

luci Pasquale Mari

musiche Arturo Annecchino

prodotto da Valerio Santoro per La Pirandelliana

in coproduzione con Goldenart Production e Artisti Riuniti

Si ringrazia la Sig.ra Manola Sansalone dell’ufficio stampa

In scena al Teatro Manzoni di Milano fino al 26 novembre.

Teatro documento sull’omicidio di Luca Varani

Off/Off Theatre

6 novembre 2017

E’ in scena fino all’8 novembre 2017, nel nuovissimo e raffinato spazio di Via Giulia a Roma, l’Off/Off Theatre,L’effetto che fa, lo spettacolo teatrale scritto e diretto da Giovanni Franci che racconta con precisione, realismo e taglio giornalistico uno dei più atroci delitti avvenuti a Roma negli ultimi anni, l’omicidio di Luca Varani.

L’effetto che fa è indubbiamente uno spettacolo necessario che assolve alla funzione sociale del Teatro in nome di un senso civico che, poche volte, come in questo caso, scalpita con urgenza.

La storia è, purtroppo, ben tristemente nota: Luca Varani era un giovane di 23 anni, vispo, allegro e ingenuo, con un grande bisogno di essere accettato. Una persona mite, che aveva lasciato la scuola serale, ma che forse avrebbe recuperato in un momento successivo.

La sua enorme e fatale sfortuna fu quella di raccogliere un invito ricevuto via whatsapp. Nel momento in cui mise piede nell’appartamento di Manuel Foffo, divenne la vittima sua e di Marco Prato: fu da loro drogato, torturato e barbaramente ucciso, lentamente, crudelmente solo per vedere “l’effetto che fa” uccidere un essere umano.

Non è importante interrogarsi sul motivo per cui Luca avesse raggiunto i suoi assassini: se per prostituirsi durante un festino a base di droga, come alcuni hanno ipotizzato, o solo per vendere un po’ di coca, o, magari, perché aveva pensato che i due volessero proporgli un lavoretto.

Ciò che veramente deve interessare e sconcerta è la motivazione del delitto o l’assoluta assenza di un movente, se non l’abietto e malato desiderio di vedere l’effetto che fa uccidere un altro essere umano.

Al di là di ogni voyeuristico interesse per i particolari “scabrosi” di questa storia, quello che deve interessare e su cui si concentra l’indagine di Giovanni Fracci è la psicologia perversa e malata che sta alla base di questo scellerato delitto.

E’ proprio nei personaggi, nella loro storia e nella loro psicologia che Giovanni Franci indaga, con acutezza e spirito analitico scevro di preconcetti, interrogandosi prima di tutto su come sia possibile che due giovani di buona famiglia, con una buona cultura, che hanno frequentato buone scuole e cresciuti in ambienti per bene, abbiano potuto non solo pensare, ma organizzare ed attuare un piano così diabolico, crudele e agghiacciante.

Un dramma raccapricciante e doloroso, messo in scena da persone cattive, psicologicamente instabili e dall’identità frammentata (ma questa non è e non deve essere una giustificazione!).

L’effetto che fa è un documento di teatro cronaca che riporta le dichiarazioni e le deposizioni dei due assassini in una ricostruzione analitica di una terrificante vicenda.

Non c’è drammatizzazione. I protagonisti non entrano in contatto tra loro. Fa eccezione il momento dell’omicidio che non viene rappresentato se non nel momento in cui i due feroci assassini drogano Luca, lo spogliano e lo depongono su un grande blocco bianco a guisa di un altare sacrificale. Una scelta che denota grande delicatezza, rispetto e attenzione da parte del regista nei confronti del giovane ragazzo.

Eppure il momento dell’omicidio ha un grande impatto emotivo: viene raccontato, in una cronaca precisa dei colpi, reiterati con ferocia, delle ferite, delle torture, dei respiri. L’orrore è tutto in quelle terribili parole “non voleva morire”.

Lo spettacolo è impostato tutto come cronaca dei fatti accaduti in quella casa al momento dell’omicidio e  nei due giorni precedenti.

Questo raccontare i fatti è allo stesso tempo un limite dello spettacolo, che realmente non può definirsi tale, sembrando più una trasmissione di approfondimento che riporta documenti con l’ausilio di contributi video proiettati sulla parete di fondo (toccanti le immagini di un percorso metropolitano dal Collatino, zona del delitto, a La Storta, dove abitava Luca, a rappresentare quel viaggio di ritorno che il giovane non poté mai fare).

Questa impostazione analitica di stampo giornalistico lo avvicina molto  alle molteplici trasmissioni di approfondimento oggi tanto in voga: una miscela tra Profondo Nero di Carlo Lucarelli, Chi l’ha visto e Porta a Porta.

L’interpretazione dei tre giovani attori, under 35 e quindi quasi coetanei dei protagonisti della storia, non è aiutata da questa impostazione, che, anzi, ne limita molto l’espressività e il coinvolgimento.

Sicuramente quello più dentro al personaggio è Valerio di Benedetto che interpreta Manuel Foffo nella sua sfrontata e rude mascolinità, nella sua millantata eterosessualità, nella sua disperante lucidità, nel suo odio verso il padre, restituendone una premeditazione fredda e calcolatrice priva di remore e un’espressione dura accompagnata da frequenti spasmi nervosi causati dall’abbondante ed eccessivo uso di droghe e alcool insieme.

Fabio Vasco nei panni del travestito Marco Parto restituisce un personaggio fortemente instabile che si tortura in una continua e disperata ricerca di se stesso e della propria identità, anche di genere, assolutamente irrisolto e patologicamente a disagio con se stesso e con gli altri, di cui cerca disperatamente l’approvazione e il riconoscimento, oltre che proiettato in un universo di violenza.

E’ proprio il personaggio di Luca Varani, interpretato da Riccardo Pieretti, a risultare strutturalmente più debole e poco incisivo. Nel tentativo di darne una rappresentazione realistica, il più oggettiva possibile, che non scada nel pietismo e sia sempre rispettosa e misurata, perde di incisività e coinvolgimento emotivo.

In questa dimensione scenica decisamente statica e sempre controllata, sembra quasi che i tre protagonisti abbiano paura di confrontarsi con un episodio così agghiacciante e socialmente forte, da risultare molto trattenuti.

Il momento più forte, emozionante, drammaturgicamente e attorialmente più riuscito è il finale, quando, raccontate le storie e presentati i tre profili psicologici, l’autore tira le somme trovando un comune denominatore nella disperazione, rifacendosi ad una riflessione di Kierkegaard: “la disperazione è una malattia nello spirito, nell’io e così può essere triplice: disperatamente non essere consapevole di avere un io, disperatamente non voler essere se stesso, disperatamente voler essere se stesso”.

E’ da qui che comincia e finisce il vero spettacolo: nei tre bellissimi e intensi monologhi scritti da Giovanni Franci e interpretati in successione dai protagonisti. E’ qui che si diffonde una poetica profonda e commovente, è qui che la parola riesce ad attraversare i fatti, comprenderli e restituirli con forza, intensità emotiva e commozione.

Lo spettacolo è tutto qui, in questi tre monologhi, in questi ultimi pochi minuti di teatro, forti e volatili come la vita.

L’effetto che fa

Spettacolo teatrale scritto e diretto da Giovanni Franci

con Valerio di Benedetto, Riccardo Pieretti, Fabio Vasco